Nacido Earl Rudolph Powell en Harlem, en 1924, comenzó a estudiar piano clásico desde niño. Art Tatum fue una influencia temprana, pero la figura decisiva fue Thelonious Monk, quien lo alentó, lo acercó a los músicos que estaban desarrollando el bebop y más tarde escribió “In Walked Bud” en su honor.

Powell transformó profundamente el papel del piano en el jazz moderno. Liberó la mano izquierda de los patrones regulares del stride, utilizándola de manera más selectiva para acordes y acentos rítmicos, mientras la derecha podía moverse con la velocidad y libertad melódica asociadas a Charlie Parker. Así demostró que el complejo lenguaje del bebop podía pertenecer al piano con la misma naturalidad que a los instrumentos de viento.

BUD POWELL Y COOTIE WILLIAMS ORCHESTRA

Su primera experiencia profesional importante llegó en 1943, con la orquesta de Cootie Williams. Dos años después, Powell fue golpeado por policías ferroviarios tras un incidente en Filadelfia. La relación exacta entre aquella agresión y sus posteriores problemas psiquiátricos sigue siendo incierta. Sorprendentemente, en medio de estas dificultades produjo parte de su mejor música. Su período más extraordinario se extiende aproximadamente entre 1947 y 1953.

Es una grabación muy útil para mostrar a “Bud Powell antes de convertirse plenamente en la figura fundamental del piano bebop”. Su participación es relativamente discreta, pero la grabación tiene un importante valor histórico: permite escucharlo al comienzo de su carrera profesional, integrado a una orquesta popular, mientras en Nueva York comenzaba a tomar forma el nuevo lenguaje del bebop que muy pronto lo tendría como uno de sus protagonistas fundamentales.

BUD POWELL Y COOTIE WILLIAMS ORCHESTRA “ECHOES OF HARLEM”, New York, January 4, 1944 - Floogie boo (cw,ecv vcl) - Cootie Williams (tp,vcl) Eddie “Cleanhead” Vinson (as,vcl) Eddie “Lockjaw” Davis (ts) Bud Powell (p) Norman Keenan (b) Sylvester “Vess” Payne (d)

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THE BUD POWELL TRIO

“Tempus Fugit” and “Celia,” son dos de muchas excelentes composiciones de Powell, estas se grabaron con Ray Brown y Max Roach en 1949.

Lo que es notable de las sesiones del sello Clef, es que gran parte del enfoque único de Powell se expresa decisivamente en esas piezas; gran parte del piano moderno, tal como ha evolucionado en los últimos setenta y cinco años, proviene de ellas. Cada selección es magistral y de una manera diferente y da testimonio de la originalidad de Powell como compositor y pianista. En su economía y poder de late, así como en su impecable articulación, el “Tempus Fugit” de 155 segundos (también conocido como “Tempus Fuguit”) representa un punto de demarcación para el piano de jazz y para el jazz en sí.

THE BUD POWELL TRIO New York, February 23, 1949 - Tempus Fugit, Celia - Bud Powell (p) Ray Brown (b) Max Roach (d)

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BUD POWELL’S MODERNISTS

En agosto de 1949, Bud Powell reunió para Blue Note un quinteto extraordinario bajo el nombre de “Bud Powell’s Modernists”. Lo acompañan Fats Navarro en trompeta, un jovencísimo Sonny Rollins en saxo tenor, Tommy Potter en contrabajo y Roy Haynes en batería.

De esas sesiones surgieron varias composiciones de Powell que se convertirían en clásicos del bebop, entre ellas “Bouncing with Bud”, “Wail” y “Dance of the Infidels”. Son grabaciones que permiten apreciar no solamente al formidable pianista, sino también a un compositor que ya dominaba plenamente el nuevo lenguaje y sabía cómo escribir para un pequeño conjunto.

Dos años después encontramos a Powell completamente solo en “Parisian Thoroughfare”. Es una pieza breve, rápida y llena de movimiento, inspirada en el ambiente de París, una ciudad que ya ejercía una fuerte atracción sobre los músicos de jazz estadounidenses. Con el tiempo se convertiría en una de las composiciones más conocidas y características de Bud Powell.

BUD POWELL BUD POWELL’S MODERNISTS - New York, August 8, 1949 - Bouncing with Bud, Wail, Dance of the Infidels - Fats Navarro (tp) Sonny Rollins (ts) Bud Powell (p) Tommy Potter (b) Roy Haynes (d)

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THE BUD POWELL TRIO

La sesión del 1 de mayo de 1951, con Curly Russell en contrabajo y Max Roach en batería, produjo una de las composiciones más extraordinarias de Powell: ““Un Poco Loco””. La pieza incorpora un aire afrocubano, pero lo lleva a un terreno muy personal, con una estructura rítmica insistente sobre la cual Powell construye líneas angulares, desplazamientos y acentos inesperados.

Las tres tomas muestran muy bien algo esencial en Powell: una composición podía ser al mismo tiempo una estructura cuidadosamente concebida y un punto de partida para la invención espontánea.

THE BUD POWELL TRIO - New York, May 1, 1951 - Un poco loco - Bud Powell (p) Curly Russell (b) Max Roach (d)

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“INNER FIRES: THE GENIUS OF BUD POWELL” Recoge una actuación del 5 de abril de 1953 en el Club Kavakos de Washington D.C.”, con Charles Mingus en contrabajo y Roy Haynes en batería. La grabación tiene especial interés porque permite escuchar a Powell fuera del ambiente controlado del estudio, frente al público y con una sección rítmica de enorme personalidad. “Inner Fires permite escuchar de cerca la intensidad, imaginación y espontaneidad que Bud Powell podía alcanzar en una noche de club”, y recuerda que su música adquiría una dimensión diferente cuando tenía libertad para extenderse frente a una audiencia.

BUD POWELL TRIO INNER FIRES - THE GENIUS OF BUD POWELL - Live “Club Kavakos”, Washington, D.C., April 5, 1953 Song song song Bud Powell (p) Charles Mingus (b) Roy Haynes (d)

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BUD POWELL TRIO CONCERT “MASSEY HALL”,

Jazz at Massey Hall, grabado en Toronto el 15 de mayo de 1953, reunió a cinco figuras fundamentales del bebop: Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Charles Mingus y Max Roach. Pero además de la célebre actuación del quinteto, el concierto reservó un espacio importante para Powell al frente de su propio trío.

Acompañado por Mingus y Roach, Powell se encontraba esa noche en excelente forma. Su interpretación es enérgica, clara y muy concentrada, con esa combinación de velocidad, precisión y sentido rítmico que había convertido su manera de tocar en una referencia para toda una generación de pianistas. Mingus y Roach, dos músicos de enorme personalidad, responden constantemente a sus ideas y le dan al trío una gran libertad.

El repertorio combina standards con composiciones de Powell y permite escucharlo más allá del contexto del famoso encuentro entre Parker y Gillespie. Este segmento de Jazz at Massey Hall merece ser considerado por sí mismo: es un excelente retrato de Bud Powell y de su extraordinario dominio del formato de trío.

BUD POWELL TRIO CONCERT “MASSEY HALL”, Toronto, Canada, May 15, 1953 Song song song Bud Powell (p) Charles Mingus (b) Max Roach (d)

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TRIO AT BIRDLAND “GLASS ENCLOSURE”

“Glass Enclosure”, grabada en 1953 con George Duvivier en contrabajo y Art Taylor en batería, es una de las composiciones más singulares de Bud Powell. A diferencia de muchas piezas de bebop, aquí no encontramos un tema seguido por una serie de improvisaciones.

En poco más de dos minutos, la música pasa por varias secciones de carácter muy diferente. Hay momentos tensos e inquietos que repentinamente dan paso a otros más tranquilos y reflexivos, antes de volver nuevamente a esa sensación de inestabilidad. Duvivier y Taylor tampoco funcionan solamente como acompañantes: forman parte de esos continuos cambios de ambiente.

“Glass Enclosure” muestra una faceta de Powell que a veces queda en segundo plano frente a su extraordinaria capacidad como pianista. Aquí sobresale especialmente el compositor, capaz de construir una pieza breve pero llena de contrastes, cambios inesperados y una permanente sensación de tensión. El título invita a relacionarla con las difíciles circunstancias de su vida, aunque no necesitamos convertirla en una descripción autobiográfica para apreciar la fuerza de la música.

BUD POWELL TRIO BROADCAST “BIRDLAND”, New York, September 5, 1953 Glass Enclosure Bud Powell (p) George Duvivier (b) Art Taylor (d)V

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A PORTRAIT OF THELONIOUS

En 1959 Bud Powell se instaló en París, donde encontró un ambiente más acogedor y comenzó a trabajar regularmente con dos excelentes músicos: el contrabajista francés Pierre Michelot y el baterista estadounidense Kenny Clarke. El trío llegó a ser anunciado como ““The Three Bosses””.

Con ellos grabó en diciembre de 1961 A Portrait of Thelonious, un homenaje a Thelonious Monk, figura fundamental en la vida de Powell. Monk lo había apoyado desde muy joven, lo acercó a los músicos que estaban creando el bebop y mantuvo con él una relación de amistad y admiración mutua.

Lo interesante del disco es que Powell no intenta tocar como Monk. Toma composiciones como “Ruby, My Dear”, “Off Minor” y “Monk’s Mood” y las lleva a su propio terreno. Las melodías y armonías tan características de Monk permanecen claramente reconocibles, pero Powell les imprime la fluidez, el impulso rítmico y las largas líneas melódicas propias de su manera de tocar.

De alguna manera, A Portrait of Thelonious completa un círculo: aquel músico que había ayudado al joven Powell aparece ahora homenajeado por un pianista que ya había dejado su propia huella profunda en la historia del jazz.

BUD POWELL TRIO A PORTRAIT OF THELONIOUS - Paris, France, December 17, 1961 - Off minor - Bud Powell (p) Pierre Michelot (b) Kenny Clarke (d)

La vida de Bud Powell estuvo marcada por enormes dificultades, pero su lugar en la historia del jazz no depende de ellas. Lo verdaderamente importante es la música que dejó y la transformación que produjo en la manera de tocar el piano.

Powell encontró una forma de trasladar al teclado la libertad melódica, la velocidad y la complejidad rítmica del bebop, y con ello abrió un camino que seguirían prácticamente todos los pianistas modernos. Desde los años cuarenta, su influencia puede escucharse en generaciones muy distintas, incluso entre músicos que desarrollaron lenguajes bastante alejados del suyo.

Pero Powell fue mucho más que un virtuoso o un modelo para otros pianistas. Fue también un compositor original y un improvisador capaz de combinar una enorme intensidad con momentos de sorprendente delicadeza.

Bud Powell no solamente fue uno de los grandes pianistas del bebop. Ayudó a definir lo que podía ser el piano en el jazz moderno.

“Transforming the Space” —Transformando el espacio— reúne a tres músicos de larga trayectoria en el jazz de vanguardia: el violinista Billy Bang, el contrabajista Joe Fonda y el baterista Barry Altschul. Grabado en febrero de 2003 para el sello CIMP, en Rossie, Nueva York, el disco presenta una formación poco habitual: violín, contrabajo y batería, sin piano ni instrumentos de viento, lo que deja mucho espacio para que los tres músicos interactúen.

Cada uno aporta una personalidad muy definida. Billy Bang desarrolló un sonido inconfundible en el violín, lleno de energía, lirismo y con una fuerte conexión con el blues. Joe Fonda no se limita a sostener la música desde el contrabajo, sino que participa constantemente en la conversación. Y Barry Altschul, veterano de los grupos de Paul Bley, Anthony Braxton y Sam Rivers, utiliza la batería para impulsar la música, pero también para darle color y crear distintos ambientes.

El resultado es una música libre, pero siempre atenta al trabajo de conjunto. Hay momentos de gran intensidad y otros más tranquilos, en los que los músicos se dan tiempo para escucharse y responder. El título, “Transforming the Space”, resulta muy apropiado: aquí, lo que ocurre entre una nota y otra es casi tan importante como las notas mismas.

CHARLES TYLER VOYAGE FROM JERICHO - New York, July, 1974 - Voyage from Jericho (1), Return to the East - Earl Cross (tp) Charles Tyler (as,bar) Arthur Blythe (as-1) Ronnie Boykins (b) Steve Reid (d)

El saxofonista Charles Tyler inició su carrera a mediados de los años sesenta jnto a Albert Ayler, participando en sus importantes grabaciones *Bells* y *Spirits*. Poco después inició su carrera como líder grabando *Charles Tyler Ensemble* y *Eastern Man Alone*, dos discos que mostraban una voz propia dentro del free jazz, aunque su obra quedó algo eclipsada por figuras como el propio Ayler y Ornette Coleman.

En 1974 Tyler publicó *Voyage from Jericho* en su pequeño sello AK-BA Records, la limitada distribución impidió que el álbum tuviera mayor difusión, pero con el tiempo ha llegado a ser considerado uno de sus trabajos fundamentales. Aquí Tyler toca saxos alto y barítono y es acompañado por el trompetista Earl Cross, el contrabajista Ronnie Boykins, el baterista Steve Reid y, en dos temas, el saxofonista Arthur Blythe.

La pieza que da título al álbum comienza con un tema de aire marcial y rápidamente aumenta la intensidad. El poderoso barítono de Tyler contrasta con el sonido más cortante y vibrante de Blythe. En “Return to the East”, Tyler vuelve al alto y aparece con un sonido más ligero y delicado. En todo el disco se percibe además su interés por sonoridades de inspiración oriental, dentro de una música libre, intensa y muy personal.

EVAN PARKER & MATTHEW SHIPP REX, WRECKS & XXX, London October 22, 2013 - Rex 2, 3, Wrecks 2, Rex 6 - Evan Parker (st) Matthew Shipp (p)

“Rex, Wrecks & XXX”, grabado en Londres en 2012, reúne al saxofonista británico Evan Parker y al pianista estadounidense Matthew Shipp, dos músicos con una larga experiencia en el terreno de la improvisación. Vienen de ambientes musicales bastante diferentes, y quizás por eso resulta tan interesante escucharlos juntos.

El disco combina una sesión de estudio, con piezas relativamente breves, y una larga improvisación en vivo grabada en el Vortex de Londres. En ambos casos, lo más interesante es escuchar cómo Parker y Shipp reaccionan a lo que hace el otro. Aquí no hay realmente un solista y un acompañante: cualquiera de los dos puede proponer una idea y el otro recogerla, modificarla o llevarla en otra dirección.

Shipp cambia constantemente de carácter, pasando de acordes fuertes y densos a líneas rápidas o momentos mucho más tranquilos. Parker responde con su lenguaje tan personal en el saxofón tenor, a veces entrecortado e imprevisible, pero también capaz de producir momentos de sorprendente calidez.

En la improvisación en vivo disponen de más tiempo para desarrollar sus ideas. Hay momentos tranquilos y otros de gran intensidad, pero la música mantiene siempre el sentido de una conversación. En el fondo, eso es lo que escuchamos: dos músicos atentos el uno al otro, creando la música a medida que avanza.

- Englewood Cliffs, NJ, December 7, 1966 - Sweet honey bee, After the rain (fh,jh out,1), Big Bertha - Freddie Hubbard (tp) James Spaulding (fl 1,as 2) Joe Henderson (ts) Duke Pearson (p,arr) Ron Carter (b) Mickey Roker (d)

Duke Pearson llegó probablemente a la órbita de Blue Note a través de Donald Byrd, pero muy pronto su importancia para el sello fue mucho más allá del piano. En 1963 asumió funciones de productor, director musical y responsable de artistas y repertorio, participando en la elección de músicos, la concepción de nuevos proyectos y el trabajo directo en el estudio. Su criterio contribuyó de manera importante al sonido que Blue Note desarrolló durante los años sesenta, entre el hard bop, el postbop y el soul jazz.

Como pianista y compositor, Pearson tenía algo de Horace Silver: una manera directa de tocar, sin excesos, y una especial facilidad para escribir melodías claras y memorables. Pero quizás su mayor talento estaba en saber cómo hacer funcionar un conjunto. Más que buscar protagonismo como solista, parecía interesado en encontrar el lugar preciso para cada músico.

“Sweet Honey Bee” es un buen ejemplo. Pearson reunió a Freddie Hubbard, James Spaulding, Joe Henderson, Ron Carter y Mickey Roker para interpretar siete composiciones propias. Es un grupo formidable, pero Pearson evita convertir el disco en una sucesión de solos. Los arreglos son compactos, no todos improvisan en cada tema y las intervenciones permanecen ligadas al carácter de cada composición.

Entre ellas sobresale “Big Bertha”, un tema en tonalidad menor, vigoroso y contagioso, que muestra especialmente bien la capacidad de Pearson para combinar sofisticación y sencillez. “Sweet Honey Bee” revela así buena parte de lo que hizo de Duke Pearson una figura tan valiosa para Blue Note: sabía escribir, organizar y, sobre todo, hacer que una banda sonara como una verdadera unidad.

FABIÁN ALMAZÁN THIS LAND ABOUNDS WITH LIFE - New Orleans, LA, December 21 & 22, 2018 - H.U.Gs (Historically Underrepresented Groups), The Vicarious Life, Bola de nieve (1) Sin Alma - Fabian Almazan (p,perc,electronics) Megan Gould, Monica Davis (vln1) Karen Waltuch (viola1) Eleanor Norton (cello1) Linda May Han Oh (b,elb) Henry Cole (d)

En “This Land Abounds With Life”, “Esta Tierra Abunda En Vida”, el pianista y compositor cubano Fabián Almazán trabaja principalmente con el trío que mantiene desde comienzos de la década pasada: Linda May Han Oh en contrabajo y bajo eléctrico, y Henry Cole en batería.

Almazán combina la improvisación con composiciones muy elaboradas, aunque esa complejidad rara vez se siente como un fin en sí mismo. Hay pasajes densos y de gran intensidad junto a otros abiertos y contemplativos, donde el silencio y el espacio adquieren tanta importancia como las notas. Además incorpora grabaciones de sonidos ambientales realizadas en Cuba y elementos electrónicos que se integran a la música como parte de su textura. No aparecen como efectos decorativos: ayudan a establecer una relación entre la música, la naturaleza y la memoria de su país de origen.

En una de las piezas interviene un cuarteto de cuerdas, recordando la formación clásica de Almazán y su experiencia escribiendo para conjuntos más numerosos Pero el centro del álbum permanece en el diálogo entre piano, bajo y batería.

EDDIE HENDERSON WITNESS TO HISTORY - New York, c. 2023 - It never entered my mind, Freedom jazz dance - Eddie Henderson (tp,flhrn) Donald Harrison (as) George Cables (p) Gerald Cannon (b) Lenny White (d) Mike Clark (d1)

Cincuenta años después de colaborar en “Realization”, el primer álbum de Eddie Henderson como líder, el trompetista vuelve a encontrarse con el baterista Lenny White para recorrer una historia musical que ambos ayudaron a construir. Los acompañan George Cables en piano y teclados, Donald Harrison en saxofón y Gerald Cannon en contrabajo.

A lo largo del disco aparecen el jazz eléctrico, el funk, el swing, las formas modales y la balada, tratados con la naturalidad de músicos que han transitado por todos esos lenguajes. “Freedom Jazz Dance”, de Eddie Harris, es uno de los momentos en que esa combinación de jazz y funk resulta especialmente efectiva.

Pero el centro sigue siendo Henderson. Con 83 años conserva un sonido redondo y firme, junto a una manera de frasear que nunca necesita demostrar más de lo necesario. En las baladas, especialmente con sordina, aparece además el lado más íntimo de su trompeta.

Emmet Cohen, pianista, dedica buena parte de Universal Truth a una música que conoce profundamente: el jazz de Miles Davis y John Coltrane, pero sin plantearlo simplemente como un ejercicio de recreación. Junto al contrabajista Yasushi Nakamura y el baterista Joe Farnsworth, Cohen revisa ese repertorio desde la perspectiva de un trío contemporáneo, al que se incorporan varios invitados.

Jeremy Pelt participa en una enérgica versión de “Well, You Needn’t”, de Thelonious Monk, mientras “Budo” recuerda a Bud Powell y “Gingerbread Boy” a Jimmy Heath. En “Blue Train”, de Coltrane, el saxo tenor de Tivon Pennicott se suma al de George Coleman, ampliando el sonido del grupo y ofreciendo dos aproximaciones distintas al blues.

Uno de los momentos especialmente significativos llega con “My Funny Valentine”, que reúne a George Coleman y Ron Carter, integrantes del quinteto de Miles Davis durante los primeros años de la década de 1960. Su presencia establece un vínculo directo entre aquella generación y la de Cohen.

Universal Truth se mueve así entre homenaje y continuidad. Cohen no intenta reproducir el pasado: utiliza ese repertorio como punto de partida para mostrar hasta qué punto sigue siendo una música abierta a nuevas interpretaciones.

SKÚLI SVERRISSON / BILL FRISELL FOR ALL YOUR FLOWERS - New York, c. 2025 - Thank you for taking me there and back, Nowhere to go, Further down the road, Baby - Bill Frisell (el-g) Skuli Sverrisson (el-b)

Bill Frisell aparece en tantos proyectos y contextos diferentes que resulta fácil pensar en él como la figura central de cualquier grabación en la que participa. For All Your Flowers invierte esa relación. Aquí el protagonista es el contrabajista y compositor islandés Skúli Sverrisson, autor de nueve de las diez piezas del álbum. Frisell aporta solamente una composición propia, “Baby”.

Nacido en Reikiavik en 1966, Sverrisson estudió en Berklee antes de establecerse en Nueva York, donde desarrolló una extensa carrera vinculada tanto al jazz como a la música experimental. También ha trabajado como compositor para el cine islandés.

El formato de For All Your Flowers es particularmente austero: bajo eléctrico y guitarra eléctrica, sin batería ni ningún otro instrumento que complete el espacio entre ambos. Sverrisson construye piezas breves, de carácter melódico, en las que pueden percibirse ciertas resonancias de la música folklórica.

El bajo establece la estructura y con frecuencia lleva buena parte del movimiento de la música. Eso permite que Frisell actúe con extraordinaria libertad, agregando colores, pequeños comentarios y silencios sin imponerse sobre las composiciones.

Es un diálogo íntimo entre dos músicos que parecen interesados, sobre todo, en cuánto puede decirse con muy pocos elementos.

BENNY GOLSON AND THE PHILADELPHIANS - New York, November 17, 1958 - Blues on my mind, Stablemates, Afternoon in Paris - Lee Morgan (tp) Benny Golson (ts) Ray Bryant (p) Percy Heath (b) Philly Joe Jones (d)

Benny Golson reunió en 1958 para su disco Benny Golson and the Philadelphians a cuatro músicos con algo más en común que su pertenencia al mundo del hard bop: todos estaban estrechamente vinculados a Filadelfia. Junto al saxo tenor de Golson aparecen Lee Morgan en trompeta, Ray Bryant en piano, Percy Heath en contrabajo y Philly Joe Jones en batería.

Era una formación excepcional. Cada uno de ellos desarrollaría una trayectoria propia de enorme importancia, pero aquí funcionan como un conjunto compacto, con esa combinación de precisión, energía y sentido del blues que caracterizó buena parte del jazz de esos años.

El repertorio resulta igualmente familiar. Incluye “Stablemates” e “I Remember Clifford”, dos de las composiciones más conocidas de Golson; “Blues March”, otra pieza suya que se convertiría en parte importante del repertorio de los Jazz Messengers; y “Moanin’”, de Bobby Timmons, inseparable también de la historia de ese grupo.

Escuchado tantos años después, el álbum permite apreciar una de las grandes virtudes de Benny Golson: su capacidad para reunir composición, arreglo e improvisación dentro de una misma concepción musical.

Mutt Carey pertenece a la primera generación de músicos de Nueva Orleans, lamentablemente dejó pocas grabaciones que permitan documentar una carrera bastante extensa.

En 1919 se trasladó a California para incorporarse a la banda de Kid Ory, con quien mantendría una larga relación musical. Cuando Ory dejó Los Ángeles en 1925, Carey quedó al frente del grupo, que más tarde presentó como los Liberty Syncopators y los Jeffersonians.

Su estilo cambió poco con los años: una trompeta cercana a la melodía, de vibrato amplio y expresión directa, sin buscar el virtuosismo. Esa sencillez aparente tenía considerable fuerza y hacía de Carey, sobre todo, un músico de conjunto.

En los años cuarenta volvió a tocar con Kid Ory durante el renacimiento del jazz tradicional, antes de formar nuevamente su propia banda en Los Ángeles.

DON EWELL QUARTET YELLOW DOG BLUES - Chicago, August 21, 1959 - Michigan water blues, Atlanta blues, Blues my naughty sweetie gives to me (nt out) - Nappy Trottier (tp) Don Ewell (p) Marty Grosz (g) Earl Murphy (b)

Don Ewell ocupa un lugar bastante particular en la historia del jazz. Nació en 1916, demasiado tarde para pertenecer a la primera generación de pianistas de stride, pero hizo suyo ese lenguaje precisamente cuando muchos músicos de su edad comenzaban a orientarse hacia el bebop.

Ewell no aprendió esa tradición solamente escuchando discos antiguos. Tocó con músicos que habían participado directamente en los primeros años del jazz y adquirió así un conocimiento muy cercano de ese lenguaje.

Una de sus asociaciones más importantes fue con Jack Teagarden, desde fines de los años cincuenta hasta comienzos de los sesenta. Ambos compartían algo esencial: una técnica extraordinaria que nunca necesitaban exhibir por sí misma.

DON BYAS/BUD POWELL A TRIBUTE TO CANNONBALL - Paris 1961 - Cherokee, I remember Clifford - Idrees Sulieman (tp-1)

El título A Tribute to Cannonball resulta algo engañoso. Cannonball Adderley no participa como músico ni se trata realmente de un homenaje: fue quien produjo la sesión y tuvo la excelente idea de reunir al veterano saxofonista Don Byas con el innovador pianista Bud Powell.

La reunión es particularmente interesante porque acerca dos generaciones del jazz. Byas provenía de la era del swing, pero su lenguaje ya anticipaba muchos elementos del bebop. Powell, una de las figuras centrales del nuevo estilo, conservaba a su vez profundas raíces en el jazz de los años treinta.

Esa relación se hace evidente en temas rápidos donde ambos se mueven con extraordinaria soltura. En el extremo opuesto está “I Remember Clifford”, que muestra el lado más lírico de la sesión.

Completan el grupo Kenny Clarke en batería y Pierre Michelot en contrabajo, el trompetista Idrees Sulieman se incorpora en cuatro temas. Más que el encuentro entre dos estilos diferentes, esta grabación ilustra la continuidad que existe entre el swing y el bebop.

TAFT JORDAN “AND THE MOB”, New York, February 21-22, 1935 - Night wind, If the moon turns green, Devil in the moon, Louisiana fairytale - Taft Jordan (tp) Ward Silloway (tb) Johnny Mince (cl) Elmer Williams (ts) Teddy Wilson (p) Bobby Johnson (g) John Kirby (b) Eddie Dougherty (d)

Taft Jordan fue un trompetista profundamente influido por Louis Armstrong, aunque desarrolló una extensa carrera dentro de algunas de las principales orquestas de la era del swing.

En 1933 se incorporó a la orquesta de Chick Webb, donde compartió con Bobby Stark el papel de principal solista de trompeta. Permaneció en el conjunto durante nueve años, incluyendo el período en que Ella Fitzgerald asumió su dirección tras la muerte de Webb.

En 1943 pasó a la orquesta de Duke Ellington, con la que permaneció hasta 1947. Durante los años siguientes trabajó con menor regularidad, aunque reapareció en contextos muy diversos: realizó una gira con Benny Goodman y participó incluso en la grabación de “Sketches of Spain” de Miles Davis.

Jordan grabó muy poco como líder. Su grabación de 1935, ofrece una oportunidad poco frecuente de escucharlo al frente de su propio conjunto, después de haberse establecido como una de las buenas trompetas de la era del swing.

Miles Davis no se convirtió en una verdadera estrella del jazz hasta mediados de los años cincuenta. Había logrado superar su adicción a la heroína, recuperado la autoridad de su instrumento y vuelto a conquistar a críticos y público. Su voz, reducida a un áspero susurro después de una operación en la garganta, completaba una presencia que ya resultaba inconfundible.

Miles comprendía, sin embargo, que para alcanzar a un público más amplio necesitaba el respaldo de un sello de mayor proyección. En 1955, después de su celebrada actuación en el Festival de Newport, Miles le interesó a George Avakian para su sello, él era el ejecutivo encargado del jazz en Columbia Records, pero Davis estaba sujeto a su contrato con Prestige. La solución tendría consecuencias extraordinarias: antes de incorporarse plenamente a Columbia debía entregar a Prestige varios álbumes. De esa obligación contractual surgiría una parte fundamental de la historia del jazz moderno.

Las grabaciones fueron realizadas con rapidez, casi como una mera operación destinada a saldar una deuda. Al principio, Miles no se había dado cuenta de haber formado un conjunto extraordinario. La banda creció mientras grababa. Coltrane fue dejando atrás sus inseguridades y comenzó a encontrar una voz propia; Red Garland consolidó la elegancia y claridad de su estilo; Paul Chambers y Philly Joe Jones formaron una de las asociaciones rítmicas más poderosas del período. Miles, estimulado por el entorno que él mismo había creado, alcanzó una nueva seguridad y profundidad expresiva.

Lo que comenzó como una solución práctica terminó convirtiéndose en un proceso de transformación colectiva.

“Miles”, grabado para Prestige en noviembre de 1955, fue el primer álbum de Davis con John Coltrane y el nuevo quinteto. Años después, Miles recordaría: «La música que tocábamos juntos era sencillamente increíble. Era tan poderosa que por las noches me producía escalofríos, y al público le ocurría lo mismo».

MILES DAVIS QUINTET MILES - Hackensack, NJ, November 16, 1955 - S’posin’, Stablemates, There is no greater love (jc out) - Miles Davis (tp) John Coltrane (ts) Red Garland (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

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“COOKIN’” - LA DESOLUCIÓN DEL NUEVO QUINTETO

Cuando el quinteto se disolvió en la primavera de 1957, Miles, Coltrane, Garland, Chambers y Jones habían alcanzado una unidad excepcional. El conjunto no solo creció como formación: cada músico se benefició individualmente de la libertad y el estímulo que encontró en la banda.

En “Cookin’”, Davis ofrece su primera versión grabada de “My Funny Valentine”, una interpretación emblemática con una apertura sensual para un álbum, que en el resto, se mueve en tempos más intensos. Coltrane presenta la melodía, pero es Red Garland quien prepara el ambiente mediante un sobrio juego de acordes repetidos, sostenido por la figura de dos notas de Paul Chambers. Sobre ese fondo aparecen las meditaciones de Miles con sordina: contenidas, íntimas y profundamente expresivas.

MILES DAVIS QUINTET COOKIN’ WITH THE MILES DAVIS QUINTET - Hackensack, NJ, October 26, 1956 - My Funny Valentine, Blues by Five - Miles Davis (tp) John Coltrane (ts) Red Garland (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

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58 SESSIONS: EL SEXTETO DE MILES DAVIS

Aunque Miles había reunido una banda sobresaliente, ya comenzaba a sentirse insatisfecho con la densidad armónica de la música que tocaba. Buscaba una música capaz de permanecer armónicamente quieta sin volverse estática: menos acordes, mayor libertad melódica y, sobre todo, más espacio.

Miles amplió el quinteto porque su música también se estaba expandiendo. Cannonball Adderley y John Coltrane aportaban dos voces muy distintas, pero que se complementaban a la perfección: Cannonball era cálido, expansivo y directo; Coltrane, más inquieto, intenso y explorador.

Bill Evans aportaba el color armónico y el sentido del espacio necesarios para la nueva concepción modal. La transición también alcanzó a la batería: Philly Joe Jones todavía participó en algunas sesiones, antes de que Jimmy Cobb aportara al grupo una estabilidad rítmica diferente, menos explosiva, pero firme, flexible y extraordinariamente atenta.

La formación no permaneció intacta durante mucho tiempo. Evans dejó el sexteto a fines de 1958 y Wynton Kelly ocupó su lugar, aunque Miles volvió a convocar a Evans para las sesiones de Kind of Blue en 1959. Ese álbum capturaría la convergencia en el momento preciso: cada músico poseía ya una voz demasiado definida —y ambiciones demasiado grandes— para que el grupo pudiera durar.

Miles había reunido una formación excepcional, pero, como ocurriría tantas veces durante su carrera, comenzó a transformarla apenas alcanzó su plenitud.

MILES DAVIS SEXTET 58 SESSIONS - New York, May 26, 1958 - On Green Dolphin Street, Fran-dance, Stella by starlight (ca out) - Miles Davis (tp) Cannonball Adderley (as) John Coltrane (ts) Bill Evans (p) Paul Chambers (b) Jimmy Cobb (d)

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Nels Cline es conocido por la amplitud de un lenguaje que se mueve con naturalidad entre el jazz, la improvisación libre y el rock. En “Consentrik Quartet”, el guitarrista y compositor presenta un nuevo conjunto junto a tres músicos de amplia trayectoria en la escena creativa de Nueva York: Ingrid Laubrock en saxofón, Chris Lightcap en contrabajo y Tom Rainey en batería.

Las composiciones de Cline, algunas surgidas durante los años de la pandemia, funcionan sobre todo como puntos de partida para la interacción. La música puede pasar de pasajes abiertos y casi abstractos a estructuras rítmicas muy definidas, sin que esas transiciones parezcan forzadas.

“The Returning Angel”, por ejemplo, comienza sin un pulso establecido, entre los arpegios de Cline, la batería de Rainey y las líneas contenidas de Laubrock. Poco a poco aparece una estructura más clara, que conduce a “The 23”. Allí, un insistente motivo del bajo de Lightcap sostiene una improvisación colectiva mucho más rítmica. Es una buena muestra del carácter del álbum. Cline incorpora elementos del jazz, el rock y el blues, pero evita imponer su guitarra como voz dominante. “Consentrik Quartet” funciona realmente como un conjunto de cuatro músicos que escuchan, responden y dejan que la música encuentre su propio rumbo.

MARILYN CRISPELL, ANDERS JORMIN MEMENTO - Lugano, Switzerland, July, 2025 - For the children, Three shades of a house morning, Three shades of a house evening, Memento, Dragonfly - Marilyn Crispell (p) Anders Jormin (b)

La pianista Marilyn Crispell y el contrabajista Anders Jormin mantienen desde hace años una estrecha relación con el sello ECM, aunque sus trayectorias han recorrido territorios muy diversos de la improvisación contemporánea. En “Memento” se encuentran en un formato particularmente íntimo: solamente piano y contrabajo.

El título ofrece una clave para acercarse al disco. “Memento” deriva del latín y significa “recuerda”, y la música parece girar precisamente alrededor de la memoria, la ausencia y el paso del tiempo. Durante sus 38 minutos, Crispell y Jormin trabajan con composiciones e improvisaciones de carácter principalmente modal, en las que el silencio y el espacio tienen tanta importancia como las notas.

No se trata de un diálogo convencional entre solista y acompañante. Jormin puede establecer una dirección melódica que Crispell prolonga o modifica; en otros momentos es el piano el que abre un espacio al que responde el contrabajo. La música permanece contenida, moviéndose entre momentos de gran claridad y otros más abstractos.

La referencia a la memoria adquiere un significado especialmente personal al final. Crispell cierra el álbum sola con “Dragonfly”, una breve pieza dedicada a Gary Peacock, contrabajista fallecido en 2020 y uno de sus colaboradores más cercanos durante muchos años.

PETER EVANS, MIKE PRIDE A WINDOW, BASICALLY - Goshen, NY, c. 2025 - Substance X, T, Q, P - Peter Evans (t/Piccolo t) Mike Pride drumset, percussion, autoharp

El trompetista Peter Evans y el baterista Mike Pride se encuentran aquí en uno de los formatos más expuestos de la improvisación: un dúo sin armonía ni estructura rítmica predeterminada, en el que cada sonido puede modificar inmediatamente la dirección de la música.

Las siete piezas del álbum llevan el mismo título, “Substance”, y se distinguen solamente por su número. Más que composiciones independientes, pueden escucharse como distintos episodios de una conversación que se desarrolla a lo largo del disco.

Una característica importante de esta música es el espacio. Hay momentos en que podemos distinguir con particular claridad los diferentes componentes de la batería de Pride, la resonancia de la trompeta de Evans y hasta la sensación física de dos músicos tocando juntos en una habitación. El silencio no interrumpe la improvisación: forma parte de ella.

Evans utiliza su extraordinario dominio técnico para modificar ataques, timbres y registros, pero la técnica está puesta al servicio del desarrollo musical. Pride, por su parte, no se limita a acompañarlo. Sus intervenciones pueden responder, contradecir o abrir una nueva dirección.

“Substance” documenta así un encuentro entre dos improvisadores que no necesitan llenar cada espacio, pero tampoco rehúyen la intensidad cuando la música los lleva hacia ella.

“My Point of View”, segundo álbum de Herbie Hancock para Blue Note, muestra la amplitud que ya distinguía al pianista y compositor. Hancock escribió todas las piezas, pero evitó someterlas a un estilo único: cada una plantea un carácter diferente. Esa variedad explica la formación poco habitual que reunió para interpretar el material.

Donald Byrd, Hank Mobley y Grant Green eran figuras conocidas. Grachan Moncur III había comenzado a llamar la atención junto al Jazztet de Art Farmer y Benny Golson, y posteriormente con Jackie McLean. Aunque su lenguaje partía de la influencia de J. J. Johnson, su solo en “King Cobra” revelaba una voz cada vez más personal.

El contrabajista Chuck Israels, integrante habitual del trío de Bill Evans desde 1961, aportaba firmeza sin imponerse, además de una sensibilidad y una capacidad de escucha particularmente refinadas.

La gran revelación fue Tony Williams. Con apenas 17 años, el baterista exhibía una seguridad y una inteligencia musical extraordinarias para su edad. Hancock observaba que casi todos los participantes eran también compositores, cualidad que les permitía comprender desde dentro sus ideas y responder con flexibilidad a una música que, más que afirmar una dirección única, abría varias posibilidades.

HERBIE HANCOCK MY POINT OF VIEW - Englewood Cliffs, NJ, March 19, 1963 - Blind man, blind man (1,2), King Cobra (1) - Donald Byrd (tp) Grachan Moncur, III (tb1) Hank Mobley (ts) Herbie Hancock (p) Grant Green (g2) Chuck Israels (b) Tony Williams (d)

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CANNONBALL ADDERLEY & MILT JACKSON

Grabado en 1958, “Things Are Getting Better” reunió a Cannonball Adderley y Milt Jackson, dos músicos que compartían una profunda afinidad con el blues, pero también la agilidad necesaria para abordar el bebop. El sonido exuberante y enérgico del saxofón alto de Adderley encuentra un complemento natural en el fraseo fluido y elegante del vibráfono de Jackson.

Aunque el álbum apareció bajo el nombre de Adderley, Jackson ocupa un lugar igualmente destacado. El repertorio ofrece distintos ángulos de esa relación. En la composición que da título al disco, ambos exhiben su dominio del lenguaje del blues. “Groovin’ High”, de Dizzy Gillespie, es interpretada a un tempo más moderado que el original de 1945, permitiendo apreciar con especial claridad la precisión y el conocimiento del idioma bebop que comparten.

La sesión cuenta además con una sección rítmica excepcional: Wynton Kelly al piano, Percy Heath en contrabajo y Art Blakey en batería. Kelly sobresale por su acompañamiento flexible y su impulso rítmico, mientras Heath y Blakey sostienen una música directa, relajada y llena de swing.

CANNONBALL ADDERLEY & MILT JACKSON THINGS ARE GETTING BETTER - New York, October 28, 1958 - Things are getting better, Groovin’ high,The sidewalks of New York - Cannonball Adderley (as) Milt Jackson (vib) Wynton Kelly (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d)

CARMELL JONES

Nacido y formado en Kansas, Carmell Jones, trompetista, se trasladó a Los Ángeles donde trabajó en estudios de grabación y se convirtió en una de las figuras más prometedoras del jazz de la Costa Oeste a comienzos de los años sesenta. Su participación más conocida llegaría junto a Horace Silver, en la grabación de “Song for My Father”.

Los críticos reconocieron en Jones la influencia de Clifford Brown. Como él, poseía un sonido cálido y poderoso, además de una técnica brillante que nunca se imponía sobre la creatividad, el sentido musical o la natural modestia del intérprete. En este álbum ofrece una sólida sesión de bop, enriquecida por la presencia de Harold Land, cuyo saxofón tenor aporta su habitual intensidad y un contraste estimulante con la trompeta.

También destaca un joven Gary Peacock, contrabajista que posteriormente desarrollaría una extensa carrera y alcanzaría especial reconocimiento por su larga colaboración con Keith Jarrett y Jack DeJohnette.

En pleno ascenso, Jones se trasladó a Alemania, donde permaneció durante quince años. Allí trabajó con la Radio Libre de Berlín y participó en festivales junto a músicos como Pony Poindexter, Oliver Nelson y JeanLuc Ponty. Regresó a Estados Unidos en 1980, pero encontró una escena distinta y fue desapareciendo de la atención pública, sin alcanzar plenamente el reconocimiento que su talento parecía anunciar.

CARMELL JONES THE REMARKABLE CARMELL JONES, Los Angeles, June, 1961 - Night tide, Sad march, Stellisa - Carmell Jones (t) Harold Land (ts) Frank Strazzeri (p) Gary Peacock (b) Leon Pettis (d)

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- February 11, 1963 - Vertigo - Donald Byrd (tp) Jackie McLean (as) Herbie Hancock (p) Butch Warren (b) Tony Williams (d)

- June 14, 1962 - Blues for Jackie - Kenny Dorham (tp) Jackie McLean (as) Sonny Clark (p) Butch Warren (b) Billy Higgins (d)

Jackie McLean y Donald Byrd habían coincidido con frecuencia durante la segunda mitad de los años cincuenta, pero cuando volvieron a reunirse para grabar “Vertigo”, en febrero de 1963, sus caminos comenzaban a separarse. Byrd se inclinaba hacia una expresión más ligada al blues y al funk, mientras McLean avanzaba más allá de las estructuras convencionales del hard bop.

Los acompañan Herbie Hancock en piano, Butch Warren en contrabajo y Tony Williams en batería. Para Williams, que tenía solamente 17 años, esta fue su primera sesión de grabación. En los meses siguientes volvería a coincidir con Hancock y Byrd, participaría en “Una Más” de Kenny Dorham y en “One Step Beyond” de McLean, antes de incorporarse al nuevo quinteto de Miles Davis.

La música de “Vertigo” permite escuchar ese momento de transición. “Cheers” conserva una forma más tradicional; “Dusty Foot” introduce un funk refinado, y la pieza que da título al disco abandona las progresiones armónicas habituales para ofrecer mayor libertad a los solistas.

Aunque permaneció inédito hasta 1980, “Vertigo” funciona hoy como un eslabón entre el pasado bebop de McLean y la música más abierta que estaba a punto de desarrollar.

OSCAR PETTIFORD BADENBADEN, Germany, July 15, 1959

- But not for me (dg,op duet), Sophisticated lady (lt,hh,op dg out), - Dusko Goykovich (tp) Lucky Thompson (ts,sop-2) Hans Hammerschmid (p) Oscar Pettiford (b,cello-1) Fred Dutton (b-1) Hartwig Bartz (d) Monica Zetterlund (vcl)

- O.P. (1), Minor plus a major - Rolf Kuhn (cl) Hans Koller (ts1) Oscar Pettiford (b,cello-1) Jimmy Pratt (d)

Oscar Pettiford fue una figura decisiva en la transformación del contrabajo moderno. Participó en el nacimiento del bebop, trabajó con Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Duke Ellington, y fue también uno de los primeros en dar al violonchelo un lugar propio dentro del jazz.

Después de una gira por Europa en 1958, decidió permanecer allí. Joachim Ernst Berendt, responsable de jazz de la radio Südwestfunk, aprovechó su presencia para organizar una serie de encuentros en los estudios de BadenBaden. Dos piezas fueron grabadas en vivo en Karlsruhe. En lugar de reunir una banda estable, fue cambiando el formato y los acompañantes alrededor de Pettiford.

Por estas sesiones pasan destacados músicos europeos, entre ellos Hans Koller, Rolf Kühn, Attila Zoller y Duško Gojković, junto a estadounidenses residentes o de paso por Europa como Lucky Thompson y Kenny Clarke. El programa alterna estándares, composiciones de los participantes y temas asociados con Pettiford.

El álbum muestra a Pettiford como solista, compositor y director: siempre en el centro de la música, pero sin imponerse innecesariamente sobre los acompañantes. Esa combinación de firmeza, elegancia y discreción explica por qué fue considerado, sobre todo, un músico admirado por otros músicos.

STEVE LACY QUARTET SOPRANO SAX - Hackensack, N.J., November 1, 1957 - Day dream, Work, Rockin’ in rhythm, Easy to love - Steve Lacy (sop) Wynton Kelly (p) Buell Neidlinger (b) Denis Charles (d)

Steve Lacy fue una figura singular desde el comienzo: no solo eligió el saxo soprano cuando muy pocos músicos modernos lo utilizaban, sino que en apenas seis años recorrió un camino que iba desde Sidney Bechet hasta Sonny Rollins. Esa evolución ocurrió de manera natural, sin abandonar la identidad que ya comenzaba a distinguirlo.

En 1953 ingresó a la Schillinger House de Boston, donde tuvo que comprar un saxo alto porque la escuela no aceptaba alumnos de soprano. Allí se lo consideraba una curiosidad: era el único soprano y el único músico procedente del jazz tradicional. El encuentro decisivo de esos años fue con Cecil Taylor, quien amplió su horizonte hacia otras formas de jazz, la música clásica y las artes. Lacy trabajó estrechamente con él y en 1957 formó parte del cuarteto que actuó en el Five Spot de Nueva York.

“Soprano Sax” fue el primero de sus tres discos para Prestige y su debut como líder. Lo acompañaron Wynton Kelly en piano, Buell Neidlinger en contrabajo y Dennis Charles en batería; estos dos últimos provenían del grupo de Taylor.

La sesión transmite una tensión controlada. Todos parecen avanzar cuidadosamente hacia un objetivo común, dentro de límites precisos, pero dejando espacio suficiente para que la personalidad de Lacy comience a manifestarse.

- New York, July 2, 1935 - I wished on the moon, What a little moonlight can do, Miss Brown to you, A sunbonnet blue (and a yellow straw hat) - Roy Eldridge (tp) Benny Goodman (cl) Ben Webster (ts) Teddy Wilson (p) John Trueheart (g) John Kirby (b) Cozy Cole (d) Billie Holiday (vcl)

- New York, June 15, 1937 - Me, myself and I, A sailboat in the moonlight - Buck Clayton (tp) Edmond Hall (cl) Lester Young (ts) James Sherman (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Billie Holiday (vcl)

“Lady Day: The Complete Billie Holiday on Columbia 1933–1944” es una colección de diez discos que reúne las grabaciones de estudio conocidas de Billie Holiday durante esos años, incluyendo tomas alternativas. La edición recibió en 2001 el Grammy el Mejor Álbum Histórico.

Durante la Gran Depresión Económica de los años 30, la venta de discos para uso doméstico cayó drásticamente, pero se mantuvo un mercado importante: los populares jukeboxes o tocadiscos pagados en los bares y restaurantes. Las primeras grabaciones de Billie Holiday fueron realizadas, en buena medida, pensando en ese mercado.

John Hammond, quien la había descubierto cantando en un club de jazz de Harlem en 1933, organizó su primera sesión de grabación el 27 de noviembre de ese mismo año. Holiday tenía apenas 18 años. En el estudio la acompañaron, entre otros, Jack Teagarden, Gene Krupa y Benny Goodman. Las dos canciones en las que ella participó fueron publicadas bajo el nombre de Benny Goodman.

Poco menos de dos años después volvió al estudio junto a Goodman, Ben Webster y Cozy Cole, bajo la dirección de Teddy Wilson. Entre 1935 y 1941 Holiday grabaría regularmente discos publicados bajo su propio nombre o el de Wilson.

Pero más allá de su valor histórico, estas grabaciones permiten apreciar algo esencial en el arte de Billie Holiday: su extraordinaria capacidad para transformar una canción.

Cuando el crítico Gary Giddins escuchó por primera vez “A Sailboat in the Moonlight”, le pareció una buena melodía, con cambios armónicos atractivos y una letra algo cursi aunque, no tanto interpretada por Holiday. Tiempo después, Giddins encontró por casualidad en una tienda la partitura y en su casa tocó la melodía con un dedo en el piano. Quedó sorprendido al descubrir lo tanto que difería de lo que cantaba Holiday.

Hasta ese momento no había comprendido plenamente la libertad y la imaginación con que Billie Holiday transformaba una melodía. Al modificar una frase aquí, retrasar otra allá, elevar una nota o ligar la siguiente, convertía una melodía banal y previsible en algo personal, verdadero y lleno de significado.

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LOUIS ARMSTRONG “PLAYS W. C. HANDY” - Chicago, IL, July 12-13, 1954 - St. Louis blues (la,vm vcl), Beale Street blues (la vcl) - Louis Armstrong (tp,vcl) Trummy Young (tb,vcl) Barney Bigard (cl) Billy Kyle (p) Arvell Shaw (b) Barrett Deems (d) Velma Middleton (vcl)

“Louis Armstrong Plays W. C. Handy” es uno de los grandes álbumes de Armstrong de la era del LP, y él mismo lo consideraba entre sus mejores grabaciones.

Publicado en 1954 y producido por George Avakian, fue grabado principalmente en Chicago en julio de ese año. Avakian lo concibió como el primero de una serie dedicada a importantes compositores estadounidenses y decidió comenzar con W. C. Handy, cuya obra había contribuido decisivamente a llevar el blues a la música popular.

No se trataba simplemente de reunir temas conocidos del repertorio habitual de Armstrong. Varias piezas eran nuevas en su discografía y los arreglos fueron preparados especialmente para las sesiones. Armstrong estudió el material de antemano y trabajó estrechamente con su pianista Billy Kyle.

El centro del álbum es una extraordinaria versión de “St. Louis Blues”, con dos formidables solos de Armstrong y un estupendo intercambio con la cantante Velma Middleton. En todo el disco se escucha a los All Stars de Armstrong relajados y disfrutando de tocar juntos.

La importancia histórica resulta especialmente interesante. En 1954, Armstrong comenzaba a ser visto por algunos principalmente como un querido entertainer, mientras su período influyente parecía haber quedado asociado a las grabaciones de los años veinte. Plays W. C. Handy demostró que su trompeta seguía siendo formidable y que un repertorio tradicional podía conservar plena vitalidad sin necesidad de ser tratado con nostalgia.

ELLINGTON AT NEWPORT JAZZ FESTIVAL, Newport, R.I., July 7, 1956 - Take the “A” train, Diminuendo in blue - interval - Crescendo in blue - Willie Cook, Cat Anderson (tp) Clark Terry (tp,flhrn) Ray Nance (tp,vln,vcl) Britt Woodman, Quentin Jackson, John Sanders (tb) Jimmy Hamilton (cl,ts) Russell Procope (cl,sop,as) Johnny Hodges (as) Paul Gonsalves (ts) Harry Carney (bar,cl,as) Duke Ellington (p) Jimmy Woode (b) Al Lucas (b-1) Sam Woodyard (d)

A fines de los años cuarenta, la popularidad de Duke Ellington comenzó a disminuir. La salida de músicos clave, los cambios ocurridos en la industria durante la Segunda Guerra Mundial y, sobre todo, el cambio en los gustos del público tuvieron un efecto negativo sobre la banda. En 1951 partieron Johnny Hodges, Sonny Greer y Lawrence Brown, marcando el comienzo de una de las etapas comercialmente más difíciles de la carrera de Ellington. Su hijo Mercer recordaba que en algunas ocasiones la orquesta llegó a actuar ante menos de treinta personas. Duke conseguía mantenerla a sueldo, en parte, gracias a los derechos de autor de sus composiciones.

Sin embargo, las grabaciones de esos años revelan una banda que estaba lejos de encontrarse musicalmente agotada: continuaba explorando nuevas ideas y, al mismo tiempo, encontraba formas sorprendentes de renovar las antiguas.

Todo cambió en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Johnny Hodges había regresado recientemente a la orquesta y, durante “Diminuendo and Crescendo in Blue”, el saxofonista Paul Gonsalves inició un solo que se prolongó durante 27 coros. La reacción del público fue extraordinaria y la actuación terminó convirtiéndose en uno de los episodios legendarios de la historia del festival.

Columbia publicó poco después Ellington at Newport. El éxito del álbum devolvió a Ellington una enorme visibilidad y revitalizó su carrera en un momento en que algunos ya comenzaban a considerarlo una figura perteneciente al pasado.

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La diversidad y amplitud de su obra se debió en parte a la contribución de los músicos de sus bandas, a quienes Ellington escogió por la variedad de sus estilos y sus orígenes. Provenían de diversas regiones de Estados Unidos y llevaban consigo sus influencias regionales. Barney Bigard era de Nueva Orleans, Cootie Williams de Alabama, Johnny Hodges y Harry Carney de Boston, Juan Tizol era portorriqueño, Duke utilizó todos estos estilos y con frecuencia incorporo las ideas de sus músicos en sus composiciones. Muchas de las improvisaciones de ellos eran tan brillantes, que se transformaban en parte de los arreglos estables de la banda. Tanto apreciaba Ellington las personalidades musicales de los miembros de su banda, que escribía cada parte de una composición para resaltar el talento y la habilidad de músicos específicos, mezclando con gran imaginación las ideas de ellos con las suyas. Algunos de sus músicos permanecieron en la banda por más de treinta años.

Uno de los más importantes y notables compositores estadounidenses, Ellington rehuso aceptar barreras de ningún tipo en su obra. Un compositor ecléctico, cuya música podía ser muy negra y a veces muy blanca, como también beige, gris y de todos los tonos posibles. Además, refleja su personalidad: Ellington era un hombre de gran mundo, que adoraba la buena comida, vestirse bien y, especialmente, las mujeres bellas.

El corazón de Harlem

En 1923 se mudo a Nueva York convencido de alcanzar gran éxito, a pesar de carecer de estudios musicales. No tenia conocimientos de armonía, componía en el piano, tomaba 10 que tocaba con la mano izquierda y 10 orquestaba. Lo que Ellington logra con solo tres notas es impresionante. Su genio estaba en que sabia escoger cuales serian las tres notas claves. Basta escuchar temás simples como “Isfahan” 0 “Warm Valley”. Ellington relata: “Escribí ‘Solitude’ de pie y en solo veinte minutos. ‘Mood Indigo’ lo hice en 15 minutos mientras mi madre cocinaba, sin embargo, ‘Sophisticated Lady’ me demoró más de un mes”.

Pasó varios años aprendiendo a ser líder, compositor, arreglador y pianista. Gran parte la aprendió de sus músicos, algunos de los cuales tenían más habilidad musical que él. Inicialmente, Ellington quiso capturar los sonidos, imágenes y ambiente de Harlem, los que transformó en una música rica y evocativa, pero distintivamente propia.

Se puede considerar que durante su carrera, Ellington tuvo tres importantes etapas. La primera empezó a fines de 1927, cuando obtuvo la seguridad del empleo y el prestigio de ser la banda en residencia del famoso Cotton Club en Harlem, lugar donde los mejores artistas negros entretenían a la elite neoyorquina, como también a gangsters de la época. Para deleitar a su público, que era exclusivamente blanco, el Cotton Club le exigía a Ellington que presentara shows con escenas cuasi-africanas. Para esto Ellington compuso música que llamó Jungle Music, o música de la selva (”Echoes of the Jungle”). Duke sobrevivió esos años intacto y con dignidad, una tarea poco fácil.

Nacimiento de un ídolo

A principios de los treinta, agudizó su talento e hizo sus primeros esfuerzos por componer obras de más larga duración. En esta época desaparecen los ritmos típicos de sus bandas más primitivas, que son reemplazados por texturas musicales ligadas por un pulso más sutil, pero no menos incisivo. Ellington comenzaba a experimentar y a desarrollarse como compositor y arreglador, teniendo ya varios Hits a su haber. Dentro de esos éxitos populares están sus primeras obras maestras, las que revelan sutileza y solidez solo al escucharlas detenidamente. Composiciones de la época, como “It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got that Swing)”, revelan que la suya se había transformado en una poderosa y expresiva banda. Las transmisiones radiales del Cotton Club por cadena de costa a costa junto al gran número de exitosas grabaciones, permitieron a Duke sobrevivir durante los años de la Gran Depresión.

A medida que se hacia más famoso, sus composiciones comenzaron a tener más significado en cuanto a sus raíces, su experiencia y cultura afro-americana. La música de “Symphony in Black”, un filme de corta duración hecho en 1934, representa varias actividades de la vida de la comunidad negra de Estados Unidos, tema que Ellington utilizaría a través de su carrera. También, durante esta época, comenzó a escribir composiciones que se transformaron en estándares del repertorio popular estadounidense, tales como “Mood Indigo”, “Sophisticated Lady”, “In a Sentimental Mood”, “Solitude”, “Prelude to a Kiss”. Muchas otras vendrían durante las próximas décadas.

Compañeros de lujo

Sus crecientes ambiciones artísticas requerían solistas más sofisticados. A fines de los treinta, Duke había acumulado una impresionante colección de músicos, la mejor que había tenido bajo su batuta. Estaba preparado para la segunda etapa de su gran carrera, la que se inicia cuando el joven y virtuoso contrabajista Jimmy Blanton se unió a la banda; el mismo año en que comienza la larga residencia del primer mago del saxofón, Ben Webster. La Blanton / Webster Band de Duke Ellington funcionó durante tres años, de 1939 a 1942. Jimmy Blanton fue el primer gran solista en su instrumento. Su bello tono, agilidad sin igual, exactitud de entonación, gran swing y conocimiento armónico, lo convirtieron en modelo para una generación de contrabajistas. Tenía solo 21 años cuando Duke lo descubrió en 1939. Blanton enriqueció el sonido y enfoque rítmico de la banda e inspiró a Ellington en un período de gran productividad creativa. El bajo de Blanton fue un factor prominente en composiciones como “KoKo”, “Jack the Bear” y “Concerto for Cootie”. Los otros miembros de esa estelar banda fueron Johnny Hodges, Harry Carney en saxofón, el clarinetista Barney Bigard, los trompetistas Rex Stewart y Cootie Williams (quien fue reemplazado por Ray Nance en 1940) y los trombones de Joe Nanton, Juan Tizol y Lawrence Brown. Sonny Greer en batería y el pianista, como Ellington solía referirse a si mismo, completaban la banda. Vale hacer notar que estos músicos no solo eran grandes maestros en sus instrumentos, sino que también fueron importantes contribuidores a la historia del jazz. Sin embargo, todos ellos, sea Webster o Hodges o Cootie Williams, tocaron mucho mejor en la banda de Ellington que en otras situaciones. Existía una especie de inspiración mutua entre Ellington y sus músicos.

El fin de la década también coincidió con la aparición de Billy Strayhorn, un brillante y joven arreglador que se unió a la banda en 1939. Strays, como lo llamaba Duke, se convirtió en el colaborador principal de Ellington. Billy Strayhorn era capaz de complacer a Ellington en cualquier tarea musical que este le encomendaba y tenía el talento de reflejar su estilo y manera de componer, pero al mismo tiempo manteniendo sus propios conceptos innovadores, los que se adaptaban a las necesidades de Ellington. La carrera de Strayhorn fue la de trabajar para Ellington, sin interrupción durante el resto de su vida. Algunas de las más sobresalientes composiciones que naturalmente se asocian con Ellington son de Strayhorn como “Lush Life”, “Chelsea Bridge”, “Passion Flower” y “Blood Count”, aunque Ellington no siempre lo registro como autor.

En los años 40 Duke inició una serie de conciertos anuales en el Carnegie Hall. El primero, celebrado en enero de 1943, fue una ocasión auspiciosa no solo para Ellington sino también para el jazz. Fue un concierto hecho bajo condiciones que solo se pudieron reproducir muchos años después. En esa época, un concierto de jazz en una sala donde normalmente solo se presentaba música docta era una novedad. Benny Goodman había sido el único en el Carnegie Hall, pero habían transcurrido cinco años antes que se escuchara nuevamente jazz en esa sala. Ellington aprovechó la ocasión para estrenar su primera obra de larga duración, “Black, Brown and Beige”. Duke la describe como un pieza que refleja la historia paralela de los afro-americanos. En su forma original, “Black, Brown and Beige” duraba cerca de una hora. Fue su obra más ambiciosa, espectacular y exitosa hasta ese momento, lo cual le cual le permitió dedicarse de lleno a ese tipo de composiciones por el resto de su carrera.

Lamentablemente, si le pedimos a cualquier aficionado a la música de Ellington que mencione algunas de sus más importantes composiciones, sin duda incluiría la siguiente letanía: ‘Sophisticated Lady’, ‘In a Sentimental Mood’, Don’t Get Around Much Anymore’, ‘It Don’t Mean a Thing If It Ain’t Got That Swing’. Cada una merece un lugar privilegiado en los estándares de la música popular moderna de los Estados Unidos. Sin embargo, ninguna se aproxima al nivel artístico de sus composiciones como ‘Such Sweet Thunder’, Deep South Suite’ o ‘New Orleans Suite’. Estas obras épicas, y otras similares, fueron muy importantes para Ellington, quien pasó gran parte de su carrera tratando de extender el jazz más allá de la composición de tres minutos con improvisaciones simples, hacia un ámbito de composiciones más serias y de mayor peso.

Newport 1956

Por varios motivos la popularidad de Ellington se desvaneció a fines de los cuarenta. La perdida de músicos clave, la huelga de grabación que ocurrió durante la Segunda Guerra Mundial, el boicot por parte de las cadenas radiales y el cambio del gusto musical del público tuvieron un efecto negativo en Ia banda de Ellington. En 1951 partieron Johnny Hodges, Sonny Greer y Lawrence Brown, señalando la etapa de menos éxito de la carrera de Duke. Su hijo Mercer relata que en varias ocasiones durante esa etapa la banda actuó con un público de menos de treinta personas. Ellington conseguía mantener su banda a sueldo solo con los derechos de autor que recibía de sus composiciones. A pesar de su falta de popularidad y éxito comercial, las grabaciones de esa época revelan una banda llena de vitalidad, que explora nuevas ideas y al mismo tiempo recicla las antiguas en forma sorprendente.

El Festival de Jazz de Newport de 1956 señaló la vuelta de Ellington y nuevamente se convirtió en una respetable personalidad del jazz. Su tercera y última etapa se inicia con el retorno triunfante de Johnny Hodges y el solo de 26 coros del saxofonista Paul Gonsalves en la composición ‘Diminuendo and Crescendo in Blue’, que enloqueció al público en Newport. El sello Columbia editó poco después la grabación hecha en ese festival, la cual rápidamente se convirtió en gran éxito comercial. De hecho, es el disco que más se ha vendido de los cientos que grabó Duke Ellington con sus bandas.

Si bien esta etapa, que duró hasta los años 60, no llegó a los niveles artísticos alcanzados por Ellington en las anteriores, está marcada por su gran productividad. La muerte de Strayhorn en 1967 tuvo un efecto devastador en Duke. Varios proyectos estaban a medio camino, y al no tener a Strayhorn a su lado obligó a Ellington a trabajar el doble de lo que estaba acostumbrado. De algún modo la muerte de Strayhorn estimuló su creatividad, y durante este período Duke se concentró en escribir sus suites, obras de larga duración. Poco a poco Ellington se tornaba más y más hacia la introspección y concentraba sus esfuerzos en la música sacra, la que culmina con sus tres “Sacred Concerts” (1968). Al respecto, Ellington comenta: “He tocado en night clubs, en las más famosas salas de conciertos del mundo y con las mejores orquestas sinfónicas, pero siempre lo hice para ganarme la vida. Pero cuando toco música sacra, lo hago para mí, es algo personal, no es para mi carrera. Es lo más importante de mi vida”.

La repentina muerte de Johnny Hodges en 1970 marca el principio del declive de la banda y de Ellington. Continuó grabando y haciendo giras, produciendo buena música, pero en esas grabaciones la banda ya no brilla y ocasionalmente el cansancio de Ellington es notorio. Sin embargo, aún hacia el final, hay momentos en que el sonido es espectacular y tan impresionante como el de épocas anteriores.

Las obras más largas

La contribución de Ellington al arte y a la cultura musical del mundo es enorme, especialmente si además de sus miles de composiciones se le suman sus varias operas, un par de ballets, y más de diez shows musicales. Su estilo fue único. Es imposible categorizarlo, ya que nunca se adhirió a un tipo especifico de música. Ellington creó un tipo de jazz que era propiamente suyo. Su banda no solo tenía un repertorio que era tan rico como diverso, sino que mantuvo su energía creativa al más alto nivel durante más de cinco décadas. La influencia de Ellington es evidente en otras bandas y músicos prácticamente desde los años treinta, desde las bandas de la era del swing hasta los compositores del avant-garde. Como pianista, su estilo influenció a músicos del calibre de Thelonious Monk y Cecil Taylor.

Hoy, cuando el mundo de la música se prepara para celebrar el centenario del nacimiento de Ellington, el 29 de abril, la inmensa obra de este genio yace casi intocada. El público, y muchos músicos, adoran sus piezas más cortas, pero tienen escasa noción de la existencia de sus trabajos más imponentes. La King Brand Co. de Nueva York, la más importante editora de la música de Ellington, comenta que solo se vende una copia al año de sus obras más largas. Agrega que en su total no han vendido más de 100 copias de ninguna de las piezas de más duración.

Las razones de esta anomalía son tan numerosas como frustrantes. Ni Ellington ni su personal se tomaban la molestia de preservar las partituras, principalmente porque los músicos conocían la música de memoria y porque al prolífico compositor le importaba más escribir nuevas piezas que documentar las anteriores. Es por esto que el repertorio de la banda estaba mal documentado. Aún hoy, partituras pobremente preservadas y casi sin editar se almacenan en las bodegas del Smithsonian Institute en Washington, D.C. Para recuperar una pieza como la ‘New Orleans Suite’ o la ‘Toot Suite’, sería necesario transcribirla usando como fuente una grabación. Esto implica transportar nota por nota de la grabación a la partitura, una tarea sumamente lenta que requiere el trabajo de un músico con gran habilidad para transcribir. David Berger, co-propietario de King Brand Co., lo ha hecho con más de una docenas de composiciones.

De cualquier modo, durante la vida de Ellington, y aún hoy, los músicos han evitado tocar estas piezas. Principalmente, según Berger, porque la música es demasiado compleja y los músicos no tienen el talento necesario que ella requiere. De acuerdo con William Russo, cuya Chicago Jazz Ensemble se dedica a tocar las composiciones de más envergadura de Ellington, lo mismo sucede con los críticos, quienes no entienden esta música tan sofisticada.

Pero, mientras Russo y su Chicago Jazz Ensemble y Wynton Marsalis con la Lincoln Center Jazz Orchestra se mantengan trabajando, y mientras intelectuales como Gunther Schuller, David Baker y Berger sigan dirigiendo bandas de jazz por el mundo, la música de Ellington se escuchará, aunque solo sea esporádicamente. “La musica de Count Basie es más fácil de entender, la de Glenn Miller es más popular, pero finalmente la música de Ellington es la que perdurara”, sostiene Berger.

Roberto Barahona es director de jazz de la Radio Beethoven (96.5 FM). Su programa “Puro Jazz” se transmite los domingos a las 23 hrs. [Desde el 2010 de lunes a viernes a las 21:00].

Cedar Walton fue uno de esos músicos cuya importancia en el jazz supera ampliamente su fama. Pianista de enorme solidez, acompañante solicitado y compositor notable, dejó temas como “Mosaic”, “Ugetsu” y “Bolivia”, varios de ellos incorporados al repertorio de los Jazz Messengers durante los años en que formó parte del grupo de Art Blakey. Hay además una curiosidad histórica: en abril de 1959 fue el primer pianista que grabó con John Coltrane “Giant Steps”, antes de que Tommy Flanagan participara en la versión que finalmente apareció en el álbum.

“The Maestro”, grabado en 1980, reúne a Walton con el saxofonista tenor Bob Berg, el contrabajista David Williams y el baterista Billy Higgins. A ellos se suma Abbey Lincoln en cuatro de los ocho temas, y su presencia le da al disco un carácter especial. Lincoln aporta dos composiciones propias, además de interpretar “In a Sentimental Mood” y “The Maestro”, homenaje de Walton a Duke Ellington. El resto del programa recorre a Monk, Jobim y Ferde Grofé.

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CHARLES OWENS NEW YORK ART ENSEMBLE PLAYS THE MUSIC OF HARRY WARREN - Los Angeles, February 15, 1980 - I only have eyes for you, The more I see you - Charles Owens (ts,sop,fl,altofl,arr) James Newton (fl) George Cables (p) Red Callender (b,tu) Ray Brown (b) Roy McCurdy (d)

Charles M Brown (nacido el 4 de abril de 1939, Phoenix, Arizona),[1] más conocido como Charles Owens, es un saxofonista y flautista. Owens comenzó a tocar música mientras asistía a la Universidad de San Diego; después de una temporada en las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos, estudió en el Berklee College of Music. Trabajó en las bandas de Buddy Rich y Mongo Santamaria como saxofonista alto a finales de la década de 1960, y en la década de 1970 tocaba principalmente el saxofón tenor y soprano.

En “Charles Owens Plays the Music of Harry Warren” dirige se concentra en uno de los grandes compositores de la canción popular norteamericana. Warren hizo buena parte de su carrera en Hollywood y compuso más de 800 canciones. Ganó tres premios Oscar.

Pero para el jazz importa algo más: muchas canciones de Warren sobrevivieron ampliamente a las películas para las cuales fueron escritas. “I Only Have Eyes for You”, “There Will Never Be Another You”, “The More I See You” y “At Last”, entre muchas otras, pasaron a formar parte del repertorio habitual de los músicos de jazz.

Owens se acerca a ese material no como una reconstrucción nostálgica de Hollywood, sino como lo que esas canciones han llegado a ser: estándares abiertos a nuevas interpretaciones y a la improvisación.

THOMAS CHAPIN RADIUS - New York, February 4, 1984 - Radius, Forgotten game (1) - Thomas Chapin (as,fl,mezzosop sop) Ara Dinkjian (oud1) Ronnie Mathews (p) Ray Drummond (b) John Betsch (d) Sam Turner (cga1)

Thomas Chapin fundó su cuarteto “Radius” con una experiencia considerable. Había sido director musical de la big band de Lionel Hampton entre 1981 y 1986 y trabajado en contextos muy diversos, junto a músicos como Chico Hamilton, la cellista Jane Scarpantoni y el guitarrista y cantante Clarence “Gatemouth” Brown.

“Radius” fue el primer disco del cuarteto, Chapin se encuentra al frente de un grupo formidable: Ronnie Mathews en piano, Ray Drummond en contrabajo y John Betsch en batería. Chapin toca saxofón alto y flauta y compuso todo el repertorio con una excepción, “Jitterbug Waltz” de Fats Waller.

Más que el virtuosismo de Chapin en dos instrumentos, interesa que en ambos se reconoce una personalidad propia. No utiliza la flauta simplemente como alternativa al saxofón, sino como otra voz dentro de su lenguaje.

Y tiene compañeros ideales para hacerlo. Ronnie Mathews aporta su experiencia y solidez, mientras Ray Drummond, uno de esos contrabajistas que durante décadas hicieron mejores innumerables sesiones sin recibir siempre el reconocimiento correspondiente, tiene aquí amplio espacio para que lo escuchemos.

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¿Es “These Are Soulful Days”, jazz de vanguardia o música de cámara contemporánea? Probablemente es ambas cosas.

Es la primera composición extensa de Lewis para saxo tenor y cuarteto de cuerdas. La escribió para el Lutosławski Quartet por encargo del National Forum of Music de Polonia y fue estrenada en noviembre de 2021 en el Festival Jazztopad de Wrocław.

Lewis no utiliza al cuarteto simplemente como acompañamiento. No es un solista de jazz tocando delante de un fondo de cuerdas: el Lutosławski Quartet es parte integral de la música. Buena parte de los aproximadamente 50 minutos de la obra está escrita, con contrapuntos, cambios de textura y largos pasajes que se acercan a la música de cámara contemporánea. Pero también hay momentos —especialmente en el segundo movimiento y el epílogo— en que los músicos entran en terrenos más libres e improvisados.

No hay una sección rítmica convencional, pero el fraseo de Lewis, su ataque, su relación con el blues y, sobre todo, su libertad para improvisar mantienen la música firmemente vinculada al jazz.

Y detrás de todo esto existe una raíz afroamericana muy clara. Lewis habla de una historia construida como un quilt, un tejido formado por blues, spirituals y jazz, que conecta un pasado de alegría, un presente decidido y un futuro de resistencia. Parte de ese material también aparece en For Mahalia, With Love, su proyecto dedicado a Mahalia Jackson; el tercer movimiento, por ejemplo, incorpora elementos relacionados con “Wade in the Water”.

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JAMES BRANDON LEWIS Y EL QUINTETO RED LILY “FOR MAHALIA, WITH LOVE” - South Orange, NJ, c. 2022 - Wade in the Water - Kirk Knuffke (cnt) James Brandon Lewis (ts,arr) Chris Hoffman (cello) William Parker (b) Chad Taylor (d)

Para completar el programa, seguiremos con James Brandon Lewis y su disco Mahalia, With Love, Aquí lidera su quinteto Red Lily Quintet, con Kirk Knuffke en corneta, William Parker en contrabajo, Chad Taylor en batería y Chris Hoffman en chelo. Es una formación poco habitual, en la que Lewis incorpora dos instrumentos de cuerda —chelo y contrabajo, ambos utilizados también con arco— que amplían considerablemente las posibilidades de color y textura del grupo.

El disco re-imagina canciones asociadas a Mahalia Jackson, pero no como simples versiones jazzísticas de temas gospel. Para Lewis la relación con esta música es profundamente personal. Creció escuchando a Jackson a través de su abuela, para quien esa voz tenía una importancia casi espiritual. Lewis ha descrito el proyecto como una conversación entre Mahalia Jackson, su abuela y él mismo.

El desafío fue conservar algo de la fuerza emocional del góspel y trasladarla al lenguaje del jazz contemporáneo. Las melodías originales son reconocibles, pero Lewis y el quinteto las abren, las fragmentan y las utilizan como punto de partida para la improvisación colectiva.

Hay además una conexión directa con These Are Soulful Days. Las primeras ediciones de For Mahalia, With Love incluyeron como obra complementaria esa suite. Escuchadas juntas, las dos obras revelan una misma búsqueda.

Recuerden que mencioné que en el tercer movimiento, Lewis incorpora elementos relacionados con “Wade in the Water” de Mahalia Jackson, que escucharemos enseguida.

Conrad Herwig lleva años desarrollando su serie “The Latin Side of…”, dedicada a revisar la música de figuras como John Coltrane, Miles Davis, Joe Henderson y Charles Mingus desde una perspectiva afrolatina. “The Latin Side of Chick Corea” continúa esa idea: no se trata simplemente de agregar percusión latina a composiciones conocidas, sino de reconsiderarlas desde otra organización rítmica.

Herwig y el pianista Bill O’Connell, responsable también de los arreglos, trabajan con una música especialmente abierta a ese tratamiento. Chick Corea incorporó ritmos y referencias latinoamericanas a lo largo de buena parte de su carrera, de modo que aquí el cambio de perspectiva resulta bastante natural.

El grupo incluye a Craig Handy en saxos y flauta, Alex Norris en trompeta y flugelhorn, O’Connell en piano, Ruben Rodriguez en contrabajo, Robby Ameen en batería y Mauricio Herrera en congas, además del trombón de Herwig.

Las diez composiciones recorren distintas etapas de la obra de Corea. El disco comienza con “Matrix”, una elección significativa porque Herwig evita recurrir inmediatamente a sus temas más conocidos. “Tones for Joan’s Bones” conserva su complejidad armónica, pero adquiere otro carácter al apoyarse en una base rítmica afro-latina, mientras “Humpty Dumpty”, ya de por sí construida sobre desplazamientos y cambios de acento, se presta particularmente bien al enfoque del grupo.

“Windows” ofrece un momento de mayor espacio, con Alex Norris en flugelhorn, antes de llegar finalmente a “Spain”. Colocarla al cierre permite que el disco no dependa de la composición más famosa de Corea y, al mismo tiempo, hace de ella una conclusión lógica para un proyecto que busca mostrar cuánto terreno común existe entre su música y el lenguaje afrolatino.

SHAI MAESTRO HUMAN - Pernes-les-Fontaines, France, February, 2020 - In a sentimental mood, Human, GG, The thief’s dream - Philip Dizack (tp) Shai Maestro (p) Jorge Roeder (b) Ofri Nehemya (d)

En 2018 Shai Maestro inició una nueva etapa al incorporarse al sello ECM. Después de cuatro discos como líder, el pianista israelí encontró allí un marco especialmente adecuado para una música que combina composición, improvisación y una atención muy particular al sonido del grupo.

En “Human”, Maestro mantiene la base de su trío con el contrabajista peruano Jorge Roeder y el baterista israelí Ofri Nehemya, pero incorpora al trompetista Philip Dizack. Su presencia modifica considerablemente el equilibrio del conjunto. Más que actuar como solista invitado, Dizack se integra a la conversación y permite que Maestro trabaje con nuevas combinaciones de líneas, timbres y contrapuntos.

Esto se escucha claramente en “GG”, donde piano y trompeta desarrollan extensos pasajes al unísono con notable precisión. Muy diferente es la versión de “In a Sentimental Mood”. Maestro se aleja del carácter contemplativo con que suele asociarse la composición de Duke Ellington y la lleva hacia un terreno más rítmico, impulsado por la batería de Nehemya. Dizack expone la melodía mientras Roeder desarrolla un contrapunto muy activo y el piano se mueve entre ambos.

La referencia a Ellington permanece reconocible, pero el cuarteto no intenta recrear una versión histórica. Utiliza una composición familiar como punto de partida para encontrar una lectura propia.

PERICO SAMBEAT ADEMUZ - Valencia, August & November 1995 - Ademuz (1), Tu rostro oculto - Mike Leonhart (tp) Perico Sambeat (as,fl,keyboards-1) Mark Turner (ts) Brad Mehldau (p,keyboards-1) Kurt Rosenwinkel (g) Joe Martin (b) Jorge “Jordi” Rossy (d) Guillermo McGill, Enric Canada (perc) Enrique Morente (vcl)

El saxofonista valenciano Perico Sambeat ha desarrollado una extensa carrera en el jazz europeo, con más de veinte discos como líder y participación en cerca de un centenar de grabaciones. Estudió en la New School de Nueva York y a lo largo de su trayectoria ha trabajado con músicos como Lee Konitz, Steve Lacy, Daniel Humair y Kenny Wheeler.

En 1995 grabó “Ademuz”, un disco que hoy resulta especialmente interesante por la formación que reunió. Allí aparecen tres músicos todavía al comienzo de sus carreras: Brad Mehldau en piano, Kurt Rosenwinkel en guitarra y Mark Turner en saxo tenor. Completan el grupo Michael Leonhart en trompeta, Joe Martin en contrabajo, Jordi Rossy en batería y Guillermo McGill y Enric Canada en percusión. El cantaor Enrique Morente participa además en tres temas.

La amplitud de la formación permite a Sambeat trabajar con diferentes combinaciones instrumentales y una fuerte presencia rítmica, incorporando elementos del jazz, la música española y otras influencias sin convertirlos en compartimentos separados.

La composición que da título al disco muestra bien ese enfoque. “Ademuz” comienza con un enfoque cercano a la fusión, utilizando teclados, bajo eléctrico y guitarra, pero progresivamente se desplaza hacia un contexto acústico. Ese contraste resume buena parte del interés del álbum: Sambeat utiliza distintos lenguajes como materiales de una misma música, en lugar de presentarlos como una simple mezcla de estilos.

Cuando Larry Goldings, Peter Bernstein y Bill Stewart comenzaron a tocar juntos en el pequeño Augie’s Jazz Bar de Nueva York, difícilmente podían imaginar que treinta y cinco años después seguirían funcionando como uno de los tríos de órgano más respetados del jazz contemporáneo. Augie’s se convertiría más tarde en Smoke Jazz Club, pero la asociación entre los tres músicos sobrevivió al paso del tiempo y a sus numerosas carreras individuales.

“RHOMBUS”, publicado en agosto de 2026, muestra que esa longevidad no los ha llevado a instalarse cómodamente en una fórmula. El punto de partida sigue siendo la clásica combinación de órgano, guitarra y batería, pero esta vez el repertorio busca deliberadamente alejarla de sus terrenos más previsibles.

Resulta reveladora la elección de compositores como Keith Jarrett, Randy Weston, Abdullah Ibrahim, Wayne Shorter y Thelonious Monk, además de Irving Berlin. Varias de esas músicas nacieron en contextos muy distintos al organ trio y precisamente allí parece estar el desafío: no adaptar simplemente las composiciones al formato, sino encontrar dentro de ellas un espacio donde el trío pueda mantener su propia identidad.

Goldings lo resume de manera sencilla: después de tantos años todavía están descubriendo nuevas libertades al tocar juntos. “RHOMBUS” documenta así algo poco frecuente en el jazz: tres músicos que se conocen profundamente, pero que continúan encontrando razones para sorprenderse mutuamente.

PETRUCCIANI/PEACOCK/HAYNES JAZZ CLUB MONTMARTRE CPH 1988 - Copenhagen, Denmark, July 3, 1988 - Turnaround, It’s a dance - Michel Petrucciani (p) Gary Peacock (b) Roy Haynes (d)

Michel Petrucciani murió en enero de 1999, con apenas 36 años, pero dejó tras de sí una carrera de una intensidad extraordinaria. Había nacido en Francia con osteogénesis imperfecta, una enfermedad que afectó su crecimiento y volvió extremadamente frágiles sus huesos, pero desde muy joven desarrolló una personalidad musical que terminaría imponiéndose sobre cualquier consideración acerca de sus limitaciones físicas.

A los trece años ya tocaba en público y siendo adolescente compartió escenarios con músicos como Kenny Clarke y Clark Terry. Un momento decisivo llegó en 1982, cuando viajó a California y convenció al saxofonista Charles Lloyd, entonces alejado de los escenarios, para volver a tocar y contratarlo como pianista. Aquella asociación contribuyó decisivamente a dar a conocer a Petrucciani en Estados Unidos.

“Jazz Club Montmartre – CPH 1988” recupera una actuación inédita registrada el 3 de julio de ese año en el histórico club de Copenhague. Lo acompañan dos músicos excepcionales: Gary Peacock en contrabajo y Roy Haynes en batería. No era un encuentro ocasional: los tres ya habían grabado juntos para Blue Note y pocos días después volverían a presentarse como trío en Alemania.

El documento encuentra así a Petrucciani en un momento particularmente fértil de su breve carrera, rodeado de dos músicos que podían responderle de igual a igual. Más que recordar cuánto le costó llegar hasta allí, esta grabación permite recordar “”hasta dónde llegó”“.

JOE HENDERSON AN EVENING WITH JOE HENDERSON/CHARLIE HADEN/AL FOSTER - Live “Genova Jazz Festival”, July 9, 1987 - Serenity, Beatrice - Joe Henderson (ts) Charlie Haden (b) Al Foster (d)

En 1985 Joe Henderson había grabado para Blue Note “The State of the Tenor”, las célebres sesiones en trío que reafirmaron su posición entre los grandes saxofonistas de su generación. Mucho menos conocida es “An Evening with Joe Henderson, Charlie Haden & Al Foster”, registrada dos años después, el 9 de julio de 1987, durante el Festival de Jazz de Génova, en Italia, y publicada por el sello italiano Red Records.

El formato vuelve a ser el trío sin piano ni guitarra, esta vez con dos músicos excepcionales: Charlie Haden en contrabajo y Al Foster en batería. El repertorio incluye “Beatrice”, de Sam Rivers, “Invitation”, “Ask Me Now”, de Thelonious Monk, y la propia “Serenity” de Henderson, piezas que sirven como punto de partida para interpretaciones extensas.

La ausencia de un instrumento armónico modifica necesariamente las responsabilidades dentro del grupo. Haden proporciona la base armónica, pero dejando suficiente espacio para sugerir más que imponer su dirección. Eso permite que Foster asuma una función particularmente interesante: no se limita a sostener el ritmo, sino que ayuda a definir la forma y las transiciones, convirtiéndose por momentos casi en una tercera voz melódica.

Sus acentos, figuras de platillos y cambios de intensidad orientan el desarrollo de la música sin necesidad de hacerlo explícito. Es una contribución discreta pero esencial y una buena muestra de cuánto puede aportar un gran baterista cuando el espacio que lo rodea aumenta.

AHMAD JAMAL TRIO VERNELL FOURNIER — “LIVE AT THE PERSHING” - Chicago, IL, January 17, 1958 - But not for me, Cherokee, Music, music, music, Woody’n you - Ahmad Jamal (p) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)

Aquí el baterista no marca simplemente el tiempo: crea el espacio. Fournier entiende que la música de Jamal vive tanto de los silencios como de las notas. Su toque es ligero, lleno de plumillas y platillos apenas sugeridos, pero cada intervención tiene un propósito.

Miles Davis decía que Ahmad Jamal le enseñó el valor del espacio. Podría decirse que Fournier fue el músico que hizo posible ese espacio. Nunca invade; espera, comenta y deja respirar la música.

Es uno de los mejores ejemplos de cómo un baterista puede ser decisivo precisamente por lo poco que toca. Tuve el privilegio de pasar una tarde con Vernel Fournier en su departamento de Nueva York conversando sobre la jazz en el jazz. Le comenté que e llamaba la atención la naturalidad con que entregaba el paso en sus intervenciones o breaks sin el acentuar el primer tiempo que tantos bateristas utilizan para marcar el cambio.

Me dijo que no lo consideraba como una señal del baterista. El énfasis, dijo, debía ser musical antes que percusivo. Su tarea era lograr que una frase condujera naturalmente a la siguiente, casi sin que el oyente advirtiera la transición.

Fue una respuesta sencilla, que demuestra que una de sus mayores virtudes era hacer que lo más difícil pareciera completamente natural.

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ERROLL GARNER TRIO DENZIL BEST - “CONCERT BY THE SEA” - Carmel, CA, September 19, 1955 - I’ll remember April, Sweet and lovely, Lullaby of Birdland, Mambo Carmel, They can’t take that away from me - Erroll Garner (p) Eddie Calhoun (b) Denzil Best (d)

Este caso es fascinante porque Denzil Best suele ser recordado como compositor (”Move”, “Wee”), pero aquí demuestra otra faceta. Garner era famoso por desplazar constantemente el pulso con su mano derecha y por comenzar frases donde nadie las esperaba. Un baterista rígido habría convertido el concierto en un desastre.

Best hace exactamente lo contrario: mantiene un pulso inquebrantable mientras permite que Garner toque libremente. Es un ejercicio de confianza extraordinario. También en Best, su grandeza consiste en hacer que todo parezca natural.

COLEMAN HAWKINS PAPA JO JONES - “THE HAWK FLIES HIGH” - New York, March 12 & 15, 1957 - Chant, Think Deep, Laura, Blue lights - Coleman Hawkins : Idrees Sulieman (tp) J.J. Johnson (tb) Coleman Hawkins (ts) Hank Jones (p) Barry Galbraith (g) Oscar Pettiford (b) Jo Jones (d)

The Hawk Flies High es el estupendo álbum del saxofonista tenor Coleman Hawkins. Muestra a un Hawkins maduro adaptando la maestría del swing al lenguaje del bop moderno junto a figuras como J.J. Johnson y Hank Jones.

En la batería, Papa Jo Jones aporta la concepción del swing que ayudó a definir décadas antes con la orquesta de Count Basie, cuando revolucionó el papel del instrumento al trasladar el pulso desde el insistente golpe del bombo hacia el platillo de ritmo, creando un swing más ligero, elegante y fluido.

En este disco, su batería no busca imponerse: sostiene, comenta y dialoga con Hawkins con gran naturalidad. Su enfoque es minimalista, con golpes y acentos colocados justo donde menos se esperan, impulsando la música con una sutileza extraordinaria. En definitiva, son dos veteranos del jazz hablando un mismo idioma con absoluta naturalidad.

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MIKE CLARK ITAI DOSHIN - The Hyde Out, San Francisco, CA, September 13 & December 23, 2024 - Epistrophy, I shot the sheriff - Eddie Henderson (tp) Craig Handy (sax) Patrice Rushen (p) Henry Franklin (b) Mike Clark (d)

Aunque muchos asocian a Mike Clark con los Headhunters, el icónico ensamble jazz-funk de Herbie Hancock, su trayectoria ha sido mucho más diversa. A lo largo de los años ha transitado por el jazz-funk, el hard bop y también por el avant-garde, siempre con la misma curiosidad musical. “Kosen Rufu” es una de esas incursiones. Para ese proyecto reunió a músicos que le permitieran tocar con mayor libertad y explorar un vocabulario poco habitual en su discografía. Sin embargo, el propio Clark reconoce que esas experiencias forman parte de un recorrido más amplio y que, tarde o temprano, siempre vuelve al blues y al swing, el núcleo de su lenguaje musical.

“Kosen Rufu” muestra a Mike Clark dispuesto a asumir riesgos y explorar nuevos territorios. “Itai Doshin”, en cambio, lo encuentra hablando el idioma que considera propio. Entre ambos álbumes no hay una contradicción, sino el retrato de un músico que nunca ha sentido la necesidad de elegir entre la exploración y la tradición.

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MAL WALDRON STARDUST & STARLIGHT - LIVE “JAZZ SHOWCASE”, Chicago, IL, August, 1979 - Fire waltz, ‘Round midnight, Star dust (1) - Sonny Stitt (as-1) Mal Waldron (p) Steve Rodby (b) Wilbur Campbell (d)

Mal Waldron pasó gran parte de su carrera construyendo un lenguaje inconfundible: sobrio, repetitivo y de una intensidad casi hipnótica. Sin embargo, esta grabación inédita, registrada en vivo en agosto de 1979 en el histórico Jazz Showcase de Chicago y rescatada del archivo personal de su fundador Joe Segal, revela otra faceta del pianista.

Con apenas dos composiciones propias, Waldron dedica buena parte del concierto a revisitar estándares, acompañado por músicos de la escena local: el contrabajista Steve Rodby y el baterista Wilbur Campbell. La falta de ensayos no parece importar. Más que imponer su estilo al repertorio, encuentra un equilibrio entre su inconfundible lenguaje y la tradición de esas canciones.

Tres interpretaciones en piano solo recuerdan que su voz seguía siendo absolutamente personal. Hacia el final del concierto aparece como invitado el saxofonista Sonny Stitt, cuya presencia aporta un contraste tan inesperado como natural. Más que un documento histórico, “Stardust & Starlight” permite descubrir a un Mal Waldron menos previsible, sin renunciar nunca a la identidad musical que definió toda su carrera.

OR BAREKET SAHAR - Lanzamiento 2022 - Root system, Sahar - Morgan Guerin (ts,EWI,org) Jeremy Corren (p,el-p) Or Bareket (b,comp) Savannah Harris (d,perc) Joel Ross (perc)

Con “Sahar”, el contrabajista Or Bareket confirma una nueva etapa en su trayectoria como compositor y líder de grupo. Después de darse a conocer por un lenguaje profundamente arraigado en la tradición del jazz y las músicas del Mediterráneo y Medio Oriente, aquí amplía ese universo junto a una nueva generación de músicos, entre ellos Morgan Guerin, Jeremy Corren y Savannah Harris, con la producción del vibrafonista Joel Ross.

El álbum nació durante los meses de aislamiento impuestos por la pandemia, un período que llevó a Bareket a reflexionar sobre el paso del tiempo, la pérdida y la memoria. De esa experiencia surgieron composiciones que privilegian la contemplación antes que el virtuosismo y que revelan a un músico más interesado en plantear preguntas que en ofrecer respuestas.

El título, “Sahar”, alude a ese instante incierto que precede al amanecer, cuando la noche parece suspendida y el tiempo pierde su medida habitual. Esa imagen resume el espíritu del disco: una búsqueda serena, íntima y profundamente personal que confirma a Or Bareket como una de las voces más originales de su generación.

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La saxofonista tenor argentina Camila Nebbia pertenece a una generación de improvisadores que entiende el jazz como un lenguaje abierto, donde la composición y la creación espontánea conviven sin jerarquías. “A Reflection Distorts Over Water” “un reflejo se distorsiona en el agua” representa un paso importante en ese recorrido al reunirla por primera vez con dos importantes figuras de la improvisación contemporánea: la pianista Marilyn Crispell y la percusionista Lesley Mok.

La relación con Crispell se remonta a 2016, cuando coincidieron en una residencia en Buenos Aires. Nebbia recuerda ese encuentro como una experiencia transformadora. Años más tarde conoció a Lesley Mok en el Banff Centre de Canadá, donde comenzó una colaboración que ha dado origen a diversos proyectos colectivos. Este álbum es el punto en que esos dos caminos finalmente convergen.

El trío llegó al estudio sin ensayos previos. Salvo una composición de Mok y algunas partituras abiertas propuestas por Nebbia, todo fue construido en el momento. Además de demostrar virtuosismo, la capacidad de convertir lo imprevisible en un discurso coherente es lo que hace del álbum una de las grabaciones más reveladoras de Camila Nebbia hasta la fecha.

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ORNETTE COLEMAN “THE ORNETTE COLEMAN TRIO AT THE GOLDEN CIRCLE, STOCKHOLM, VOLUME 1/2”, December 3, 1965. - Faces and places, European echoes - Ornette Coleman (as,tp 1,vln 1) David Izenzon (b) Charles Moffett (d,glockenspiel)

Aunque Ornette Coleman suele asociarse con cuartetos que revolucionaron el jazz moderno, “At the Golden Circle Stockholm, Volume One and Two” demuestran que su concepto de libertad no dependía de una determinada formación, sino de una manera distinta de entender el diálogo entre los músicos.

Registrado en vivo en diciembre de 1965, el álbum reúne a Coleman con el contrabajista David Izenzon y el baterista Charles Moffett en un trío sin un instrumento armónico con cada integrante asumiendo una responsabilidad mayor.

Izenzon y Moffett, dos músicos que rara vez reciben el reconocimiento que merecen dentro del avant garde de los años sesenta, son fundamentales para ese equilibrio entre independencia y cohesión. Lejos de limitar las posibilidades del grupo, el formato de trío permite que cada voz adquiera una claridad excepcional.

Más que un cambio de formato, “At the Golden Circle Stockholm” representa la confirmación de una idea que Ornette Coleman sostuvo durante toda su carrera: la verdadera innovación no consiste en romper las reglas, sino en encontrar nuevas maneras de interpretar la música.

LISA MEZZACAPPA AVANTNOIR - Oakland, CA, November 28 & 29, 2015 - Army Street, A bird in the hand, Ghosts [black and white, then blue] - Aaron Bennett (ts) William Winant (vib,perc,foley) John Finkbeiner (el g) Lisa Mezzacappa (b,samples) Jordan Glenn (d) Tim Perkis (electronics)

La contrabajista y compositora Lisa Mezzacappa en “AvantNOIR” se inspira en dos autores fundamentales de la novela noir: Dashiell Hammett, creador del detective moderno, y Paul Auster, quien décadas más tarde reinventó ese universo desde una mirada mucho más ambigua y contemporánea. Sin embargo, el objetivo del disco no es ilustrar esas historias, sino utilizarlas como punto de partida para la creación musical.

Cada composición toma como referencia un relato o una novela, pero el resultado desarrolla una identidad propia. Mezzacappa organiza un amplio ensamble donde los timbres cambian constantemente, las voces se entrelazan y la música avanza con la misma sensación de incertidumbre que caracteriza a los mejores relatos policiales.

Más que traducir personajes o episodios, “AvantNOIR” explora ideas como el misterio, la tensión y la incertidumbre. El disco confirma a Lisa Mezzacappa como una compositora que entiende el jazz contemporáneo como un espacio donde pueden encontrarse la literatura, la improvisación y la composición, sin que ninguna de ellas limite a las otras.

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Cécile McLorin Salvant nunca se ha limitado a cantar una canción. Antes de pronunciar la primera palabra parece haber examinado quién habla, qué desea decir y cuánto prefiere ocultar. Esa inteligencia dramática encuentra una dimensión nueva en *With Every Breath I Take*, su primer álbum grabado con una orquesta.

La acompaña la Metropole Orkest de los Países Bajos, dirigida por Jules Buckley, con arreglos de Darcy James Argue. Lejos de envolver la voz en un fondo meramente decorativo, Argue construye alrededor de cada canción un escenario diferente. La orquesta puede sugerir intimidad, ironía o desasosiego, mientras Salvant conserva un control absoluto sobre el relato, sin exagerar sus recursos ni convertir la emoción en espectáculo.

El repertorio reúne canciones de Duke Ellington, Billy Strayhorn, Stephen Sondheim, Noël Coward y Kurt Weill, además de una composición de la propia cantante. En *Barbara Song*, de *La ópera de los tres centavos*, Salvant recorre en ocho minutos una sucesión de actitudes y contradicciones, como si el personaje se transformara ante nosotros. En *Lush Life*, acompañada al piano por Sullivan Fortner, prescinde de todo exceso y deja que la resignación contenida en la letra se revele gradualmente.

“With Every Breath I Take” confirma que Salvant posee la imaginación necesaria para llenar un espacio orquestal sin perder la intimidad de una canción.

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JUHANI AALTONEN CONCLUSIONS - Porvoo, Finland, August 18-20, 2008 - Good old times, Consolation - Juhani Aaltonen (ts,fl,alto-fl) Iro Haarla (p,harp) Ulf “Uffe” Krokfors (b) Reino Laine (d)

Después de más de cinco décadas de trayectoria, muchos músicos sienten la necesidad de resumir su carrera o rendir homenaje a su propio pasado. Juhani Aaltonen elige otro camino. *Conclusions* no es un balance retrospectivo, sino la obra de un artista que sigue buscando nuevas respuestas.

Figura fundamental del jazz finlandés desde los años sesenta, Aaltonen descubrió muy temprano la fuerza transformadora de John Coltrane, cuya histórica visita a Helsinki dejó una huella profunda en toda una generación de músicos nórdicos. Sin embargo, con el paso de los años desarrolló un lenguaje propio, de gran lirismo, abierto a la improvisación y profundamente conectado con la tradición europea del jazz contemporáneo.

En este cuarteto se reúne con tres músicos que representan distintas etapas de su recorrido: la pianista y arpista Iro Haarla, el contrabajista Ulf Krokfors y el baterista Reino Laine. Todos contribuyen con composiciones, haciendo de *Conclusions* una obra verdaderamente colectiva.

El disco transmite serenidad, pero nunca conformismo. Cada interpretación revela a músicos que escuchan, dialogan y asumen riesgos con absoluta naturalidad. Lejos de cerrar una trayectoria, “Conclusions” demuestra que la experiencia puede convertirse en el mejor punto de partida para seguir explorando.

LAUREN SEVIAN BLUEPRINT - New York, December 10, 2007 - Blueprint, Elusive illusion, One for C. Payne - Mike DiRubbo (as-1) Lauren Sevian (bar) George Colligan (p) Boris Kozlov (b) Jonathan Blake (d)

Durante décadas el saxofón barítono ha permanecido a la sombra de sus parientes más populares. Aunque figuras como Harry Carney, Serge Chaloff, Pepper Adams o Cecil Payne demostraron que podía ser un instrumento de enorme expresividad, pocos músicos han decidido convertirlo en el centro de su carrera. Lauren Sevian pertenece a esa reducida tradición.

Ganadora de un premio Grammy y con una trayectoria profesional iniciada cuando apenas era una adolescente, Sevian presenta en *Blueprint* su álbum debut como líder. Más que una carta de presentación, el disco deja en evidencia una voz propia que conoce profundamente la historia del instrumento sin quedar atrapada en ella.

Acompañada por un sólido cuarteto integrado por Boris Kozlov en contrabajo, George Colligan en piano y Johnathan Blake en batería, Sevian alterna composiciones originales con homenajes implícitos a algunos de sus referentes, especialmente Cecil Payne. Su sonido posee la profundidad característica del barítono, pero también una agilidad y una libertad poco habituales en un instrumento que muchas veces ha sido relegado a funciones de acompañamiento.

“Blueprint” confirma la aparición de una intérprete que entiende la tradición como un punto de partida y demuestra que el saxofón barítono sigue siendo un territorio fértil para nuevas ideas.

El grupo One for All, se inició hace más de veinticinco, mientras que muchas agrupaciones de su generación buscaron nuevos caminos, el sexteto eligió profundizar una tradición que sigue encontrando nuevas posibilidades cuando está en manos de grandes músicos. Integrado por Eric Alexander, Jim Rotondi, Steve Davis, David Hazeltine, John Webber y Joe Farnsworth, el grupo ha demostrado que la fidelidad a un estilo no significa repetirse.

En Big George invitan a participar en tres temas al saxofonista George Coleman, uno de los grandes maestros del jazz. Más que un homenaje, el disco propone un encuentro entre generaciones de músicos que comparten un mismo lenguaje. Coleman no aparece como una figura ceremonial ni como un invitado de lujo: toca como uno más del grupo, aportando la autoridad, el sonido y la imaginación que han distinguido su carrera durante más de seis décadas.

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STAN GETZ QUARTET GETZ AT THE GATE - “Village Gate”, New York, November 26, 1961 - Stella by starlight, Impressions - Stan Getz (ts) Steve Kuhn (p) John Neves (b) Roy Haynes (d)

Mientras John Coltrane ampliaba el vocabulario del saxo tenor y una nueva generación empujaba los límites del lenguaje, Stan Getz también exploraba esos territorios, pero sin renunciar al sonido elegante y luminoso que siempre lo distinguió

Getz at the Gate, registrado en vivo en el club Village Gate de Nueva York y publicado casi sesenta años después, captura ese momento irrepetible. Lo acompaña un cuarteto excepcional con Steve Kuhn en piano, John Neves en contrabajo y Roy Haynes en batería, un grupo que combina la sofisticación armónica con una energía poco habitual en el universo de Getz.

El repertorio refleja esa búsqueda. Junto a estándares como Stella by Starlight o Like Someone in Love aparecen composiciones asociadas al jazz moderno, como Impressions de John Coltrane y Airegin de Sonny Rollins. Getz responde con un fraseo más incisivo y una intensidad que sorprende, sin perder nunca la belleza de su sonido.

Más que anticipar lo que Getz haría después con Jazz Samba y Getz Gilberto, este álbum muestra a un músico plenamente comprometido con el presente del jazz incorporando nuevas ideas y demostrando que era posible dialogar con la modernidad sin renunciar a una voz propia.

LENA BLOCH ROSE OF LIFTA - Hampton, NJ, June 12, 2019 - Promise of return, Climbing rose of Lifta - Lena Bloch (ts) Russ Lossing (p) Cameron Brown (b) Billy Mintz (d)

Lena Bloch conoce bien lo que significa cambiar de país y comenzar de nuevo. Nacida en Rusia, vivió en Israel y en distintos lugares de Europa antes de establecerse en Nueva York en 2008, donde desarrolló una personalidad musical que refleja ese recorrido. En 2014 formó Feathery junto al pianista Russ Lossing, el contrabajista Cameron Brown y el baterista Billy Mintz, un cuarteto que privilegia la conversación musical por sobre el protagonismo individual.

Rose of Lifta profundiza esa búsqueda. Las siete composiciones del álbum —tres de ellas escritas por Russ Lossing— se suceden con la continuidad de una suite, mientras el grupo construye un discurso colectivo en el que cada instrumento aporta con la misma importancia. Hay ecos de Lennie Tristano y, de manera más sutil, resonancias de las tradiciones musicales de Oriente Medio, pero el resultado evita las referencias evidentes y termina encontrando una voz propia.

Más que impresionar por el virtuosismo, Feathery interesa por la manera en que sus integrantes escuchan y responden unos a otros. De esa interacción nace una música de gran sensibilidad, donde la idea de pertenencia, memoria y búsqueda de un hogar aparece sugerida sin necesidad de explicarse con palabras.

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MEL POWELL TRIO BORDERLINE - New York, August 17, 1954 - Makin’ whoopee, Quin and sonic, Cross your heart, Avalon - Paul Quinichette (ts) Mel Powell (p) Bobby Donaldson (d)

Mel Powell fue el joven pianista que brilló junto a Benny Goodman durante la era del swing. Sin embargo, a mediados de los años cincuenta su música había tomado un rumbo mucho más personal. Borderline es una excelente muestra de esa evolución: un disco que parte de la tradición, pero que nunca deja de explorar nuevos caminos.

Grabado con una formación poco habitual —piano, saxo tenor y batería, sin contrabajo—, el álbum crea un espacio sonoro abierto que permite a Powell desarrollar un lenguaje de gran libertad. Su conocimiento del swing sigue presente, pero ahora convive con armonías más osadas, cambios de dirección inesperados y melodías que desafían continuamente las expectativas del oyente.

El saxofonista Paul Quinichette acepta el desafío con naturalidad. En lugar de imponer un contraste, su sonido cálido aporta equilibrio a una música que alterna momentos de gran lirismo con otros de sorprendente audacia. Bobby Donaldson completa el trío con una batería siempre atenta al pulso y al diálogo entre los músicos.

Más que romper con el pasado, Mel Powell lo transforma. El álbum Borderline demuestra que era posible respetar la tradición del swing y, al mismo tiempo, ampliar sus horizontes con imaginación.

JO JONES THE JO JONES SPECIAL - Brooklyn, NY, August 11, 1955 - Makin’ whoopee, Quin and sonic, Cross your heart, Avalon - Emmett Berry (tp) Bennie Green (tb) Lucky Thompson (ts) Nat Pierce (p) Count Basie (p1) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d)

The Jo Jones Special, grabado en 1955, muestra a un músico que nunca sintió la necesidad de romper con el pasado para seguir siendo moderno. Mientras el bebop transformaba el lenguaje del jazz, Jones continuó desarrollando la manera de tocar que había revolucionado veinte años antes junto a Count Basie. Su batería ya no marcaba el tiempo con el bombo, sino que hacía respirar a toda la orquesta desde el platillo, una innovación que cambió para siempre el papel del instrumento. En este disco demuestra que esa manera de entender el swing seguía siendo plenamente vigente.

Benny Green, Lucky Thompson, Emmett Berry, Walter Page y Nat Pierce integran un grupo de primer nivel que alterna momentos de gran refinamiento con otros de absoluta espontaneidad. Jones no busca exhibirse con largos solos; su verdadera grandeza está en cómo impulsa a los demás, creando una música que avanza con una naturalidad contagiosa.

La aparición inesperada de Count Basie en dos tomas de Shoe Shine Boy termina siendo casi un símbolo: dos de los grandes arquitectos del swing reunidos, no para mirar con nostalgia el pasado, sino para demostrar que esa música seguía siendo vigente.

RUBY BRAFF:

- RUBY BRAFF’S ALL STARS - New York, June 28, 1956 - Here’s Freddie, You’re lucky to me Ruby Braff (tp) Lawrence Brown (tb) Coleman Hawkins (ts) Ernie Caceres (bar) Don Elliott (vib) Nat Pierce (p) Freddie Green (g) Eddie Jones (b) Buzzy Drootin (d)

- BRAFF! - New York, July 10, 1956 - Indian summer, Moonglow, When my dreamboat comes home - Ruby Braff (tp) Don Elliott (vib) Nat Pierce (p) Freddie Green (g) Eddie Jones (b) Buzzy Drootin (d)

Mientras el bebop cambiaba para siempre el rumbo del jazz, Ruby Braff eligió mirar hacia atrás para seguir avanzando. Parecía haber nacido en la década equivocada. Diez años menor que Dizzy Gillespie y contemporáneo de Miles Davis, en lugar de abrazar la revolución modernista, encontró su propia voz profundizando en la tradición de Louis Armstrong y demostrando que la innovación también puede surgir desde las raíces.

En las dos sesiones de 1956 que vamos a escuchar, reunió un elenco extraordinario que incluye a Coleman Hawkins, Lawrence Brown, Dave McKenna, Freddie Green y Steve Jordan. Lejos de buscar el virtuosismo por sí mismo, todos ponen su talento al servicio de la melodía, creando un ambiente íntimo, elegante y de enorme calidez.

Braff toca con un sonido brillante y un fraseo que parece cantar cada melodía. La influencia de Armstrong es evidente, pero nunca se convierte en imitación. Su manejo de los silencios, los matices y la dinámica revela una personalidad inconfundible, capaz de descubrir nuevas posibilidades en canciones que parecían formar parte del repertorio de siempre.

Estas grabaciones muestran a un músico profundamente respetuoso de la tradición, pero también convencido de que el jazz solo permanece vivo cuando cada generación encuentra su propia manera de contar la misma historia.

El baterista, compositor y educador, Leon Anderson ha sido durante años una figura muy respetada de la escena de Nueva Orleans. Su debut como líder, Live at Snug Harbor, fue registrado en el histórico club de jazz donde acompañó durante largo tiempo a músicos como Victor Goines y Ellis Marsalis.

Más que un simple concierto, este álbum transmite la sensación de estar escuchando a un músico que se mueve con absoluta naturalidad en un escenario que conoce como su propia casa.

Las interpretaciones son relajadas, sin apuro, dejando espacio para que cada integrante del grupo despliegue su personalidad. Anderson evita el lucimiento fácil y privilegia el diálogo colectivo, apoyado en un sólido pulso y un refinado sentido de la dinámica.

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RAFAEL ZALDIVAR MEETING IN NEW YORK, VOLUME ONE - New York, April 14, 2026 - Walking with Christian, Caribbu - Rafael Zaldivar (p,comp,dir) Christian McBride (b) Francisco Mela (d)

El pianista cubano Rafael Zaldivar debuta en el catálogo de 577 Records con Meeting in New York, Volume One, un trío de excepción junto al contrabajista Christian McBride y el baterista cubano Francisco Mela. Es un encuentro entre tres músicos de trayectorias muy distintas que encuentran rápidamente un lenguaje común.

Zaldivar posee un estilo de gran lirismo y una notable claridad de ideas. Sus improvisaciones fluyen con naturalidad, sin perder nunca el sentido melódico, mientras sus composiciones ofrecen el espacio necesario para que el diálogo entre los tres músicos se desarrolle con absoluta libertad.

Francisco Mela aporta una batería siempre inquieta, llena de matices y cambios de dirección, capaz de impulsar la música sin imponerse sobre sus compañeros. Christian McBride, por su parte, demuestra una vez más por qué es uno de los grandes contrabajistas de nuestro tiempo. Aunque es ampliamente reconocido por su trabajo dentro del jazz más tradicional, aquí se mueve con la misma autoridad en un contexto más abierto y exploratorio.

Gigi Gryce Quintet The rat race blues - Englewood Cliffs, NJ, June 7, 1960 Strange feelin’ (1), Boxer’s blues, Blues in bloom Richard Williams (tp) Gigi Gryce (as) Richard Wyands (p) Julian Euell (b) Mickey Roker (d,tamborine-1)

A comienzos de la década de 1950, el saxofonista y compositor Gigi Gryce surgió como una de las figuras más prometedoras del hard bop. Influido por Charlie Parker, compartió escenario y estudios de grabación con músicos como Howard McGhee, Thelonious Monk, Max Roach, Clifford Brown y Donald Byrd. Rat Race Blues, grabado para Prestige, sería uno de sus últimos trabajos antes de abandonar inesperadamente la vida profesional del músico de jazz.

Musicalmente, en Rat Race Blues destacan el trompetista Richard Williams, de sonido poderoso y gran lirismo, y una sólida sección rítmica encabezada por Richard Wyands en piano. Es un disco que confirma el enorme talento de Gigi Gryce y deja la inevitable pregunta de cuánto más podría haber aportado al jazz si hubiese permanecido en los escenarios.

El contrabajista Johnny Dyani fue una de las voces originales del jazz hen surgir en Sud África entre las décadas de 1970 y 1980. Exiliado por el apartheid, encontró en Europa un espacio donde desarrollar un lenguaje que unía las melodías y ritmos de su tierra con la libertad creativa del jazz de vanguardia.

En el álbum Song For Biko, Dyani reúne a tres músicos con quienes compartía raíces y experiencias: el saxofonista Dudu Pukwana, el baterista Makaya Ntshoko y el cornetista estadounidense Don Cherry, un aliado natural de esta búsqueda musical abierta y profundamente humana. El resultado es una música intensa pero serena, donde la improvisación nunca pierde el sentido melódico ni el pulso africano.

El momento más conmovedor es “Song for Biko”, dedicado a Steve Biko, el líder del movimiento de conciencia negra sudafricano, muerto bajo custodia policial en 1977. Sin recurrir al dramatismo, Dyani transforma ese homenaje en una reflexión llena de dignidad. El extenso “Jo’burg–New York”, que ocupa toda la segunda cara del disco, une continentes, memorias y esperanzas en una de las grabaciones más inspiradas de su carrera.

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ARCHIE SHEPP FIRE MUSIC - New York, February 16, 1965 - Hambone or the dirty dozens - Ted Curson (tp) Joseph Orange (tb) Marion Brown (as) Archie Shepp (ts) Reggie Johnson (b) Joe Chambers (d)

Cuando Archie Shepp grabó “Fire Music” en 1965, ya era una de las figuras prometedoras de la nueva generación del jazz. Admirador de John Coltrane -aparece en una de las sesiones de “A Love Supreme”- y colaborador de Cecil Taylor y Ornette Coleman, Shepp amplió el lenguaje del saxofón sin romper sus vínculos con el blues y la tradición afro-estadounidense.

“Fire Music” es el álbum que marcó un punto de inflexión tanto en su carrera como en la evolución del “New Thing” o Free Jazz. Aquí conviven la improvisación libre, melodías que parecen expandirse sin límites y una intensidad emocional que refleja el clima social en Estados Unidos durante la lucha por los derechos civiles. La música va mucho más allá de su dimensión política. Es un disco que conserva un profundo vínculo con el blues, al tiempo que abre nuevas posibilidades para el jazz moderno.

Más de sesenta años después, esta grabación sigue sonando desafiante y vigente, no solo por su audacia musical, sino también por la convicción artística con que Archie Shepp convirtió el jazz en una expresión de libertad.

JOHN ZORN MASADA 1 (ALEF) - New York, February 20, 1994 - Bith Aneth, Tzofeh, Taha, Zebdi - Dave Douglas (tp) John Zorn (as) Greg Cohen (b) Joey Baron (d)f

Con “Alef”, el primer álbum del cuarteto Masada, John Zorn inauguró en 1994 uno de los proyectos más originales de su carrera. Inspirado en la libertad creativa del histórico cuarteto de Ornette Coleman, Zorn reunió a un grupo excepcional: el trompetista Dave Douglas, el contrabajista Greg Cohen y el baterista Joey Baron, grupo que aún se mantiene.

La música parte de melodías inspiradas en la tradición judía, pero nunca cae en la recreación folclórica. Por el contrario, esas raíces sirven como punto de partida para un jazz donde la improvisación, la energía y el diálogo permanente entre los músicos mantienen la tensión de principio a fin.

Zorn y Douglas, más que alternar solos, desarrollan líneas simultáneas que se entrelazan constantemente, creando una textura rica y dinámica, sostenida por la firmeza de Cohen y el impulso inagotable de Baron.

Con “Earfood”, Roy Hargrove confirma la plena madurez de un músico que, desde muy joven, fue reconocido como uno de los grandes trompetistas de su generación. Después de participar en proyectos de distintas tendencias, aquí vuelve decididamente al jazz acústico con el quinteto que lo acompañó durante varios años, logrando un equilibrio admirable entre tradición y frescura.

Lo secundan el saxofonista alto Justin Robinson, de sonido expresivo y elegante; el pianista Gerald Clayton, entonces una de las figuras emergentes del jazz; el contrabajista Danton Boller y el baterista Montez Coleman. Juntos construyen un sonido cohesionado, flexible y lleno de matices.

El repertorio alterna composiciones originales con piezas de Cedar Walton, Larry Willis, Weldon Irvine y Sam Cooke. Entre los momentos más destacados aparecen la contagiosa “Strasbourg/St. Denis”, el pulso en 7/8 de “Brown”, y la baladas “Joy Is Sorrow Unmasked” donde Hargrove demuestra su notable capacidad para decir mucho con muy pocas notas.

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RON CARTER & ART FARMER LIVE “SWEET BASIL”, New York, 1990 - My funny Valentine, It’s about time, When love is new - Art Farmer (tp,flhrn) Cedar Walton (p) Ron Carter (b) Billy Higgins (d)

Grabado en 1990 en el legendario y desaparecido club neoyorquino Sweet Basil, este álbum reúne a cuatro figuras fundamentales del jazz moderno: el contrabajista Ron Carter, el trompetista y fliscornista Art Farmer, el pianista Cedar Walton y el baterista Billy Higgins.

El repertorio combina composiciones originales con una estupenda versión del clásico “My Funny Valentine”, interpretada con la serenidad y la sensibilidad que distinguían a Art Farmer. Lejos del exhibicionismo técnico, Farmer privilegia el fraseo melódico y el sonido cálido de su fliscorno, mientras Carter sostiene el conjunto con la elegancia y la solidez que lo convirtieron en uno de los contrabajistas más influyentes de la historia del jazz.

“Live at Sweet Basil” confirma que, muchas veces, la verdadera intensidad nace de la contención. Es un disco que demuestra cómo la madurez, la escucha y el equilibrio entre cuatro grandes músicos pueden resultar mucho más elocuentes que cualquier despliegue de destreza.

LOREN STILLMAN TIME AND AGAIN - Queens, NY, July, 2022 - Backyard, Unsung, Time and again - Loren Stillman (ts) Drew Gress (b) Mark Ferber (d)

Después de casi una década sin publicar un nuevo álbum, en el 2022 el saxofonista Loren Stillman regresa con “Time and Again”, un trabajo que marca una nueva etapa en su carrera. Reconocido durante años como uno de los grandes exponentes del saxofón alto, aquí opta por el tenor, un instrumento cuyo sonido venía explorando silenciosamente y que se convierte en la voz principal de este proyecto.

Lo acompañan dos músicos de absoluta confianza: el contrabajista Drew Gress y el baterista Mark Ferber. La ausencia de un piano o una guitarra no es casual; permite que la música respire con mayor libertad y que Stillman ocupe el espacio armónico mediante el diálogo permanente con sus compañeros.

Las composiciones, inspiradas en el legado de Lee Konitz, Warne Marsh y Paul Motian, combinan estructuras cuidadosamente diseñadas con una improvisación que fluye con total naturalidad. Piezas como “Backyard”, “Unsung”, “Fearless Dreamer” y la contemplativa “Mask” revelan un lenguaje moderno, sutil y profundamente melódico.

Después de más de tres décadas de trayectoria, el saxofonista, compositor y director Joshua Redman inició una nueva etapa con “Where Are We”, su primer álbum para el sello Blue Note. Se trata de una obra exigente y profundamente expresiva, construida en torno a un repertorio de baladas y, por primera vez en su discografía, la participación de una cantante. Él había considerado durante años la posibilidad de realizar un proyecto con voz, pero solo encontró el estímulo necesario al escuchar a Gabrielle Cavassa. En ella reconoció una cualidad expresiva poco común, marcada por la intimidad, la fragilidad y una forma muy personal de abordar cada canción. Para acompañarla reunió un grupo especialmente sensible a las necesidades del repertorio: el baterista Brian Blade, colaborador de Redman desde los comienzos de sus respectivas carreras, Aaron Parks, compañero suyo en el cuarteto James Farm, en piano; y el contrabajista Joe Sanders completa la formación.

El álbum recorre distintas ciudades de Estados Unidos a través de composiciones asociadas a cada una de ellas. Redman invitó a Kurt Rosenwinkel en “Streets of Philadelphia”, Peter Bernstein en “Manhattan”, Joel Ross en “Chicago Blues” y Nicholas Payton en “Do You Know What It Means to Miss New Orleans?”, todos nacidos o criados en los lugares que evocan. El resultado es un viaje musical de atmósfera nocturna, elegante y melancólica.

LEM WINCHESTER WITH FEELING - Englewood Cliffs, N.J., October 7, 1960 - But beautiful, With a song in my heart, Why don’t they understand - Lem Winchester (vib) Richard Wyands (p) George Duvivier (b) Roy Haynes (d)

La carrera de Lem Winchester fue tan breve como prometedora. Nacido en 1928, trabajó durante varios años como policía en Wilmington, Delaware, hasta que una deslumbrante actuación en el Festival de Jazz de Newport de 1958 lo convenció de abandonar esa profesión para dedicarse por completo a la música. Apenas tres años más tarde, un trágico accidente puso fin a una trayectoria que apenas comenzaba.

Aunque su principal influencia fue Milt Jackson, Winchester desarrolló una personalidad propia. Compartía con Jackson un sonido cálido y una profunda raíz en el blues, pero su estilo era más enérgico y directo. Su vibráfono combinaba un swing poderoso con líneas ágiles, sincopadas y de gran fluidez, logrando una expresividad poco común en un instrumento muchas veces asociado a un sonido más delicado.

“With Feeling”, publicado poco antes de su fallecimiento, muestra una faceta especialmente íntima del músico. Predominan las baladas y los tiempos medios, interpretados con sensibilidad y un notable lirismo, sin renunciar a la intensidad que caracterizó su forma de tocar. Es un álbum que invita a descubrir a un artista cuyo talento excepcional tuvo una vida demasiado breve.

DEVIN DANIELS QUINTET LESGO! - Live “Sam First”, Los Angeles, February 16 & 17, 2024 - LesGo!, Nothing Song, Ugly Beauty - Julien Knowles (tp) Devin Daniels (as) Chris Fishman (p) Jermaine Paul (b) Benjamin Ring (d)

El saxofonista alto Devin Daniels es una de las voces emergentes más interesantes de la escena jazzística de Los Ángeles. Tras acompañar a Herbie Hancock en gira y participar en el homenaje a Wayne Shorter realizado en el Hollywood Bowl en 2023, Daniels presenta “LesGo!”, un álbum grabado en vivo junto a su quinteto en el club Sam First, muy cerca del aeropuerto internacional de Los Ángeles.

Además de revelar un sonido propio, Daniels confirma aquí su talento como compositor. Lo acompaña un sólido grupo de jóvenes músicos: Julien Knowles en trompeta, Chris Fishman en piano, Jermaine Paul en contrabajo y Benjamin Ring en batería, todos intérpretes que comienzan a consolidar una destacada trayectoria.

El tema que da título al álbum abre con una breve introducción del saxofón antes de que el quinteto exponga una melodía festiva, con claros toques de góspel. Daniels desarrolla un solo imaginativo y lleno de energía, culminando en un intenso diálogo con el baterista. Es un excelente punto de partida para un disco que combina la espontaneidad del concierto en vivo con composiciones de gran personalidad y confirma a Devin Daniels como un músico al que conviene seguir muy de cerca.

LUIS RUSSELL AND HIS ORCHESTRA:

- New York, 1930 - Saratoga shout, Louisiana swing - Louis Metcalf (tp) J.C. Higginbotham (tb) Charlie Holmes (cl,as) Teddy Hill (ts) Luis Russell (p,dir) Will Johnson (bj,g) Bass Moore (tu) Paul Barbarin (d) Walter “Fats” Pichon (vcl)

- New York September 30, 1930 - Panama - Henry “Red” Allen, Bill Coleman (tp) J.C. Higginbotham (tb,vcl) Albert Nicholas (cl,as) Charlie Holmes (as,sop) Teddy Hill (ts) Luis Russell (p,dir) Will Johnson (bj,g) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d) vocal trio (1) only (Henry

- New York, August 8, 1934 - My blue heaven (sw vcl,*), Ghost of the freaks (tpb vcl), Hokus pokus, Primitive - Rex Stewart (cnt) Leonard Davis, Gus Aiken (tp) Nat Story, Jimmy Archey (tb) Henry Jones (as) Charlie Holmes (as,cl) Bingie Madison, Greely Walton (ts,cl) Luis Russell (p,dir) Lee Blair (g) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d,vib) Sonny Woods, The Palmer Brothers (vcl)

Luis Russell ocupa un lugar singular en la historia del jazz. Nacido en Panamá, inició su carrera profesional en Nueva Orleans antes de establecerse en Chicago y, posteriormente, en Nueva York. Esa trayectoria le permitió reunir dos mundos: la espontaneidad del jazz de Nueva Orleans y el creciente refinamiento de las grandes orquestas. Aunque nunca alcanzó la popularidad de Duke Ellington o Count Basie, su conjunto fue uno de los primeros en anticipar el lenguaje del swing.

El período más brillante de la orquesta se concentró entre 1929 y 1930. En esos años desarrolló un sonido poderoso, basado en secciones de metales cuidadosamente organizadas, una sólida base rítmica y arreglos que privilegiaban la fuerza del conjunto por encima del lucimiento individual. Al mismo tiempo, reunió a algunos de los mejores solistas de su generación, entre ellos Henry “Red” Allen, J. C. Higginbotham, Barney Bigard, Omer Simeon, Pops Foster y Paul Barbarin.

Grabaciones como “Louisiana Swing” y “Saratoga Shout” muestran a una orquesta en plena madurez artística. En 1935, Louis Armstrong asumió el liderazgo de la agrupación, mientras Russell permanecía como director musical, poniendo fin a una de las etapas más innovadoras y menos reconocidas del jazz anterior a la era del swing.

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ERSKINE HAWKINS AND HIS ORCHESTRA - New York, 6/29/1942 - Tuxedo Junction, Hawk’s boogie, Country boy, Lucky seven [Bill’s tune], Bicycle bounce - Erskine Hawkins (tp,vcl,arr) Sammy Lowe, Charlie Jones, Wilbur “Dud” Bascomb (tp) Ed Sims, Don Coles, David “Jelly” James, Norman Greene (tb) Bobby Smith (as) Jimmy Mitchell (as,vcl) Julian Dash, Paul Bascomb (ts) Haywood Henry (bar,cl) Gene Rodgers (p) Bill Johnson (g) Leemie Stanfield (b) Kelly Martin (d)

Erskine Hawkins fue uno de los grandes arquitectos del swing que surgió en lugares no tradicionales del jazz. Formada originalmente en el Alabama State Teachers College bajo el nombre de “Bama State Collegians”, su orquesta llegó a Nueva York a finales de los años treinta y pronto se convirtió en una de las atracciones permanentes del Savoy Ballroom de Harlem. Allí desarrolló un estilo enérgico y profundamente bailable que la distinguió entre las grandes bandas de la época.

El sonido de la orquesta se apoyaba en una poderosa sección de metales, una sólida base rítmica y arreglos que combinaban precisión con amplios espacios para la improvisación. Al frente, Hawkins impresionaba con el brillante registro agudo de su trompeta, una cualidad que le valió el apodo de “Gabriel del siglo XX” y que revelaba la profunda influencia de Louis Armstrong.

Su mayor éxito fue “Tuxedo Junction”, composición inspirada en un popular punto de encuentro de la comunidad afro-estadounidense de Birmingham. Aunque la versión de Glenn Miller convirtió la melodía en un éxito internacional, la grabación original de Hawkins conserva toda la energía, el swing y el carácter bailable que hicieron famosa a la orquesta. Junto a títulos como “After Hours”, “Bear Mash Blues” y “King Porter Stomp”, constituye el mejor testimonio de una de las grandes bandas de la era del swing.

COOTIE WILLIAMS AND HIS ORCHESTRA:

- New York, 1942 - Is you is or is you ain’t my baby (ecv vcl), Somebody’s gotta go (ecv vcl), ‘Round midnight [Round about midnight] - Cootie Williams, E.V. Perry, George Treadwell, Lammar Wright, Tommy Stevenson (tp) Ed Burke, Bob Horton, Ed Glover (tb) Eddie “Cleanhead” Vinson (as,vcl) Frank Powell (as) Sam “The Man” Taylor, Lee Pope (ts) Eddie De Verteuil (bar) Bud Powell (p) Leroy Kirkland (g) Carl Pruitt (b) Sylvester “Vess” Payne (d)

- New York, February 26, 1945 - I’m beginning to see the light (tw vcl) - Cootie Williams, Harold “Money” Johnson, E.V. Perry, George Treadwell (tp) Ed Burke, Bob Horton (tb) Charlie Parker, Frank Powell (as) Lee Pope, Sam “The Man” Taylor (ts) Eddie De Verteuil (bar) Arnold Jarvis (p) Leroy Kirkland (g) Carl Pruitt (b) Sylvester “Vess” Payne (d) Tony Warren (vcl) Rupert Cole (as) replaces Charlie Parker

- New York, May 29, 1945 - Juice head baby (ecv vcl), Jitterbug serenade (cw ? vcl,*), Mood for Coot, When my baby left me , Everything but you - Cootie Williams, E.V. Perry, George Treadwell, Billy Ford, Gene Redd (tp) Ed Burke, Danny Logan, Bob Horton (tb) Rupert Cole (as) Eddie “Cleanhead” Vinson (as,vcl) Sam “The Man” Taylor, Lee Pope (ts) George Favors (bar) Arnold Jarvis (p) Carl Pruitt (b) Sylvester “Vess” Payne (d)

Cuando Cootie Williams dejó la orquesta de Duke Ellington en 1940 para formar su propia big band, ya era reconocido como una de las voces más originales de la trompeta en el jazz. Su característico sonido gutural, obtenido mediante el uso del sopapo, había sido uno de los sellos distintivos del célebre “Jungle Style” de Ellington. Sin embargo, como líder, Williams prefirió mirar hacia el futuro antes que recrear el pasado.

Su orquesta se convirtió rápidamente en uno de los conjuntos más innovadores de comienzos de los años cuarenta, al combinar un swing vigoroso, una profunda raíz blues y los primeros elementos del naciente bebop. Más importante aún, fue un verdadero semillero de jóvenes talentos, entre ellos Bud Powell, Eddie “Cleanhead” Vinson, Eddie “Lockjaw” Davis, Joe Guy e, incluso por un breve período, Charlie Parker.

Williams también abrió sus puertas a nuevos compositores y arreglistas. En 1944 su orquesta realizó la primera grabación comercial de “’Round Midnight”, de Thelonious Monk, contribuyendo a dar a conocer una de las composiciones más importantes de la historia del jazz. Aunque nunca alcanzó el éxito comercial de las grandes orquestas del swing, desempeñó un papel decisivo en la transición hacia el jazz moderno. Grabaciones como “Blue Garden Blues”, “Epistrophy”, “House of Joy” y “Salt Lake City Bounce” muestran a una banda firmemente anclada en el swing, pero con la mirada puesta en el futuro.

Con estas tres grandes orquestas de swing que, pese a su enorme calidad, nunca alcanzaron el reconocimiento de Ellington o Basie hemos concluido la sesión de esta noche: Luis Russell, el puente entre el jazz de Nueva Orleans y el nacimiento del swing; Erskine Hawkins, creador de una de las bandas más vibrantes y bailables de la época; y Cootie Williams, cuya orquesta abrió el camino hacia el bebop.

Conocido durante años como uno de los bateristas más creativos del jazz contemporáneo, Nasheet Waits confirma en *New York Love Letter* que también posee una voz muy personal como compositor y líder de grupo. Grabado en vivo junto al saxofonista Mark Turner, el vibrafonista Steve Nelson y el contrabajista Rashaan Carter, el álbum prescinde del piano para construir una sonoridad abierta, transparente y llena de matices.

Las composiciones de Waits se distinguen por su sólida arquitectura y por un desarrollo melódico y armónico poco frecuente en el jazz actual. Sin buscar imitar a Thelonious Monk, algunas de ellas evocan su manera de construir temas con formas imprevisibles y gran personalidad. A ellas se suman versiones de Andrew Hill, Jason Moran y dos composiciones de John Coltrane, integradas con naturalidad al concepto del álbum.

El cuarteto mantiene un equilibrio ejemplar entre escritura e improvisación. Mark Turner vuelve a demostrar por qué es uno de los grandes saxofonistas de su generación, mientras Steve Nelson y Rashaan Carter aportan sensibilidad y profundidad en cada intervención. Al frente de todo, Waits conduce el conjunto con una batería siempre musical, expresiva y al servicio de la obra colectiva. El resultado es uno de los trabajos más logrados de su carrera como líder.

New York Love Letter (Bittersweet) is quite the ride for both performers and listeners.

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KALIA VANDEVER REGROWTH

- Brooklyn, NY, c. 2021 - An unwelcome visit (1,2,3), More of the good stuff later (2,3), Pick it up (and drop it again) - Kalia Vandever (tbn) Immanuel Wilkins (sa) Paul Cornish (p) Lee Meadvin (g) Nick Dunston (b) Connor Parks (dr)

Con *Regrowth*, la trombonista y compositora Kalia Vandever confirma el notable crecimiento que ya anunciaba su debut, *In Bloom*. Al frente de un quinteto integrado por Paul Cornish en piano, Lee Meadvin en guitarra, Nick Dunston en contrabajo y Connor Parks en batería, además de la participación especial del saxofonista Immanuel Wilkins, Vandever desarrolla una propuesta donde la composición ocupa un lugar tan importante como la improvisación.

Sus obras nacen a menudo de pequeñas ideas descubiertas durante sus propias improvisaciones, que luego transforma en piezas de gran coherencia. A partir de motivos breves y repetitivos construye un lenguaje que combina la influencia del minimalismo con la libertad del jazz contemporáneo. En algunos momentos recuerda la intensidad espiritual de Pharoah Sanders; en otros, la economía de recursos de Steve Reich, siempre con una voz propia.

El diálogo entre el trombón de Vandever y el saxofón de Wilkins constituye uno de los grandes atractivos del álbum, especialmente en piezas como *Soft* y *An Unwelcome Visit*. Sin buscar el virtuosismo por sí mismo, *Regrowth* privilegia el desarrollo colectivo, las texturas y la profundidad expresiva. Es un trabajo maduro que confirma a Kalia Vandever como una de las compositoras e instrumentistas más originales de la nueva generación del jazz estadounidense.

STAN TRACEY JAZZ SUITE UNDER MILK WOOD - London, May 8, 1965 - Cockle row, Starless and bible black, No Good Boyo, Under Milk Wood - Bobby Wellins (ts) Stan Tracey (p) Jeff Clyne (b) Jackie Dougan (d)

Considerada una de las obras fundamentales del jazz británico, la Jazz Suite de Stan Tracey inspirada en la obra Under Milk Wood de Dylan Thomas, marcó un punto de inflexión cuando apareció en 1965. Aunque nació inspirada en la célebre obra radiofónica del poeta galés Dylan Thomas, el álbum trasciende su origen literario para convertirse en una brillante afirmación del talento de Stan Tracey como compositor, pianista y líder de grupo.

El cuarteto reúne a Bobby Wellins en saxo tenor, Jeff Clyne en contrabajo y Jackie Dougan en batería, un conjunto que logra un equilibrio excepcional entre lirismo, swing y modernidad.

Wellins ofrece algunas de las interpretaciones más memorables de su carrera, especialmente en Starless and Bible Black y en la delicada pieza que da título al álbum. Mientras tanto, la sección rítmica sostiene cada movimiento con una flexibilidad admirable, permitiendo que el lenguaje pianístico de Tracey —de claras afinidades con Thelonious Monk, aunque profundamente personal— se despliegue con absoluta naturalidad.

Más que una simple colección de temas, la suite posee una notable unidad musical. Cada episodio conduce al siguiente con una lógica narrativa poco habitual en este tipo de proyectos, culminando en el vibrante A.M. Mayhem. Se trata de un disco que no solo ocupa un lugar central en la historia del jazz británico, sino que sigue siendo, siete décadas después, una obra de extraordinaria frescura y creatividad.

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Aunque participó en innumerables sesiones fundamentales del jazz moderno, el baterista Art Taylor grabó relativamente pocos discos como líder. “Taylor’s Tenors”, su segundo, fue registrado en 1959 para Prestige y presenta una formación con dos destacados saxofonistas: los tenores Charlie Rouse y Frank Foster. Aunque ambos pertenecían al lenguaje del hard bop, sus estilos ofrecían un interesante contraste: Rouse, más seco, angular y contenido; Foster, de fraseo más expansivo y directamente ligado al swing de las grandes orquestas, en esa época, él todavía era integrante de la orquesta de Count Basie.

Taylor, uno de los bateristas más solicitados del sello. Apreciado por su pulso firme, su imaginación rítmica y una forma de acompañar que impulsaba a los solistas sin imponerse sobre ellos. Además, integraba por esos años el quinteto de Thelonious Monk, de donde provenía también Rouse, quien pronto se convertiría en uno de los colaboradores más identificados con la música del pianista.

El programa reúne piezas de Jackie McLean, de Rouse, Walter Davis Jr. y el propio Taylor; y dos clásicos de Monk. Más que una simple sesión de dos tenores, el disco documenta una conversación lúcida y estimulante entre dos voces muy diferentes, sostenidas por la autoridad rítmica de Art Taylor.

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KEITH JARRETT TRIO LIVE “THE DEER HEAD INN”, Delaware Water Gap, PA, September 16, 1992 - Basin Street blues, Solar - Keith Jarrett (p) Gary Peacock (b) Paul Motian (d)

“At The Deer Head Inn” registra una actuación en vivo realizada en 1992 en un pequeño club de jazz situado cerca de Allentown, Pensilvania. Para Keith Jarrett este no era un escenario cualquiera. Allí, con apenas 16 años, reemplazó al pianista residente Johnny Coates en lo que fue su primer trabajo como músico profesional. Regresar más de tres décadas después tenía, sin duda, un profundo significado personal.

Lo acompañan Gary Peacock y Paul Motian, el inolvidable baterista que integró durante más de una década el célebre trío de Bill Evans. No resulta difícil encontrar aquí un eco de aquella concepción musical: un piano que dialoga de manera permanente con el contrabajo y la batería, donde los tres músicos participan en pie de igualdad, escuchándose y construyendo cada interpretación de forma colectiva.

Esta edición reúne por primera vez la actuación completa de aquella noche. Además de su evidente interés histórico, el álbum adquiere hoy un valor aún mayor. Paul Motian y Gary Peacock ya no están entre nosotros, y Keith Jarrett debió retirarse de los escenarios tras los problemas de salud que marcaron el final de su carrera. Queda, entonces, el testimonio de tres músicos excepcionales en un ambiente íntimo y sin artificios, transformando estándares del jazz en una conversación espontánea, llena de imaginación, sensibilidad y un swing profundamente humano.

LESTER BOWIE’S NEW YORK ORGAN ENSEMBLE THE ORGANIZER - Brooklyn, NY, January 14-16, 1991 - Sonala Nobala, The burglar - Lester Bowie (tp,flhrn) Steve Turre (tb) James Carter (ts) Amina Claudine Myers (org,vcl) Famoudou Don Moye (d,perc 2) Phillip Wilson (d 1) replacing Moye,

En 1991, durante un receso de sus actividades con el Art Ensemble of Chicago y Lester Bowie’s Brass Fantasy, el trompetista Lester Bowie decidió regresar a las raíces musicales de su juventud en St. Louis. Antes de convertirse en una de las figuras más innovadoras del jazz de vanguardia, había crecido escuchando los populares conjuntos liderados por órgano Hammond, una tradición profundamente ligada al blues, el góspel y el soul.

Para este proyecto reunió un grupo excepcional: la organista Amina Claudine Myers, el joven y explosivo saxofonista James Carter, el trombonista Steve Turre y dos bateristas estrechamente vinculados al Art Ensemble of Chicago, Phillip Wilson y Famoudou Don Moye. El resultado es una música que respeta la tradición de los grupos del órgano Hammond B3, pero la enriquece con la libertad creativa y la personalidad de cada uno de sus integrantes.

El repertorio incluye tres composiciones de Bowie, además de obras de Myers y Turre, junto con una emotiva versión de “Angel Eyes”, en homenaje al gran Gene Ammons. Aunque James Carter y Amina Claudine Myers ocupan buena parte del espacio solista, Bowie reserva su intervención más extensa para la suite final, “Brooklyn Works”, cerrando un álbum que combina con naturalidad la calidez del soul jazz con el espíritu explorador que caracterizó toda su carrera.

El disco Fearless Frank Foster -el valiente Frank Foster- representa un momento decisivo en la trayectoria de Foster. Cuando se retiró de la orquesta de Count Basie, el saxofonista tenor comenzó a desarrollar una voz más personal, dejando atrás el sonido más contenido de sus primeros años y acercándose a la intensidad y libertad expresiva que John Coltrane había llevado al primer plano del jazz moderno.

Al frente de un sólido quinteto integrado por Virgil Jones en trompeta, Albert Dailey en piano, Bob Cunningham en contrabajo y Alan Dawson en batería, Foster construye un álbum en el que conviven el hard bop, el soul jazz y una energía rítmica contagiosa. La sección rítmica mantiene un impulso constante, mientras el diálogo entre el tenor de Foster y la trompeta de Jones aporta tensión y vitalidad a cada interpretación.

El repertorio incluye cinco composiciones originales, entre ellas “Raunchy Rita”, “Disapproachment”, “Baby Ann” y “Janie Huk”, además de una inspirada versión del clásico de Fats Waller “Jitterbug Waltz”. Aunque algunas piezas incorporan elementos cercanos al funk, el lenguaje permanece firmemente arraigado en el hard bop.

Más allá de su prestigiosa labor como arreglista y compositor para Count Basie, el álbum revela a Frank Foster como un improvisador de primera línea.

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ROSINHA DE VALENÇA APRESENTANDO, Rio de Janeiro lanzamiento 1963 - Tristeza Em Mim, Tema Do Boneco De Palha, Ela É Carioca, Praça 11, Consolação, Estrada Do Nada - Rosinha De Valença (g,voz), Oscar Castro Neves (p/org/g) Jorginho da Flauta (fl) Sérgio de Oliveira (b) Dom Um Romão (dr)

Rosinha de Valença irrumpió en la escena musical brasileña a comienzos de los años sesenta con un estilo que amplió el lenguaje de la bossa nova dándole un toque jazzístico, especialmente en sus improvisaciones, desde la guitarra. Nacida en Valença, Estado de Río de Janeiro, llevó a la sofisticada escena carioca una sensibilidad propia, profundamente ligada a las tradiciones musicales del interior de Brasil, pero perfectamente integrada al refinamiento armónico y rítmico que caracterizaba al nuevo movimiento.

“Apresentando”, grabado en Río de Janeiro en 1963, fue su carta de presentación y reveló de inmediato una personalidad artística singular. Su sonido posee una resonancia cálida y una precisión rítmica extraordinaria, mientras su fraseo combina delicadeza, fluidez y una imaginación melódica que recuerda, por momentos, al gran Baden Powell, aunque siempre con una voz propia e inconfundible.

Acompañada por un excelente grupo encabezado por Oscar Castro-Neves, junto al flautista “Jorginho”, el bajista Sergio de Oliveira y el baterista “Dom Um Romão” el Art Blakey de la Bossa, Rosinha interpreta clásicos de Antonio Carlos Jobim, Baden Powell, Noel Rosa y João Donato con una naturalidad que evita todo virtuosismo ostentoso. En praça 11 paricipa Nelson Martins do Santos “Nelsinho” en trombón.

En piezas como “Consolação” o “Ela É Carioca”, cada nota parece surgir con absoluta espontaneidad, mientras que sus ocasionales intervenciones vocales añaden un encanto íntimo y muy personal.

Con el paso de los años, Rosinha de Valença se consolidaría como una de las grandes guitarristas de la música brasileña. Sin embargo, este primer álbum ya contiene todos los elementos que definirían su arte: elegancia, lirismo, riqueza rítmica y una capacidad poco común para transformar melodías conocidas en interpretaciones profundamente originales. Es una de las joyas discretas de la primera generación de la bossa nova.

ROLAND HANNA THE NEW YORK JAZZ QUARTET IN CHICAGO, July 27, 1981 - Wisteria, Raise a ruckus, You don’t know what love is - Frank Wess (ts,fl) Sir Roland Hanna (p) George Mraz (b) Ben Riley (d)

El pianista Roland Hanna dejó la orquesta de Thad Jones y Mel Lewis para formar un cuarteto que reflejaba su visión de un jazz basado en la colaboración y el equilibrio entre sus integrantes. “The New York Jazz Quartet in Chicago”, grabado en 1981, es uno de los mejores testimonios de ese proyecto y muestra a un grupo que había desarrollado un lenguaje colectivo poco común.

Junto a Hanna participan Frank Wess en saxo tenor y flauta, George Mraz en contrabajo y Ben Riley en batería, cuatro músicos de enorme experiencia que aportan composiciones al repertorio, otorgando al álbum una notable variedad de climas y enfoques.

Desde la apertura con “Four the Hard Way”, construida sobre inesperadas pausas y arranques, queda claro que no se trata del habitual disco de solistas con sección rítmica. “Raise a Ruckus” ofrece un blues moderno de gran energía, mientras las composiciones de Thad Jones recuerdan la estrecha relación de Hanna con su antiguo director. El momento más emotivo llega con “You Don’t Know What Love Is”, donde Frank Wess ofrece una interpretación de extraordinaria sensibilidad, evocando la calidez de Lester Young, acompañado con exquisita sutileza por Hanna, Mraz y Riley.

Con arreglos sobrios, un sonido transparente y una comunicación constante entre sus integrantes, este álbum demuestra que la verdadera sofisticación no depende de la complejidad, sino de la capacidad de cuatro grandes músicos para escucharse y construir un discurso común. Es una pequeña joya del jazz moderno que merece ser redescubierta.

- New York, June 22, 1948

Oh baby, On the sunny side of the street, My honey’s lovin’ arms

Bobby Hackett (tp) Cutty Cutshall (tb) Peanuts Hucko (cl) Ernie Caceres (bar) Charlie Queener (p) Eddie Condon (g) Irv Manning (b) Morey Feld (d)

Bobby Hackett nació en 1915 dejó el colegio a los 14 años para tocar guitarra y violín en un restaurante. Influenciado por Louis Armstrong decidió aprender corneta y trompeta. Tocó en varias bandas locales hasta que una buena crítica lo llevó a Nueva York en 1937. Aunque admiraba a Armstrong, se hizo conocido por su estilo cercano a Bix Beiderbecke, al punto que Benny Goodman lo invitó a recrear un solo en el concierto del Carnegie Hall en 1938.

En las sesiones de V Disc realizadas en junio y octubre de 1948, grabadas en el Wor Guild Theater and Playhouse de Nueva York, la figura central es sin duda Hackett. Diez años antes se le consideraba un cornetista de sonido delicado y rango limitado, pero para entonces había estudiado a fondo su instrumento y alcanzado una potencia y seguridad notables. Eso se siente de inmediato en “Oh, Baby!”, donde su forma de tocar aparece firme, equilibrada y con un poder sonoro nuevo en él. Su trabajo en “Struttin’ with Some Barbecue” es igual de llamativo: en sus improvisaciones mezcla fraseos melódicos con ideas basadas en acordes que avanzan con naturalidad y elegancia. También destaca la energía de la banda con un un ritmo vertiginoso en “My Honey’s Lovin’ Arms”; el empuje del baterista Morey Feld, resulta en una versión arrolladora.

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FATS WALLER “V DISC SESSION RCA VICTOR STUDIOS”

- New York City, September 16, 1943

Ain’t misbehavin’, Two sleepy people, (Medley : Slightly less than wonderful (1,2)

There’s a gal in my life), (Medley : This is so nice it must be illegal, Martinique)

Waller jive, A birdie’s lament

Fats Waller (p,vcl)

Thomas “Fats” Waller es recordado sobre todo por su sentido del humor y su formidable personalidad, pero fue muchísimo más que eso. Fue uno de los grandes pianistas del estilo stride, el primer organista del jazz, un excelente cantante y un compositor notable. De su pluma salieron clásicos como Honeysuckle Rose, Ain’t Misbehavin’, Black and Blue (la primera canción en denunciar el racismo). SU vida fue una fiesta constante con comida, whisky, mujeres y música en cantidades industriales.

En la sesión VDisc del 16 de septiembre de 1943, grabada en los estudios RCA Victor de Nueva York, Waller relajado y satisfecho, alimentado por generosas dosis de whisky Cutty Sark, abre con Ain’t Misbehavin’ y Two Sleepy People, mezclando éxitos y temas de su musical de Broadway Early to Bed. En There’s a Gal in My Life recuerda lo dulce que podía cantar, mientras que en This Is So Nice It Must Be Illegal -esto es tan agradable que debe se ilegal- el whisky claramente toma el control, aunque mantiene sólido control en el piano.

PEANUTS HUCKO AND HIS MEN

- New York, April 10, 1947 Sweet Georgia Brown, Blintzes bagel boogie

Bobby Hackett (tp) Fred Ohms (tb) Peanuts Hucko (cl) Cliff Strickland (ts) Charlie Queener (p) Jack Lesberg (b) Morey Feld (d)

- New York, May 14, 1947 Stealin’ apples

Peanuts Hucko (cl) Lou Stein (p) Mundell Lowe (g) Jack Lesberg (b) Dave Tough (d)

- New York, June 6, 1947 Peanut butter, Someday sweetheart, Stolen peanuts

Peanuts Hucko (cl) Lou Stein (p) Mundell Lowe (g) Jack Lesberg (b) Dave Tough (d)

Michael “Peanuts” Hucko fue un clarinetista que casi siempre sonó demasiado como Benny Goodman. Se movía con gran soltura tanto en el swing como en el dixieland. Al principio se concentró principalmente en el saxo tenor especialmente en las bandas de Jack Jenney, Will Bradley (1939–41), Joe Marsala, Charlie Spivak (1941–42) y Bob Chester.

Su verdadera voz como clarinetista apareció cuando formó parte de la Glenn Miller Army Air Force Band (1943–45), donde era uno de los solistas principales. Después del ejército, trabajó con las orquestas de Goodman (volviendo al tenor en 1945–46) y Ray McKinley (1946–47), lideró sus propios grupos y colaboró con Eddie Condon.

En la década de los años cincuenta, se dedicó más al trabajo de estudio, pero continuó haciendo giras, una europea en 1957 con Jack Teagarden y Earl Hines, y entre 1958 y 1960 fue parte de los AllStars de Louis Armstrong. Después, entre 1964 y 66, trabajó como músico freelance —incluyendo la banda de la casa del Condon’s Club.

CHICK COREA “CHANGE” - Los Angeles, 1999 - Armando’s tango, Early afternoon blues - Steve Davis (tb) Steve Wilson (sop,as,fl,cl) Bob Sheppard (ts,b-cl,fl) Chick Corea (p,marimba) Avishai Cohen (b) Jeff Ballard (d)

Al disolver la “Elektric Band”, Chick Corea volvió a orientar su atención hacia el jazz acústico. Mientras buscaba artistas para su recién creado sello Stretch Records, descubrió al notable joven contrabajista israelí Avishai Cohen y la extraordinaria química existente entre los músicos de su grupo, lo que lo llevó a Corea a formar el sexteto Origin.

Con una formación de jazz acústico y una delantera de tres instrumentos de viento, el grupo presentó inicialmente su música durante una residencia de una semana en 1998 en el club Blue Note en Nueva York. Al año siguiente, el álbum “Change” demostró cuán rápidamente había evolucionado la banda. Con Steve Wilson y Bob Sheppard en saxofones y flautas, Steve Davis en trombón, Avishai Cohen en contrabajo y Jeff Ballard reemplazando a Adam Cruz en batería, el álbum realizado en el estudio de living de la casa de Chick en Los Angeles reveló un conjunto más cohesionado y seguro de sí mismo, sin perder el espíritu aventurero que había caracterizado sus actuaciones en vivo.

El proyecto proporcionó un año extraordinario para Corea. En la encuesta anual de críticos de “DownBeat” de 1999, “Origin” fue elegido Grupo Acústico del Año, la colección grabada en el Blue Note recibió el premio al Álbum de Jazz del Año, y Chick Corea fue distinguido como Artista de Jazz del Año.

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CHICK COREA FURTHER EXPLORATIONS - Live “The Blue Note”, New York, May 4-17, 2010 - Armando’s tango, Little Flamenco - Chick Corea With Eddie Gomez & Paul Motian : Chick Corea (p) Eddie Gomez (b) Paul Motian (d)

Further Explorations, con Chick Corea en piano, Eddie Gomez en contrabajo y Paul Motian en batería, fue grabado en el Blue Note de Nueva York en mayo de 2010.

Bill Evans fue uno de los pianistas más influyentes en la historia del jazz. Después de Kind of Blue, formó un legendario trío junto al baterista Paul Motian. Años más tarde, el contrabajista Eddie Gomez se convertiría en uno de sus colaboradores más importantes. Décadas después, ambos volverían a reunirse con Chick Corea en Further Explorations.

Más que registrar un simple homenaje, Corea quiso dialogar con el legado de Evans junto a dos de los músicos que mejor conocían ese universo musical.

El repertorio de Evans sirve aquí como punto de partida para nuevas interpretaciones, junto a composiciones de los propios integrantes del trío y una obra inédita de Evans, la hermosa “Song No. 1”, descubierta poco antes de esta grabación.

El resultado es una interpretación inspirada: un trío que parece comunicarse por intuición, combinando una interacción casi telepática con una notable imaginación y una profunda sensibilidad musical.

CHICK COREA / GARY BURTON HOT HOUSE - New York, Ca. 2011 - Eleanor Rigby, Time remembered - Gary Burton (vib) Chick Corea (p) Ilmar Gavilan, Melissa White (vln-1) Juan Miguel Hernandez (viola-1) Paul Wiancko (cello-1)

Hot House, la séptima grabación del dúo integrado por Chick Corea y el vibrafonista Gary Burton, fue registrada en 2012 y representa uno de los momentos culminantes de una colaboración iniciada cuatro décadas antes con el célebre Crystal Silence, que escuchamos la semana pasada en esta serie. A esas alturas, ambos músicos habían desarrollado un lenguaje compartido de extraordinaria naturalidad, en el que la improvisación fluye con la misma espontaneidad que una conversación entre viejos amigos.

En lugar de recurrir a los temas más conocidos del repertorio del jazz, Corea y Burton escogieron composiciones menos obvias de algunos de sus autores favoritos, entre ellos Art Tatum, Tadd Dameron y Thelonious Monk, junto a una refinada versión de “Eleanor Rigby” de Lennon y McCartney. Más que reinterpretar estas obras, el dúo las utiliza como punto de partida para explorar nuevas posibilidades melódicas y armónicas.

El resultado es una grabación de gran elegancia y sutileza, donde el piano y el vibráfono dialogan con absoluta libertad, confirmando por qué Corea y Burton fueron una de las asociaciones más originales y perdurables del jazz moderno.

CHICK COREA TRILOGY 3 - Live, various locations, 2020 - Trinkle tinkle, Scarlatti: Sonata in D minor K9, L413 allegro - Chick Corea (p) Christian McBride (b) Brian Blade (d)

En la tradición de destacar en formato acústico la sección rítmica de una banda numerosa, como su Five Peace Band, Corea juntó al contrabajista Christian McBride y al baterista Brian Blade para formar un extraordinario trío de piano para registrar Trilogy, una ambiciosa grabación en vivo de tres discos que combina estándares del jazz con composiciones del propio Corea.

Cinco años más tarde, el mismo trío volvió a tocar. Las actuaciones registradas durante su gira de febrero y marzo de 2020, interrumpida por la pandemia, dieron origen a Trilogy 3, el último documento en vivo publicado de Chick Corea. El repertorio reúne estándares, nuevas versiones de sus propias composiciones y la primera interpretación de su clásico “Windows” por esta formación.

Más que un epílogo, Trilogy 3 constituye un testimonio del extraordinario nivel artístico que Corea mantuvo hasta el final de su vida: un músico que nunca dejó de escuchar, dialogar y reinventarse.

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Cuando Chick Corea falleció el 9 de febrero de 2021, el jazz perdió a una de sus figuras más influyentes. A lo largo de más de seis décadas, Corea fue mucho más que un extraordinario pianista. Fue un compositor imaginativo, un improvisador excepcional y un explorador incansable que nunca dejó de buscar nuevos caminos. Desde el jazz acústico hasta la fusión, desde la música afro-latina hasta la tradición clásica, desarrolló un lenguaje profundamente personal, siempre abierto al diálogo y a la experimentación.

Su música continúa viva en sus grabaciones, en el repertorio de innumerables intérpretes y en las nuevas generaciones de músicos que siguen encontrando inspiración en sus ideas.

Ralph Alessi se ha consolidado como una de las voces más personales de la trompeta contemporánea. Su música combina una escritura de gran refinamiento con amplios espacios para la improvisación, siempre en un delicado equilibrio entre estructura y libertad.

En “For A Sun That Never Sets”, Alessi amplía el formato de cuarteto que había cultivado en sus últimos trabajos e incorpora un quinto músico: su hermano, el destacado trombonista “”Joseph Alessi”“, cuya presencia añade un nuevo color tímbrico y un estimulante diálogo con la trompeta. El quinteto se completa con el pianista Matt Mitchell, el contrabajista John Hébert y Ches Smith, alternando batería y vibráfono.

Las once composiciones del álbum alternan pasajes de serena contemplación con estructuras angulares y rítmicamente complejas, ofreciendo a los músicos un terreno fértil para la exploración colectiva. La interacción entre las dos voces de metal, el enfoque armónico siempre impredecible de Mitchell y una sección rítmica flexible dan vida a una música exigente, pero de notable riqueza expresiva.

Como en sus mejores trabajos, Alessi privilegia la conversación entre los integrantes del grupo por encima del lucimiento individual, construyendo un álbum donde cada detalle parece cuidadosamente pensado, aunque conserve la espontaneidad y el riesgo propios del mejor jazz contemporáneo.

JAMES “BLOOD” ULMER ARE YOU GLAD TO BE IN AMERICA ? - New York, January 17, 1980 - Layout, Pressure, Jazz is the teacher (Funk is the preacher) (rs out,1), Seethrough, Revelation march - Olu Dara (tp) Oliver Lake (as) David Murray (ts) James “Blood” Ulmer (el-g,vcl) William “Spaceman” Patterson (el-g-1) Amin Ali (el-b) Ronald Shannon Jackson (d) and/or Grant Calvin Weston (d)

El reciente fallecimiento del guitarrista, cantante y compositor James “Blood” Ulmer, a los 86 años, marca la desaparición de una de las figuras más originales del jazz de las últimas cinco décadas. Tras iniciarse en el circuito del rhythm & blues y el doowop, Ulmer encontró su verdadera voz a comienzos de los años setenta cuando se trasladó a Nueva York y comenzó a colaborar con Ornette Coleman. La teoría “harmolódica” de Coleman le abrió un camino que Ulmer llevó aún más lejos, desarrollando un estilo inconfundible que fusionó jazz de vanguardia, blues, funk y rock, siempre con una intensidad expresiva poco común.

Grabado en 1980, “Are You Glad to Be in America?” es una de las obras fundamentales de esa etapa creativa. Sobre ritmos de funk incisivos, guitarras de sonido áspero y líneas melódicas que desafían cualquier convencionalismo, Ulmer construye una música de enorme energía que refleja, al mismo tiempo, una mirada crítica sobre la realidad estadounidense. Cuarenta y cinco años después de su aparición, el álbum conserva intacta su fuerza innovadora y sigue siendo una referencia obligada para comprender cómo el blues, el jazz y la improvisación libre pueden convivir en un lenguaje completamente personal.

ELLERY ESKELIN VANISHING POINT - New York, December 16, 2000 Scatter brain, Horizon blue, Still life Ellery Eskelin (ts) Matt Moran (vib) Mat Maneri (viola) Erik Friedlander (cello) Mark Dresser (b)

A lo largo de su carrera, el saxofonista Ellery Eskelin ha transitado con naturalidad entre la improvisación libre y la composición contemporánea. En “Vanishing Point” decidió dar un paso poco habitual: reunir un ensamble sin batería, dominado por cuerdas, y entrar al estudio sin partituras ni planes previos, confiando en la capacidad de escucha de sus músicos para construir la música en el momento.

El resultado es sorprendente. Lejos de sonar disperso, el quinteto desarrolla un lenguaje de gran cohesión, donde el saxo tenor de Eskelin dialoga permanentemente con el violín de Mat Maneri, el violonchelo de Erik Friedlander, el contrabajo de Mark Dresser y el vibráfono de Matt Moran. Más que acompañar, las cuerdas prolongan, comentan y transforman las líneas del saxofón, creando una textura camerística de gran riqueza.

Las composiciones avanzan con un pulso flexible y una atmósfera introspectiva, a ratos cercana al cine negro, donde el silencio tiene tanto peso como las notas. “Vanishing Point” demuestra que la improvisación no necesita renunciar a la forma para conservar toda su libertad. Es un álbum de gran sutileza, que invita a una escucha atenta y revela nuevos matices en cada regreso.

El contrabajista David Ambrosio ha sido una presencia constante en la escena neoyorquina durante más de tres décadas, acompañando a músicos como Joe Lovano, Kenny Werner y Donny McCaslin. En Civil Disobedience, su primer álbum como líder, reunió un quinteto integrado por Donny McCaslin, Ingrid Jensen, Bruce Barth y Victor Lewis para rescatar cinco composiciones poco frecuentadas del catálogo de Blue Note de fines de los años sesenta.

En lugar de recurrir a standards o a composiciones propias, Ambrosio vuelve la mirada hacia obras de Bobby Hutcherson, Joe Chambers, James Spaulding y Harold Land, escritas en una época marcada por los movimientos por los derechos civiles en Estados Unidos. El resultado no es un ejercicio de nostalgia, sino una re-interpretación vigorosa y contemporánea. Con un quinteto de primer nivel, el disco combina el impulso del hard bop, el lirismo modal y amplios espacios para la improvisación colectiva, demostrando que estas páginas, medio siglo después de haber sido escritas, mantienen intacta su fuerza musical y su capacidad de comunicación.

DANIEL MIRANDA LA ESPERANZA” - Lanzamiento julio 2026 Thelonious, Lugar de Jazz, en Santiago. - Lejanía, Limítrofe, No sé si pueda - Daniel Miranda (g) Milton Russell (b) y Juan Pablo Jaramillo (bat).

El guitarrista, compositor y docente chileno “”Daniel Miranda”“, oriundo de Vicuña, se ha convertido en una de las voces más interesantes de la nueva generación del jazz chileno. Formado en Projazz y en la Universidad de La Serena, donde impulsó la primera cátedra de guitarra eléctrica, ha desarrollado una carrera que combina el jazz contemporáneo con influencias de la música popular.

Como líder ha publicado “Viaje Interior” (2018), “Fragmentos de un imaginario” (2024) y ahora “La esperanza” (2026), su tercer álbum, presentado recientemente en Thelonious, Lugar de Jazz, en Santiago. En esta ocasión encabeza un nuevo trío junto al contrabajista “”Milton Russell”“ y el baterista “”Juan Pablo Jaramillo”“, una formación que privilegia el diálogo, el espacio y la interacción, desarrollando un lenguaje donde la solidez del jazz moderno convive con melodías claras y una sensibilidad cercana a la canción.

Me parece especialmente acertado cerrar con la idea del “”diálogo y la interacción”“, porque describe bien el formato de trío sin recurrir a expresiones muy usadas como “complicidad” o “conversación musical”. Además enlaza naturalmente con la música que el oyente escuchará.

PERRY ROBINSON QUARTET FUNK DUMPLING - Newark, N.J., 1962 - Sprites delight, Wahayla, armer Alfalfa - Perry Robinson (cl) Kenny Barron (p) Henry Grimes (b) Paul Motian (d)

A comienzos de los años sesenta, cuando la clarineta parecía haber perdido protagonismo en el jazz moderno, Perry Robinson abrió un camino completamente distinto. Formado en Nueva York e influido inicialmente por Buddy DeFranco y Tony Scott, muy pronto incorporó las ideas de Ornette Coleman y Don Cherry, convirtiéndose en uno de los primeros clarinetistas en explorar con decisión el lenguaje del free jazz.

Su álbum Funk Dumpling, grabado para Savoy en 1962, es considerado una obra pionera en la historia de la clarinete moderno. Acompañado por un joven Kenny Barron al piano, Henry Grimes en contrabajo y Paul Motian en batería, Robinson reunió la libertad melódica de Coleman, la intensidad expresiva de Coltrane y una sensibilidad propia para demostrar que la clarineta podía ocupar un lugar central en el jazz de vanguardia. Más de seis décadas después, el disco conserva intacta su frescura y su carácter visionario.

Con 85 años, Steve Swallow conserva intacta la elegancia que ha distinguido su trayectoria como contrabajista eléctrico, compositor y acompañante. Su lenguaje, refinado y discreto, se formó en experiencias decisivas junto a Jimmy Giuffre, George Russell y Gary Burton, y alcanzó una de sus expresiones más personales en la larga asociación artística y vital con Carla Bley.

“Winter Songs”, su primer disco como líder en una década, no busca abrir nuevos territorios, sino volver sobre un mundo musical que Swallow conoce profundamente. El álbum reúne nueve composiciones originales, identificadas solamente por números, interpretadas por un sexteto de músicos particularmente afines a su sensibilidad: Chris Cheek en saxo tenor, Mike Rodriguez en trompeta, Gil Goldstein al piano, Steve Cardenas en guitarra y Adam Nussbaum en batería.

La música avanza con calma, claridad melódica y una economía expresiva. En la balada “Three”, , la guitarra de Cardenas enriquece sutilmente la armonía. “Four”, en cambio, tiene un aire ligeramente bohemio, sostenido por un swing elegante. Cheek improvisa antes de reunirse con Rodriguez al unísono seguidos por el solo de Goldstein. Un disco meditativo, sereno y profundamente fiel al universo de Steve Swallow, en breve, un álbum ECM.

HAROLD MABERN WAILIN’ - New York, June 30, 1969 - Strozier’s mode, Blues for Phineas, A time for love (1) - Virgil Jones (tp,flhrn-1) George Coleman (ts) Harold Mabern (p,el-p-2) Buster Williams (b) Leo Morris (d) [aka Idris Muhammad (d)

Harold Mabern fue uno de los grandes pianistas del hard bop. Nacido en Memphis en 1936, comenzó como baterista antes de descubrir el piano. Ya en su adolescencia tocaba junto a otros jóvenes talentos de la ciudad, entre ellos George Coleman, Charles Lloyd y Booker Little. Luego de un período de formación en Chicago, se estableció en Nueva York en 1959, donde muy pronto pasó a integrar el intenso ambiente del jazz de la época, participando en grabaciones con Jimmy Forrest, Johnny Griffin, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Jackie McLean, Hank Mobley y Wes Montgomery, entre muchos otros.

Aunque fue un acompañante muy solicitado, también dejó una valiosa discografía como líder. “Wailin’”, grabado para Prestige, pertenece a esa primera etapa y lo muestra al frente de un sólido quinteto integrado por el trompetista Virgil Jones, el saxofonista tenor George Coleman, el contrabajista Buster Williams y el baterista Idris Muhammad. Mabern combina una técnica depurada con un fraseo lleno de imaginación, mientras que Coleman y Jones aportan una delantera de gran fuerza expresiva.

PEPPER ADAMS & JIMMY KNEPPER - The Pepper-Knepper Quintet - New York, March 25, 1958 - Minor catastrophe, Riverside Drive, Primrose path - Jimmy Knepper (tb) Pepper Adams (bar,p-1) Wynton Kelly (p,p & org-1) Doug Watkins (b) Elvin Jones (d)

Pepper Adams / Jimmy Knepper The Pepper-Knepper Quintet - New York, March 25, 1958 Minor catastrophe, Riverside Drive, Primrose path Jimmy Knepper (tb) Pepper Adams (bar,p-1) Wynton Kelly (p,p & org-1) Doug Watkins (b) Elvin Jones (d)

Pocos saxofonistas barítonos dejaron una huella tan profunda en el hard bop como Pepper Adams. Dueño de un sonido poderoso y de una asombrosa agilidad, desarrolló un estilo dsitinguido por la energía cortante de sus improvisaciones. A lo largo de más de tres décadas fue un músico indispensable, tanto como líder como integrante de grupos de figuras como Charles Mingus, Thad Jones y Mel Lewis, además de acompañar a destacados cantantes de jazz y rhythm and blues.

Grabado en Nueva York el 25 de marzo de 1958, “The Pepper-Knepper Quintet” lo reúne con otro gran solista de la época, el trombonista Jimmy Knepper. La combinación del barítono vigoroso de Adams con el fraseo lírico y anguloso de Knepper produce un contraste especialmente atractivo, respaldado por una sección rítmica de lujo: Wynton Kelly al piano, Doug Watkins en contrabajo y un joven Elvin Jones en batería.

El repertorio incluye blues, standards y composiciones originales, ofreciendo amplio espacio para el diálogo entre los dos líderes. La solidez del quinteto, el impulso permanente de Jones y la creatividad de Adams convierten esta sesión en un estupendo ejemplo del hard bop de fines de los años cincuenta.

El contrabajista y director de orquesta John Kirby y el pianista y cantante Nat King Cole partieron el año 1937 en plena época del Swing, uno buscó la precisión de un conjunto de cámara; el otro, la libertad de una conversación entre tres músicos. Dos caminos distintos que ampliaron las posibilidades del pequeño grupo de jazz y dejaron una huella profunda en la historia del swing.”

JOHN KIRBY “AND HIS ONYX CLUB BOYS - New York, October 28, 1938 - Pastel blue, Rehearsin’ for a nervous breakdown, Anitra’s dance, No Blues At All, Sweet Georgia Brown - Charlie Shavers (tp) Buster Bailey (cl) Russell Procope (as) Billy Kyle (p,arr) John Kirby (b) O’Neil Spencer (d)

A fines de los años treinta, mientras las grandes orquestas dominaban la era del swing, el contrabajista John Kirby creó uno de los pequeños conjuntos más originales de la época. Su sexteto, formado en Nueva York en 1938, proponía una música de notable precisión, elegancia y equilibrio, muy distinta del estilo exuberante de las big bands.

Después de algunos cambios iniciales de personal, el grupo encontró su identidad con el trompetista Charlie Shavers, el clarinetista Buster Bailey, el saxofonista Russell Procope, el pianista Billy Kyle y el baterista O’Neill Spencer. Sus arreglos, cuidadosamente elaborados, incorporaban recursos de la música de cámara sin perder el pulso del swing.

El principal solista era Charlie Shavers. Su extraordinario dominio técnico, la brillantez de su sonido y la facilidad para alcanzar el registro agudo lo convirtieron en uno de los trompetistas más admirados de su generación. Buena parte de la personalidad del sexteto descansó en su talento.

Lejos de buscar el impacto de las grandes orquestas, John Kirby apostó por la claridad, el detalle y la sutileza. El resultado fue un sonido inconfundible que abrió nuevas posibilidades para los pequeños conjuntos de jazz.

JOHN KIRBY “V-DISC” - New York, c. early November 1943 - Do you savvy ?, Tunisian trail, 9:20 special - Charlie Shavers (tp) Buster Bailey (cl) George Johnson (as) Clyde Hart (p) John Kirby (b) Bill Beason (d)

Cinco años después de las grabaciones que dieron fama al sexteto, esta sesión para V-Disc muestra a una formación parcialmente renovada. El estilo sigue siendo inconfundiblemente Kirby, aunque el sonido ya no es exactamente el mismo del grupo que revolucionó los pequeños conjuntos a fines de los años treinta.” Las V-Discs de 1943 tienen un enorme interés documental, pero representan a un John Kirby diferente. Para entonces ya no estaban dos figuras fundamentales del sonido clásico del sexteto: Billy Kyle, cuyo piano y arreglos eran decisivos, y Russell Procope, cuyo saxo alto contribuía de manera importante al color del grupo. En su lugar aparecen Clyde Hart y George Johnson, excelentes músicos, pero el equilibrio del conjunto había cambiado.

NAT KING COLE TRIO Hollywood, CA,

- November, 1938 - Blue Skies (trio vcl), Liza, Caravan (inst) - Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g,vcl) Wesley Prince (b,vcl)

- November - December 6, 1940 - Love is my alibi, Pogo stick bounce, Watcha’ know, Joe? - Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g,vcl) Wesley Prince (b,vcl)

En 1937, el pianista Nat King Cole formó un trío junto al guitarrista Oscar Moore y el contrabajista Wesley Prince. A diferencia del sexteto de John Kirby, el suyo era un conjunto construido sobre la espontaneidad, la conversación musical y el swing más natural.

Durante varios años el trío fue admirado principalmente por músicos y aficionados. Su reconocimiento masivo llegó recién en 1944 con Straighten Up and Fly Right, cuando Nat King Cole comenzó también a consolidarse como cantante. Sin embargo, mucho antes de alcanzar esa popularidad, Cole ya era considerado uno de los pianistas más originales de su generación. Influido inicialmente por Earl Hines y más tarde por Teddy Wilson, desarrolló un lenguaje armónico sorprendentemente moderno para la época. Esa búsqueda encontraba un complemento ideal en la guitarra eléctrica de Oscar Moore, cuya elegancia y creatividad hicieron del trío una de las formaciones más influyentes del jazz de pequeños grupos.

NAT KING COLE TRIO NBC Studios, Hollywood, CA, June & November, 1943 - Straighten up and fly right, F.S.T. [Fine, sweet & tasty]Got a penny, Let’s pretend - Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g) Johnny Miller (b)

En 1943 el contrabajista Wesley Prince fue reemplazado por Johnny Miller, aunque no alteró radicalmente la identidad del trío, sí produjo algunas diferencias perceptibles. Wesley Prince fue uno de los fundadores del trío. Además de tocar el contrabajo, aportaba armonías vocales. Su forma de tocar era sencilla, muy sólida rítmicamente y orientada a sostener el diálogo entre el piano de Cole y la guitarra de Oscar Moore.

Cuando Miller ingresó en 1943, el panorama era distinto. El éxito de “Straighten Up and Fly Right” convirtió a Nat King Cole en una figura nacional y el trío comenzó a orientarse cada vez más hacia un repertorio vocal.

La fama mundial como cantante terminó eclipsando, en parte, al extraordinario pianista que había detrás de la voz. Pero basta escuchar estas, sus primeras grabaciones, para descubrir a un músico que ayudó a anticipar muchas de las ideas armónicas que pocos años después serían características del bebop.

GARY BURTON/CHICK COREA CRYSTAL SILENCE, Oslo, Norway, November 6, 1972 - Crystal Silence - Gary Burton (vib) Chick Corea (p)

En noviembre de 1972, Chick Corea y el vibrafonista Gary Burton se reunieron en Oslo para grabar Crystal Silence, el primero de una serie de discos que daría origen a una de las asociaciones más duraderas del jazz moderno, con más de cuatro décadas de historia. Reunidos por el productor Manfred Eicher para el naciente sello ECM, ambos elevaron el formato del dúo a un nuevo nivel de refinamiento. Sin bajo ni batería, piano y vibráfono dialogan con una claridad casi camerística, apoyados en el espacio, el silencio y una profunda compenetración musical. El repertorio incluye varias composiciones de Corea que con el tiempo se convertirían en clásicos de su catálogo, en una grabación que marcó el inicio de una colaboración tan influyente como perdurable.

RETURN TO FOREVER ROMANTIC WARRIOR - Caribou Ranch, Colorado, February, 1976 - Romantic Warrior - Chick Corea (p,el-p,clavinet,synt,mar,perc) Al Di Meola (el-g,g,soprano-g,hand-bells,slide-whistle) Stanley Clarke (el-b,piccolo-b,b,bell-tree,hand-bells) Lenny White (d,tymp,cga,timb,hand-bells,snare-d,alarm-clock,cymbals)

En 1974, Chick Corea incorporó al guitarrista Al Di Meola, de apenas diecinueve años, para la nueva formación de Return to Forever. Con él, el grupo grabó tres álbumes fundamentales, culminando en Romantic Warrior, registrado en 1976. Fue el disco más exitoso de la banda y una de las obras emblemáticas de la fusión de los años setenta. Junto a Stanley Clarke en bajo y Lenny White en batería, el cuarteto alcanzó un notable equilibrio entre el virtuosismo individual y el trabajo de conjunto. Cada integrante aportó composiciones, dando forma a un repertorio variado pero sorprendentemente cohesionado. Más allá de su deslumbrante despliegue técnico, Romantic Warrior destaca por la solidez de sus ideas musicales y por la manera en que integra elementos del jazz, el rock y la música clásica en un lenguaje propio. Para muchos, representa el punto culminante de Return to Forever.

CHICK COREA FRIENDS - Burbank, CA, January, 1978 - Friends - Joe Farrell (ts,fl) Chick Corea (p,el-p) Eddie Gomez (b) Steve Gadd (d)

Tras varios años dedicados a la fusión, Chick Corea regresó en 1978 a un formato más cercano al jazz acústico con Friends, un álbum que obtuvo al año siguiente el premio Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz. Lo acompañan Joe Farrell en saxofón y flauta, Eddie Gómez en contrabajo y Steve Gadd en batería, cuatro músicos de amplia experiencia que privilegian la interacción y la improvisación por sobre los arreglos elaborados. Corea alterna el piano acústico y el Fender Rhodes en un repertorio que combina melodías de gran atractivo, ritmos de inspiración latina y un lenguaje moderno, siempre accesible y profundamente jazzístico. Friends confirma que, más allá de la fusión, Corea mantenía intacta su capacidad para crear música de gran lirismo y espontaneidad.

Grabado en 1981, Three Quartets reúne a Chick Corea con Michael Brecker en saxo tenor, Eddie Gómez en contrabajo y Steve Gadd en batería, un cuarteto de excepción al servicio de una de las obras más ambiciosas del pianista. Inspirado inicialmente en la idea de escribir para un cuarteto de cuerdas, Corea trasladó ese concepto al jazz, creando una suite en la que los cuatro músicos participan como interlocutores en igualdad de condiciones. Dedicada a Duke Ellington y John Coltrane, la obra combina una escritura cuidadosamente estructurada con amplios espacios para la improvisación. El resultado es una música de gran intensidad rítmica y riqueza armónica, que confirma a Corea como uno de los compositores más imaginativos del jazz contemporáneo.

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CHICK COREA ELEKTRIC BAND EYE OF THE BEHOLDER, Los Angeles, February 1988 - Eye Of The Beholder - Eric Marienthal (as) Chick Corea (keyboard) John Novello (synt-1) Frank Gambale (g) John Patitucci (b) Dave Weckl (d)

En 1986, Chick Corea presentó la Elektric Band, un grupo que revitalizó la fusión al incorporar las nuevas posibilidades de los sintetizadores digitales sin renunciar a la complejidad del jazz. La formación original reunía a Frank Gambale en guitarra, John Patitucci en bajo y Dave Weckl en batería, músicos que pronto se convertirían en referentes de una nueva generación. El álbum debut sorprendió por su precisión técnica, la riqueza de sus composiciones y el equilibrio entre improvisación y escritura. Aunque el sonido refleja la tecnología de su tiempo, la música conserva una vitalidad y una sofisticación que trascienden la década en que fue creada. Con la Elektric Band, Corea volvió a demostrar su permanente interés por explorar nuevos lenguajes sin perder su identidad musical.

CHICK COREA & FRIENDS REMEMBERING BUD POWELL - Los Angeles, 1997 - Bouncin’ With Bud - Wallace Roney (tp-1) Kenny Garrett (as-2) Joshua Redman (ts-3) Chick Corea (p) Christian McBride (b-4) Roy Haynes (d-5)

En 1997, Chick Corea reunió a un destacado grupo de músicos —Joshua Redman, Kenny Garrett, Wallace Roney, Christian McBride y Roy Haynes— para rendir homenaje a Bud Powell, uno de los pianistas que más influyó en su formación. En lugar de recrear el bebop de los años cuarenta, el grupo utiliza las composiciones de Powell como punto de partida para improvisaciones de lenguaje contemporáneo. Junto a clásicos como Bouncing with Bud, Tempus Fugit y Celia, el álbum recupera otras obras menos frecuentadas de su catálogo, revelando la riqueza y vigencia de su música. El resultado es un homenaje respetuoso, pero también creativo, que confirma cómo Chick Corea supo mantener un diálogo permanente entre la tradición y la innovación a lo largo de toda su carrera

El tercer programa especial dedicado a Chick Corea.

Jon Irabagon se ha convertido en una de las voces más inquietas del jazz contemporáneo. Saxofonista y compositor nacido en Chicago, su música recoge la tradición experimental de esa ciudad, pero la combina con una amplia variedad de lenguajes y una permanente voluntad de explorar.

“Focus Out” es el tercer disco de un cuarteto formado en 2019, con Matt Mitchell en piano y Fender Rhodes, Chris Lightcap en bajo eléctrico y Dan Weiss en batería. Irabagon, que en los dos trabajos anteriores se concentró en el tenor y el soprano, toca aquí exclusivamente saxo alto.

Las composiciones surgieron durante un período en que Irabagon intentaba conciliar su carrera con las responsabilidades de la paternidad. Son piezas complejas y de gran energía, donde conviven el jazz de vanguardia, el funk y ocasionales ecos del gospel.

En varios temas el cuarteto se amplía con músicos como Dave Ballou, Miles Okazaki, Donny McCaslin y Mark Shim, además del vocalista Kokayi. “Evening Star”, con una nutrida sección de vientos, lleva la música hacia el “free funk”, mientras “Prayer (For Reomi)”, un delicado dúo de saxo y piano dedicado a la hija de Irabagon, ofrece un breve momento de calma.

JASON MORAN SHARDS - Brooklyn, NY, October 19 & 20, 2024 - Shard I, Shard II, And the pieces are falling - Jason Moran (p) Marcus Gilmore (d) BlankFor.ms (electronics,tape loops,processing)

La experimentación ha sido siempre parte del lenguaje del pianista Jason Moran. Ya a comienzos de siglo incorporaba a sus actuaciones grabaciones de voces —informes bursátiles o transmisiones deportivas— y comenzaba a improvisar sobre el ritmo de las palabras, hasta convertirlas en material musical.

Esa misma curiosidad impulsa “Shards”, su nuevo disco, junto al artista electrónico BlankFor.ms —Tyler Gilmore, antiguo alumno de Moran— y el baterista Marcus Gilmore. El trío combina instrumentos acústicos y electrónica, utilizando incluso fragmentos de lo que los músicos acaban de tocar, que son transformados y devueltos a la improvisación.

La colaboración comenzó con “Refract”, publicado en 2023, pero en “Shards” la integración es más natural y la música fluye con mayor libertad. La pieza que da título al álbum aparece en cinco versiones de caracteres muy distintos. En “Shard I”, piano y batería son gradualmente rodeados por loops y sonidos refractados; “Shard II”, en cambio, crea un paisaje austero, casi cinematográfico.

ADAM LANE 4 CORNERS - “Salão Brazil”, Coimbra, Portugal, June 1-3, 2006 - Alfama (for Georges Braque), Spin with the earth - Magnus Broo (tp) Ken Vandermark (bar,cl,b-cl) Adam Lane (b) Paal Nilssen-Love (d)

El contrabajista Adam Lane reunió en “4 Corners” a un cuarteto formidable: Ken Vandermark en saxofones y clarinete, Magnus Broo en trompeta y Paal Nilssen-Love en batería. Grabado en vivo durante un festival en Coimbra, Portugal.

La música se mueve en el terreno del “free bop”, pero sus raíces son amplias. Hay ecos del rhythm and blues, de Mingus y de Ornette Coleman, junto a una energía que por momentos se acerca al rock y al funk. Lane sostiene al grupo con un contrabajo poderoso, en ocasiones procesado electrónicamente, mientras Nilssen-Love impulsa la música con su habitual intensidad.

El diálogo entre Vandermark y Magnus Broo domina buena parte del primer plano. Las composiciones de Lane y Vandermark, conservan estructuras abiertas y amplios espacios para la improvisación, pero sin abandonar la melodía.

“4 Corners” no intenta recrear el jazz de los años sesenta aunque se nutre de él como punto de partida para una música contemporánea, directa y de enorme energía, típica de una actuación en vivo.

Jackie McLean comenzó a tocar el saxo alto a los quince años y su aprendizaje fue vertiginoso. Estudió con Bud Powell, tocó con Thelonious Monk y Charlie Parker y, antes de cumplir veinte años, ya trabajaba con Miles Davis en Birdland. Después vendrían Charles Mingus y los Jazz Messengers de Art Blakey, antes de consolidarse como una de las voces más personales y reconocibles del saxo alto.

En 1962, McLean grabó “Let Freedom Ring”, un disco decisivo en su carrera y también en la evolución de Blue Note. Sin abandonar las estructuras del hard bop, comenzaba a incorporar algunas de las libertades que proponía la nueva vanguardia, especialmente la música de Ornette Coleman. Pero McLean no intentaba imitar a nadie. Su sonido seguía siendo inconfundible: áspero, incisivo y cargado de tensión, llevado aquí hasta esos gritos agudos y penetrantes.

La importancia de “Let Freedom Ring” es que McLean demostró que era posible asimilar las ideas del jazz de vanguardia sin renunciar al lenguaje que había definido su música. Un puente entre el hard bop y el jazz moderno que comenzaba a transformar la década de los sesenta.

ALLISON/CARDENAS/NASH TRIOLOGICAL - Maggies Farm, PA, June 28 & 29, 2025 - Puddle jumper, Burnt toast & avocado, Milton, Ida’s spoons - Ted Nash (ts) Steve Cardenas (g) Ben Allison (b)

Los tríos sin batería tienen una larga historia en el jazz y, en las manos adecuadas y, en las manos adecuadas, no han perdido su capacidad de sorprender. Es el caso del trío formado por el contrabajista Ben Allison, el guitarrista Steve Cardenas y el saxofonista Ted Nash, tres músicos de amplia experiencia que llevan varios discos trabajando juntos.

En “Triological”, el trío abandona el repertorio de compositores ajenos, como en sus grabaciones anteriores y se concentra en música original de ellos. La ausencia de batería no significa falta de impulso rítmico: el movimiento surge de la interacción entre el contrabajo de Allison, la guitarra de Cardenas y los distintos instrumentos de viento de Nash.

Es difícil no recordar los históricos tríos de Jimmy Giuffre, especialmente el que formó con Jim Hall y Ralph Peña. Hay aquí una similar libertad para cambiar de dirección, dejar espacios y permitir que cada músico conserve su propia voz dentro del conjunto.

ROY HAYNES QUARTET CYMBALISM - Englewood Cliffs, NJ, September 10, 1963 - Modette, I’m getting sentimental over you, Go ‘n’ git it - Frank Strozier (as,fl) Ronnie Mathews (p) Larry Ridley (b) Roy Haynes (d)

A lo largo de una carrera que se extendió por más de siete décadas, Roy Haynes tocó con algunas de las grandes figuras del jazz, desde Charlie Parker y Lester Young hasta John Coltrane y Chick Corea. Pero sus grabaciones como líder permiten apreciar con mayor claridad una de las voces más originales de la batería moderna.

En 1963 grabó “Cymbalism” acompañado por Frank Strozier en saxo alto y flauta, Ronnie Mathews en piano y Larry Ridley en contrabajo. La sesión, registrada por Rudy Van Gelder, se mueve entre el hard bop y un lenguaje post-bop más abierto, con ocasionales elementos de soul jazz.

El título del disco juega, naturalmente, con la palabra “symbolism” y la extraordinaria manera en que Haynes utilizaba los platillos o Cymbals en Inglés. Roy nunca se limitó a marcar el tiempo: introducía acentos inesperados, desplazaba el pulso y empleaba los platillos casi como colores dentro de la música.

Strozier, Mathews y Ridley responden con la misma agilidad. “Cymbalism” es un excelente ejemplo de la elegancia rítmica de Roy Haynes y de esa capacidad suya para impulsar a un grupo sin dominarlo.

The Phoenix Trio es un nuevo grupo integrado por el saxofonista tenor Mark Turner, el contrabajista Joe Martin y el baterista Marcus Gilmore. Su primer disco, Tomorrow Is Today, fue grabado en vivo en el club Ornithology de Brooklyn, en marzo del 2025.

Aunque el trío es nuevo, sus integrantes se conocen bien y han coincidido en distintos proyectos a lo largo de los años. Esa familiaridad se percibe en una música que fluye como una conversación. Los ensayos fueron mínimos y las discusiones se limitaron prácticamente a la forma y al desarrollo de las piezas.

La ausencia de piano deja amplios espacios y una gran libertad de movimiento. Muchos temas parten de breves motivos repetidos por Martin, que establecen el pulso mientras Gilmore agrega sutiles acentos rítmicos. Cuando entra Turner, con sus largas y ondulantes líneas melódicas, el contrabajo responde con contrapuntos, creando melodías paralelas. Gilmore completa ese diálogo con una batería extraordinariamente ligera. El resultado es un trío abierto, atento y profundamente interactivo.

TOMMY FLANAGAN TRIO THE TOKYO RECITAL - Tokyo, Japan, February 15, 1975 - All day long, U.M.M.G. [Upper Manhattan Medical Group, Caravan - Tommy Flanagan (p) Keter Betts (b) Bobby Durham (d)

Tommy Flanagan fue uno de los grandes pianistas surgidos de la fértil escena de Detroit durante los años cincuenta. Después de trasladarse a Nueva York en 1956, grabó con frecuencia como líder y acompañante, estableciendo rápidamente una sólida reputación entre sus colegas.

Sin embargo, sus dos largas etapas como pianista de Ella Fitzgerald, entre 1963 y 1965 y nuevamente desde 1968 hasta 1978, contribuyeron paradójicamente a que su talento fuera subestimado. Durante doce años, entre 1962 y 1974, Flanagan no tuvo la oportunidad de grabar un disco a su nombre y fue conocido principalmente como un acompañante excepcional.

The Tokyo Recital, de 1975, demuestra que aquellos años trabajando al servicio de otros músicos no habían disminuido en absoluto sus cualidades como solista. Acompañado por el contrabajista Keter Betts y el baterista Bobby Durham, Flanagan dedica el programa a composiciones asociadas con Duke Ellington y Billy Strayhorn.

Su interpretación es elegante y precisa, pero nunca distante. Con un toque ligero, un impecable sentido del tiempo y una profunda comprensión de las melodías, Flanagan confirma aquí lo que durante demasiado tiempo había quedado en segundo plano: era uno de los grandes pianistas de su generación.

ALVIN QUEEN JAMMIN’ UPTOWN - White Plains, NY, August 24 & 25, 1985 - Europia, Jammin’ Uptown, After Liberation - Terence Blanchard (tp) Robin Eubanks (tb) Manny Boyd (ts,as,sop) John Hicks (p) Ray Drummond (b) Alvin Queen (d)

El baterista Alvin Queen conoció el jazz desde muy joven. Los sábados, su padre lo llevaba al Apollo Theater donde escuchó a figuras como John Coltrane, el quinteto de Cannonball Adderley con Nancy Wilson y la cantante Ruth Brown, quien años más tarde le daría uno de sus primeros trabajos profesionales.

En 1969, Queen se incorporó al quinteto de Horace Silver y continuó tocando ocasionalmente con el pianista durante varios años. También trabajó con George Benson y Charles Tolliver, entre muchos otros, antes de radicarse en Europa durante los años ochenta.

En Jammin’ Uptown, grabado en Nueva York en 1985, lidera un sexteto. A pesar de su título, no se trata simplemente de una jam session. La música está cuidadosamente organizada y cuenta con excelentes arreglos, aunque abre mucho espacio para la improvisación.

Queen mantiene la música en constante movimiento con su estilo preciso y enérgico, pero curiosamente casi no toca solos. El sexteto incluye además a dos jóvenes músicos que comenzaban a destacarse en los años ochenta: el trompetista Terence Blanchard y el trombonista Robin Eubanks. En sus intervenciones ya se anticipa la importancia que ambos alcanzarían en el jazz contemporáneo.

- New York, August 22, 1938 - Jumpin’ at the Woodside, Stop beatin’ ‘round the mulberry bush (jr,ens vcl), Texas shuffle - Ed Lewis, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Herschel Evans, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)

- Panther Room”, Hotel Sherman, Chicago, IL, May 19, 1939 Every tub, Lady be good Ed Lewis, Shad Collins, Harry “Sweets” Edison, Buck Clayton (tp) Benny Morton, Dicky Wells, Dan Minor (tb) Earl Warren (as) Jack Washington (as,bar) Buddy Tate, Lester Young (ts,cl) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Jimmy Rushing (vcl) Eddie Durham (arr)

A mediados de los años treinta, la orquesta de Count Basie definía el sonido de Kansas City: una sección rítmica ligera y flexible, riffs, arreglos abiertos y amplio espacio para la improvisación. Una música construida con aparente sencillez, pero impulsada por un swing irresistible, como se escucha claramente en “Jumpin’ at the Woodside”.

El tema fue grabado por la orquesta de Count Basie para Decca en 1938. Su título proviene del Woodside Hotel de Harlem, donde los músicos de Basie se alojaban y ensayaban, a menudo en el sótano.

La grabación incluye solos de Earle Warren en saxo alto, Basie al piano, Buck Clayton en trompeta con sordina y Lester Young, cuyo fraseo relajado en el tenor parece flotar sobre la orquesta.

La pieza es, además, un ejemplo clásico de los llamados head arrangements de la banda de Basie. En lugar de arreglos escritos, los músicos construían la música colectivamente durante los ensayos: cortas frases de los saxofones eran respondidas por los metales; las figuras se repetían, se modificaban y finalmente quedaban en la memoria de la orquesta. El arreglo estaba, literalmente, en la cabeza de los músicos.

En poco más de tres minutos, “Jumpin’ at the Woodside” resume la esencia de la primera gran banda de Basie: ideas sencillas, desarrolladas colectivamente, y un swing increíble.

TEDDY WILSON TRIO THE IMPECCABLE MR. WILSON - New York, September 13, 1956 - I want to be happy, Ain’t misbehavin’, Honeysuckle rose, Fine and dandy, Sweet Lorraine, Laura - Teddy Wilson (p) Al Lucas (b) Jo Jones (d)

Teddy Wilson fue uno de los pianistas más elegantes de la era del swing. Influido por Earl Hines y Art Tatum, desarrolló un estilo de toque delicado, preciso y virtuoso, presente en grabaciones junto a figuras como Louis Armstrong, Benny Goodman, Billie Holiday y Ella Fitzgerald. Su trabajo con Goodman lo convirtió, además, en uno de los primeros músicos negros en ocupar un lugar destacado en un conjunto integrado.

En la sesión del 13 de septiembre de 1956, Wilson encabeza un trío con el contrabajista Al Lucas y el baterista Jo Jones. El repertorio son canciones especialmente apropiadas para el álbum titulado The Impeccable Mr. Wilson : melodías elegantes con progresiones armónicas ordenadas.

“I Want to Be Happy” recibe aquí una interpretación particularmente fluida. Lucas, veterano de la banda de Illinois Jacquet y de la escena de la Calle 52, aporta un pulso preciso, buen gusto y un impecable sentido del tiempo, junto a Jo Jones forman una sección rítmica de extraordinaria ligereza y swing.

ALBERT NICHOLAS QUARTET THE NEW ORLEANS-CHICAGO CONNECTION - Chicago, July 19, 1959 - Song Of The Wanderer, Anah’s blues, Etta, I’m coming, Virginia, Blues My Naughty Sweetie Gives To Me - Albert Nicholas (cl) Art Hodes (p) Earl Murphy (b) Freddie Kohlman (d)

El clarinetista Albert Nicholas perteneció a la primera generación del jazz de Nueva Orleans. Discípulo de Lorenzo Tio, inició tocando con músicos como Buddy Petit, King Oliver y Manuel Perez, y más tarde en Nueva York se integró a la orquesta de Luis Russell, junto a Henry “Red” Allen, Charlie Holmes y J.C. Higginbotham. También trabajó con Chick Webb, Louis Armstrong y Jelly Roll Morton.

El renacimiento del jazz tradicional a fines de los años cuarenta dio nuevo impulso a su carrera, pero en 1953 Nicholas siguió un camino similar al de Sidney Bechet y se radicó en Francia. Allí encontró un público más receptivo a la música de Nueva Orleans y permaneció en Europa hasta su muerte, en 1973.

En 1959, en una de sus infrecuentes visitas a a Estados Unidos, Nicholas se reunió con el pianista Art Hodes, el contrabajista Earl Murphy y el baterista Freddie Kohlman para una sesión dedicada a standards y blues y grabaron “The New Orleans-Chicago Connection”, un disco sin complicaciones ni pretensiones renovadoras. El cuarteto vuelve a la esencia del jazz tradicional: melodía, improvisación colectiva y swing, encabezados por el sonido cálido y lírico del clarinete de Nicholas.

MILES DAVIS - B*****S BREW LIVE - Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island, July 5, 1969 - It’s About That Time - Miles Davis (tp) Chick Corea (el-p) Dave Holland (b) Jack DeJohnette (d)

La siguiente gran etapa comenzó ese mismo año, cuando Miles Davis lo incorporó a su grupo. Davis se encontraba entonces en plena búsqueda de nuevas direcciones musicales, y Corea fue uno de los jóvenes músicos que lo acompañaron en esa aventura.

La importancia de Corea durante este período fue enorme. Mientras muchos pianistas continuaban considerando el piano acústico como el centro de su actividad artística, él abrazó las posibilidades del Fender Rhodes y de los teclados eléctricos. Y no los utilizó simplemente como sustitutos del piano tradicional: desarrolló para ellos un lenguaje propio.

Durante el período en la banda de Davis participó en grabaciones históricas como “In a Silent Way” y “B*****s Brew”, dos discos fundamentales en el nacimiento del jazz fusión.

THE SONG OF SINGING - New York, April 7,8, 1970 - Toy room, Nefertiti - Chick Corea (p,perc) Dave Holland (b,perc) Barry Altschul (d)

A comienzos de los años setenta, Corea y el contrabajista Dave Holland se retiraron del grupo de Miles Davis para iniciar su propio conjunto.

Durante las actuaciones con Davis, y también en largas sesiones informales de improvisación, ambos habían desarrollado una estrecha afinidad musical. A ellos se sumó el baterista Barry Altschul, un músico igualmente interesado en la improvisación libre y en llevar el formato tradicional del trío de piano hacia territorios mucho más abstractos.

El primer álbum de esta colaboración fue “The Song of Singing”, grabado en 1970. Aquí Corea regresó al piano acústico, pero no al lenguaje de sus primeros años. La música es abierta, espontánea y profundamente colectiva.

PIANO IMPROVISATIONS VOL. 1 - Oslo, Norway, April 21 & 22, 1971 - Sometime ago - Chick Corea (p)

Unos meses después, Chick Corea decidió disolver Circle y, una vez más, cambiar de dirección. Sus primeras grabaciones fueron dos discos dedicados exclusivamente al piano solo.

El primero de ellos, “Piano Improvisations Vol. 1”, muestra a un Corea muy diferente al que acabamos de escuchar. La abstracción y la intensidad colectiva de Circle dan paso a una música íntima, melódica y profundamente personal.

El disco incluye además la primera grabación de “Sometime Ago”, una composición que con el tiempo se convertiría en una de las obras más conocidas de su repertorio.

RETURN TO FOREVER - New York, February 2 & 3, 1972 - Sometime ago / La fiesta - Joe Farrell (ts,sop,fl) Chick Corea (p,el-p) Stanley Clarke (b,el-b) Airto Moreira (d,perc) Flora Purim (vcl,perc)

Después de sus grabaciones de piano solo, Chick Corea volvió a cambiar de dirección. En 1972 fundó Return to Forever, un grupo que combinaba el jazz con ritmos latinoamericanos, melodías de gran lirismo y el uso cada vez más importante de los instrumentos eléctricos.

La primera formación, junto a Corea estaban el saxofonista y flautista Joe Farrell, el contrabajista Stanley Clarke, la cantante Flora Purim y el percusionista Airto Moreira. La voz de Purim y la presencia de la flauta y las percusiones brasileñas dan al grupo un carácter melódico, muy alejado de la abstracción de Circle.

Junto a Weather Report, The Headhunters y la Mahavishnu Orchestra, Return to Forever se convertiría en uno de los grupos fundamentales del jazz fusión de los años setenta y serviría además como plataforma para músicos como Clarke, Flora Purim, Airto Moreira y, más tarde, el guitarrista Al Di Meola.

Pero hoy escucharemos el comienzo de la historia: el primer Return to Forever.

El baterista, compositor y director Tyshawn Sorey es una de las figuras más admiradas del jazz actual. En su más reciente trabajo, “Members… Don’t!”, rinde homenaje a un álbum fundamental de Max Roach, “Members, Don’t Git Weary”, publicado en 1968 en uno de los momentos más difíciles de la historia reciente de Estados Unidos. La música de Roach transmitía entonces un mensaje de resistencia y esperanza frente a las tensiones sociales y la lucha por los derechos civiles.

En lugar de interpretar fielmente aquellas composiciones, Sorey las toma como punto de partida para crear una obra completamente nueva. Grabado en vivo en el club Jazz Gallery de Nueva York, el álbum se desarrolla como una sola interpretación continua en la que la improvisación ocupa un lugar central.

Lo acompañan el trompetista Adam O’Farrill, el saxofonista Mark Shim, el pianista Lex Korten y el contrabajista Tyrone Allen. Juntos construyen una música intensa y expresiva, que mira al legado de Max Roach sin caer en la nostalgia y demuestra cómo esas ideas siguen teniendo plena vigencia en el jazz contemporáneo.

CHRISTIAN DILLINGHAM AS IT RELATES TO NOW - Chicago, IL, May 30, 2025 - As it relates to now, Delusional grandeur, The divine current - Greg Ward (as) Christian Dillingham (b) Jeremy Cunningham (d)

El contrabajista y compositor Christian Dillingham, ganador de un premio Grammy por su trabajo como intérprete, presenta “As It Relates To Now”, su tercer álbum como líder y el primero grabado en formato de trío. Lo acompañan dos destacados músicos de la escena de Chicago: el saxofonista alto Greg Ward y el baterista Jeremy Cunningham.

Sin recurrir a un instrumento armónico como el piano o la guitarra, el trío desarrolla un sonido abierto y muy comunicativo, en el que cada músico tiene amplio espacio para proponer ideas y dialogar con los demás. Las composiciones de Dillingham nacen, en parte, de las tensiones sociales y políticas del mundo actual, aunque el mensaje se transmite siempre a través de la música.

El álbum combina momentos de gran energía con pasajes más reflexivos. La estrecha compenetración entre el saxofón y el contrabajo, recuerda el vigor del hard bop clásico con un swing firme y contagioso.

STEVE LEHMAN THE MUSIC OF ANTHONY BRAXTON - Live “ETA”, Los Angeles, c. 2024 - Composition 34a, L.A. genes, Composition 23c - Steve Lehman (as) Mark Turner (ts) Matt Brewer (b) Damion Reid (d)

El saxofonista Steve Lehman dedica este nuevo álbum a la música de Anthony Braxton, uno de los compositores e improvisadores más influyentes del jazz contemporáneo y uno de sus primeros maestros. “The Music of Anthony Braxton”, grabado en vivo en el club ETA aquí en Los Ángeles, celebra los 80 años de Braxton con una lectura enérgica y profundamente personal de algunas de sus composiciones.

Lehman se presenta junto a su consolidado trío, integrado por el contrabajista Matt Brewer y el baterista Damion Reid, al que se suma como invitado el destacado saxofonista tenor Mark Turner. Lejos de intentar reproducir las versiones originales, el cuarteto ofrece una interpretación propia, donde la improvisación, el swing y la interacción entre los músicos ocupan un lugar central.

Cabe notar el contraste entre el sonido intenso y expresivo del saxofón alto de Lehman y el fraseo más sereno y elegante de Turner en tenor. Mientras tanto, Brewer y Reid forman una sección rítmica de extraordinaria compenetración. Es un concierto vibrante que no solo rinde homenaje al legado de Anthony Braxton, sino que también demuestra la permanente vigencia de su música en manos de una nueva generación de improvisadores.

Pocos trompetistas en la historia del jazz han reunido el virtuosismo, la imaginación y la influencia de Freddie Hubbard. Considerado uno de los grandes maestros de su instrumento, comenzó tocando el mellophone y luego la trompeta en la banda del colegio. Durante su adolescencia actuó junto a Wes y Monk Montgomery en Indianápolis y formó su propio grupo con el contrabajista Larry Ridley y el saxofonista James Spaulding.

Cuando se estableció en Nueva York en 1958, Hubbard impresionó de inmediato por la madurez de su sonido y la seguridad de su técnica, colaborando con figuras como Philly Joe Jones, Sonny Rollins, Slide Hampton, J.J. Johnson y Eric Dolphy.

En 1960, recomendado por Miles Davis, grabó su primer álbum como líder, “Open Sesame”, apenas unas semanas después de cumplir 22 años. En los diez meses siguientes registró “Goin’ Up” y “Hub Cap”, para luego alcanzar uno de los puntos culminantes de su primera etapa con “Ready for Freddie” (1961), considerado por muchos su obra maestra y el inicio de una memorable asociación con Wayne Shorter. Ese mismo año ingresó a los “Jazz Messengers” de Art Blakey, reemplazando a Lee Morgan. Para entonces, Hubbard ya había desarrollado una voz inconfundible y había sido distinguido por la revista “DownBeat” como la nueva gran figura de la trompeta.

DENNY ZEITLIN / CHARLIE HADEN TIME REMEMBERS ONE TIME ONCE - “Keystone Korner”, San Francisco, CA, July, 1981 -Chairman Mao, Time remembers one time once, Satellite / How high the moon-Denny Zeitlin (p) Charlie Haden (b)

Grabado en julio de 1981 en el legendario club “Keystone Korner” de San Francisco, “Time Remembers One Time Once” reúne a dos músicos de excepcional sensibilidad: el pianista Denny Zeitlin y el contrabajista Charlie Haden.

Zeitlin ha sido siempre una figura singular en el jazz. Además de una brillante carrera musical, ha ejercido durante décadas como profesor de psiquiatría clínica, logrando mantener un notable equilibrio entre la medicina y la creación artística. Pianista de refinada técnica, lirismo, y una riqueza armónica con un profundo enfoque.

Destacan “Chairman Mao”, de Haden, que comienza con un ostinato del contrabajo para que el piano exponga el tema de sutiles toques orientales, dando paso a un estupendo solo de contrabajo. La composición de Zeitlin que da título al álbum, parte como un vals para luego transformarse constantemente, sorprendiendo con cambios melódicos y armónicos tan naturales como impredecibles. El resultado es un diálogo de extraordinaria empatía, donde el silencio, el espacio y la escucha son tan importantes como las notas.

SONNY RED QUINTET THE MODE - New York, December 14, 1961 - Super 20, Bye bye blues, The mode - Sonny Red (as) Barry Harris (p) Grant Green (g-1) George Tucker (b) Lex Humphries (d) Jimmy Cobb (d-2) replaces Humphries

Aunque nunca alcanzó la fama de otros saxofonistas de su generación, Sonny Red fue uno de los más sólidos exponentes del alto surgidos del lenguaje de Charlie Parker. Formado en Detroit junto al pianista Barry Harris, inició su carrera profesional a comienzos de la década de 1950. Tras un breve paso por la orquesta de Frank Rosolino y una corta estadía con los Jazz Messengers de Art Blakey, se estableció en Nueva York en 1957.

“The Mode”, grabado en 1961, refleja un momento de transición en el jazz. Sin abandonar el vigoroso bebop heredado de Charlie Parker, Sonny Red explora el lenguaje modal que comenzaba a expandirse tras la influencia de “Kind of Blue”. Red encuentra un equilibrio entre ambos mundos, alternando complejas progresiones armónicas con extensos pasajes modales. Lo acompañan el guitarrista Grant Green, los pianistas Barry Harris o Cedar Walton, el contrabajista George Tucker y el baterista Jimmy Cobb, un quinteto de primer nivel que se mueve con igual naturalidad entre la tradición del hard bop y las nuevas posibilidades del jazz modal.

- New York, March 4 & 8, 1965 - The things we did last summer (rc,tw out), Apex (gs out), Goin’ to Memphis - Charles Lloyd (ts,fl) Gabor Szabo (g) Ron Carter (b) Tony Williams (d)

- New York, October 15, 1965 - Sun dance - Charles Lloyd (ts,fl) Gabor Szabo (g) Ron Carter (b) Tony Williams (d)

Grabado en 1964, “Of Course, Of Course” fue el segundo álbum de Charles Lloyd como líder, aunque aún integraba el quinteto de Cannonball Adderley, Lloyd ya exhibía una personalidad musical claramente definida.

Lo acompaña un estupendo cuarteto: el guitarrista húngaro Gábor Szabó, su antiguo compañero en el grupo de Chico Hamilton, Ron Carter en contrabajo y el joven baterista Tony Williams, quienes aportan una base rítmica de extraordinaria flexibilidad y creatividad.

Siete de las nueve composiciones pertenecen a Lloyd y revelan un compositor interesado tanto en la melodía como en la exploración armónica. El estándar “The Things We Did Last Summer”, interpretado únicamente por Lloyd y Szabó, ofrece uno de los momentos más íntimos del álbum. En el extremo opuesto está “Apex”, un intenso trío con Carter y Williams donde, más que la influencia de John Coltrane, aflora la libertad melódica y el enfoque abierto de Ornette Coleman. El breve solo de Carter es una joya.

DIANA KRALL

- ALL FOR YOU - New York, October 3-8, 1995 - Frim fram sauce, A blossom fell - Diana Krall (p,vcl) Russell Malone (g) Paul Keller (b)

- GLAD RAG DOLL - Los Angeles, January-February 2012 - Glad rag doll - Diana Krall (p,vcl) Marc Ribot (ac-g)

Diana Krall alcanzó proyección internacional con “All for You” (1996), un homenaje a Nat King Cole, y consolidó su éxito con “When I Look in Your Eyes” (1999), álbum que obtuvo reconocimiento en los premios Grammy y contribuyó a devolver el jazz al primer plano del mercado discográfico.

Su estilo combina estándares de jazz con influencias del pop, la bossa nova y el Gran Cancionero Estadounidense, logrando un equilibrio entre sofisticación y accesibilidad. Con una voz de íntima calidez y un elegante trabajo al piano, Krall ha conquistado una audiencia internacional sin apartarse de la tradición del jazz. Sus grabaciones y presentaciones continúan demostrando un profundo respeto por ese legado, acercando la elegancia del jazz vocal clásico a nuevas generaciones de oyentes.

BLUE MOODS DIRECTIONS & EXPRESSIONS - Brooklyn, NY, September 13, 2025 - Boplicity, Stuff, Agitation, Lazy Susan/Half Nelson - Eli Howell (tb) Diego Rivera (ts,sop) Behn Gillece (vib) Art Hirahara (p) Boris Kozlov (b) Vinnie Sperrazza (d)

“Charles Lloyd – “Of Course, Of Course”

Con “Directions & Expressions”, el sello PosiTone continúa su serie “Blue Moods”, dedicada a reinterpretar la obra de algunos de los grandes compositores del jazz. En esta ocasión, el homenaje está centrado en Miles Davis, cuya música sirve como punto de partida para nuevas lecturas llenas de imaginación y personalidad.

El sexteto reúne al saxofonista Diego Rivera, el trombonista Eli Howell, el pianista Art Hirahara, el vibrafonista Behn Gillece, el contrabajista Boris Kozlov y el baterista Vinnie Sperrazza. Más que reproducir los arreglos originales, el grupo explora el lirismo, la profundidad armónica y el espíritu aventurero que caracterizaron la obra de Davis, equilibrando atmósferas contemplativas con momentos de gran intensidad.

- QUINTET - New York, July 18, 1944 - Tiny’s excercise, She’s funny that way - Ike Quebec (ts) Ram Ramirez (p) Tiny Grimes (g) Milt Hinton (b) J.C. Heard (d)

- SWINGTET - New York, September 25, 1944 - Hard tack, If I had you - Jonah Jones (tp) Tyree Glenn (tb) Ike Quebec (ts) Ram Ramirez (p) Tiny Grimes (g) Oscar Pettiford (b) J.C. Heard (d

Ike Quebec nació en Newark en 1918, comenzó como pianista y bailarín antes de descubrir el saxofón tenor. Influido por Coleman Hawkins y Ben Webster, desarrolló un sonido amplio, aterciopelado y profundamente expresivo. No fue un revolucionario, pero sí uno de los saxofonistas con el fraseo más cálido y seductor de su generación.

En los años cuarenta trabajó como una especie de director artístico informal para el sello Blue Note Records y fue quien llamó la atención de Alfred Lion sobre jóvenes talentos como Thelonious Monk y Bud Powell, contribuyendo decisivamente al desarrollo del catálogo del sello.

Quebec nunca buscó deslumbrar con velocidad ni con complejidad. Su mayor virtud fue hacer cantar al saxofón tenor con una calidez y una humanidad que hoy siguen siendo inconfundibles. Es uno de esos músicos cuya primera nota basta para reconocerlo.”

JOE MARSALA

- JAM SESSION - WNEW Studios, New York, December 7, 1938 - Hard tack, If I had you - Bobby Hackett (cnt) Joe Marsala (cl) Ernie Caceres (bar) Joe Bushkin (p) Carmen Mastren (g) Sam Shoobe (b) George Wettling (d)

- AND HIS CHOSEN SEVEN - New York, July 6, 1942 - Chimes blues, Sweet mama (papa’s getting mad), Walkin’ the dog, Lazy daddy - Max Kaminsky (tp) George Brunies (tb) Joe Marsala (cl,as) Dick Cary (p) Carmen Mastren (g) Haig Stephens (b) Zutty Singleton (d)

Joe Marsala es una de esas figuras discretas pero fundamentales del jazz tradicional. Aunque nunca alcanzó la fama de Benny Goodman o Artie Shaw, fue un músico muy respetado por sus colegas y un importante puente entre el jazz de Chicago y la escena neoyorquina de los años treinta y cuarenta.

Nació en 1907 en Chicago, comenzó tocando saxofón, pero muy pronto el clarinete pasó a ser su instrumento principal. Sus primeras influencias fueron Frank Teschemacher y Jimmie Noone, dos de los grandes representantes del llamado “estilo Chicago”.

En 1931 se trasladó a Nueva York, donde rápidamente encontró trabajo con músicos como Muggsy Spanier, Eddie Condon y Wingy Manone. Durante esos años se convirtió en una presencia habitual en los clubes de la calle 52, el corazón del jazz neoyorquino.

Su estilo se caracterizaba por un sonido limpio y cálido, una improvisación elegante y un swing natural. No buscaba el virtuosismo deslumbrante; prefería construir solos melódicos, fluidos y perfectamente integrados al conjunto. Esa musicalidad hizo que fuera muy apreciado tanto en pequeños grupos como en sesiones de estudio.

JOHN HARDEE

- SWINGTET - New York, February 28, 1946 - Tired, Blue skies, Hardee’s partee - John Hardee (ts) Sammy Benskin (p) Tiny Grimes (g) John Simmons (b) Sidney Catlett (d)

- SEXTET - New York, May 31, 1946 - River edge rock, Sweet and lovely - John Hardee (ts) Bill Bivens (vib) Sammy Benskin (p) Jimmy Shirley (g) Gene Ramey (b) Sidney Catlett (d)

John Hardee nació en 1916 en Texas y comenzó tocando en bandas territoriales del suroeste de Estados Unidos antes de establecerse en Nueva York durante la década de 1940. Allí llamó la atención por un sonido poderoso y una gran fluidez técnica.

Aunque inicialmente influenciado por Lester Young y Don Byas, desarrolló un lenguaje propio. Su fraseo tenía la elegancia y la ligereza de Young, aunque con un tono más robusto y una inclinación hacia las armonías modernas que anunciaban el bebop.

Entre 1946 y 1949 realizó varias grabaciones como líder para el sello Savoy Records. En ellas aparece acompañado por excelentes músicos de la época y demuestra una capacidad notable para combinar el swing con un vocabulario armónico más avanzado. Sin romper con la tradición, su música ya miraba claramente hacia el jazz moderno.

John Hardee pertenece a esa selecta lista de grandes talentos poco recordados. Su música refleja el instante en que el swing comenzaba a transformarse en jazz moderno, con un saxofón tenor que conservaba la elegancia de la tradición mientras abría la puerta a un nuevo lenguaje.

Murió en 1963, con apenas 47 años.

En esta primera entrega conoceremos sus años de formación, los músicos que marcaron su desarrollo y el momento en que comenzó a forjar una voz propia, una voz que terminaría cambiando el rumbo del jazz contemporáneo.

Armando Anthony Corea nació el 12 de junio de 1941 en Chelsea, Massachusetts, creció en una familia donde la música formaba parte de la vida cotidiana. Su padre, trompetista aficionado de origen italiano, lo introdujo al jazz e incentivó sus estudios de piano. Desde niño mostró una gran facilidad para el instrumento. Escuchaba tanto a pianistas de jazz como a compositores clásicos, una combinación que marcaría profundamente su desarrollo artístico.

Entre sus primeras influencias figuran Bud Powell, Horace Silver y Bill Evans. De Powell absorbió la energía y la fluidez del bebop; de Silver, el sentido del ritmo y el blues; y de Evans, la riqueza armónica y la sensibilidad lírica. Pero Corea nunca se conformó con imitar a sus modelos. Desde sus primeros trabajos buscó una voz propia, caracterizada por una mezcla de sofisticación armónica, imaginación melódica y una particular libertad rítmica.

Se inició de joven com o músicos profesional tocando en bailes y observaba cómo los ritmos latinos eran el alma de las fiestas, llenando de alegría a la gente, experiencia que sembró las bases de una afinidad que Chick Corea mantendría durante toda su vida con la música latina.

Tras trasladarse a Nueva York en 1959, entró en contacto con el percusionista Don Alias y tuvo la oportunidad de participar en algunas sesiones informales junto al joven baterista Tony Williams.

MONGO SANTAMARIA - GO, MONGO ! - New York, July 9 & 11, 1962 Happy now, Chombolero Paul Serrano (tp) Pat Patrick, Al Abreu (fl,saxes) Chick Corea (p) Jose De Paulo (g,latin-perc) Victor Venegas (b) Julito Collazo (timb) To-Tiko (g,latin-perc) Mongo Santamaria (cga,bgo) Carmen Costa, Marcelino Guerra, Elliot Romero (vcl)

Esta afición por los ritmos afro-latinos fue fundamental para conseguir su primer compromiso importante en Nueva York cuando, en 1960, ingresó a la banda de Mongo Santamaría con quien permaneció durante dos años. Su debut discográfico en 1962 fue como pianista de la agrupación de Santamaría en el álbum “Go Mongo”.

BLUE MITCHELL THE THING TO DO - Englewood Cliffs, N.J., July 30, 1964 - Fungi mama, Chick’s tune - Blue Mitchell (tp) Junior Cook (ts) Chick Corea (p) Gene Taylor (b) Al Foster (d)

El trompetista Blue Mitchell invitó a Corea a integrarse a su grupo, una formación que muchos describían como el Quinteto de Horace Silver sin Horace Silver. La oportunidad representó un sueño hecho realidad para Corea, quien durante su último año de enseñanza secundaria había estudiado minuciosamente la música de Silver y transcrito solos tanto del pianista como de Mitchell. Fue también una experiencia importante desde el punto de vista creativo, ya que su composición “Chick’s Tune” apareció en el álbum “The Thing to Do”, editado por Blue Note, convirtiéndose en la primera obra original de Corea registrada en un disco.

STAN GETZ QUARTET SWEET RAIN - Englewood Cliffs, N.J., March 21, 1967 - Litha, Sweet rain - Stan Getz (ts) Chick Corea (p) Ron Carter (b) Grady Tate (d)

En 1966 Corea recibió una llamada que marcaría un nuevo paso en su carrera. El saxofonista Stan Getz lo invitó a unirse a su grupo, ofreciéndole por primera vez una estabilidad económica razonable y la posibilidad de trabajar regularmente con instrumentos de calidad. La recomendación había venido del bajista Steve Swallow. Uno de los importantes álbumes de Getz, Sweet Rain fue su primer gran hit artístico desde su período de bossa nova, lo hizo con un grupo de jóvenes: Chick Corea, el bajista Ron Carter y el baterista Grady Tate.

Getz originalmente iba a tocar con Roy Haynes en la batería y Steve Swallow en el contrabajo. Sin embargo, por razones desconocidas, decidió prescindir de Haynes y en un gesto de solidaridad , Swallow rehusó participar en la grabación. Aun así, la experiencia con Getz fue decisiva para Corea, que estaba empezando a consolidarse como una de las voces originales de una nueva generación de pianistas de jazz.

PETE LA ROCA TURKISH WOMEN AT THE BATHS - New York, May 25, 1967 - Turkish women at the baths - John Gilmore (ts) Chick Corea (p) Walter Booker (b) Pete La Roca (d)

La formación que usó Getz en “Sweet Rain” quedó documentada en el álbum “Turkish Women at the Bath”, una grabación particularmente valiosa porque constituye una de las pocas oportunidades de escuchar al saxofonista John Gilmore fuera de su trabajo con la Sun Ra Arkestra.

CHICK COREA NOW HE SINGS, NOW HE SOBS - New York, March 14, 1968 - Now He Sings, Now He Sobs - Chick Corea (p) Miroslav Vitous (b) Roy Haynes (d)

Aunque ya gozaba del respeto de sus colegas y había demostrado su talento, Now He Sings, Now He Sobs fue el álbum que confirmó definitivamente la aparición de una voz única en el jazz. Su música combinaba la sofisticación armónica del bebop con una libertad rítmica y una imaginación melódica que apuntaban claramente hacia el futuro.

Para este proyecto, grabado en 1968, Corea reunió a dos músicos con quienes había desarrollado una fuerte conexión artística: el contrabajista Miroslav Vitous y el baterista Roy Haynes. Juntos formaron la primera versión del Chick Corea Trio, un grupo caracterizado por su extraordinaria interacción y por una concepción colectiva de la improvisación.

El resultado fue un disco que redefinió el formato del trío de piano. En lugar de la estructura tradicional, donde el pianista ocupa el centro y los demás acompañan, Corea, Vitous y Haynes establecieron un diálogo permanente en el que cada instrumento aporta ideas, responde y desafía a los otros. La música fluye con una energía impredecible y una notable sensación de libertad.

Considerado hoy una de las grabaciones más influyentes del jazz moderno, “Now He Sings, Now He Sobs” representó la culminación de la etapa formativa de Chick Corea y el comienzo de una trayectoria que lo convertiría en uno de los músicos más innovadores y admirados de su generación.

James Brandon Lewis en “Omni”, el sexto álbum de su cuarteto junto al pianista Aruán Ortiz, el contrabajista Brad Jones y el baterista Chad Taylor, continúa desarrollando un lenguaje musical propio que el grupo ha ido construyendo durante más de una década.

Inspirado en su infancia como hijo de un ministro, “Omni” tiene un marcado enfoque espiritual que gira en torno a tres atributos divinos —omnipotencia, omnisciencia y omnipresencia— y da forma a lo que Lewis describe como un “góspel dodecafónico”: un sistema de doce sonidos como punto de partida para una improvisación libre, abierta y profundamente colectiva. Es música intensa y reflexiva que combina estructura, emoción y libertad, sin recurrir a excesos.

BORDERLANDS TRIO REWILDER - Brooklyn, NY, May 24, 2023 - Gamelan circuit, Tree shrimp - Kris Davis (p) Stephan Crump (b) Eric McPherson (d)

El Borderlands Trio reúne a tres sólidas personalidades del jazz actual: la pianista Kris Davis, el contrabajista Stephan Crump y el baterista Eric McPherson. Consolidado a lo largo de siete años de trabajo conjunto, el grupo ha desarrollado un lenguaje propio.

En “Rewilder”, un álbum doble, el trío se centra en la creación en tiempo real, explorando ideas que van surgiendo en el momento. El resultado es una música abierta, impredecible, pero a la vez muy accesible y con mucho sentido narrativo.

Aquí no hay un instrumento líder. Davis, Crump y McPherson se mueven en un plano de igualdad, lo que se refleja en que cada tema adquiere su propio impulso, con momentos en los que el contrabajo o la batería asumen el protagonismo con la misma naturalidad que el piano.

ARCHIE SHEPP THE WAY AHEAD - New York, January 29, 1968 - Damn if I know [The stroller], Frankenstein - Jimmy Owens (tp,flhrn) Grachan Moncur, III (tb) Archie Shepp (ts) Walter Davis, Jr. (p) Ron Carter (b) Beaver Harris (d)

“The Way Ahead” (1969) marca un punto de inflexión en la carrera de Archie Shepp. En este álbum, el saxofonista se rodea de un grupo de músicos de gran nivel para dar forma a una música que conecta el pasado del jazz con sus nuevas direcciones: Ron Carter, contrabajo, Grachan Moncur III, trombón, Jimmy Owens, trompeta y los bateristas Beaver Harris o Roy Haynes, además de Walter Davis Jr. en el piano.

Uno de los rasgos más interesantes del disco es la búsqueda de una formación flexible, en la que Shepp explora distintas combinaciones tímbricas y deja espacio para un enfoque abierto, donde el blues, el gospel y el swing conviven con una estética más moderna. El resultado es una música que mira tanto a la tradición como a la experimentación.

El disco destaca por su riqueza expresiva y por la manera en que Shepp y su grupo mantienen vivo el diálogo entre lo emocional, lo rítmico y lo experimental.

El trompetista Tom Harrell se presentaba profesionalmente en el área de la Bahía de San Francisco cuando apenas tenía 13 años. Integró algunas de las agrupaciones más importantes del jazz de la época, incluyendo las orquestas de Stan Kenton y Woody Herman, el grupo Azteca y la última gran formación del quinteto de Horace Silver.

Durante los años ochenta fue una figura clave del quinteto de Phil Woods, con el que realizó giras internacionales y numerosas grabaciones. También colaboró con la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden. Desde 1989 ha liderado sus propios grupos, además de dirigir ocasionalmente una big band para la que escribe gran parte de los arreglos.

Reconocido por su sonido lírico y elegante, Tom Harrell es considerado uno de los trompetistas importantes del hard bop moderno, además de un compositor y arreglista de notable originalidad.

AHMED ABDUL-MALIK SPELLBOUND - New York, March 12, 1964 - Spellbound, Body and soul, Song of Delilah - Ray Nance (tp,vln) Seldon Powell (ts,fl) Paul Neves (p) Ahmed Abdul-Malik (b) Hamza Aldeen (oud) Walter Perkins (d)

Ahmed Abdul-Malik fue uno de los primeros músicos de jazz en demostrar que la incorporación de elementos árabes y africanos podía hacerse desde dentro del lenguaje jazzístico, sin convertir la música en una simple curiosidad exótica.

*Spellbound* fue el último álbum como líder del bajista y laudista Ahmed Abdul-Malik, uno de los primeros músicos en integrar de manera orgánica sonidos del Medio Oriente al jazz moderno.

Grabado en 1964 en los estudios de Van Gelder, el disco reúne a Abdul-Malik en contrabajo junto a Ray Nance en violin y trompeta, Seldon Powell tenor y flauta. El lirismo de Nance, la solidez Powell y el oud de Hamza Aldeen aportan un sabor exótico sin perder el swing. Es uno de sus el disco más accesibles y una excelente entrada a Abdul-Malik, un músico que abrió caminos décadas antes de que el concepto de “world jazz” se volviera habitual.

CANNONBALL ADDERLEY / BILL EVANS KNOW WHAT I MEAN ? , New York, January 27, February 21,1961 - Waltz for Debby, Goodbye, Venice - Cannonball Adderley (as) Bill Evans (p) Percy Heath (b) Connie Kay (d)

*Know What I Mean?* es uno de esos discos que suele quedar algo eclipsado por *Kind of Blue* o por los grandes tríos de Bill Evans, pero para muchos es una de las grabaciones más refinadas de toda la discografía de Cannonball Adderley.

Cannonball quería alejarse con este álbum de la dirección más soul-jazz y bluesera que estaba desarrollando con su quinteto. El concepto se construyó alrededor de Bill Evans, quien además de pianista fue director musical y arreglista.

Acompañados por Percy Heath en contrabajo y Connie Kay en batería, ambos integrantes del Modern Jazz Quartet, Adderley y Evans construyen una música de gran sutileza y profundidad. El saxofonista aporta un sonido cálido, lírico y profundamente humano, mientras que Evans responde con su característica armonía impresionista y su delicado toque.

Aunque rara vez recibe la misma atención que Clifford Brown o Lee Morgan, el trompetista Kenny Dorham fue una de las figuras fundamentales del hard bop. Su sonido elegante, su imaginación melódica y su talento como compositor lo convirtieron en un músico muy respetado por colegas y críticos. Antes de consolidarse como líder, participó en sesiones históricas junto a Thelonious Monk, Horace Silver y Art Blakey, además de integrar la primera formación de los Jazz Messengers.

“Midnight at the Café Bohemia”, registrado el 31 de mayo de 1956 en el club neoyorquino, acompañado por J.R. Monterose en saxo tenor, Kenny Burrell en guitarra, Bobby Timmons en piano, Sam Jones en contrabajo y Arthur Edgehill en batería, el trompetista desarrolla un repertorio que combina composiciones propias con obras de Monk, Dizzy Gillespie y algunos estándares.

La grabación refleja la energía y espontaneidad de una banda perfectamente afiatada. Dorham se destaca por la claridad de sus ideas y un fraseo que privilegia la expresividad por encima del virtuosismo. El resultado es un documento esencial del hard bop de mediados de los años cincuenta.

MICHEL PETRUCCIANI POWER OF THREE - “Montreux Jazz Festival”, Switzerland, July 14, 1986 - Bimini, Limbo (1) - Wayne Shorter (ts-1,sop-2) Michel Petrucciani (p) Jim Hall (g)

La historia de Michel Petrucciani es una de las más inspiradoras del jazz moderno. Nació en Francia con osteogénesis imperfecta, una enfermedad genética que provoca extrema fragilidad ósea, enfrentó enormes desafíos físicos desde la infancia. Sin embargo, su extraordinario talento y determinación lo llevaron a convertirse en uno de los grandes pianistas europeos de su generación.

Grabado en el Festival de Jazz de Montreux de 1986, “Power of Three” reúne a Petrucciani con dos gigantes: el guitarrista Jim Hall y el saxofonista Wayne Shorter. Los dúos entre Petrucciani y Hall revelan una afinidad extraordinaria. Ambos construyen paisajes sonoros llenos de matices, dejando amplio espacio para el diálogo y la interacción. Cuando se incorpora Wayne Shorter, la música adquiere una dimensión adicional. Sus intervenciones en saxos soprano y tenor figuran entre sus mejores registros de aquella década, aportando profundidad, lirismo y una inagotable imaginación melódica .

LEON PARKER ABOVE & BELOW The Hit Factory, New York, 1994:

- You don’t know what love is - David Sanchez (sop) Ugonna Okegwo (b) Leon Parker (cymbal,d)

- Epistrophy - Mark Turner (ts) Ugonna Okegwo (b) Leon Parker (d) Adam Cruz (perc)

Conocido por su enfoque minimalista de la batería, Leon Parker ha desarrollado un lenguaje propio que desafía las convenciones del instrumento. A menudo reduce su equipo a unos pocos elementos, demostrando que la creatividad y el sentido del ritmo pueden expresarse plenamente sin necesidad de grandes despliegues técnicos.

Su debut como líder, “Above & Below”, presenta una visión fresca y original del jazz contemporáneo. Parker aparece en distintos formatos de pequeño grupo junto a músicos de gran nivel, entre ellos el pianista Jacky Terrasson, los saxofonistas David Sánchez y Mark Turner, el cantante Jay McGovern y la flautista Lisa Parker. Como invitado especial participa Joshua Redman en una atractiva versión de “It’s Only a Paper Moon”.

Aunque la música mantiene una base acústica y una orientación claramente jazzística, el enfoque de Parker evita los lugares comunes. Cada interpretación se construye a partir de texturas, silencios y sutiles cambios dinámicos que mantienen la atención del oyente.

Aunque la década de 1930 suele identificarse con la era de las grandes orquestas, algunos de los momentos más memorables del jazz surgieron en pequeños grupos. Un ejemplo extraordinario es la sesión del “”Kansas City Six”“, grabada el 28 de septiembre de 1938, una verdadera joya del swing.

El núcleo del grupo estaba formado por la legendaria sección rítmica de la orquesta de Count Basie: el baterista Jo Jones, el guitarrista Freddie Green y el contrabajista Walter Page cuyo acompañamiento combina ligereza, precisión y una sensación de impulso constante que sigue siendo un modelo de swing más de ocho décadas después.

La figura central de la sesión es el saxofonista y clarinetista Lester Young, cuya manera relajada y profundamente melancólica de frasear marcó a generaciones posteriores. También destaca el trompetista Buck Clayton, con solos elegantes, económicos y claridad melódica.

MILDRED BAILEY THE COMPLETE COLUMBIA RECORDINGS Chicago, March 23, 1937 - Never in a million years, Rockin’ chair - Mildred Bailey (vcl) acc by Bill Hyland, Stew Pletcher, Louis Mucci (tp) Al Mastren (tb) Hank D’Amico, Frank Simeone, Charles Lamphere (cl,as) Herbie Haymer (ts) Bill Miller (p) Red Norvo (xyl) Dave Barbour (g) Pete Peterson (b) Maurice Purtill (d) Eddie Sauter (arr)

Mildred Bailey fue una cantante influyentes y refinadas de los primeros años del jazz. Mildred Eleanor Rinker nació en 1900 en el estado de Washington, comenzó su carrera profesional en Seattle antes de trasladarse a California, donde encontró trabajo en la radio y en clubes nocturnos durante los años de la Ley Seca.

Bailey realizó su primera grabación en 1929 en una sesión encabezada por el guitarrista Eddie Lang. Su voz clara, cálida y de impecable sentido rítmico la convirtió rápidamente en una de las intérpretes más admiradas de la era del swing. En 1933 contrajo matrimonio con el vibráfonista y xilofonista Red Norvo, con quien mantuvo una fructífera colaboración artística durante gran parte de la década siguiente.

A diferencia de muchas cantantes de su generación, Bailey abordaba las canciones con una naturalidad cercana a la de los instrumentistas de jazz, privilegiando el fraseo y el swing por encima del dramatismo. Su última sesión de grabación, realizada en 1950, muestra una artista que conservaba intactas su musicalidad y sensibilidad.

RUBY BRAFF’S ALL STARS BRAFF ! - New York, June 26, 1956 - As long as I live, Blue turning grey over you, If I had you, It’s been so long, I’m shooting high, Star dust, How long has this been going on ? - Ruby Braff (tp) Dave McKenna (p) Steve Jordan (g) Buzzy Drootin (d)

El cornetista Ruby Braff fue una distinguida figura del jazz tradicional y del swing moderno de la segunda mitad del siglo XX. Nacido en Boston en 1927, comenzó a tocar profesionalmente en clubes de Nueva Inglaterra durante la década de 1940 y, en 1949, ingresó a la orquesta del clarinetista Edmond Hall en el Savoy Café de Boston. Se trasladaó a Nueva York en 1953, donde fue muy solicitado para grabaciones y actuaciones en vivo.

Lo que distingue a Braff es la extraordinaria calidez de su sonido, su fraseo cantable y una sensibilidad melódica que evitaba el virtuosismo excesivo en favor de la emoción y la claridad. En una época en que el bebop dominaba la escena, Braff demostró que la tradición de Armstrong y Beiderbecke seguía siendo una fuente inagotable de inspiración.

COLEMAN HAWKINS SWING FOUR - New York, December 23, 1943 - The man I love, Crazy rhythm, Get happy, Sweet Lorraine - Coleman Hawkins (ts) Eddie Heywood (p) Oscar Pettiford (b) Shelly Manne (d)

Coleman Hawkins ocupa un lugar fundamental en la historia del jazz. Considerado el primer gran saxofonista tenor, fue el músico que definió las posibilidades expresivas del instrumento y abrió el camino para todas las generaciones posteriores.

Aunque ya era una figura destacada en la orquesta de Fletcher Henderson a mediados de la década de 1920, su estilo evolucionó notablemente tras la llegada de Louis Armstrong al grupo. Hawkins incorporó una mayor fluidez melódica y una concepción armónica más avanzada, convirtiéndose en uno de los improvisadores más influyentes de su tiempo.

Entre sus grabaciones más memorables destaca su interpretación de “The Man I Love”. Su versión es una auténtica obra maestra de la balada jazzística. Hawkins transforma la conocida composición de George e Ira Gershwin en una profunda exploración melódica y armónica, desplegando un sonido cálido, robusto y extraordinariamente expresivo.

En una escena neoyorquina donde muchos proyectos se construyen a partir de una planificación minuciosa, *Willber Sunlight* apuesta por un enfoque diferente: la confianza mutua, la espontaneidad y el placer de tocar juntos. El cuarteto, integrado por el saxofonista Kevin Sun, el guitarrista Max Light, el contrabajista chileno Simón Willson y el baterista Aaron Seeber, presenta un debut que privilegia la interacción por sobre la perfección.

Grabado en Brooklyn sin ensayos previos y con un mínimo de retoques posteriores, el álbum captura la energía de cuatro músicos que se conocen bien y que comparten una profunda afinidad con la tradición del jazz. La ausencia de un líder formal también define el carácter del proyecto. Cada integrante aporta ideas, repertorio y dirección musical, generando un diálogo democrático donde la escucha colectiva se convierte en el principal motor creativo.

DAVE BURNS WARMING UP - New York, August, 1963 - Day by day, I can’t give you anything but love, Richie’s dilemma (1), My romance - Dave Burns (tp) Al Grey (tb) Billy Mitchell (ts) Bobby Hutcherson (vib) Harold Mabern (p) Herman Wright (b) Candy Finch (d) Willie Correa (tymp-1)

Aunque nunca alcanzó la fama de otros trompetistas de su generación, Dave Burns fue admirado por músicos y colegas por su extraordinaria técnica y su dominio del instrumento. *Warming Up!*, grabado en 1963, lejos de una exhibición técnica, Burns construye un álbum basado en el swing, la interacción colectiva y una energía contagiosa. El trombonista Al Grey, figura emblemática de la orquesta de Count Basie, aporta su característico sonido robusto y expresivo, mientras que el saxofonista tenor Billy Mitchell añade fuerza y fluidez a los arreglos.

El pianista Harold Mabern y el entonces joven vibrafonista Bobby Hutcherson, desarrollan una comunicación casi intuitiva que aporta riqueza armónica. Completan el grupo el contrabajista Herman Wright y el baterista Otis “Candy” Finch, una sección rítmica elegante y atenta.

JUAN CHIAVASSA FOURTH GENERATION - Roselle, NY, c. 2025 - Moon Germs, Caribbean fire dance, Tetragon, To Michael Brecker - George Garzone (ts) Leo Genovese (p,el-p) Federico Gonzalez Pena (synt) Mike Stern (g) John Patitucci (b) Juan Chiavassa (d,comp) Pedrito Martinez (cga)

Después de casi una década, el baterista argentino Juan Chiavassa debuta como líder con *Fourth Generation*, un álbum que refleja tanto su madurez musical como la amplitud de sus influencias. Con colaboraciones previas junto a figuras como Esperanza Spalding, Russell Malone y Eric Alexander, Chiavassa demuestra aquí que posee una voz propia, discreta pero decisiva.

El cuarteto reúne a músicos de enorme trayectoria. Al frente se encuentra el saxofonista tenor George Garzone, cuyo sonido profundo y su constante curiosidad armónica aportan personalidad a cada interpretación. Junto a él, el contrabajista John Patitucci despliega su habitual fluidez melódica, mientras que el pianista Leo Genovese aporta imaginación y riesgo tanto en el piano acústico como en el Fender Rhodes.

El repertorio incluye una atractiva versión de “Moon Germs”, de Joe Farrell, con la participación especial del guitarrista Mike Stern, además de composiciones de Garzone.

Jeff Parker presenta en Happy Today una nueva entrega de su ETA IVtet, grabada en vivo en 2025 en el Lodge Room de Los Ángeles junto al saxofonista Josh Johnson, la bajista Anna Butterss y el baterista Jay Bellerose. Más que un simple registro de concierto, el álbum refleja el espíritu colectivo que ha definido a este grupo desde sus inicios.

El cuarteto nació y desarrolló su lenguaje musical durante una larga residencia semanal en el espacio ETA, donde durante años exploró una forma de improvisación basada en la paciencia, la escucha mutua y el desarrollo gradual de las ideas. Esa identidad quedó plasmada en sus discos anteriores y alcanza aquí una nueva dimensión gracias a la energía del público, que se convierte en un elemento fundamental de la experiencia.

Compuesto por dos extensas piezas grabadas ante una audiencia atenta y comprometida, Happy Today muestra a la banda expandiendo su característico enfoque de improvisación minimalista y de largo aliento. El cuarteto crea música envolvente y meditativa que destaca la importancia de la comunidad, la interacción y el placer de compartir un momento musical en vivo.

MARTA SÁNCHEZ FOR THE SPACE YOU LEFT - Berkeley, CA, February, 2024 - Frost bloom, Inward loop, Estalagtita - Marta Sanchez (prepared-p,comp)

Marta Sánchez presenta en *For the Space You Left* un proyecto que nació durante períodos de aislamiento y reflexión personal. La pianista comenzó a desarrollar estas ideas en una residencia artística en 2017 y las retomó durante el confinamiento de 2020, concentrándose en la posibilidad de trasladar al piano solo la riqueza de texturas y líneas superpuestas que caracteriza su trabajo en formatos de grupo.

Más que un experimento tímbrico, *For the Space You Left* es una exploración de las posibilidades expresivas del piano solo. Con una escritura cuidadosa y una marcada sensibilidad musical, Sánchez construye una obra íntima y reflexiva que revela nuevas dimensiones de su lenguaje artístico.

Con *For the Space You Left*, la pianista y compositora Marta Sánchez presenta un proyecto profundamente personal que comenzó a tomar forma durante una residencia artística en 2017 y que terminó de desarrollarse durante el período de confinamiento provocado por la pandemia. En busca de trasladar al piano solo la riqueza de texturas e ideas que habitualmente explora en formatos más amplios, Sánchez encontró una herramienta clave en el uso del piano preparado.

En piezas como “Pygmora” y “One for Blake”, pasajes de sonoridad austera y delicada dan paso a momentos más cálidos y expansivos. En otras, como “Frost Bloom” e “Inward Loop”, ambos mundos conviven dentro de una misma frase, generando interesantes juegos de color y textura.

AMBROSE AKINMUSIRE / MARY HALVORSON SLO-MO NEON LUMINATE HOVERINGS - New York, January 13, 2025 - Nice to meet you again for the first time, Watersmoke, Tangled pretty, Ofo - Ambrose Akinmusire (tp,vcl) Mary Halvorson (g)

El trompetista Ambrose Akinmusire y la guitarrista Mary Halvorson unen fuerzas en *Slo-Mo Neon Luminate Hoverings*, un álbum a dúo que refleja una relación musical construida a lo largo de muchos años de admiración mutua. Aunque ambos comenzaron a tocar juntos de manera informal en 2009, este proyecto tomó forma definitiva tras una serie de ensayos y presentaciones realizadas en Nueva York durante 2025.

La interacción entre ellos se caracteriza por una escucha constante, donde cada idea encuentra espacio para desarrollarse sin imponer una dirección única.

Un elemento distintivo del álbum es el uso de efectos electrónicos por parte de Akinmusire, especialmente un pedal de retraso que amplía las posibilidades tímbricas de la trompeta y añade nuevas capas al intercambio entre ellos. Sin embargo, la tecnología nunca desplaza el centro de atención: lo esencial sigue siendo la conversación musical.

A Little New York Midtown Music reúne a un grupo de músicos que compartían una larga historia y una notable afinidad artística. El cornetista Nat Adderley lidera una formación de alto nivel junto al saxofonista Johnny Griffin, el pianista Victor Feldman, el contrabajista Ron Carter y el baterista Roy McCurdy. Varios de ellos habían coincidido anteriormente en distintas etapas de sus carreras, y esa confianza mutua se percibe de inmediato en la música.

ALBERT “TOOTIE” HEATH TOOTIE’S TEMPO - Rhinebeck, NY, December, 2012 - The Charleston, Charade, Stompin’ at the Savoy, Fire waltz - Ethan Iverson (p) Ben Street (b) Albert “Tootie” Heath (d)

Tootie’s Tempo documenta el encuentro entre tres músicos de distintas generaciones unidos por una profunda admiración por la tradición del jazz. Al frente está el baterista Albert “Tootie” Heath, figura fundamental en la historia del bebop y miembro de la célebre familia Heath. Durante más de cinco décadas, Heath trabajó con artistas que abarcan desde Lester Young y Ben Webster hasta Anthony Braxton y Roscoe Mitchell, convirtiéndose en un puente viviente entre distintas épocas del jazz.

En este trío lo acompañan el pianista Ethan Iverson y el contrabajista Ben Street, dos músicos plenamente conscientes del privilegio y la importancia de compartir escenario con una leyenda de esta magnitud.

El repertorio es del bebop, estilo que Heath conoció desde sus orígenes y ayudó a definir. Su batería combina precisión, elegancia y un swing inagotable, mientras Iverson y Street responden con creatividad y sensibilidad.

CHRIS SPEED WORK YOUR MAGIC - Brooklyn, NY, December 18 & 19, 2012 - Kaffibarinn, Blues in C flat minor, LA #5, Argento - Oscar Noriega (as,b-cl) Chris Speed (ts,cl) Trevor Dunn (b) Jim Black (d)

Work Your Magic muestra una faceta especialmente personal del saxofonista y clarinetista Chris Speed, una figura influyente de la escena creativa de Nueva York desde la década de los 90. Reconocido por su sonido expresivo y su enfoque abierto a la improvisación, Speed ha participado en proyectos liderados por músicos como Tim Berne, Dave Douglas, Myra Melford y John Zorn, construyendo una trayectoria que combina riesgo artístico y profundidad musical.

Formado en el New England Conservatory de Boston, Speed desarrolló tempranamente un interés por las músicas del mundo. Su trabajo con grupos como Pachora y Slavic Soul Party lo acercó a las tradiciones de los Balcanes y Europa del Este, elementos que han enriquecido notablemente su lenguaje jazzístico.

En Work Your Magic convergen muchas de esas experiencias. Las composiciones y las improvisaciones reflejan una visión amplia de la música, donde el jazz moderno dialoga con influencias folclóricas, estructuras poco convencionales y una sensibilidad melódica muy particular.

Aunque su nombre quedó asociado para siempre a la orquesta de Duke Ellington, el saxofonista Paul Gonsalves desarrolló también una interesante carrera como líder. Antes de incorporarse a Ellington en 1950, ya había ganado prestigio en las bandas de Count Basie y Dizzy Gillespie. Su sonido cálido y aireado, junto a un lenguaje armónico avanzado, lo convirtieron en una de las voces más reconocibles de la sección de saxofones de Ellington durante más de dos décadas.

Gettin’ Together! ofrece una rara oportunidad de escucharlo al frente de un grupo pequeño. En tres temas aparece en formato de cuarteto junto al pianista Wynton Kelly, el contrabajista Sam Jones y el baterista Jimmy Cobb. En las otras piezas se suma el cornetista Nat Adderley, en uno de los mejores momentos de su carrera.

La música se mueve dentro del hard bop más directo y demuestra que Gonsalves podía desenvolverse con total naturalidad junto a músicos de una generación más moderna, manteniendo siempre la elegancia y el lirismo que caracterizaron su estilo.

MODERN JAZZ QUARTET:

- MJQ 1952 - New York, April, 1952 - Softly, as in a morning sunrise, Heart and soul, True blues - Milt Jackson (vib) John Lewis (p) Percy Heath (b) Kenny Clarke (d)

- CONTESSA - New York, January 22, 1956 - A night in Tunisia, Woody’n you - Milt Jackson (vib) John Lewis (p) Percy Heath (b) Connie Kay (d)

El Modern Jazz Quartet fue una de las agrupaciones más elegantes e influyentes de la historia del jazz. Sus orígenes se remontan a 1946, cuando el pianista John Lewis, el vibrafonista Milt Jackson, el contrabajista Ray Brown y el baterista Kenny Clarke integraban la sección rítmica de la big band de Dizzy Gillespie. Durante los descansos de la banda, el cuarteto disponía de espacios propios que anticipaban una identidad musical única.

En 1952, con Percy Heath reemplazando a Brown, adoptó el nombre de Modern Jazz Quartet. Tres años más tarde, Connie Kay sustituyó a Clarke, completando la formación clásica que permanecería prácticamente intacta durante cuatro décadas.

Bajo la dirección musical de Lewis, el grupo desarrolló un lenguaje refinado que integró la improvisación jazzística con influencias de la música clásica europea. Blues, estándares y composiciones originales convivían en arreglos de gran equilibrio y sutileza.

JOSHUA REDMAN BLUES FOR PAT - Live, San Francisco, CA, 1994 - Blues For Pat, We had a sister - Joshua Redman (ts) Pat Metheny (g) Christian McBride (b) Billy Higgins (d)

Grabado poco después de la publicación del exitoso álbum Wish en 1993, Blues For Pat captura al joven Joshua Redman en inicios de su carrera. El cuarteto reúne al saxofonista con el guitarrista Pat Metheny, el contrabajista Christian McBride —sustituyendo a Charlie Haden en la gira— y el baterista Billy Higgins.

Registrado en vivo en un club de San Francisco, el álbum revela una banda que va más allá de lo escuchado en el estudio. Redman y Metheny desarrollan un diálogo constante, combinando virtuosismo, swing y una notable capacidad para escuchar y responder en tiempo real. El resultado es un documento que refleja la química excepcional de un grupo que encontró en el escenario su mejor espacio de expresión.

En esa histórica interpretación, Crosby demuestra una combinación poco común de solidez rítmica, imaginación melódica y sensibilidad colectiva. Su línea de contrabajo no se limita a acompañar: dialoga constantemente con el piano de Jamal y con los patrones inspirados en el *second line* de Nueva Orleans que desarrolla Fournier, creando uno de los grooves más reconocibles de la historia del jazz.

Dueño de un sonido cálido, una pulsación impecable y una notable capacidad para construir melodías desde el bajo, Israel Crosby fue una figura esencial en la evolución del formato de trío moderno. Su legado continúa inspirando a generaciones de contrabajistas y sigue siendo una referencia obligada para comprender el arte del acompañamiento creativo en el jazz.

En 1941, cuando Crosby grabó con el singular cuarteto del clarinetista Edmond Hall —integrado además por Meade Lux Lewis en celesta y Charlie Christian en guitarra—, la fluidez técnica de Crosby había alcanzado un nivel muy superior. Su ataque era ahora más variado, sus notas tenían mayor peso y profundidad, y sus líneas de walking bass mostraban a sofisticación.

En el blues“Jammin’ in Four”, Crosby construye interesantes figuras, sus líneas se desarrollan cada vez más fluidas, aunque también incorpora cambios inesperados de dirección. Revela también su amplía vocabulario musical que abre el puente entre el swing y el bebop de las innovadoras improvisaciones de Charlie Christian.

BENNY MORTON AND HIS ORCHESTRA -New York, January 31, 1945 - My old flame, Conversing in blue - Benny Morton (tb) Barney Bigard (cl) Ben Webster (ts) Sammy Benskin (p) Israel Crosby (b) Eddie Dougherty (d)

ALBERT AMMONS AND HIS RHYTHM KINGS - Chicago, April 8, 1946 - Lady be good, Suitcase blues Albert Ammons (p) Ike Perkins (g) Israel Crosby (b) Jack Cooley (d,vcl) Mildred Anderson (vcl)

GENE KRUPA SEXTET - New York, April 14, 1953 - Capitol idea, Coronation hop - Charlie Shavers (tp) Willie Smith (as) Teddy Wilson (p) Steve Jordan (g) Israel Crosby (b) Gene Krupa (d)

La musicalidad y versatilidad de Crosby le valieron un trabajo constante y oportunidades de grabación en bandas estilísticamente diversas, grandes y pequeñas dirigidas por Benny Morton, Albert Ammons y en 1953 de regreso con Gene Krupa en un sexteto que incluye al trompetista Charlie Shavers

GEORGE SHEARING TRIO JAZZ MOMENTS - New York, June 20, 1962 - What Is This Thing Called Love, Makin’ Whoopee - George Shearing (p) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)

Crosby realizó cuatro grabaciones en los once meses previos a su fallecimiento: acompañó a la cantante Lorez Alexandria, al guitarrista Herb Ellis, al pianista George Shearing y participó en un álbum de otro contrabajista: Sam Jones

En el álbum *Jazz Moments* de George Shearing (Capitol), con Vernell Fournier en batería, Crosby suena magnífico, recuperando algunas de las características que habían definido su trabajo con Ahmad Jamal: un pulso ligero y danzante en dos tiempos, ingeniosos comentarios melódicos y un swing constante y elegante. También se muestra más expansivo como solista, especialmente en piezas como “What Is This Thing Called Love”.

SAM JONES DOWN HOME New York, June 25, 1962 - Down Home - Les Spann (fl) Joe Zawinul (p) Sam Jones (cello) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)

En *Down Home* (Riverside), del contrabajista Sam Jones, quien en tres temas tocó el violonchelo y Crosby asume el papel de bajista. De marcada orientación hard bop, Crosby se escucha tan moderno como cualquier otro integrante del grupo en interpretaciones de “Round Midnight”, “O.P.” y “Falling in Love with Love”. Fue su última sesión de grabación y, al igual que su primera fecha de estudio veintisiete años antes, demostró que estaba preparado para afrontar cualquier desafío musical.

HERB ELLIS ALL STARS THE MIDNIGHT ROLL - New York, June 12, 1962 - Gravy waltz - Roy Eldridge (tp) Buddy Tate (ts) Ray Bryant (p) Herb Ellis (g) Israel Crosby (b) Gus Johnson (d)

Herb Ellis es conocido principalmente por tocar con pequeños conjuntos, por lo que esta grabación como parte de un octeto es una salida para el gran guitarrista. Este “all-star” incluye al trompetista Roy Eldridge, al saxofonista tenor Buddy Tate; el pianista Ray Bryant, el bajo de Israel Crosby y Gus Johnson en batería añaden peso a la sección rítmica.

AHMAD JAMAL TRIO “BUT NOT FOR ME” LIVE “PERSHING LOUNGE”, Chicago, IL, January 16, 1958 - Poinciana Ahmad Jamal (p) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)

En “Poinciana”, la clave está en la interacción entre el baterista Vernell Fournier e Israel Crosby. Fournier adapta el tradicional ritmo second line de Nueva Orleans a la batería de jazz, Una clave en la que se acentúa la cuarta nota negra del segundo compás creando un patrón hipnótico y ondulante que sostiene toda la pieza. Sobre esa base, Crosby evita el típico walking bass continuo y desarrolla líneas sincopadas de sutileza rítmica. Más que acompañar a Ahmad Jamal, ambos construyen el paisaje sonoro de la interpretación. Mágico!

Cuando el saxofonista tenor Curtis Amy llegó al club Lighthouse en Hermosa Beach el 1 de julio de 1962, el jazz atravesaba una época de cambios profundos. En apenas unos años, Miles Davis había abierto nuevos caminos con el jazz modal, John Coltrane había llevado el lenguaje armónico del bebop a nuevos límites, Ornette Coleman cuestionaba la necesidad misma de las progresiones armónicas y Charles Mingus y Dave Brubeck estaban ampliando las posibilidades expresivas y rítmicas del género.

En ese contexto apareció “Tippin’ on Through”, una grabación en vivo que tiene además un importante valor simbólico. The Lighthouse era uno de los templos del llamado West Coast Jazz, un estilo que por entonces comenzaba a ser criticado por quienes lo consideraban demasiado refinado y distante de la intensidad emocional del hard bop de la Costa Este. Amy llegó a ese escenario con una propuesta diferente: el sonido de Central Avenue, profundamente arraigado en el blues, el gospel y la tradición afroamericana de Los Ángeles.

El sexteto lo componen Roy Brewster en trombón de válvulas, Roy Ayers en vibráfono, John Houston en piano, Bob Whitlock en contrabajo y Lawrence Marable en batería. No era una agrupación improvisada para la ocasión, sino un grupo consolidado que Amy había desarrollado durante varios años y “Tippin’ on Through” captura a Curtis Amy en uno de los momentos más inspirados de su carrera y demuestra que la escena angelina tenía mucho más que ofrecer que los estereotipos asociados al llamado “cool jazz”.

PANDELIS KARAYORGIS “THE HASAAN, HOPE & MONK PROJECT” - Cambridge, MA, November 2, 2021 o New Haven, CT, April 9, 2022 - Hope: “Abdullah”, Hassan: “El Hasaan” & “Epitome”&, Monk: “Criss Cross” - Pandelis Karayorgis (p) Nate McBride (b) Luther Gray (d)

Pocos pianistas han dejado una huella tan personal en el jazz como Thelonious Monk. Su música fue considerada extraña e incluso incorrecta por algunos críticos y músicos de su época, pero con el tiempo terminó siendo reconocida como una de las voces más originales del género.

En su álbum “The Hasaan, Hope & Monk Project”, el pianista griego Pandelis Karayorgis amplía el foco hacia otros dos pianistas igualmente singulares: Hasaan Ibn Ali y Elmo Hope. Aunque hoy ambos son figuras de culto, durante décadas su música permaneció relativamente oculta. En particular, la obra de Ibn Ali fue casi inaccesible hasta el descubrimiento y publicación de grabaciones inéditas a comienzos de la década de 2020, la que ya hemos escuchado en Puro Jazz

Acompañado por sus colaboradores habituales, Nate McBride en contrabajo y Luther Gray en batería, Karayorgis interpreta seis composiciones de Monk, cinco de Ibn Ali y tres de Hope. El trío evita cualquier enfoque académico o excesivamente analítico sino que aborda estas piezas con naturalidad y fluidez, permitiendo que sus melodías angulares, ritmos inesperados y estructuras poco convencionales respiren con total espontaneidad.

BOBBY HUTCHERSON COMPONENTS - Englewood Cliffs, NJ, June 10, 1965 - Components, Tranquility, Little B’s poem (fh out), West 22nd Street theme - Freddie Hubbard (tp) James Spaulding (as,fl-1) Bobby Hutcherson (vib,marimba-2) Herbie Hancock (p,org-3) Ron Carter (b) Joe Chambers (d)

Grabado en 1965 para el sello Blue Note, “Components” suele considerarse uno de los puntos más altos de la extensa relación de Bobby Hutcherson con la compañía. Para esta sesión, el vibrafonista reunió un sexteto excepcional integrado por Freddie Hubbard en trompeta, James Spaulding en saxo alto y flauta, Herbie Hancock en piano, Ron Carter en contrabajo y Joe Chambers en batería.

El álbum captura de manera ejemplar las dos facetas que definían la personalidad musical de Hutcherson en esos años. La primera mitad está dedicada a cuatro composiciones propias que se mueven dentro de un lenguaje post-bop sofisticado, melódico y rítmicamente inventivo.

El lado B del álbum presenta cuatro obras de Joe Chambers que se inclinan hacia la vanguardia y la improvisación abierta y la exploración de texturas, la interacción colectiva y una mayor libertad armónica y estructural, ampliando el terreno que Hutcherson ya había comenzado a recorrer en trabajos anteriores.

McCoy Tyner grabó “Asante” en septiembre de 1970, en una etapa decisiva de su carrera. Fue su último álbum para Blue Note y el primero en mostrar con claridad la dirección musical que lo convertiría en una de las figuras más influyentes del jazz de los años setenta. Tras dejar el legendario cuarteto de John Coltrane en 1965, Tyner enfrentó un panorama complejo: el jazz perdía espacio frente al rock y muchos músicos experimentaban con la electrificación. Él, en cambio, optó por profundizar en una búsqueda distinta.

El álbum refleja un creciente interés por las raíces africanas y por nuevas formas de organización rítmica. El saxofonista Andrew White recuerda la profundidad espiritual del universo coltraniano sin imitarlo. Por su parte, el guitarrista Ted Dunbar añade texturas poco habituales, utilizando patrones rítmicos que evocan instrumentos africanos.

La base del grupo la proporcionan el contrabajo de Buster Williams, la combinación de batería y percusión africana de Billy Hart, y las congas de James Mtume. Tyner despliega un piano poderoso y expansivo, abriendo el camino hacia el enfoque que definiría buena parte de su trabajo posterior.

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PIERRE FAVRE BIRD FOOD - Zurich, February 19, 1968 - Bird food, Sounds II - Irene Schweizer (p) George Mraz (b) Pierre Favre (d)

“Bird Food” es un álbum que ocupa un lugar especial en la historia del jazz europeo. Grabado en vivo en los estudios de Radio Zurich el 19 de febrero de 1968, antecede por casi siete meses a “Santana”, considerado durante décadas el debut del trío formado por el baterista Pierre Favre, la pianista Irène Schweizer y el contrabajista Jiří Mráz. El hallazgo de esta grabación, olvidada durante años en los archivos personales de Favre y recuperada junto al trombonista y productor Samuel Blaser, obliga a reescribir la cronología de una de las formaciones pioneras del free jazz europeo.

La música captura el momento exacto en que estos músicos comenzaban a desarrollar un lenguaje colectivo propio. Favre y Schweizer ya habían iniciado una estrecha colaboración improvisando durante pausas en la fábrica de platillos Paiste, mientras que Mráz —quien más tarde sería conocido internacionalmente como George Mraz— aportaba una sólida base melódica y una notable capacidad de interacción.

El programa incluye una versión de “Bird Food”, de Ornette Coleman, junto a tres composiciones de Schweizer. El trío combina la energía del free jazz con ideas que circulan libremente entre ellos, creando una conversación intensa y espontánea. Favre señaló años después : “Creo que Irène tocó como nunca en este álbum”.

FLORIAN ARBENZ QUIET LIGHTS - September 8, 2025 - Homenaje, Chant, Rhumba - Greg Osby (as,sop) Bill Frisell (g) Florian Arbenz (d,perc)

“Quiet Lights” reúne al baterista y compositor Florian Arbenz con dos músicos de enorme personalidad: el saxofonista Greg Osby, colaborador habitual de sus proyectos, y el guitarrista Bill Frisell, cuya incorporación aporta una nueva dimensión sonora al grupo.

La música se mueve entre el jazz contemporáneo, el folk y sutiles influencias latinoamericanas. En “Homenaje”, Osby y Frisell construyen un diálogo gradual sobre una base rítmica rica en matices, hasta desembocar en un contagioso pulso. “Rhumba”, pieza que cierra el disco, combina efectos percusivos y la inconfundible sonoridad de Frisell.

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Dezron Douglas se ha convertido en una de las voces más sólidas y versátiles del contrabajo en el jazz contemporáneo. Respetado tanto por su talento como por su profundo compromiso con la tradición, Douglas ha desarrollado una carrera que combina con naturalidad los roles de intérprete, compositor, líder de grupo y educador.

Su formación musical comenzó lejos del jazz. En su casa predominaban la música de Stevie Wonder, George Benson, Diana Ross, Peter Tosh y la música góspel de Mahalia Jackson y The Clark Sisters, esa diversidad de influencias le enseñó desde muy temprano que la música era, ante todo, una forma de expresar emociones.

Ingresó a los doce años al Instituto de Música Afroamericana fundado por el legendario saxofonista Jackie McLean en la Hartt School of Music. Allí estudió con figuras como Nat Reeves y Steve Davis, además del propio McLean, quien se convirtió en un mentor fundamental. Ese aprendizaje, basado tanto en la técnica como en la honestidad artística, ayudó a moldear el sonido profundo, expresivo y elegante que distingue a Douglas hasta hoy.

FERENC NEMETH TRIUMPH - Brooklyn, NY, April, 2010 - Intro->Triumph, Joy, Hope, Hope II - Richard Nant (tp,flhrn) Maria Noel Luzardo (bassoon) Juampi Di Leone (fl) Carlos Michelini (cl) Martin Pantyrer (b-cl,bar) Joshua Redman (ts,sop) Kenny Werner (p,el-p) Lionel Loueke (g,vcl) Ferenc Nemeth (d,perc) Barbara Togander (vcl)

Ferenc Németh se estableció en Nueva York donde se convirtió rápidamente en uno de los bateristas más solicitados de la escena. Su nombre aparece junto a figuras de primera línea como Herbie Hancock, Wayne Shorter, Terence Blanchard, Billy Childs y Christian McBride, entre muchos otros. Sin embargo, una de sus colaboraciones más duraderas y reconocidas ha sido con el guitarrista beninés Lionel Loueke.

Su álbum Triumph abre con un sonido inquietante: un pedal sostenido de guitarra que da paso a la aparición casi fantasmal del saxofón de Joshua Redman, el piano de Kenny Werner y los platillos de Ferenc Németh, esa introducción desemboca en la pieza que da título al disco, una composición de gran impulso rítmico que combina elementos del funk con la energía abierta y cambiante de ciertas obras de Chick Corea, especialmente aquellas exploraciones de gran libertad presentes en Three Quartets.

FREDDIE REDD QUINTET SHADES OF REDD - Englewood Cliffs, N.J.,

- August 13, 1960 - Melanie, Swift - Jackie McLean (as) Tina Brooks (ts) Freddie Redd (p) Paul Chambers (b) Louis Hayes (d)

- January 17, 1961 - Blues for Betsy, Somewhere - Benny Bailey (tp) Jackie McLean (as) Tina Brooks (ts) Freddie Redd (p) Paul Chambers (b) John Godfrey (d) -

Freddie Redd ocupa un lugar singular en la historia del jazz. Pianista profundamente arraigado en la tradición bebop y gran compositor, desarrolló una carrera marcada por momentos de gran reconocimiento seguidos por largos períodos de relativa invisibilidad. Sin embargo, fue uno de los músicos más originales y subvalorados de su generación.

En 1949, Redd comenzó a abrirse camino trabajando con figuras como Tiny Grimes, Cootie Williams y Oscar Pettiford, además de participar tanto en grupos de jazz como de rhythm and blues. Su debut como líder llegó en 1955 para Prestige, y poco después grabó junto a Gene Ammons y Art Farmer. En 1956 realizó una gira por Suecia.

Su mayor éxito llegó a fines de la década cuando compuso la música para la obra teatral The Connection. Redd no sólo escribió la partitura, sino que también actuó en las producciones de Nueva York, Londres y París, además de participar en la adaptación cinematográfica. Las grabaciones realizadas para Blue Note en torno a este proyecto se cuentan entre los grandes logros de su carrera.

Vivió durante años en Europa y más tarde se estableció en Los Ángeles donde siguió tocando y componiendo hasta avanzada edad.

Introducing Joe Gordon fue el debut discográfico como líder del trompetista Joe Gordon, un músico de enorme talento cuya carrera terminó mucho antes de alcanzar todo su potencial. Grabado en septiembre de 1954, cuando Gordon integraba el grupo de Art Blakey previo a la formación de los Jazz Messengers —tras reemplazar a Clifford Brown ese mismo año—, el álbum presenta además al saxofonista Charlie Rouse, el pianista Junior Mance y el contrabajista Jimmy Schenck.

Nacido en Boston en 1928, Gordon desarrolló una sólida reputación durante la primera mitad de los años cincuenta tocando además con Georgie Auld, Lionel Hampton y Art Blakey, y de presentarse junto a Charlie Parker cada vez que el saxofonista visitaba su ciudad natal. Más tarde formó parte de la orquesta de Dizzy Gillespie y trabajó con figuras como Horace Silver, Harold Land, Dexter Gordon, Benny Carter, Barney Kessel y Shelly Manne.

A pesar de ser considerado uno de los trompetistas más prometedores de su generación, Gordon grabó solo un segundo álbum bajo su nombre. Problemas personales y su trágica muerte en un incendio en 1963, a los 35 años, pusieron fin a una carrera que prometía mucho más. Sin embargo, Introducing Joe Gordon permanece como un valioso testimonio de una voz singular en la historia del jazz.

JOE LOVANO PARAMOUNT QUARTET - France, February, 2025 - First song, Lady Day - Joe Lovano (ts,tarogato) Julian Lage (g) Santi Debriano (b) Will Calhoun (d)

En Paramount Quartet, el saxofonista Joe Lovano presenta una nueva formación junto al guitarrista Julian Lage, el contrabajista Asante Santi Debriano y el baterista Will Calhoun. A lo largo de siete composiciones —cinco originales de Lovano y versiones de Charlie Haden y Wayne Shorter— el cuarteto desarrolla una música basada en la interacción y el equilibrio entre la tradición post-bop y la exploración contemporánea.

El álbum abre espacios amplios para el diálogo entre los músicos. La delicada interpretación de “First Song”, de Charlie Haden, destaca por su lirismo y profundidad emocional, mientras que “Lady Day”, de Wayne Shorter, conserva el carácter evocador de la composición original y lo proyecta hacia territorios modernos.

DICK SISTO DICK SISTO FALLING IN LOVE - USA, 1994 - Some other time, Moment’s notice, Monk’s dream - Dick Sisto (vib) Fred Hersch (p) Drew Gress (b) Tom Rainey (d)

American Love Song presenta al vibrafonista Dick Sisto en uno de los momentos más logrados de una extensa trayectoria dedicada al jazz. Sisto desarrolló una carrera rica en experiencias: lideró un grupo y actuó con destacados músicos de California, realizó giras por Europa y durante años fue el líder del trío residente de un hotel en Louisville, acompañando a numerosas figuras del jazz.

Grabado originalmente en 1994, este álbum reunió a Sisto con un cuarteto de excepción integrado por el pianista Fred Hersch, el contrabajista Drew Gress y el baterista Tom Rainey. Publicado inicialmente por el pequeño sello Jazzen con el título American Love Song, más tarde fue reeditado por SteepleChase bajo el nombre Falling in Love.

El repertorio combina estándares, la composición “Little Dancer” de Tom Harrell y la pieza original de Sisto “Summer’s Gone”. Destaca especialmente el joven Hersch, ya mostrando la creatividad que lo convertiría en una de las grandes voces del piano contemporáneo. Por su parte, Sisto revela una personalidad propia que, aunque recuerda ocasionalmente a Milt Jackson y Bobby Hutcherson, confirma su lugar entre los vibrafonistas destacados de su generación.

- TRIO Paris, France, January 24, 1936 - What’s the reason ?, Georgia on my mind - Bill Coleman (tp,vcl) Herman Chittison (p) Eugene d’Hellemmes (b)

- ET SON ORCHESTRE Paris, France, January 31, 1936 - Joe Louis stomp - Bill Coleman (tp) Edgar Courance (cl,ts) Jean Ferrier (p) Oscar Aleman (g) Eugene d’Hellemmes (b) Hurley Diemer (d)

- W GRAPELLI & RHEINHARDT Paris, France, November 12, 1937 - Rose room (1), Bill Street blues (1) - Bill Coleman (tp,vcl) Stephane Grappelli (vln-1,p-2) Joseph Reinhardt (g) Ernest Wilson Myers (b) Ted Fields (d)

Bill Coleman fue uno de esos trompetistas que nunca alcanzaron la fama masiva de otros colegas de su generación, pero que dejaron una huella profunda entre músicos y aficionados al jazz tradicional. Nacido en Kentucky, desarrolló una carrera internacional que lo llevó a pasar casi la mitad de su vida en Francia. Tras viajar por primera vez a Europa en 1933 con Lucky Millinder, alternó durante años entre ambos continentes, trabajando con figuras como Teddy Wilson, Benny Carter, Fats Waller y John Kirby. Entre 1942 y 1944 estuvo radicado en Nueva York, colaborando con pianistas de la talla de Ellis Larkins y Mary Lou Williams.

Influido por Louis Armstrong, Joe Smith y Jabbo Smith, Coleman desarrolló un estilo propio caracterizado por la elegancia, la claridad melódica y un notable sentido de la construcción del solo. Su toque era lírico y delicado, siempre atento a mantener el hilo musical sin recurrir a efectos innecesarios. Instalado definitivamente en Francia desde 1948, grabó con frecuencia y mantuvo una activa carrera hasta poco antes de su muerte, en 1982. Su forma de tocar cambió muy poco con los años, conservando siempre la misma musicalidad refinada que distinguió toda su trayectoria.

EDDIE HEYWOOD AND HIS ORCHESTRA

- New York, December 15, 1944 - Begin the beguine, Blue Lou - Dick Vance (tp) Vic Dickenson (tb) Lem Davis (as) Eddie Heywood (p) Ted Sturgis (b) Keg Purnell (d)

- New York, December 29, 1944 Please don’t talk about me when I’m gone, Lover man Agregar Al Lucas (b1)

Eddie Heywood fue un pianistas de la era del swing y líder de uno de los pequeños conjuntos más exitosos de los años cuarenta. Hijo del pianista Eddie Heywood Sr., comenzó a estudiar música con su padre a los ocho años y ya actuaba profesionalmente en Atlanta cuando apenas tenía catorce. En 1937 se trasladó a Nueva York, donde trabajó con la orquesta de Benny Carter y más tarde con Zutty Singleton y Don Redman.

En 1941 formó su célebre sexteto, una agrupación que incluía en sus inicios a figuras como Doc Cheatham y Vic Dickenson. Aunque sus arreglos eran relativamente conservadores, el grupo se distinguía por su energía y su inconfundible swing. Su versión de “Begin the Beguine” se convirtió en un gran éxito y consolidó su popularidad. Heywood participó en numerosas grabaciones memorables junto a artistas como Coleman Hawkins y Billie Holiday

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PECK KELLEY PECK KELLEY JAM - Houston, Texas, June 9 & 16, 1957 - Limehouse blues, Body and soul - Dick Shannon (cl) Peck Kelley (p) Felix Stagno (el-g) Dusty Hymes (g) Glen Boyd (b) Richard “Spanky” Jones (d)

Peck Kelley es una de las figuras enigmáticas del jazz. Durante más de medio siglo, músicos y críticos que lo escucharon tocar lo describieron como uno de los mejores pianistas que habían conocido. Sin embargo, rechazó repetidamente ofertas para integrarse a orquestas famosas, grabar discos o abandonar su Texas natal, prefiriendo una vida alejada de los grandes centros musicales.

En la década de 1920, Kelley dirigió a los Peck’s Bad Boys en Texas, junto a dos jóvenes: Jack Teagarden y Pee Wee Russell. Peck, considerado avanzado en ese momento, se suponía que se uniría a Russell, Bix Beiderbecke y Frankie Trumbauer en un concierto en St. Louis, pero problemas sindicales lo impidieron.

Su reputación creció considerablemente cuando el productor John Hammond lo escuchó en Houston en 1939. Hammond afirmó que Kelley era un músico excepcional, dueño de una técnica formidable, un gusto refinado y una imaginación que hacía de cada improvisación una experiencia fascinante.

Peck Kelley Jam es un LP doble que incluye una sesión privada de 1957 en Houston en la que lidera en un sexteto con músicos locales: el clarinetista Dick Shannon y el guitarrista Felix Stagno. Estas rudas pero muy interesantes grabaciones indican que Kelley avanzaba con los tiempos y, aunque se aferra a sus raíces, demuestran que estaba bastante familiarizado con Lennie Tristano.

TEDDY BUNN:

- AND SPENCER WILLIAMS VOCAL DUETS - New York, June 2, 1930 - Clean it out, Blow it up - Teddy Bunn, Spencer Williams (vcl) acc by James P. Johnson (p) Teddy Bunn (g) Bruce Johnson (wbd)

- SOLO New York, March 28, 1940 - King Porter stomp, Bachelor blues (1), Blues without words (1) - Teddy Bunn (g,vcl)

Teddy Bunn fue un destacado guitarrista acústico del jazz de los años treinta, lamentablemente su talento quedó registrado en relativamente pocas grabaciones. Con un sonido cálido, un swing natural y una gran habilidad como acompañante y como solista, Bunn desarrolló un estilo que ayudó a definir el papel de la guitarra en los primeros años del jazz.

Durante la década de 1930 participó en numerosas sesiones junto a importantes figuras de la época como Spencer Williams, Clarence Profit y James P. Johnson, además de participar en grabaciones con el clarinetista Mezz Mezzrow y el trompetista Tommy Ladnier.

Fantôme, es el tercer trabajo como líder de la vibrafonista Sasha Berliner , quien presenta música compuesta por ella misma y surge, según explica, de lo que ocurre cuando una vibrafonista de jazz con formación rockera se reúne con un ingeniero de sonido especializado en R&B y funk y algunos de los mejores improvisadores internacionales. Entre ellos figuran Taylor Eigsti en piano, Harish Raghavan en contrabajo, Jongkuk Kim en batería y David Adewumi en trompeta. ¿Es entonces un disco de fusión? No exactamente. Más bien se mueve dentro de un post-bop enérgico y moderno.

IVAN FARMAKOVSKIY EPIC POWER c. 2010 - Soul inside out, The day before - Ivan Farmakovsky (p) Christian McBride (b) Jack DeJohnette (d)

El pianista ruso Ivan Farmakovskiy fue una figura destacada de la escena jazzística europea de fines de los años noventa y comienzos de los dos mil. Dueño de una técnica refinada y una notable capacidad creativa, ganó en 1997 el Europe Jazz Contest de Bélgica y participó en diversas agrupaciones y orquestas, incluyendo un cuarteto junto al saxofonista Benny Golson y el trompetista ruso Valery Ponomarev. En 2008 viajó a Nueva York para grabar Epic Power, una sesión en trío que, por razones desconocidas, permaneció inédita durante años en los archivos de SteepleChase. Resulta sorprendente considerando que lo acompañaban dos gigantes del jazz: el contrabajista Christian McBride y el baterista Jack DeJohnette fallecido en octubre de 2025, considerado por muchos como uno de los grandes bateristas de la historia del jazz, su interpretación aquí confirma por qué alcanzó ese estatus.

HERBIE NICHOLS PROJECT DR. CYCLOPS’ DREAM - Paramus, N.J., February 18 & 19, 1999 - Bartok, It didn’t happen, Swan song - Ron Horton (tp,flhrn) Ted Nash (ts,alto-fl,b-cl) Michael Blake (ts,sop) Frank Kimbrough (p) Ben Allison (b) Tim Horner (d)

Con Dr. Cyclops Dream, el Herbie Nichols Project profundiza en la obra de uno de los compositores más originales y menos reconocidos de la historia del jazz. Tras el éxito de Love Is Proximity, el pianista Frank Kimbrough y sus compañeros amplían el formato del grupo con la incorporación del saxofonista Michael Blake, enriqueciendo aún más los arreglos de una música tan compleja como fascinante.

El repertorio reúne composiciones poco conocidas de Nichols, incluyendo piezas que él mismo grabó, como “Beyond Recall”, “It Didn’t Happen” y “Riff Primitif”, junto a otras que reciben aquí su primera grabación. El álbum destaca por la imaginación con que el conjunto aborda este material. Temas como “Bartok” fueron desarrollados a partir de simples partituras, mientras que arreglos llenos de sorpresas convierten cada interpretación en una exploración creativa.

La música alterna momentos de refinada sutileza con episodios de gran energía colectiva. Un ejemplo es “It Didn’t Happen”, que pasa de un delicado diálogo entre piano y saxo soprano a una explosión de espíritu dixieland. A lo largo del disco, los músicos demuestran que no se limitan a reproducir las partituras de Nichols: las reinventan con personalidad y respeto.

El resultado es un homenaje vibrante que confirma tanto el genio compositivo de Herbie Nichols como la creatividad de un grupo excepcional.

Novoa / Carter / Mela Trio, Vol. 1 marca el debut discográfico de una nueva formación liderada por la pianista, compositora y multiinstrumentista Eva Novoa junto a dos figuras de gran trayectoria en la escena creativa neoyorquina: el saxofonista Daniel Carter y el baterista Francisco Mela. Grabado en 2021 en los estudios Sear Sound de Nueva York.

Inspirado en los cuatro elementos de la naturaleza, el repertorio transita por paisajes sonoros abiertos y cambiantes que reflejan la energía y la libertad que caracterizan al trío, mientras que Hasta Mañana Vida Mía incorpora ecos de la tradición cubana, la voz de Mela y un dinámico diálogo entre saxofón, piano y percusión.

Novoa aquí incluye piano, Fender Rhodes, clavecín eléctrico, gongs chinos e incluso silbidos, aportando colores inesperados a cada composición. Nacida en Barcelona y radicada en Nueva York desde 2012, la artista confirma aquí su versatilidad y capacidad para crear música vibrante junto a dos improvisadores excepcionales.

DAVE HOLLAND UNCHARTED TERRITORIES - Catskill, NY, May 2 & 3, 2017 - Thought on earth, Piano-bass-percussion T1, QT12 - Evan Parker (ts) Craig Taborn (p,org,keyboards,electronics) Dave Holland (b) Ches Smith (perc)

En Uncharted Territories, el contrabajista Dave Holland regresa a la improvisación libre junto a un cuarteto excepcional integrado por el saxofonista Evan Parker, el tecladista Craig Taborn y el percusionista Ches Smith. Grabado en mayo de 2017, este álbum doble documenta un encuentro entre dos veteranos de la vanguardia británica y estadounidense y dos músicos de una generación posterior igualmente comprometidos con la exploración sonora.

De las 23 piezas incluidas, solo tres fueron compuestas previamente; las restantes surgieron de improvisaciones colectivas realizadas en el estudio. El resultado es una música en constante transformación, donde los músicos crean y desarrollan ideas en tiempo real, alternando formaciones de dúo, trío y cuarteto.

Aunque la experiencia y el lenguaje de Holland y Parker son fundamentales para el proyecto, Taborn y Smith aportan una energía particularmente imaginativa, construyendo paisajes sonoros que oscilan entre la abstracción, la tensión rítmica y momentos de sorprendente lirismo.

MATTHEW PUTMAN BELIEVE THAT WAS ME - Brooklyn, NY, January 16, 2025 - Joy and belief, Believe that was me - Matthew Putman (p) Hilliard Greene (b) Francisco Mela (d,whistle)

Believe That Was Me CREE QUE ESE SOY YO reúne a tres destacados improvisadores: el pianista Matthew Putman, el contrabajista Hill Greene y el baterista Francisco Mela, quien además aporta silbidos. El proyecto captura un encuentro musical marcado por la espontaneidad, la exploración y una notable conexión entre sus participantes.

Aunque Putman y Greene colaboran regularmente desde 2017, esta grabación representa la primera reunión de Putman con Mela. Sin embargo, la química entre ambos resulta inmediata, dando forma a una música que combina melodías intensas, libertad improvisatoria y una energía que remite tanto al jazz de vanguardia como a búsquedas más espirituales y contemplativas.

El título del álbum nació de la sorpresa de los propios músicos al escuchar las grabaciones al concluir la sesión. La experiencia fue tan poderosa que les costó reconocer como propias algunas de las ideas surgidas durante las sesiones. Esa sensación de descubrimiento atraviesa todo el disco.

En su cuarto álbum como líder, el pianista Theo Hill deja atrás el formato de trío para ampliar su paleta sonora con la incorporación del vibrafonista Joel Ross. El cambio resulta decisivo, al igual que la utilización de Fender Rhodes y sintetizadores, elementos que aportan nuevos colores y texturas a su música.

En cierto modo, *Reality Check* se acerca más al espíritu de su debut, grabado en vivo en Smalls junto al saxofonista Dayna Stephens. La mayoría de las diez composiciones del disco son originales de Hill y revelan una ambición que va más allá de las posibilidades habituales del trío. El pianista se muestra especialmente creativo cuando dialoga con Ross, construyendo líneas entrelazadas y desarrollando ideas con notable libertad.

Entre los momentos destacados figura “Pressing the Issue”, composición de Mulgrew Miller, uno de los grandes referentes de Hill. La pieza impulsa al grupo con energía y sirve de plataforma para que el saxofonista Marcus Strickland despliegue toda su intensidad, mientras Hill y Ross intercambian rápidas y ágiles figuras melódicas. También sobresale una delicada versión de “Superwoman”, de Stevie Wonder, donde el sonido del vibráfono aporta un carácter reflexivo y elegante, enriqueciendo una interpretación llena de sutilezas.

Con *Reality Check*, Theo Hill confirma su evolución como compositor y líder, ampliando horizontes sin perder la cohesión y el dinamismo que han caracterizado su trabajo desde sus inicios.

JD ALLEN LOVE STONE - New York, January 9, 2018 - Why was I born ?, You’re my thrill, Put on a happy face, Gone with the wind - JD Allen (ts) Liberty Ellman (g) Gregg August (b) Rudy Royston (d)

Con *Love Stone*, el saxofonista tenor JD Allen revela una faceta distinta de su personalidad musical. Lejos de las exploraciones más libres de trabajos recientes, este álbum está dedicado a baladas y estándares, confirmando que la intensidad también puede expresarse a través de la contención y la sutileza.

Allen vuelve a reunirse con sus habituales compañeros, el contrabajista Gregg August y el baterista Rudy Royston, incorporando además al guitarrista Liberty Ellman, cuya presencia aporta nuevos matices al sonido del grupo. El resultado es un disco íntimo y elegante, donde cada nota parece cuidadosamente elegida.

Entre los momentos más destacados se encuentran una emotiva versión de “Stranger in Paradise”, abierta por la guitarra antes de la entrada del tenor, y “Until the Real Thing Comes Along”, interpretada con la calidez y el lirismo que evocan a Ben Webster. También sorprende la lectura casi meditativa de la canción tradicional “Come All Ye Fair and Tender Ladies”, mientras que “Put on a Happy Face” combina un suave swing con guiños al estilo de Sonny Rollins, una de las influencias fundamentales de Allen.

Sin recurrir al virtuosismo exhibicionista, Allen imprime una mirada moderna a repertorio conocido, apoyándose en un sonido refinado, gran economía expresiva y una profunda comprensión de las melodías. *Love Stone* es una de las colecciones de baladas más logradas de los últimos años.

ARTURO O’FARRILL & THE AFRO LATIN JAZZ ORCHESTRA THE ORIGINAL INFLUENCERS: DIZZY, CHANO & CHICO - LIVE AT “TOWN HALL”, New York, 2023 - Manteca suite Movements: I, II, III, IV - Jon Faddis, Adam O’Farrill, Bryan Davis, James Seeley, Jesus Ricardo Anduz, Rachel Therrien (tp) Ben Barnett, Juanga Lakunza, Rafi Malkiel (tb) Earl McIntyre (b-tb) Donald Harrison (as) Addison Evans, Berta Moreno, Jasper Dutz, Larry Bustamante, Tito Charneco (sax) Andrew Andron (p) Liany Mateo (b) Zack O’Farrill (d,perc) Keisel Jimenez, Vince Cherico (d) Pedrito Martinez, Jacqueline Acevedo (perc) Melvis Santa (perc,vcl) Carlos Maldonado (perc) Dayme Arocena (vcl) Arturo O’Farrill (comp)

*The Original Influencers: Dizzy, Chano & Chico – Live at Town Hall* es un vibrante registro en vivo de Arturo O’Farrill y la Afro Latin Jazz Orchestra que conmemora el 75.º aniversario de la histórica colaboración entre Dizzy Gillespie y el percusionista cubano Chano Pozo, encuentro que dio origen al jazz afrocubano moderno. Al frente de una formación de 18 músicos, O’Farrill recrea la energía, el espíritu innovador y el diálogo cultural que marcaron aquella revolución musical.

La grabación captura a una orquesta en plena forma, capaz de combinar precisión, fuerza rítmica y una notable riqueza de colores. Más que una mirada nostálgica al pasado, el álbum demuestra que esta tradición continúa evolucionando y conservando toda su vitalidad.

El punto culminante llega con la extensa **“Manteca Suite”**, obra en cuatro movimientos basada en la célebre composición creada en 1947 por Dizzy Gillespie, Chano Pozo y Gil Fuller, y posteriormente desarrollada por Chico O’Farrill. A lo largo de la suite, el trompetista Jon Faddis brilla con un sonido potente y luminoso, guiando a la orquesta a través de una exploración de los múltiples matices de la fusión entre jazz y ritmos afrocubanos.

Con respeto, creatividad y una energía contagiosa, Arturo O’Farrill y su orquesta celebran un legado que sigue tan vigente y emocionante como cuando nació.

“Outer Reaches” es el homenaje del baterista Ralph Peterson a dos figuras fundamentales del jazz moderno: el organista Larry Young y el trompetista Woody Shaw. El álbum toma como punto de partida el histórico “Unity” de 1965, reinterpretando varias de sus composiciones con una mirada contemporánea que amplía los límites tradicionales del órgano en el jazz.

Peterson reunió un cuarteto integrado por el organista Pat Bianchi, el trompetista Josh Evans y el saxofonista tenor Jovan Alexandre. La conexión entre Peterson y Bianchi, forjada desde su primer encuentro en 2005, se percibe a lo largo de todo el disco. Bianchi aporta una sólida combinación de soul-jazz, blues y hard bop, mientras que Peterson despliega la energía y el impulso rítmico que han caracterizado su carrera.

Además de piezas asociadas a Young y Shaw, el grupo interpreta composiciones de John McLaughlin y del propio Peterson. , cuya presencia se hace sentir tanto en el acompañamiento como en sus numerosos solos.

JON COWHERD GATEWAY - New York, May 31 & June 1, 2016 - Wandering heart, Warriors, Braun’s Bronco - Jon Cowherd (p) Steve Cardenas (g) Tony Scherr (b) Brian Blade (d)

Jon Cowherd es pianista, organista, tecladista y compositor de gran sensibilidad, ha desarrollado una carrera que combina el jazz con múltiples géneros musicales. Entre sus colaboraciones más destacadas figura su trabajo junto a la cantante y compositora Joni Mitchell, para quien produjo y participó en “Joni 75: A Birthday Celebration” en 2018. También ha grabado con artistas tan diversos como Lizz Wright, Norah Jones, Cassandra Wilson e Iggy Pop.

Sin embargo, gran parte de su prestigio proviene de su larga asociación con el baterista Brian Blade. Cowherd integra la Fellowship Band desde finales de los años noventa y comparte con Blade una afinidad musical basada en la exploración melódica y la profundidad emocional.

Esa conexión vuelve a manifestarse en “Pride and Joy”, su tercer álbum como líder, grabado junto a Blade y el bajista John Patitucci. El disco refleja la amplitud de influencias de Cowherd, su refinada capacidad compositiva y una visión abierta de la música, donde el jazz convive naturalmente con otros lenguajes sonoros.

PEPPER ADAMS / DONALD BYRD QUINTET OUT OF THIS WORLD - New York, 1961 - Theme from Mr. Lucky, Currio’s - Donald Byrd (tp) Pepper Adams (bar) Teddy Charles (vib1) [as Jinx Jingles (vib-1) Herbie Hancock (p) Laymon Jackson (b) Jimmy Cobb (d)

El álbum “Out of This World” reúne grabaciones realizadas por el entonces incipiente quinteto de Donald Byrd y Pepper Adams para el desaparecido sello Warwick. Aunque Byrd y Adams, junto con el baterista Jimmy Cobb y el vibrafonista Teddy Charles —presente solo en una de las piezas— ya contaban con experiencia en la escena de Detroit antes de establecerse en Nueva York, el pianista Herbie Hancock era apenas una joven promesa.

Sin embargo, Hancock demuestra desde temprano un notable talento, aportando solidez al grupo y sirviendo de punto de apoyo para el extraordinario diálogo entre los dos líderes. Temas como “Bird House”, la pieza que da título al álbum y una inspirada versión de “I’m an Old Cowhand” muestran la química especial entre Byrd y Adams. La trompeta elegante y fogosa de Byrd encuentra un contrapunto ideal en el sonido robusto y directo del saxofonista barítono, generando una interacción rica en matices melódicos y armónicos.

El resultado es una música apasionada, creativa y profundamente expresiva, capaz de combinar energía y delicadeza con total naturalidad. “Out of This World” funciona como una excelente carta de presentación para ambos músicos y captura con claridad la magia que distinguió a esta notable formación.

- New York, September 10, 1937 - Chuberry jam, Maelstrom - Irving “Mouse” Randolph (tp) Keg Johnson (tb) Chu Berry (ts) Benny Payne (p,vcl) Danny Barker (g) Milt Hinton (b) Leroy Maxey (d)

- And His “Little Jazz” Ensemble - New York, November 10, 1938 - Star dust, Forty-Six West Fifty-Two - Roy Eldridge (tp) Chu Berry (ts) Clyde Hart (p) Danny Barker (g) Artie Shapiro (b) Sidney Catlett (d)

Chu Berry fue una de las grandes figuras del saxofón tenor durante la década de 1930. Dueño de un sonido potente y una técnica notable, brillaba especialmente en los temas rápidos, aunque también abordó baladas con una intensidad emocional muy marcada.

Se inició tocando saxofón alto durante sus años universitarios, cambió al tenor en 1929 al integrarse a la banda de Sammy Stewart. Poco después se trasladó a Nueva York, donde inició una trayectoria que lo llevó a trabajar con figuras destacadas como Benny Carter, Charlie Johnson, Teddy Hill y Fletcher Henderson, con quien además aportó la composición “Christopher Columbus”. En 1937 encontró un lugar estable en la orquesta de Cab Calloway.

Berry también dejó su huella en numerosas grabaciones junto a músicos como Roy Eldridge, Lionel Hampton y Teddy Wilson. Su carrera, sin embargo, fue trágicamente breve: murió en un accidente automovilístico a los 31 años, dejando la sensación de un enorme potencial aún por desarrollar.

EDDIE SOUTH

- And His Quintet and Duo - Hilversum, Holland, March 13, 1938 - Honeysuckle rose (1), On the sunny side of the street (1) - Eddie South (vln) Dave Martin (p) Isadore Langlois (g-1) Paul Cordonnier (b-1) Tommy Benford (d-1) The Glee Club (vcl) (South and other members of the quintet)

- And His Orchestra - New York, June 10, 1940 - A pretty girl is like a melody, La cumparsita [The masked one] - Dave Martin (p) Eddie South (vln) Eddie Gibbs (g) Ernest Hill (b) Specs Powell (d,vib-1)

Eddie South fue uno de los grandes violinistas de la primera mitad del siglo XX. Nacido en Missouri en 1904 y criado en Chicago, mostró desde muy joven un talento excepcional y recibió una sólida formación clásica.

Aunque dominaba el repertorio clásico, South comprendió que las barreras raciales de la época limitarían el reconocimiento de su talento en ese ámbito. Encontró entonces un espacio más abierto en el vódevil y el jazz, trabajando junto a músicos como Freddie Keppard y Charles Elgar, además de dirigir la banda de Jimmy Wade durante varios años.

En 1927 formó The Alabamians, agrupación con la que comenzó a desarrollar un estilo elegante y sofisticado. Un viaje por Europa entre 1928 y 1931 lo acercó a la música húngara y romaní, influencias que marcarían profundamente su sonido. Sus sesiones parisinas de 1937 junto a Django Reinhardt y Stéphane Grappelli siguen siendo consideradas entre las mejores grabaciones de su carrera. South continuó tocando hasta los años cincuenta y falleció en 1962.

FRANKIE NEWTON - AND HIS UPTOWN SERENADERS

- New York, March 5, 1937 - You showed me the way (cp vcl), Please don’t talk about me when I’m gone, Who’s sorry now ? - Frankie Newton (tp,arr) Edmond Hall (cl) Pete Brown (as) Cecil Scott (ts) Don Frye (p) John Smith (g) Richard Fullbright (b) Cozy Cole (d) Clarence Palmer (vcl)

- New York, April 15, 1937 - I’ve found a new baby, The Brittwood stomp - Frankie Newton (tp,arr) Russell Procope, Pete Brown (as) Cecil Scott (cl,ts) Edmond Hall (cl,bar) Don Frye (p) John Smith (g) Richard Fullbright (b) Cozy Cole (d) Slim Gaillard (vcl)

Frankie Newton fue un trompetista de sonido inconfundible y una sensibilidad profundamente lírica, aunque su período de mayor actividad y reconocimiento fue relativamente breve. Nacido en Virginia en 1906, comenzó su carrera profesional a fines de los años veinte trabajando con las bandas de Lloyd y Cecil Scott, y posteriormente pasó por agrupaciones lideradas por músicos como Elmer Snowden, Chick Webb y Charlie Johnson.

Su nombre comenzó a ganar mayor atención durante la década de 1930. Grabó junto a Bessie Smith en 1933 y alcanzó una mayor visibilidad como integrante de la orquesta de Teddy Hill, donde asumió el puesto que había dejado Roy Eldridge. También formó parte del sexteto de John Kirby.

Entre fines de los años treinta y comienzos de los cuarenta lideró sus propias formaciones y realizó varias grabaciones importantes. Sin embargo, después de 1945 fue alejándose gradualmente de la música. Interesado cada vez más en la pintura y la política, pasó sus últimos años en relativo anonimato y murió en 1954, cuando su nombre ya había quedado injustamente relegado.

THE CHOCOLATE DANDIES New York, December 31, 1930 - Cloudy skies (2), Goodbye blues (bc vcl,arr,1), Got another sweetie now (jh vcl;bc arr,2), Bugle call rag (bc arr,2), Dee blues (bc plays cl;bc arr,2) - Bobby Stark (tp) Jimmy Harrison (tb,vcl) Benny Carter (as,cl,vcl,arr) Coleman Hawkins (ts) Horace Henderson (p) Benny Jackson (g) John Kirby (b-1,tu-2)

El nombre The Chocolate Dandies fue utilizado por diferentes bandas, es el título de un espectáculo de Broadway extremadamente exitoso de 1924 co-escrito por Eubie Blake y Noble Sissle. A principios de los años 30, varios grupos bajo el liderazgo de Benny Carter se llamaron Los Chocolate Dandies. Coleman Hawkins apareció en ediciones del grupo tanto en los años 30 como en los 40; otros que formaron parte en ediciones posteriores incluyeron a Max Kaminsky, Buck Clayton y miembros de las bandas de Carter y Fletcher Henderson.

Hoy escucharemos una versión de los Dandies de 1930 que incluye a Bobby Stark (tp) Jimmy Harrison (tb,vcl) Benny Carter (as,cl,vcl,arr) Coleman Hawkins (ts) Horace Henderson (p) Benny Jackson (g) John Kirby (b-1,tu-2) .

Al tema *Cloudy Skies* el enfoque de los Dandies conserva una sensibilidad casi del siglo XIX, con un fraseo muy ornamental. Horace Henderson, hermano menor de Fletcher y con apenas 23 años, ya era un pianista y director reconocido, y es probable que los arreglos sean obra suya y/o de Benny Carter.

Jimmy Harrison, quien además canta en esta grabación, escribió *Got Another Sweetie Now* la noche anterior a la sesión. Aunque la melodía no tiene nada especialmente notable, la progresión armónica es ideal como apoyo para la improvisación. El piano, la guitarra y la tuba sostienen un pulso perfectamente integrado; no necesitaban batería para lograr swing. Además, aquí encontramos a Hawkins con un enfoque distinto, de ataque más ligero y elástico, lleno de melodía y juego rítmico, rasgos que también aparecen en el solo de trompeta de Stark que sigue a la voz.

En “Dance Kobina”, el compositor, baterista y vibrafonista Joe Chambers reúne a músicos de distintos lugares y generaciones para dar forma a una obra que refleja su amplia experiencia. El álbum, con composiciones originales, ofrece además nuevas perspectivas sobre melodías reconocibles, muchas de ellas con versiones inspiradas directa o indirectamente por los ritmos y la estética del guaguancó afrocubano.

Aunque debutó como líder para Blue Note recién en 1998, ya era una figura fundamental del sello desde la década de 1960 gracias a sus colaboraciones con músicos como Bobby Hutcherson, Wayne Shorter, Joe Henderson, Freddie Hubbard, Andrew Hill y Sam Rivers. Su trayectoria también incluye trabajos junto a Eric Dolphy, Tommy Flanagan, Art Farmer, Charles Mingus, Sonny Rollins y Max Roach.

Dance Kobina ofrece distintos contextos para la experimentación colectiva. Los músicos exploran colores orquestales, texturas, armonías y posibilidades rítmicas con gran libertad, pero sin perder de vista la unidad del conjunto.

JULIAN LAGE THE LAYERS - New York, 2023 - Missing voices, Mantra, The layers - Julian Lage (g,comp) Bill Frisell (g) Jorge Roeder (b) Dave King (d)

“The Layers” amplía el universo musical que el guitarrista Julian Lage presentó en “View With A Room”. De hecho, ambos álbumes surgieron de las mismas sesiones de grabación, por lo que este lanzamiento puede entenderse como una especie de complemento o capítulo paralelo de aquel proyecto. Para la ocasión, Lage es nuevamente acompañado por el legendario guitarrista Bill Frisell, junto al bajista Jorge Roeder y el baterista Dave King.

La interacción entre las dos guitarras es uno de los principales atractivos del disco. Lage y Frisell construyen paisajes sonoros llenos de matices, donde cada intervención contribuye al desarrollo colectivo de la música. Desde el tema inicial, “Everything Helps”, queda en evidencia la fluidez del diálogo entre ambos músicos, sostenido por el pulso firme y creativo de Roeder y la imaginación rítmica de King.

TONY ALLEN / HUGH MASEKELA REJOICE - London, England, c. 2019 - Agbada bougou (1), Never (Lagos never gonna be the same) (hm vcl,2,3,5), Slow bones (th out,1,3,5), Jabulani (Rejoice, here comes Tony) (hm vcl,2), Obama shuffle strut blues (th out,1,4) - Hugh Masekela (flhrn,vcl) Steve Williamson (ts-1) Lewis Wright (vib-2) Joe Armon-Jones (keyboards-3) Elliot Galvin (keyboards-4) Tom Herbert (b) Mutale Chashi (b-5) Tony Allen (d,perc,vcl)

Curiosamente, el álbum Rejoice es la única colaboración entre el baterista nigeriano Tony Allen y el trompetista sudafricano Hugh Masekela. Ambos fueron figuras fundamentales en la evolución de la música africana moderna: Allen como uno de los creadores del afrobeat junto a Fela Kuti, y Masekela como un incansable explorador musical cuya carrera se extendió por más de siete décadas. Amigos desde los años setenta, cuando fueron presentados por el propio Kuti, hablaron durante décadas sobre la posibilidad de grabar juntos.

Finalmente, en 2010 lograron reunirse para registrar una serie de sesiones que, por diversas circunstancias, quedaron inconclusas. Tras el fallecimiento de Masekela, las grabaciones fueron recuperadas y completadas en 2019.

El resultado no es un álbum de afrobeat en su forma tradicional, sino una propuesta más abierta y matizada. Aquí conviven elementos de jazz moderno, funk de líneas simples y los característicos grooves de las townships sudafricanas.

Dave Green es un músico excepcional. Su contrabajo ha sido una pieza central en buena parte del mejor jazz del Reino Unido. Estuvo en el Rendell Carr Quintet, también participó en uno de los trabajos más destacados de Stan Tracey, “The Return of Captain Adventure”, y fue parte de la época dorada del club Ronnie Scott’s, acompañando a figuras como Ben Webster, Coleman Hawkins y Sonny Rollins. En 1990 se unió al quinteto de su amigo de infancia Charlie Watts, el baterista de los Rolling Stones.

Su álbum “The Complete Fingers Remember Mingus”, refleja una notable diversidad de colaboradores. Entre ellos está Lol Coxhill, saxo soprano y tenor cuyo sonido es tanbto curioso como delicado, Bruce Turner, considerado por muchos críticos como el principal saxos alto de Gran Bretaña, y el pianista y compositor Michael Garrick, y un pionero en la mezcla de jazz con recitaciones de poesía.

La figura que sobrevuela todo el álbum es Charles Mingus: un contrabajista de enorme fuerza y un compositor capaz de unir elementos aparentemente opuestos en un lenguaje coherente. Esa influencia aparece de forma clara en “Alice’s Wonderland”, mientras que piezas como “Anthropology” o “Mood Indigo” permiten que los contrastes entre Bruce Turner y Coxhill se conviertan en uno de los grandes atractivos del disco.

DON CHERRY QUINTET / GATO BARBIERI TOGETHERNESS - Paris, France, 1965 - Movements 1, 2 & 5 - Don Cherry (cnt) Gato Barbieri (ts) Karl Berger (vib) Jean-Francois Jenny-Clark (b) Aldo Romano (d)

Togetherness” captura a Gato Barbieri en una etapa temprana de su desarrollo como saxofonista tenor, compartiendo escena con Don Cherry y una sección rítmica francesa. El eje central del álbum es la suite homónima en cinco movimientos compuesta por Cherry, donde ambos músicos exploran un territorio creativo abierto y desafiante. Aunque Cherry toca con la libertad y la inventiva que siempre caracterizaron su estilo, su enfoque puede parecer casi contenido frente a la intensidad y la energía explosiva que Barbieri despliega a lo largo de la grabación.

Aunque Cherry se hizo ampliamente reconocido por el uso de su pequeña “pocket cornet”, en este disco utiliza una corneta convencional. Aun así, conserva intacta esa manera tan personal de construir melodías y moverse con naturalidad entre la estructura y la improvisación.

Como otras colaboraciones de Don Cherry y Barbieri durante esos años, “Togetherness” los muestra en plena búsqueda, combinando composiciones propias, improvisación libre e incluso elementos cercanos a Antônio Carlos Jobim. El resultado es el retrato de dos artistas llevando el jazz hacia territorios nuevos e imprevisibles.

WILLIAM PARKER ORCHESTRA ESSENCE OF ELLINGTON - Live in Milano - “Teatro Manzoni”, Milan, Italy, February 5, 2012 - In a sentimental mood, The essence of Ellington - Essence of Ellington - Live in Milano : William Parker Orchestra : Roy Campbell (tp,flhrn) Matt Lavelle (tp) Steve Swell, Willie Applewhite (tb) Sabir Mateen (cl,ts) Ras Moshe (sop,ts) Rob Brown, Darius Jones (as) Kidd Jordan (ts) David Sewelson (bar) Dave Burrell (p) William Parker (b,arr,comp) Hamid Drake (d) Ernie Odoom (vcl).

“Essence of Ellington” es el homenaje de William Parker a la creatividad y la visión musical de Duke Ellington. Así como Ellington construía sus arreglos a partir de la personalidad de los músicos que integraban su orquesta, Parker adopta una idea similar, aunque añadiendo un elemento esencial de su propio lenguaje: amplios espacios para la improvisación colectiva.

El conjunto reúne a músicos de enorme personalidad, entre ellos los saxofonistas Darius Jones, Rob Brown y Kidd Jordan, el trompetista Roy Campbell, el baterista Hamid Drake y el pianista Dave Burrell. Cada uno aporta su propia experiencia y sensibilidad, reinterpretando la música de Ellington desde una perspectiva marcada por la energía y la libertad del jazz de vanguardia. Más que simples versiones, Parker propone verdaderas reconstrucciones musicales que conectan distintas épocas y formas de entender el jazz.

Sin embargo, como sugiere el título, el objetivo no es solo revisar el repertorio de Ellington, sino acercarse a su esencia. La solidez de los arreglos y el nivel interpretativo del grupo recuerdan la riqueza que distinguió a las grandes formaciones de Ellington. El disco también deja en evidencia algo fundamental: el amplio y diverso lenguaje musical creado por Ellington permite que el swing y la improvisación libre convivan con absoluta naturalidad, sin que esa transición se sienta forzada. Dentro de la extensa discografía de Parker, este trabajo destaca como uno de sus logros más sólidos.

Pocos músicos exhiben una versatilidad tan amplia como el contrabajista Eric Revis. Se inició junto a Betty Carter durante la década de 1990 y ocupa, desde 1997, el puesto de bajista en el exitoso cuarteto de Branford Marsalis. A lo largo de su trayectoria también ha compartido escenarios y ha grabado con figuras tan diversas como Peter Brötzmann, Jason Moran, Steve Coleman y McCoy Tyner, además de desarrollar proyectos en formato de dúo con los pianistas Kris Davis u Orrin Evans. En 2017 fue distinguido como “Rising Star” en la encuesta de críticos de DownBeat.

Para su sétimo álbum como líder, Slipknots Through a Looking Glass, Revis reunió músicos clave de distintas etapas de su trayectoria. Los saxofonistas Darius Jones y Bill McHenry, quienes ya habían participado en su disco anterior, Kris Davis y el baterista Chad Taylor competan el grupo.

YUSEF LATEEF JAZZ ‘ROUND THE WORLD - New York, December 19-20 1963 - Abana, India, Yusef’s French brother, The good old roast beef of England, Ringo Owake - Richard Williams (tp) Yusef Lateef (ts,fl,bassoon) Hugh Lawson (p) Ernie Farrow (b) Lex Humphries (d)

Jazz ‘Round the World, es el primer trabajo para Impulse! de Yusef Lateef quien se adelantó, con intensidad y sensibilidad, a la apertura hacia las músicas del mundo con una serie de canciones tradicionales de distintas culturas. Su capacidad para moverse con naturalidad entre melodías y ritmos de diversos orígenes encuentra un complemento ideal en su notable dominio instrumental. Lateef es un maestro de una variedad de instrumentos exóticos, además del saxofón tenor y la flauta, Lateef incorpora oboe y fagot.

Respaldado por un sólido grupo integrado por Richard Williams en trompeta, Hugh Lawson en piano, Ernie Farrow en contrabajo y Lex Humphries en batería, Lateef construye un álbum compacto pero mucho contenido. Aunque las diez piezas son breves, el conjunto aprovecha cada momento con inteligencia y energía. Williams destaca por su intensidad y dinamismo, recordando su enorme talento que no siempre recibió el reconocimiento merecido.

PARIS RUNION BAND “HOT LICKS” - Live “Ronnie Scott’s Club”, London, England, November 27 & 28, 1987 - Jeanine, Drifting - Nat Adderley (cnt) Woody Shaw (tp) Guy Barker (tp-1) replaces Shaw, Curtis Fuller (tb) Nathan Davis (ts,sop) Joe Henderson (ts) Kenny Drew (p) Jimmy Woode (b-2,vcl-2) Idris Muhammad (d)

La colonia de músicos estadounidenses en Europa nunca fue una organización formal, sino una comunidad artística que comenzó a tomar forma a fines de los años cincuenta y se consolidó durante las décadas siguientes. París se convirtió en uno de sus principales centros, junto a ciudades como Copenhague y Ámsterdam y para muchos músicos afroamericanos, Europa representó mejores oportunidades de trabajo, un mayor reconocimiento a su labor artística y, en algunos casos, un entorno menos condicionado por la discriminación racial.

De esa experiencia surgió a mediados de los años ochenta la Paris Reunion Band, un proyecto que reunió a músicos estadounidenses que habían vivido y desarrollado buena parte de su carrera en París. Más que una mirada nostálgica, la agrupación buscó recuperar el espíritu creativo de aquella escena.

Las principales influencias del saxofonista tenor Kevin Sun provienen de Joe Henderson y John Coltrane. Pero Sun también conoce en profundidad el lenguaje de Mark Turner y, durante la última década, ha explorado cómo llevar esa mirada oblicua y metódica hacia nuevos terrenos. Su vocabulario incluye métricas irregulares, estructuras cercanas a las de Steve Coleman, referencias a la cultura pop y una saludable cuota de ironía. Todo eso aparece en “The Fate of the Tenor”, un título que alude al célebre álbum en trío de Henderson, “The State of the Tenor”. Los aplausos y el sonido del público aportan una sensación de cercanía e intimidad. Las presentaciones de Kevin Sun los martes en el club Lowlands de Brooklyn —mientras Tim Berne ocupa los jueves— ya se han transformado en una cita habitual, y “The Fate of the Tenor” entrega razones más que suficientes para escuchar esta música en vivo cuanto antes.

PETER ERSKINE PEREGRINE - Skokie, Illinois ca. 2025 - God only knows, Chillipso, Leaving LA (1), David’s blues, Dear Chick - Bob Sheppard (ts1) Alan Pasqua (p) Scott Colley (b) Peter Erskine (d)

El baterista Peter Erskine, cuya extensa y productiva trayectoria comenzó en 1972 junto a la Stan Kenton Orchestra, es un músico de enorme oficio que se mueve con la misma soltura en formaciones grandes o pequeñas. A lo largo de los años ha participado en más de cuarenta y cinco álbumes como líder o colíder, afrontando cada proyecto con una combinación de técnica, sensibilidad y buen gusto.

En “Peregrine”, Erskine se presenta en formato de trío junto a dos destacados colaboradores: el pianista Alan Pasqua y el contrabajista Scott Colley. El repertorio, descrito por el propio baterista como “una colección de homenajes”, reúne once piezas: cuatro composiciones de Pasqua y tres de Erskine, además de obras de Keith Jarrett, Brian Wilson, Jimmy Webb y Phoebe Snow.

KAZEMDE GEORGE OCEAN PASSAGE - Brooklyn, NY (?) ca 2025 - Ocean Passage, Jungle Gym - Kazemde George (st) Tyrone Allen II (b) Kayvon Gordon (dr).

Kazemde George es Saxofonista, compositor y educador radicado en Oakland, California, ha construido una identidad artística alimentada por múltiples tradiciones musicales. Nació en Berkeley, también en California creció en una familia de origen caribeño, desde temprano exploró distintos lenguajes, desde el jazz y la improvisación hasta la producción electrónica. Se formó en la Universidad de Harvard y el Conservatorio de Nueva Inglaterra, donde estudió con Miguel Zenón, Jason Moran y Danilo Pérez, ampliando además su interés hacia las distintas expresiones musicales africanas.

En “Ocean Passage”, su segundo trabajo discográfico, George, acompañado por el contrabajista Tyrone Allen III y el baterista Kayvon Gordon, desarrolla una música que remite a la tradición post Coltrane, aunque evitando el exceso de exhibicionismo técnico.

Oscar Peterson, siempre conocido por su técnica deslumbrante, con un virtuosismo casi inagotable para tocar torrentes de notas a una velocidad increíble, manteniendo al mismo tiempo líneas melódicas claras y llenas de sentido. Pero reducirlo solo a eso sería injusto. En sus mejores grabaciones en vivo —especialmente junto al histórico trío con Ray Brown y Ed Thigpen— también aparece un músico con un swing poderoso y una capacidad única para hacer que todo fluya con naturalidad.

El álbum “At Baker’s Keyboard Lounge”, registrado en Detroit en 1960 y publicado décadas después, revela además otra faceta de Peterson: la relajación. La virtuosidad sigue intacta, igual que el impulso rítmico, pero aquí el pianista también toca con una tranquilidad distinta, como alguien que ya no necesita demostrar nada y simplemente disfruta el momento junto a sus compañeros.

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HARRY SKOLER ECHOES - prob. New York, ca 2025 rlanzamiento 1 de mayo, 2026 - Study in Orange (for Bill Evans), JW, Michelangelo & the 40 Cent Burger (for James Williams), Marian (for Marian McPartland) - Harry Skoler (cl,comp) Bill Frisell (g) Dezron Douglas (b) Johnathan Blake (d)

Con una voz claramente personal, el clarinetista y compositor Harry Skoler se mueve por distintos climas abiertos y cambiantes, mostrando una capacidad natural para combinar el lenguaje tradicional del jazz con sensibilidades más contemporáneas. En “Echoes”, su séptimo trabajo como líder y un homenaje a varios de sus referentes musicales, Skoler comparte espacio con el imaginativo guitarrista Bill Frisell y vuelve a reunirse con la base rítmica de “Red Brick Hill” del 2024: el contrabajista Dezron Douglas y el baterista Johnathan Blake, músicos que han desarrollado una empatía musical auténtica que atraviesa todo el álbum.

El disco trabaja un repertorio accesible, aunque incorpora una arriesgada dosis con ciertas incursiones en territorios cercanos al avant-garde.

FATS SADI ENSADINADO - Cologne, Germany, March 21, 1966 - Night lady, Ensadinado, Blue sunrise, Ridin’ high - Fats Sadi, His Vibes & His Friends : Fats Sadi (vib,ldr) Francy Boland (p) Jimmy Woode (b) Kenny Clarke (d)

El vibrafonista, percusionista, cantante y compositor belga “Fats” Sadi —nombre artístico de Pol Lallemand, nacido en 1927— fue una de las figuras más singulares del jazz europeo de posguerra. Adoptó el nombre Sadi porque no le gustaba su apellido, que en francés significa “el alemán”. Su primera experiencia musical fue tocando xilófono en un circo durante los años 30, antes de dedicarse profesionalmente al vibráfono tras la Segunda Guerra Mundial.

A lo largo de su carrera trabajó con músicos fundamentales del jazz moderno. Integró los “Bob Shots” junto al saxofonista Bobby Jaspar, colaboró con Don Byas y, durante su estadía en París entre 1950 y 1961, tocó con figuras como Django Reinhardt, Aimé Barelli y Martial Solal. Más adelante regresó a Bruselas y formó parte de la célebre Kenny Clarke/Francy Boland Big Band. En 1996 recibió el Belgian Golden Django como mejor artista francófono.

Uno de sus discos más recordados es “Ensadinado”, subtitulado “His Vibes & His Friends”. Grabado en Colonia, el álbum reúne a Sadi con Francy Boland, Jimmy Woode y Kenny Clarke en una sesión elegante y vibrante, donde el bop se mezcla con matices latinos y un refinado swing europeo.

Caleb Wheeler Curtis presenta en *Ritual* su sexto trabajo como líder, un disco que reflexiona sobre los rituales que forman parte de la creación musical: las horas de práctica, las decisiones artísticas, la experiencia del escenario y la conexión entre los integrantes de una banda. Grabado junto a un elenco de primer nivel —el pianista Orrin Evans, el saxofonista y flautista Hery Paz, el guitarrista Emmanuel Michael, el contrabajista Vicente Archer y el baterista Michael Sarin— el álbum también destaca el dominio de Curtis sobre el stritch, un inusual saxofón alto en mi bemol de cuerpo recto, además de su voz compositiva, introspectiva y abierta a la exploración.

Entre los momentos más logrados están “You Just Can’t Keep the Music”, un delicado dúo entre Curtis y Evans, y “Pond”, una pieza cálida y expansiva que luce especialmente al sexteto completo. El tema final, “Ritual”, funciona como un cierre casi ceremonial. Entre el bop progresivo y la improvisación libre, el álbum alterna energía y contemplación con gran naturalidad.

GARY VERSACE THREE TRACK MIND - Paramus, NJ, July, 2024 - All our things, Stella by starlight - Gary Versace (p) Francois Moutin (b) Rudy Royston (d)

A veces, los discos más logrados nacen de elementos muy simples: talento, creatividad, confianza entre los músicos y espacio para la espontaneidad. Todo eso está presente en Three Track Mind, el álbum del tecladista Gary Versace junto al contrabajista François Moutin y el baterista Rudy Royston. El disco reúne versiones espontáneas de standards y composiciones originales grabadas casi como si se tratara de un concierto en vivo.

Versace, reconocido por su expresividad en piano, órgano y acordeón, ha trabajado con músicos tan diversos como John Scofield, Maria Schneider y Kurt Elling. Aunque ya había coincidido por separado con Moutin y Royston, este trío nunca había grabado junto hasta esta sesión realizada en 2024 en el estudio Trading 8s de Chris Sulit.

Sin arreglos previos ni estructuras fijas, las interpretaciones avanzan con total libertad. El repertorio incluye lecturas abiertas y muy conversacionales de “Doxy”, “Autumn Leaves” y “Stella By Starlight”, además de composiciones originales como “Homeland” y “Turquoise”. El resultado es un disco íntimo, flexible y lleno de interacción, donde el trío encuentra un equilibrio natural entre exploración y swing.

LEON PARKER BELIEF - Waterford, Conn., 1996:

- Ray of light - Tom Harrell (tp,flhrn) Steve Davis (tb) Steve Wilson (as) Ugonna Okegwo (b) Leon Parker (cymbal,d,vcl) Adam Cruz (steel pan,bell,p) Natalie Cushman (shekere)

- Close your eyes - Steve Wilson (as) Ugonna Okegwo (b) Leon Parker (d)

- Belief - Tom Harrell (tp,flhrn) Steve Davis (tb,hrn arr) Steve Wilson (as) Ugonna Okegwo (b) Leon Parker (d) Adam Cruz (cga) Natalie Cushman (bell)

El baterista Leon Parker llamó la atención en la escena jazzística de los años 90 con una propuesta tan simple como efectiva: un set mínimo —bombo, caja y un solo platillo— y un groove muy personal. Su trabajo junto a Jacky Terrasson, James Carter y otros músicos destacados, además de varios discos como líder, lo ubicaron entre las figuras más interesantes del jazz contemporáneo de la época, en una línea cercana a Medeski Martin & Wood.

Antes de eso había grabado con Harvie Swartz, girado junto a Sheila Jordan y trabajado con Kenny Barron. También integró la banda estable del histórico Village Gate y colaboró con Dewey Redman y David Sanchez.

Desde hace años reside en Europa y ha mantenido un perfil más bajo. Su disco Belief (1996) refleja un enfoque íntimo y abierto, mezclando folk, jazz straight-ahead e influencias de distintas tradiciones musicales, con aportes de músicos como Steve Wilson y Tom Harrell.

Live at the Village Vanguard es el álbum del pianista Gerald Clayton, lanzado el 10 de julio de 2020 y aclamado por la crítica. Marca su lanzamiento debut para el sello Blue Note Records. Fue grabado en abril de 2019 durante una residencia de seis noches en el legendario club de jazz de Nueva York, capturando la alta energía en tiempo real de la actuación en vivo. Clayton lidera una alineación flexible y de clase mundial que cambia entre un sólido quinteto de dos saxofones y un trío íntimo: Gerald Clayton - Piano Logan Richardson - Saxo alto Walter Smith III - Saxo tenor Joe Sanders - Bajo Marcus Gilmore - Batería.

El álbum abre con “Patience Patients” un tema original con un arreglo para quinteto. La pieza se mueve dentro de un postbop lleno de cambios y matices, con los saxos creando un clima que mezcla sonidos modales, algo de jazz latino y un enfoque moderno pero muy fluido.

CHICK COREA / STANLEY CLARKE, ET AL. THE GRIFFITH PARK COLLECTION - Los Angeles, c. December 1981 & January 1982 - L’s bop, Why wait ? - Freddie Hubbard (tp,flhrn) Joe Henderson (ts) Chick Corea (p) Stanley Clarke (b) Lenny White (d)

Colección Griffith Park es un disco clave en el resurgimiento del jazz de comienzos de los 80, con un sonido mucho más cálido y tradicional de lo que podría esperarse de varios de sus protagonistas. Aquí, el bajista Stanley Clarke y el pianista Chick Corea vuelven a sus raíces: Clarke recupera la fuerza acústica y el pulso de sus primeros años en el soul jazz, mientras Corea despliega esas líneas modernas y emotivas que ya brillaban en grabaciones esenciales de los 60, como Sweet Rain junto a Stan Getz. Freddie Hubbard también atraviesa un gran momento, tocando con la energía y el sonido renovado de sus inicios, en una de sus actuaciones más inspiradas de esa etapa. El grupo lo completan Joe Henderson en saxo tenor y Lenny White en batería, aportando solidez y manteniendo siempre el foco musical.

OLIVIER LE GOAS & ENSEMBLE PULSE THE CHAINING LOOPS - Paris, France, June, 2024 - The chaining loops, Friction - Mederic Collignon (cnt,voice) Gueorgui Kornazov (tb) Frederic Borey (saxes) David Patrois (vib) Michael Felberbaum (g) Yoni Zelnik (b) Olivier Le Goas (d,comp,arr)

El disco The Chaining Loops del baterista Olivier Le Goas, no suena como un grupo francés sino más como un jazz underground contemporáneo de Nueva York. Hay sensibilidad transatlántica que refleja los años formativos de Le Goas en el New School de Nueva York. Fue allí, inmerso en uno de los campos de entrenamiento más fértiles para la improvisación moderna, que su identidad artística parece haber tomado esa forma decisiva. El trompetista Charles Tolliver, el pianista Peter Zak y los bateristas Jeff Ballard y Eric McPherson fueron sus profesores.

La pieza que da título comienza con un delicado preludio de vibrafóno de David Patrois y evoluciona hacia un pulso asimétrico que da lugar a la improvisación del trombonista Gueorgui Kornazov . Hay pasajes íntimos de Michael Felberbaum en guitarra y los saxos de Frédéric Borey, con secciones en métrica impar.

A lo largo de más de tres décadas de carrera, el trompetista Phil Grenadier se ha consolidado como una de las voces creativas e inquietas del jazz. Su talento llamó la atención desde muy joven. A los 16 años, Phil ya trabajaba regularmente como músico acompañante junto a figuras legendarias como Ella Fitzgerald, Tony Bennett, Carlos Santana y James Brown.”. Un año después, fue reconocido como Mejor Solista de Jazz tanto por la revista DownBeat como por la Asociación de Educadores Musicales de California.

En 1988 se trasladó a Nueva York, una etapa clave para ampliar su universo musical. Allí enseñó trompeta en el Mannes College of Music y colaboró con el saxofonista y compositor Bob Belden. También hizo giras y grabó con John Scofield, incluyendo una presentación en Carnegie Hall.

Publicado en 2012, *Shimmer* captura exactamente lo que Grenadier buscaba: una sesión espontánea entre amigos, grabada en una sola toma, sin retoques ni sobregrabaciones. Música viva, honesta y profundamente humana.

CLARE FISCHER FIRST TIME OUT - Los Angeles, April 12 & 14, 1962 - Nigerian walk, Free too long, Blues for home, Lennies Pennies - Clare Fischer (p) Gary Peacock (b) Gene Stone (d)

Clare Fischer, nacido el 22 de octubre de 1928 en Durand, Michigan, fue un músico de una versatilidad poco común. Formado en la música clásica, pero profundamente influenciado por el jazz y los ritmos latinos y brasileños, desarrolló un sonido ecléctico y muy personal que dejó huella en cada arreglo e interpretación.

Además de ser un destacado compositor y músico de estudio, pasó cinco años como pianista y director musical de *The Hi-Lo’s*. Su reconocimiento creció gracias a los arreglos que realizó para *A Portrait of Duke Ellington* de Dizzy Gillespie, celebrados por la crítica. Entre sus influencias aparecen nombres tan diversos como Stravinsky, Shostakovich, Duke Ellington, Bud Powell y Lee Konitz, reflejo de una creatividad sin límites.

En *First Time Out*, la combinación entre el piano de Fischer y el contrabajo de Gary Peacock recuerda inevitablemente al trabajo de Bill Evans y Scott LaFaro. El álbum, distinguido con cinco estrellas por *Down Beat*, muestra un trío en el que los tres músicos dialogan en igualdad de condiciones. Peacock destaca por la precisión y musicalidad de sus solos, mientras Gene Stone aporta una batería ágil y efectiva.

RICH PERRY GONE - New York, January, 2008 - Theme for Ernie, Don’t blame me - Rich Perry (ts) Harold Danko (p) Jay Anderson (b) Jeff Hirshfield (d)

Igual a otros músicos de jazz, Rich Perry ha encontrado numerosas oportunidades para grabar con el sello danés SteepleChase Records. El saxofonista tenor y ex-integrante de la Thad Jones/Mel Lewis Orchestra y de la Maria Schneider Orchestra, entre muchas otras bandas, aparece en *Gone* al frente de un cuarteto de colaboradores habituales formado por el pianista Harold Danko, el bajista Jay Anderson y el baterista Jeff Hirschfield. La sesión incluye estándares conocidos, aunque Perry elige caminos poco convencionales para explorarlos. La música del álbum fluye con naturalidad, y la mayoría de las composiciones fue registrada en una o dos tomas.

The Cats es un álbum publicado en diciembre de 1959 por New Jazz, un sello subsidiario de Prestige Records. Salió poco después de que terminara el contrato de John Coltrane con Prestige y fue la primera grabación en la que él, Kenny Burrell y Tommy Flanagan tocaron juntos en un pequeño grupo.

La dirección de Flanagan al frente de la sección rítmica le da al conjunto una personalidad propia. Él está siempre en el núcleo del juego: apoya a los solistas cuando se despistan y, en más de una ocasión, corta la verborrea para volver al tema. Las composiciones no son especialmente complejas, lo que deja a los músicos amplio margen para expresarse

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BEHN GILLECE PIVOT POINT - Brooklyn, New York, May 19, 2023 - Toys. Just For Fun, Pivot point (2) - Willie Morris (ts,sop) Behn Gillece (vib) Jon Davis (p) Boris Kozlov (b) Rudy Royston (d-1) Jason Tiemann (d-2)

Pivot Point, octavo disco del vibrafonista Behn Gillece para Posi-Tone, se adentra en el blues desde una mirada contemporánea y profundamente ligada al jazz straight-ahead o jazz directo. Influido por maestros como Milt Jackson, Gary Burton y Bobby Hutcherson, Gillece ha desarrollado una voz propia en el vibráfono, algo que queda claro en sus composiciones.

El grupo reúne a músicos de primera línea: Willie Morris en saxos tenor y soprano, Jon Davis en piano, Boris Kozlov en contrabajo y los bateristas Rudy Royston y Jason Tiemann, quienes se alternan sin afectar la cohesión del conjunto. Davis aporta un enfoque rítmico creativo y un fraseo muy personal, mientras Morris destaca por un sonido cálido y flexible que encaja perfectamente con el vibráfono de Gillece.

RICK HOLLANDER ACCIDENTAL FORTUNE - Hayward, CA., September 17 & 18, 1992 - Point of the Pen, Theme for Ernie, Pull - Tim Armacost (ts,sop) Walter Lang (p) Will Woodard (b) Rick Hollander (d)

El baterista Rick Hollander nació en Detroit en 1956,. Estudió en privado con el legendario Roy Brooks. Hollander se mudó a la ciudad de Nueva York en 1979 y a Europa en 1987. Ha adquirido una gran experiencia trabajando y grabando con grandes del jazz como Woody Shaw, James Moody, Tim Hagans, Roy Hargrove, Walt Weiskopf, Brad Mehldau y muchos otros. También es el líder de su propio grupo que existe desde hace más de veinticinco años. En su álbum “Accidental Fortune”, su grupo está compuesto por el saxofonista tenor Tim Armacost -quien suena como un joven Stan Getz - el bajista es Will Woodard y el pianista Walter Lang. Los miembros de la banda aportan la mitad del material, el resto son estándares con arreglos únicos.

George Brunies, apodado “el rey del trombón tailgate” estilo que enfatiza el glissandi y contrapunto rítmico para rellenar y responder a la melodía. Fue una figura clave del inicio del dixieland, destacándose por su tono potente y resonante y técnicas que rellenaban el registro grave. Nació en 1902 en Nueva Orleans, en una familia musical de origen alemán, comenzó a tocar profesionalmente saxo alto a los ocho años y pronto pasó al trombón, tocando de oído junto a sus hermanos.

Hacia 1919 se trasladó a Chicago y fue miembro fundador de la Friars Society Orchestra, que después sería conocida como New Orleans Rhythm Kings; sus grabaciones de 1922–1924 influyeron en el jazz al estilo Chicago y en músicos como Bix Beiderbecke. Tocó con las bandas de Ted Lewis (1924–1935), Louis Prima, Muggsy Spanier y Eddie Condon, y fue figura habitual en clubes como Nick’s en Nueva York. En los años cincuenta regresó a Chicago, lideró bandas dixieland y siguió actuando hasta su muerte por una dolencia cardíaca en 1974.

¡Atención Temuco! El jueves 28 y viernes 29 de mayo se celebrará el 3er Festival de Jazz de la Universidad Católica de Temuco. Comienza el Jueves a las 16:00 hrs: con la masterclass de Antonio Monasterio y a las 19:30 hrs: Antonella Sigalla & The Commanders.

El Viernes a las 19:00 hrs Cesar Ibacache Quinteto y 20:30 hrs Antonio Monasterio Ensamble. Entrada liberada para todas las actividades. En el Aula Magna de la Universidad Católica de Temuco. No se lo pierda: jazz en vivo para toda la comunidad.

JESS STACY:

- Trio - Chicago, November 15, 1935 - The world is waiting for the sunrise - Jess Stacy (p) Israel Crosby (b) Gene Krupa (d)

- Piano solos - New York, April 30, 1938 - Ramblin’-Jess Stacy (p)

- Jess Stacy / Bud Freeman - New York, June 13, 1939 - She’s funny that way - Jess Stacy (p) Bud Freeman (ts)

- Jess Stacy And His Orchestra - New York, November 30, 1939 - Breeze (blow my baby back to me) - Billy Butterfield (tp) Les Jenkins (tb) Irving Fazola (cl) Eddie Miller (ts) Jess Stacy (p) Sid Weiss (b) Don Carter (d)

Jess Stacy (11 de agosto de 1904 – 1 de enero de 1995) fue un pianista destacado de la era del swing, conocido por su estilo discreto y fluido y por su paso por la orquesta de Benny Goodman (1935–1939). Influenciado por pianistas como Earl “Fatha” Hines, Stacy se distinguió por su acompañamiento claro y solidario, que lo convirtió en un valioso músico de conjunto.

Su momento más célebre fue en el histórico concierto de Benny Goodman en Carnegie Hall en 1938, cuando improvisó un solo de dos minutos en “Sing, Sing, Sing” tras el enérgico dúo de batería y clarinete de Gene Krupa y Goodman, y ayudó a crear una de las actuaciones más memorables del jazz.

Tras dejar a Goodman se dedicó al freelance y grabó prolíficamente tanto como líder y sideman entre 1935 y 1956, explorando los estilos stride, ragtime y hot jazz. Enfrentando dificultades personales, se retiró parcialmente en los años cincuenta y pasó sus últimos años en Los Ángeles.

“WILD BILL” DAVISON AND HIS COMMODORES - New York, November 30, 1943 - Clarinet marmalade, Original dixieland one-step, At the jazz band ball, Baby, won’t you please come home ? Wild - Bill Davison (cnt) George Brunies (tb) Edmond Hall (cl) Gene Schroeder (p) Eddie Condon (g) Bob Casey (b) George Wettling (d)

William Edward “Wild Bill” Davison (5 de enero de 1906 - 14 de noviembre de 1989) fue un cornetista con un estilo poderoso y extrovertido. Apodado “Wild Bill” -bill el salvaje- por su personalidad y su forma de tocar. Se estableció en Chicago a finales de la década de 1920 después de compromisos anteriores en Ohio y Cincinnati. Después de tocar con los Ohio Lucky Seven en su adolescencia y servir como solista destacado con la Orquesta Chubb-Steinberg en Cincinnati de 1923 a 1925, se unió a los Seattle Harmony Kings, con sede en Detroit, actuando también en Chicago. Logró un mayor reconocimiento en la década de 1940 por su asociación con Eddie Condon en Nueva York y una residencia de 12 años en el club de Condon que solidificó su reputación con notables grabaciones para el sello Commodore.

CAT ANDERSON CAT SPEAKS - Paris, June 1 & 4, 1977 - Stompy Jones, The Jeep is jumpin’ Cat Anderson (tp,vcl) Gerard Badini (ts-2) Raymond Fol (p) Michel Gaudry (b) Sam Woodyard (d)

El trompetista William Alonzo “Cat” Anderson (12 de septiembre de 1916 – 29 de abril de 1981) fue un virtuoso que en los registros más agudos. Huérfano desde los cuatro años, se inició a tocando en la banda del orfanato a los siete. Después trabajó con importantes grupos como los Carolina Cotton Pickers —con quienes grabó en 1937— y las bandas de Claude Hopkins, Lucky Millinder, Erskine Hawkins y Lionel Hampton, para incorporarse a la orquesta de Duke Ellington en 1944, asociación, aunque intermitente, se extendió por 27 años. Además de sus solos estratosféricos, su dominio de las notas más altas, destacaba por su buen uso de sordina y un tono cálido en el registro medio. Grabó con Ella Fitzgerald y Johnny Hodges, y lideró sus propios grupos.

UNITED - New York, March 7, 1981 - United, Blues for Wood (1) - Woody Shaw (tp,flhrn) Steve Turre (tb) Gary Bartz (as-1) Mulgrew Miller (p) Stafford James (b) Tony Reedus (d)

Aunque el final de la década había sido el período más difícil en la vida musical de Shaw, algo estaba cambiando. Con el surgimiento de los Young Lions —los jóvenes leones—, especialmente el trompetista Wynton Marsalis, y el renacimiento del jazz acústico post-bop, se plantaron las semillas para una nueva apreciación de su música, y Shaw logró conectar con esta nueva generación de músicos. Grabó con varios de ellos y también incorporó intérpretes más jóvenes a su propio grupo, creando un intercambio generacional que benefició a todos.

De este modo, Shaw aseguró su lugar junto a iconos como Miles Davis, John Coltrane, Art Blakey y Horace Silver: no solo como gran innovador del jazz, sino también como líder de banda y mentor. Los músicos jóvenes reconocían en él a alguien que había estado expandiendo el lenguaje del jazz durante décadas, y Shaw hallaba en ellos la energía y el respeto que le habían faltado en años anteriores.

Era irónico que, justo cuando su salud declinaba, su influencia comenzara a ser verdaderamente reconocida y valorada por una nueva generación de jazzistas.

De los cinco álbumes que Woody Shaw grabó para Columbia, United es el que más se parece a una blowing session. (En el jazz, una “blowing session” es una grabación informal en la que los músicos se reúnen principalmente para improvisar y “soplar” sus instrumentos de viento de forma espontánea.)

Shaw reunió a su banda habitual de la época —Steve Turre (trombón), Mulgrew Miller (piano), Stafford James (bajo) y Tony Reedus (batería)— y sumó al saxo alto Gary Bartz como invitado en dos de los seis temas.

El repertorio mezcla composiciones de Shaw, una pieza de Miller y otra de Wayne Shorter, junto con el estándar “What Is This Thing Called Love?”. Incluye también “The Greene Street Caper”, que, aunque figura como original, está claramente basado en “On Green Dolphin Street”.

El resultado es un disco que camina por la cuerda floja: mantiene una aproximación directa y accesible al jazz sin perder el espíritu aventurero que caracterizaba a Shaw. Es música que fluye con naturalidad, en la que cada músico tiene espacio para brillar sin que las piezas se vuelvan demasiado cerebrales o complicadas.

SOLID - Englewood Cliffs, NJ, March 24, 1986 - Solid (1,2) - Woody Shaw (tp) Kenny Garrett (as-1) Kenny Barron (p) Peter Leitch (g-2) Neil Swainson (b) Victor Jones (d)v

En el álbum Solid, Shaw se concentra en estándares de jazz y logra algo especial. Escuchamos una versión de diez minutos de “It Might as Well Be Spring”, el clásico “There Will Never Be Another You” y algo que no esperarías que funcionara tan bien: una interpretación acelerada y sorprendentemente efectiva de “The Woody Woodpecker Song”.

La mayor parte del disco presenta a Shaw en cuarteto, acompañado por Kenny Barron (piano), Neil Swainson (bajo) y Victor Jones (batería). En dos temas amplía la formación a quinteto, sumando al entonces prometedor saxo alto Kenny Garrett. Para la versión de “Solid” de Sonny Rollins, que da título al álbum, invita al guitarrista Peter Leitch, convirtiendo el grupo en sexteto.

El resultado es una pequeña joya. Shaw demuestra que no necesita composiciones complejas para brillar: su creatividad y la química con estos músicos transforman material conocido en algo fresco y personal. Es jazz directo pero sofisticado, en el que cada interpretación encuentra nuevos ángulos en melodías familiares.

BEMSHA SWING - Detroit, Michigan, February 26, 1986 - Bemsha swing - Woody Shaw (tp) Geri Allen (p) Robert Hurst (b) Roy Brooks (d)l Swainson (b) Alex Deutsch (d)

A pesar de sus problemas de salud cada vez más graves y de una vista muy deteriorada, Shaw seguía tocando increíblemente bien en 1986, cuando grabó este concierto en vivo en Baker’s Keyboard Lounge de Detroit. El material permaneció inédito hasta que salió como doble CD en 1997.

La pianista Geri Allen ya era una joven gigante del jazz, con un sonido muy personal que incluía ecos de Herbie Nichols en sus armonías. Robert Hurst apenas comenzaba a hacerse conocido en el bajo, mientras que el veterano baterista Roy Brooks —quien grabó la sesión— ya era una figura familiar.

La música post-bop aventurera incluye tres de los temas más alegres de Thelonious Monk, el estándar “Star Eyes”, dos composiciones de Shaw (”Ginseng People” e “In a Capricornian Way”) y un original de Wayne Shorter. “Eric” de Allen y “Theloniously Speaking” de Brooks funcionan como vehículos para lucir la sección rítmica.

Aunque no se piense de inmediato en Shaw y Allen como pareja musical, resultan ser un equipo que se inspira mutuamente. No hay rastro de declive ni de cansancio en el sonido de Shaw; sus solos rebosan invención constante e ideas entusiastas. Este conjunto, altamente recomendable, fue una de las últimas grandes grabaciones de Woody Shaw.

FREDDIE HUBBARD, WOODY SHAW - THE ETERNAL TRIANGLE, Englewood Cliffs, N.J., June 11& 12, 1987 - The Eternal Triangle, Down under - Freddie Hubbard, Woody Shaw (tp) Kenny Garrett (as) Mulgrew Miller (p) Ray Drummond (b) Carl Allen (d)

“The Eternal Triangle” captura la colaboración entre dos de los trompetistas más formidables del jazz: Freddie Hubbard y Woody Shaw. Tras el éxito de “Double Take” (1985), este álbum retoma ese diálogo post-bop ardiente que habían iniciado.

La banda que los acompaña está a la altura del desafío: Kenny Garrett aporta su potente saxo alto, Mulgrew Miller se encarga del piano, y la sección rítmica la completan Carl Allen (batería) y Ray Drummond (bajo), todos músicos de primer nivel.

El repertorio mezcla composiciones originales de ambos líderes con piezas de Sonny Stitt y Lee Morgan. Es fascinante escuchar cómo estos dos maestros de la trompeta, cada uno con una personalidad muy definida, se retroalimentan y se desafían mutuamente.

Hubbard aporta la intensidad explosiva que siempre lo caracterizó, mientras Shaw responde con su sofisticación armónica y un sonido más introspectivo. El resultado es un intercambio musical dinámico en el que ambos se superan, empujados por la presencia del otro y respaldados por una banda que entiende perfectamente la química entre estos dos gigantes.

IN MY OWN SWEET WAY - Zurich, Switzerland, February 7, 1987 - Just a ballad for Woody - Woody Shaw (tp) Fred Henke (p) Neil Swainson (b) Alex Deutsch (d)

Aunque Woody Shaw nunca logró del todo el reconocimiento que merecía, tampoco grabó álbumes que no valieran la pena. Esta sesión tardía para el sello alemán In & Out —realizada apenas dos años antes de su muerte— lo presenta junto a una formación internacional: el baterista austriaco Alex Deutsch y dos talentosos canadienses, el pianista Fred Henke y el bajista Neil Swainson.

El repertorio incluye tres estándares, entre ellos “In Your Own Sweet Way” (Dave Brubeck) y “Estate”, además de un par de composiciones del grupo y “Just A Ballad For Woody” de Theresa Trainello.

A pesar de encontrarse en sus últimos años, Shaw suena tan inspirado como siempre. La química con estos músicos menos conocidos es notable: cada uno aporta personalidad sin eclipsar al líder. Henke demuestra especial sensibilidad para acompañar las líneas melódicas de Shaw, mientras que la sección rítmica de Swainson y Deutsch mantiene el flujo con elegancia.

Es hard bop avanzado de primera: sofisticado pero accesible, con la mezcla perfecta de técnica y emoción que caracterizaba a Shaw. Un testimonio de que, incluso en sus últimos años, seguía siendo uno de los trompetistas más creativos del jazz.

EPÍLOGO:

La historia de Woody Shaw es una de las más duras del jazz moderno. Afectado por problemas emocionales y casi ciego en sus últimos años, murió en 1989 tras un accidente en el metro de Nueva York, a los 44 años, sin haber recibido nunca el reconocimiento que merecía.

Su muerte dejó la inevitable sensación de una carrera interrumpida demasiado pronto: quedaba mucho por escuchar de él y mucho más que podría haber aportado. Shaw dejó una obra impresionante, poderosa y vigente, pero también la frustración de saber que su talento no fue plenamente valorado en vida.

Con el tiempo, sin embargo, su influencia sobre generaciones posteriores se volvió imposible de ignorar. Los músicos que vinieron después entendieron lo que muchos críticos y gran parte del público no habían captado: que Shaw fue uno de los innovadores más importantes de su instrumento, un artista que amplió el vocabulario del jazz sin perder la conexión emocional con la música.

Con una trayectoria artística enorme, el contrabajista y compositor Michael Formanek se ha consolidado como una de las figuras más relevantes del jazz contemporáneo, tanto por su trabajo como líder y solista como por sus colaboraciones en distintos ensambles. En New Digs reúne a músicos que destacan entre las voces más creativas e inquietas del jazz actual en Estados Unidos y Europa.

La idea del grupo comenzó con la invitación al brillante organista Alexander Hawkins, pensado especialmente para tocar el Hammond B3. Luego se sumaron sus compañeros de Thumbscrew: la guitarrista Mary Halvorson y el baterista Tomas Fujiwara, además de una poderosa sección de vientos integrada por John O’Gallagher, Chet Doxas y el trompetista João Almeida.

El resultado es una música intensa y cambiante, llena de contrastes, grooves profundos, pasajes libres y momentos de gran lirismo. Las composiciones de Formanek permiten que cada músico encuentre su espacio sin perder nunca el sentido colectivo. Entre atmósferas eléctricas, improvisaciones filosas y texturas envolventes, New Digs muestra a Formanek en uno de los momentos más sólidos e inspirados de su carrera.

JOSHUA WHITE 13 SHORT STORIES - Glendale, CA, March 9, 2017 - CG-3, -5, -1, -2. - Josh Johnson (as) Joshua White (p) Dean Hulett (b) Jonathan Pinson (d)

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Joshua White se ha ganado un lugar entre los pianistas más interesantes de la escena actual. Incluso músicos como Herbie Hancock han destacado su talento y su manera libre y arriesgada de improvisar.

White comenzó a tocar piano desde niño y creció estudiando tanto música clásica europea como las tradiciones de la música afroamericana. Esa mezcla se nota en un estilo muy abierto, donde conviven técnica, sensibilidad y búsqueda constante.

Su nombre empezó a sonar con más fuerza después de llegar a la final del prestigioso Concurso Internacional de Piano Thelonious Monk. Desde entonces ha desarrollado una activa carrera como solista y acompañante, tocando en distintos escenarios de Europa, África y Asia junto a músicos y proyectos de variadas tendencias.

IDRIS MUHAMMAD RIGHT NOW - New York, 1998

- Miles’ mode Joe Lovano (ts) Idris Muhammad (d)

- New Orleans gumbo - George Coleman (ts) Idris Muhammad (d)

- Big bad wolf - Gary Bartz (as) Idris Muhammad (d)

Idris Muhammad nació en Nueva Orleans en 1939 y comenzó a tocar batería cuando tenía apenas ocho años. A los 16 ya formaba parte de bandas de jazz locales, iniciando una carrera que con el tiempo lo convertiría en uno de los bateristas más influyentes del soul y el jazz moderno.

Durante los años sesenta trabajó junto a figuras como Sam Cooke, Jerry Butler y el grupo The Impressions, destacándose por un estilo innovador y profundamente rítmico. A comienzos de los setenta fue baterista estable del sello Prestige Records, participando en numerosos discos como acompañante, además de tocar en el musical Hair.

Más adelante colaboró con músicos como Roberta Flack, Johnny Griffin, Pharoah Sanders y George Coleman. En 1998 lanzó Right Now, un álbum en el que también participaron Joe Lovano y Gary Bartz.

Desde su llegada a Nueva York hace más de tres décadas, Clarence Penn se ha consolidado como uno de los bateristas más versátiles y creativos del jazz. Su trayectoria junto a figuras como Wynton Marsalis, Betty Carter, Dianne Reeves y Michael Brecker habla por sí sola, al igual que sus propios proyectos como líder.

Dalí en Cobble Hill Penn se imagina cómo Salvador Dali el pintor surrealista habría interpretado un paseo por el barrio de Penn, en Brooklyn.

Ocho composiciones originales y dos standards exploran distintos estados de ánimo, colores sonoros y estrategias musicales que reflejan la amplia trayectoria de Penn como acompañante de lo mejor del jazz contemporáneo. Su grupo que incluye a Chris Potter en saxofón tenor y clarinete bajo, Adam Rogers en guitarra y Ben Street en bajo— le da vida a las piezas con imaginación y buen gusto. Juntos cuentan cada historia musical con sensibilidad y detalle, ofreciendo matices y pequeñas sorpresas.

STEVE LACY EVIDENCE - Englewood Cliffs, NJ, November 14, 1961 - Persistence of memory, Solato’s morning blues, Zoom zoom - Don Cherry (tp) Steve Lacy (sop) Carl Brown (b) Billy Higgins (d)

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En Evidence, grabado para Prestige en 1961, el saxofonista Steve Lacy se adentra en la música de Thelonious Monk, el compositor y pianista con quien había trabajado intensamente y cuyas complejas composiciones conocía a fondo. Lacy no solo entendía ese lenguaje: también le aportaba una voz propia desde su inconfundible sonido en el soprano.

Para esta sesión reunió a un grupo excepcional: el trompetista Don Cherry, entonces integrante del cuarteto de Ornette Coleman; el baterista Billy Higgins, vinculado tanto a Coleman como a Monk; y el contrabajista Carl Brown. Cherry demuestra aquí una gran versatilidad, alejándose de las líneas más libres de Coleman para moverse con naturalidad en el particular mundo de Monk. De los seis temas del disco, cuatro pertenecen a Monk y los otros dos son composiciones menos conocidas de Duke Ellington y Billy Strayhorn.

GIGI GRYCE NICA’S TEMPO - New York, October 15, 1955 - Shuffle boil, Brake’s sake, Gallop’s gallop, Nica’s tempo - Gigi Gryce (as) Thelonious Monk (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d)

Signals reúne las grabaciones que el saxofonista y arreglista Gigi Gryce realizó en 1955 para el sello Signal Records, especialmente las sesiones del álbum Gigi Gryce Quartet and Orchestra, también conocido como Nica’s Tempo. El proyecto destaca tanto por sus elaborados arreglos de hard bop como por el sólido trabajo en formato de cuarteto.

Las sesiones contaron con músicos de primer nivel, entre ellos Thelonious Monk, Art Blakey, Horace Silver, Percy Heath, Art Farmer y Jimmy Cleveland. Entre los temas más recordados figuran “Smoke Signal”, “Social Call”, “Shuffle Boil” y “Gallop’s Gallop”.

En 1978, Savoy Records recopiló este material en un álbum doble titulado Signals. Durante esos años, Gryce era considerado una de las figuras más refinadas del hard bop, admirado tanto por su talento como saxofonista como por la elegancia de sus arreglos.

El trombonista Wycliffe Gordon desarrolló un estilo profundamente melódico, influido por figuras como Louis Armstrong, J. J. Johnson y Jack Teagarden. Nacido en Waynesboro, Georgia, en 1967, su padre era músico clásico, pero también era pianista y organista de la iglesia, de ahi viene cómo se expresa y cómo interpreta la música.

Gordon descubrió el jazz a los 13 años gracias a la colección de discos de su tía. Quedó especialmente impactado por la música de Nueva Orleans. Nacido en Georgia en 1967, creció en un ambiente musical: su padre era músico clásico y también pianista y organista de iglesia.

Más tarde estudió educación musical en Florida A&M, donde participó en todo tipo de conjuntos universitarios. En 1987, un encuentro con Wynton Marsalis marcó un antes y un después en su carrera. Durante una clase, Marsalis pidió improvisar sobre un blues y Gordon destacó de inmediato por su familiaridad con la tradición de llamada y respuesta propia de la iglesia y del jazz de Nueva Orleans. Impresionado, Marsalis mantuvo el contacto y al año siguiente lo invitó a integrarse a su banda.

En el álbum The Search, Gordon amplía aún más su lenguaje musical incorporando incluso el didgeridoo, con resultados sorprendentes y difíciles de encasillar.

RONNIE MATHEWS ROOTS, BRANCHES & DANCES - New York, December 7, 1978 - Salima’s dance (1,2), It don’t mean a thing, Hi fly - Frank Foster (sop-1,ts) Ronnie Mathews (p) Ray Drummond (b) Al Foster (d) Azzedin “Niles” Weston (perc-2)

El pianista Ronnie Mathews fue uno de esos músicos fundamentales del hard bop que brillaron especialmente como acompañantes. A fines de los años setenta tuvo la oportunidad de grabar como líder para el sello Bee Hive Records. “Roots, Branches & Dances”, registrado en diciembre de 1978, fue apenas su segundo disco al frente de una sesión y apareció catorce años después de “Doin’ The Thang!”.

El álbum reúne a un grupo de primer nivel: Frank Foster, Ray Drummond, Al Foster y el percusionista Azzedin Weston. Foster despliega un sonido influido por John Coltrane en temas como “It Don’t Mean a Thing” y “Hi-Fly”, mientras Al Foster aporta un swing sólido y elegante.

El contrabajista Ray Drummond destacaba “Salima’s Dance” como ejemplo del interés de Mathews por el lenguaje modal impulsado por Miles Davis. En “Thews’ Blues”, en cambio, el pianista mezcla estructuras tradicionales con armonías más abiertas y un cromatismo inspirado tanto en McCoy Tyner como en Ahmad Jamal.

ROXY COSS RESTLESS IDEALISM - Brooklyn, NY, November 10 & 20, 2014 - Don’t cross the Coss, Push, Tricky - Jeremy Pelt (tp) Roxy Coss (ts,sop) Chris Pattishall (p) Alex Wintz (g) Dezron Douglas (b) Willie Jones, III (d)

Roxy Coss es una de las saxofonistas únicas e innovadoras de su generación, una voz definitoria del Movimiento Millennial en el Jazz. Ganadora del premio ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer Award 2016, las encuestas de críticos Downbeat la incluyeron en la lista de “Estrella del saxo soprano en ascenso”. Originaria de Seattle, y ahora radicada en la escena de Nueva York. El 2014, Coss hizo su segunda grabación como líder, Restless Idealism, para Origin Records, con 10 composiciones originales, ha sido aclamada por la crítica y alcanzó el número 7 en Jazzweek, la lista de jazz nacional de EE. UU.

Con su quinteto Roxy Coss ha actuado en muchos de los mejores lugares de la ciudad de Nueva York, y como acompañante, ha actuado a nivel nacional e internacional con grandes del jazz como Clark Terry, Louis Hayes, Claudio Roditi y la Mingus Big Band. Ha sido miembro habitual de The Diva Jazz Orchestra desde 2009 y durante tres años fue miembro del grupo del trompetista Jeremy Pelt.

Uno de los importantes bateristas que surgió a fines de la década de 1920, el efímero William “Chick” Webb dirigió una banda de swing muy popular que estuvo en su mejor momento durante 1934-39. Era jorobado, efecto de una tuberculosis en la columna vertebral pero Webb superó su aflicción para convertirse en un baterista y líder de banda influyente. Oriundo de Baltimore, llegó a Nueva York y antes de cumplir veinte años dirigía una banda en el Savoy Ballroom de Harlem. Impulsada por su contundente batería, la banda de Webb se convirtió en un potente conjunto de swing, capaz de competir con Duke Ellington o Fletcher Henderson en las legendarias batallas de bandas que se celebraban en el Savoy.

LAWRENCE BROWN INSPIRED ABANDON - New York, March 8, 1965 - Stompy Jones, Mood indigo (1,2) - Ray Nance (cnt) Cat Anderson (tp) Lawrence Brown, Buster Cooper (tb) Jimmy Hamilton (cl) Russell Procope (as,cl) Johnny Hodges (as) Paul Gonsalves, Harold Ashby (ts) Jimmy Jones (p) Richard Davis (b) Gus Johnson (d) Johnny Hodges, Jr. (d-1) replaces Johnson

Aunque Lawrence Brown suele asociarse con la era del swing por sus largos años junto a Duke Ellington, también fue uno de los grandes trombonistas de fines de los años veinte. Antes de dedicarse definitivamente al trombón estudió piano, violín y tuba, e incluso cursó medicina en el Pasadena Junior College. Sin embargo, tocar en la orquesta estudiantil terminó inclinándolo hacia la música.

Muy pronto se convirtió en una figura importante de la escena jazzística de Los Ángeles. Trabajó y grabó con los Quality Serenaders de Paul Howard y formó parte de la banda estable del Sebastian’s Cotton Club, dirigida por Les Hite, agrupación que acompañó a Louis Armstrong en 1930.

En 1932 ingresó a la orquesta de Duke Ellington, donde permaneció hasta 1951. Su sonido elegante y fluido contrastaba perfectamente con el estilo más áspero de Tricky Sam Nanton. Más tarde trabajó con Johnny Hodges y regresó luego a Ellington antes de retirarse definitivamente.

COZY COLE ALL STARS - New York, February 22, 1944 - Blue moon, Father co-operates, Just one more chance, Thru’ for the night - Joe Thomas (tp) Trummy Young (tb) Coleman Hawkins (ts) Earl Hines (p) Teddy Walters (g) Billy Taylor (b) Cozy Cole (d)

Cozy Cole fue uno de esos bateristas sólidos que nunca dejaron de trabajar. Su carrera se extendió por décadas y lo llevó a tocar junto a figuras fundamentales del jazz. Grabó con Jelly Roll Morton en 1930, pasó por las grandes orquestas de Blanche Calloway y Benny Carter, y entre 1936 y 1938 integró el popular sexteto de Stuff Smith.

Más tarde formó parte de la extraordinaria sección rítmica de Cab Calloway junto a Danny Barker, Bennie Payne y Milt Hinton. En los años cuarenta se convirtió en una presencia habitual de la calle 52 de Nueva York, tocando con numerosos pequeños grupos y colaborando ocasionalmente con Benny Goodman.

Entre 1949 y 1953 ocupó el lugar de Sid Catlett en los Louis Armstrong All-Stars. Tras una gira europea con Jack Teagarden y Earl Hines, alcanzó inesperadamente el éxito popular con “Topsy” en 1958. Ese éxito le permitió liderar sus propias bandas durante varios años y mantenerse activo hasta bien entrada la década de 1970.

GEORGE WETTLING CHICAGO RHYTHM KINGS - New York, January 16, 1940 - I’ve found a new baby, Bugle call rag, I wish I could shimmy like my sister Kate, At the darktown strutters ball - Charlie Teagarden (tp) Floyd O’Brien (tb) Danny Polo (cl) Joe Marsala (ts) Jess Stacy (p) Jack Bland (g) Artie Shapiro (b) George Wettling (d)

El percusionista de Chicago George Wettling era famoso por su estilo y por su sólido apoyo tanto de big bands como grupos pequeños. El baterista de la casa de Commodore Records, es recordado por su trabajo junto a las orquestas de Artie Shaw, Paul Whiteman y Bunny Berigan. Aunque nació en Topeka, Kansas, su formación musical estuvo profundamente ligada a Chicago, ciudad donde vivió entre 1921 y 1935.

Durante esos años compartió con jóvenes músicos como Bud Freeman, Benny Goodman, Muggsy Spanier y Dave Tough. Todos ellos frecuentaban clubes para escuchar a King Oliver, Louis Armstrong y especialmente al baterista Baby Dodds, quien marcaría para siempre el estilo de Wettling.

Instalado en Nueva York desde 1935, Wettling pasó por algunas de las grandes bandas de la era del swing y luego desarrolló una extensa carrera en pequeños grupos junto a viejos amigos de Chicago como Eddie Condon, Bud Freeman y Jimmy McPartland. En sus últimos años seguía activo, tocando regularmente en Bill’s Gay 90’s.

De esos años surgieron discos fundamentales que muestran a un músico con una visión clara, capaz de construir un sonido propio sin alejarse de la historia del jazz. Su música es exigente, sí, pero también profundamente expresiva.

WOODY SHAW BLACKSTONE LEGACY - New York, December 8 & 9, 1970 - Think on me (1,2) - Woody Shaw (tp) Gary Bartz (as,sop) Bennie Maupin (ts,b-cl,fl) George Cables (p,el-p) Ron Carter (b-1) Clint Houston (b-2) Lenny White (d

La oportunidad de debutar como líder ocurrió a fines de 1970 con *Blackstone Legacy*, grabado para Contemporary Records, el sello fundamental en la escena jazzística de la costa oeste en los años cincuenta y sesenta. Pero el contexto ya había cambiado. Los gustos del público se movían hacia otros sonidos y el disco terminó pasando casi desapercibido en su lanzamiento original, eclipsado por sus celebrados trabajos posteriores para Columbia Records. Sin embargo, con los años se transformó en una obra de culto. La reciente reedición en vinilo recupera el álbum con una nueva masterización.

WOODY SHAW SONG OF SONGS - Los Angeles, September 15 & 18, 1972 - The goat and the archer (2) Woody Shaw (tp) Manny Boyd (fl,ts) Ramon Morris (ts-1) Bennie Maupin (ts-2) George Cables (p,el-p) Henry Franklin (b) Sonship “Woody” Theus (d,perc)

En la evolución de la trompeta jazzística, Woody Shaw ocupó en los primeros años setenta un lugar comparable al que Freddie Hubbard había tenido una década antes. Las comparaciones eran inevitables, pero Shaw desarrolló rápidamente una voz propia, algo que se percibe con claridad en *Song of Songs*, uno de los discos más singulares de su etapa para Contemporary.

El álbum con una formación poco habitual, saxos tenores y flauta, además de composiciones complejas y abiertas. La música se mueve entre el hard bop, las exploraciones modales y ciertos guiños a la vanguardia. Aunque el sonido de Shaw podía recordar al de Hubbard, su enfoque era más arriesgado y expansivo. Sus solos, siempre impredecibles, mantienen el disco en permanente tensión creativa.

WOODY SHAW THE MOONTRANE - New York, December 11, 1974 - The Moontrane - Woody Shaw (tp) Steve Turre (tb) Azar Lawrence (ts,sop) Onaje Allan Gumbs (p) Buster Williams (b) Victor Lewis (d)

Estilísticamente, Shaw se encontró en la intersección de los años 60 y 70 entre el hard bop y el free jazz; un área que Herbie Hancock llamó “libertad controlada”. Su composición The Moontrane es una de las composiciones icónicas del libro de jugadas de jazz, interpretación que abarca desde Unity de Larry Young en 1966 hasta la grabación de 1988 con Freddie Hubbard, The Eternal Triangle.

Grabado a fines de 1974, *The Moontrane* fue el disco que terminó de consolidarlo como una voz propia dentro del jazz de la época. Aunque durante años se le comparó con Freddie Hubbard, aquí la referencia más evidente parece ser John Coltrane. Shaw logra trasladar al lenguaje de la trompeta la intensidad, velocidad y complejidad armónica asociadas al saxofonista, pero sin perder claridad ni elegancia.

El álbum también cuenta con el saxofonista Azar Lawrence, cuya presencia refuerza ese clima modal y expansivo que atraviesa toda la grabación.

WOODY SHAW ROSEWOOD - New York, December 15, 17 & 19, 1977

- Everytime I see you (jh,ah out) - Woody Shaw (tp,flhrn) Steve Turre (tb,b-tb) Janice Robinson (tb) Frank Wess (fl,pic) Art Webb (fl) Jimmy Vass (sop,as) Rene McLean, Carter Jefferson (sop,ts) Onaje Allan Gumbs (p,el-p) Lois Colin (harp) Clint Houston (b) Victor Lewis (d) Sammy Figueroa (cga)

- Theme for Maxine (2) Woody Shaw (tp-1,flhn-2) Carter Jefferson (ts-1) Joe Henderson (ts-2) Onaje Allan Gumbs (p) Clint Houston (b) Victor Lewis (d)

Al cierre de una década particularmente intensa, Shaw firmó con Columbia Records y publicó una nueva serie de álbumes muy celebrados: *Rosewood* (1977), *Woody III* (1978) —titulado así en honor a su hijo Woody Louis Armstrong Shaw III, nacido ese año. Entre todos, *Rosewood* fue el más reconocido: obtuvo una nominación al Grammy y fue elegido Mejor Álbum de Jazz de 1978 en la encuesta de lectores de *DownBeat*, la misma en la que Shaw fue distinguido como trompetista del año. La calidad sonora del álbum refleja el nivel de los estudios del sello.

El disco combina una formación numerosa, con percusiones y algunos teclados eléctricos típicos de fines de los setenta, junto a momentos más acústicos e íntimos. En ese contexto, la presencia de Joe Henderson resulta fundamental. El contraste entre el tono brillante de Shaw y el sonido más áspero de Henderson le da al álbum una tensión muy atractiva.

WOODY SHAW STEPPING STONES - LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, August 5, 1978 - Seventh Avenue (2) - Woody Shaw (cnt,flhrn-1) Carter Jefferson (ts,sop-2) Onaje Allan Gumbs (p) Clint Houston (b) Victor Lewis (d)

A fines de los años setenta, Woody Shaw era uno de los pocos músicos que seguía defendiendo el hard bop más moderno y arriesgado, justo cuando gran parte del jazz se desplazaba hacia sonidos eléctricos y fórmulas más comerciales. Shaw eligió otro camino: mantener un lenguaje exigente, intenso y profundamente ligado a la tradición post-bop, aunque eso significara quedar fuera de las tendencias dominantes.

Stepping Stones pertenece a la notable serie de álbumes que grabó para Columbia entre 1977 y 1981, una etapa que muchos consideran el punto más alto de su carrera. Registrado en el mítico Village Vanguard, el disco captura a Shaw en plena madurez creativa.

El quinteto que lo acompaña —con Carter Jefferson, Onaje Allan Gumbs, Clint Houston y Victor Lewis— funciona con una cohesión admirable. La música avanza con fuerza y libertad, pero siempre con un sentido colectivo muy claro. Más que una plataforma para el lucimiento del trompetista, el álbum transmite la sensación de estar escuchando a una banda real, conectada y completamente comprometida.

WOODY SHAW WOODY III New York, January 24, 1979 - Organ grinder - Woody Shaw (flhrn) George Cables (p) Buster Williams (b) Victor Lewis (d)

La primera mitad de este excelente disco —“Woody I”, “Woody II” y “Woody III”— muestra a Woody Shaw al frente de una poderosa formación de doce músicos. Lo acompañan figuras como el saxofonista Carter Jefferson, los trombonistas Steve Turre y Curtis Fuller, el saxofonista James Spaulding y el pianista Onaje Allan Gumbs.

La segunda parte incluye otras composiciones de Shaw, como “To Kill a Brick” y “Organ Grinder”, además de “Escape Velocity”, del contrabajista Clint Houston. Allí, Shaw alterna trompeta, fliscorno y corneta en distintos formatos, desde cuarteto hasta sexteto.

Todo el álbum lo encuentra en un momento brillante: inspirado, arriesgado y con un sonido inconfundible. Por repertorio, interpretación y nivel de los solos, es una de sus grabaciones esenciales.

Cuando Joe McPhee, André Jaume y Raymond Boni grabaron Impressions of Jimmy Giuffre un homenaje al gran clarinetista, llevaban casi quince años tocando juntos, y esa historia compartida se percibe en la enorme compenetración del grupo.

El multi-instrumentista McPhee incorpora aquí el trombón de válvula, un saludo al célebre trío de Giuffre con Bob Brookmeyer. Pero no hay intención de imitar: el objetivo es capturar el espíritu de Giuffre y rendir tributo a un amigo desde una visión propia y contemporánea.

La personalidad sonora de Boni también deja una marca decisiva, especialmente por su enfoque rítmico de la guitarra. Entre los momentos más memorables destaca “Nenette”, una de las baladas más sensibles escritas por McPhee. El álbum incluye además un emotivo recuerdo a Juanita Giuffre, figura clave en la vida y carrera del músico.

TARBABY FEATURING OLIVER LAKE DANCE OF THE EVIL TOYS - Paramus, NJ, c. 2021 - Bonu, Bumper, Dance of the evil toys (1), Purple - Josh Lawrence (tp) Oliver Lake (as) Orrin Evans (p,vcl) Eric Revis (b) Nasheet Waits (d) Dana Murray (perc-1)

El grupo TarBaby funciona como un colectivo, con el núcleo formado por Orrin Evans en piano y voz, Eric Revis en contrabajo y Nasheet Waits en batería. En Dance of the Evil Toys el trío agrega invitados de peso: el histórico saxofonista Oliver Lake, el trompetista Josh Lawrence y, en el tema que da título al disco, el percusionista Dana Murray.

La amplitud del grupo es notable: se acerca a la intensidad del universo de Cecil Taylor y luego vuelve a un lenguaje más clásico, COMO OCURRE EN “JRMJ” DE REVIS. Lawrence brilla en el tema central y en “Purple”, donde el uso de sordina crea un clima introspectivo que recuerda por momentos al gran quinteto de Miles Davis de los años 60.

TRIPTYCH MYTH THE BEAUTIFUL - Brooklyn, NY, March 31, 2005 - All up in it, Frida K. the beautiful, Trident, Robinia pseudoacacia - Cooper-Moore (p) Tom Abbs (b) Chad Taylor (d)

Aunque Cooper-Moore suele usar instrumentos que construye él mismo, en The Beautiful opta excklusivamente por el piano. Junto al contrabajista Tom Abbs y el baterista Chad Taylor, arma un disco muy equilibrado, donde conviven momentos líricos, pasajes libres y una energía constante que nunca pierde dirección. Registrado en 2005 para AUM Fidelity, el disco confirmó a Triptych Myth como uno de los tríos más interesantes de esa escena. Cooper-Moore, ligado desde los años 70 al universo del Loft Jazz y colaborador habitual de William Parker, encuentra aquí un grupo que entiende perfectamente su lenguaje. Chad Taylor, por su parte, vuelve a destacar por su creatividad y flexibilidad en la batería.

Hay ciertas afinidades con músicos como Herbie Nichols o Cecil Taylor, aunque el trío evita caer en referencias evidentes. Lo más atractivo del álbum es justamente la naturalidad con que pasa de melodías sensibles a improvisaciones intensas y abiertas que muestran esa mezcla de delicadeza y fuerza que se escucha en toda la grabación.

Teo Macero fue un productor clave del sello Columbia entre 1957 y fines de los 80, recordado sobre todo por su trabajo con Miles Davis. Pero antes de consolidarse en ese rol, también desarrolló una carrera como saxofonista en proyectos bastante arriesgados.

Se instaló en Nueva York en 1948, estudió en Juilliard y se graduó en 1953. Ese mismo año se integró al Jazz Composer’s Workshop de Charles Mingus. Entre 1953 y 1955 grabó con Mingus, luego con Teddy Charles en 1956, y lideró tres discos propios para los sellos Debut, Columbia y Prestige. Su sonido seco en tenor y barítono, junto a un avanzado enfoque armónico , a veces lo acercaba más a la música contemporánea que al jazz tradicional.

El disco Teo Macero and the Prestige Jazz Quartet lo muestra como saxofonista, al frente de un grupo con Mal Waldron, Charles, Addison Farmer y Jerry Segal. Interpretan baladas recientes —salvo “Star Eyes”— con un enfoque moderno, pero aún enraizado en el lenguaje del jazz.

IKE QUEBEC BLUE AND SENTIMENTAL - Englewood Cliffs, N.J., December 16, 1961 - Blue and sentimental, Minor impulse (1), Blues for Charlie (1) - Ike Quebec (ts,p1) Grant Green (g) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

Los discos que el saxo tenor Ike Quebec grabó para Blue Note entre 1961 y 1962 son todos estupendos, pero Blue and Sentimental probablemente sea el mejor logrado: una combinación muy cuidada de blues con carácter y baladas llenas de melancolía. Ese clima aparece en otras sesiones, pero acá todo fluye con una naturalidad poco común.

Quebec tenía un talento especial para crear ambiente, y el repertorio mantiene ese aire nocturno, casi envolvente. También ayuda la formación sencilla: sin piano, junto a Grant Green, Paul Chambers y Philly Joe Jones, guitarra, bajo y batería. Green toca con mucha elegancia y deja espacio para que el saxo respire y brille.

El tema principal, asociado a Count Basie, es especialmente logrado, y “Don’t Take Your Love from Me” sigue en esa línea íntima. “Blues for Charlie”, de Green, aporta un blues más directo, mientras que los temas de Quebec suman armonías un poco más ricas sin perder fluidez.

FRANK HEWITT NOT AFRAID TO LIVE - New York, April 10, 2002 - On Green Dolphin Street, You stepped out of a dream - Frank Hewitt (p) Ari Roland (b) Louis Hayes (d)

Cuando Frank Hewitt falleció a los 66 años, vivía prácticamente en situación de calle. En sus últimos años, dormía a menudo en un refrigerador desmantelado en la trastienda del club Smalls de Greenwich Village donde tocaba piano dos o tres noches por semana durante casi diez años. No tenía familiares conocidos ni había publicado grabaciones bajo su propio nombre.

Ahí podría haber terminado la historia, de no ser por Luke Kaven, un estudiante de postgrado quedó cautivado por la escena de Smalls: sus sesiones nocturnas, su sentido de comunidad y su apertura. Decidió entonces crear un sello discográfico para documentar ese entorno y, en particular, a quien todos reconocían como su figura central: Hewitt.

Kaven grabó el material de We Loved You y Not Afraid to Live (Smalls) entre 2001 y 2002, y aún quedó suficiente inédito para varios discos más. La creatividad de Hewitt parece ser una prolongación natural del legado de Thelonious Monk, Bud Powell y, sobre todo, Elmo Hope.

“Ben Webster and Associates” es una sesión de 1959 que aprovecha muy bien el formato del LP de larga duración. Destaca la extendida versión —casi veinte minutos— de “In a Mellow Tone” de Duke Ellington, donde los tenores Ben Webster, Coleman Hawkins y Budd Johnson, junto al trompetista Roy Eldridge, se dan el gusto de tocar sin apuro. Más que una competencia, lo que se escucha es una jam relajada, casi entre amigos. Fue también la última sesión de Norman Granz que reunió a Webster y Hawkins en el estudio de grabación.

La sesión resultó además como un homenaje a Lester Young, fallecido apenas unas semanas antes. Hay algo de ese espíritu —más suelto, más conversado— a través de todo el disco.

Jimmy Jones en piano, Les Spann en guitarra, Ray Brown en contrabajo y Jo Jones en batería es una rítmica sólida y elegante. Hoy solo escucharemos esa versión larga de “In a Mellow Tone” pero les sugiero que investiguen el resto del álbum que incluye tres composiciones de Webster —“De-Dar”, “Young Bean” y “Budd Johnson”— además del estándar “Time After Time”.

CHRIS POTTER LIFT - LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, December 13 & 14, 2002 - 7.5, What You Wish - Chris Potter (ts-1,sop-2) Kevin Hays (p-3,el-p-4) Scott Colley (b) Bill Stewart (d)

“Lift” captura a Chris Potter en un momento de plena madurez. Desde sus inicios junto a Red Rodney y su paso por grupos como los de Dave Holland, Dave Douglas o la Mingus Big Band, el saxofonista ya venía mostrando una mezcla poco común de swing y complejidad armónica. Aquí va un paso más allá.

Grabado en vivo en el Village Vanguard, Potter en saxo tenor, con un sonido robusto y muy expresivo, donde asoman ecos de Sonny Rollins y, por momentos, de John Coltrane. Desde el arranque con “7.5”, de Bill Stewart, queda claro que hay riesgo y juego rítmico, con estructuras poco convencionales.

El cuarteto —Kevin Hays en piano, Scott Colley en contrabajo y el propio Stewart en batería— funciona con gran compenetración, sosteniendo y empujando a Potter sin invadir su espacio. Piezas como “Okinawa” muestran un lirismo más abierto, mientras que “Boogie Stop Shuffle” de Charles Mingus cierra con intensidad.

El formato en vivo le da aire al grupo: los temas se estiran, respiran y nunca se estancan. Potter suena más al frente que en otros discos, iluminando aún más una paleta que ya era notable.

CHICK COREA “TONES FOR JOAN’S BONES” - New York, November 30, 1966 - Straight up and down - Woody Shaw (tp) Joe Farrell (ts) Chick Corea (p) Steve Swallow (b) Joe Chambers (d)

Tones for Joan’s Bones, el debut como líder de Chick Corea, es un disco de hard bop avanzado y potente. Las composiciones de Corea dejan ver una clara afinidad con las estructuras que McCoy Tyner venía desarrollando en esos años. Joe Farrell en saxo tenor y Shaw en trompeta encajan perfecto en este lenguaje: sus intervenciones combinan virtuosismo, intensidad y una notable claridad conceptual.

JACKIE MCLEAN - ’BOUT SOUL’ - Englewood Cliffs, NJ, September 8, 1967- Erdu - Woody Shaw (tp) Grachan Moncur, III (tb) Jackie McLean (as) Lamont Johnson (p) Scotty Holt (b) Rashied Ali (d) Barbara Simmons (narration1)

En ’Bout Soul, el trompetista Woody Shaw integra un poderoso frente de tres vientos junto al líder Jackie McLean en saxo alto y al trombonista Grachan Moncur III. Los tres destacan como solistas de peso: McLean y Shaw se cruzan con ataques incisivos y gran intensidad, mientras que Moncur aporta un enfoque más cálido, con un aire soul y cierta inclinación hacia el groove.

JACKIE MCLEAN “DEMON’S DANCE” - Englewood Cliffs, NJ, December 22, 1967 - Demon’s Dance, Message from Trane - Woody Shaw (tp,flhrn) Jackie McLean (as) Lamont Johnson (p) Scotty Holt (b) Jack DeJohnette (d)

Demon’s Dance fue el último álbum de Jackie McLean para Blue Note. El disco tiene un swing muy marcado, en buena parte gracias a la batería de Jack DeJohnette, que logra impulsar la música sin perder ese carácter inquieto y dinámico que McLean venía explorando. Woody Shaw destaca con especial fuerza: su sonido es intenso y robusto.

ANDREW HILL “GRASS ROOTS” - Englewood Cliffs, N.J., April 19, 1968 - Bayou Red - Woody Shaw (tp) Frank Mitchell (ts) Andrew Hill (p) Jimmy Ponder (g) Reggie Workman (b) Idris Muhammad (d) [aka Leo Morris (d)

Cuando el pianista y compositor Andrew Hill grabó Grass Roots en 1968, ya había construido una obra notable. El álbum Grass Roots, dentro de un catálogo tan prolífico, se destaca como uno de los más accesibles. Su talento ya estaba plenamente afirmado en discos intensos y creativos como Black Fire, Point of Departure y Judgment!, pero aquí Hill busca otra cosa.

Como explicó en las notas originales: “No estoy tratando de demostrar nada. Quiero dar algo, conectar con quien escucha”. Esa idea de “grass roots” término que se usa para describir algo que nace desde la base.

Un año después, Hill invitó nuevamnete a Shaw al estudio para grabar “Passing Ships”

ANDREW HILL “PASSING SHIPS” - Englewood Cliffs, NJ, November 7, 1969 - Passing ships - Woody Shaw, Dizzy Reece (tp) Julian Priester (tb) Bob Northern (fhr) Joe Farrell (sop,ts,eng-hrn) Andrew Hill (p) Ron Carter (b) Howard Johnson (tu,b-cl) Lenny White (d)

BOOKER ERVIN “BACK FROM THE GIG” - Englewood Cliffs, N.J., May 24, 1968 - 204 - Woody Shaw (tp) Booker Ervin (ts) Kenny Barron (p) Jan Arnet (b) Billy Higgins (d)

“Back From The Gig”, un LP doble reúne dos sesiones que, curiosamente, no se publicaron hasta 1976. En ambas, el gran tenor Booker Ervin —de sonido intenso, apasionado y siempre inconfundible— aparece en plena forma.

La primera lo muestra en 1963 junto al sexteto de Horace Parlan, con el propio Parlan en piano, Johnny Coles en trompeta y Grant Green en guitarra. La segunda, de 1968, que es la que vamos a escuchar en esta sesión, lo presenta al frente de un quinteto de lujo, donde destacan Woody Shaw en trompeta y Kenny Barron en piano.

En ambos casos, el repertorio original y los solos revelan una música que se mueve entre el hard bop y la vanguardia, con una energía que se mantiene sorprendentemente vigente. Son sesiones estimulantes, llenas de ideas .

A fines de la década del 60, Woody Shaw ya había dejado claro que no era solo un talento prometedor, sino una voz con identidad propia, inquieta y en constante evolución. Su paso por distintos grupos y contextos musicales fue afinando un lenguaje que pronto encontraría plena madurez.

Y lo que viene a continuación es decisivo. En los años 70, Shaw da un paso al frente: forma sus propios grupos, graba discos fundamentales y se afirma como uno de los grandes arquitectos del jazz moderno. Esa será la etapa que exploraremos en el próximo episodio.

En su disco BaRcoDe, Ben Wendel pone su saxo tenor en un contexto poco habitual: cuatro vibrafonistas y marimbistas (Joel Ross, Simon Moullier, Patricia Brennan y el venezolano Juan Diego Villalobos), sin sección rítmica.

El disco abre con “Clouds”, una pieza minimalista donde el tenor de Wendel, expresivo y con guiños a escalas del sur de India, se mueve sobre un pulso hipnótico y repetitivo creado por los vibráfonos y marimbas; Ross se luce con un vertiginoso solo en vibráfono.

En “Mimo” aparece con claridad una influencia africana: el tema arranca en 6/8 y, casi sin que uno lo note, se transforma en un blues en 4/4. Sobre ese cambio fluido, Ross en marimba y Moullier en balafón intercambian frases con energía y soltura. y en el fascinante clásico de Jobim, “Ohla Maria”, Wendel adopta un enfoque ligado más a Getz que a Brecker.

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SYLVIE COURVOISIER TRIO ECLATS - LIVE IN EUROPE, France, February 13, 2025 - Eclats - For Ornette, Imprint double - Sylvie Courvoisier (p,comp) Drew Gress (b) Kenny Wollesen (d,Wollesonics)

La pianista Sylvie Courvoisier lleva cerca de una década al frente de su trío con el contrabajista Drew Gress y el baterista Kenny Wollesen. “Éclats – Live in Europe”, grabado en tres conciertos en febrero de 2025 en Francia y Alemania, muestra a un grupo muy afiatdo que logra una intensidad notable sin apoyarse en cliches.

Lo más atractivo es cómo pasan, casi sin transición, de un swing potente —por momentos cercano al boogie-woogie— a pasajes más abstractos, con un aire de música de cámara. Gress y Wollesen juegan mucho con lo tímbrico y lo percusivo, creando climas que a ratos suenan más a una casa embrujada que a una sección rítmica tradicional.

Courvoisier, por su parte, despliega un piano lleno, con melodías amplias que se abren y se expanden con fuerza. Pero más allá de todo eso, lo que realmente se siente es cómo cada uno responde a lo que proponen los otros dos.

ANGELIKA NIESCIER CHICAGO TAPES - Chicago, IL, May 5 & 6, 2025 - SAMO (bsqt), Bouncin’ the ledge - Nicole Mitchell (fl) Angelika Niescier (as) Dave Rempis (as,ts) Jason Adasiewicz (vib) Luke Stewart (b) Mike Reed (d)

Siempre en busca de nuevos rumbos, la saxofonista Angelika Niescier se ha consolidado como una de las voces más interesantes del jazz europeo. Su discografía muestra un vínculo cercano con la escena de Nueva York, donde ha tocado con músicos como Tyshawn Sorey, Chris Tordini y Gerald Cleaver. Últimamente, se ha concentrado en Chicago donde encontró una socia clave en la chelista Tomeka Reid, con quien grabó *Beyond Dragons* (2023).

Con su nuevo disco, *Chicago Tapes*, Niescier amplía ese círculo y suma a varios de los músicos más inquietos y creativos de la ciudad. Su carrera se ha construido a partir de nuevas alianzas, distintos contextos, y una capacidad notable para adaptar su lenguaje sin perder identidad. El álbum suena a inicio de etapa, ojalá su vínculo con Chicago recién esté empezando.

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Extended Play es el primer disco en vivo de Dave Holland para ECM, un sello con el que lleva más de 30 años. El quinteto —Robin Eubanks en trombón, Chris Potter en saxo, Billy Kilson en batería y Steve Nelson en vibráfono y marimba— ya era, incluso en 2001, una banda curtida.

Grabado en Birdland, este álbum muestra con claridad por qué el grupo goza de tanto respeto. El repertorio viene en su mayoría de sus discos de estudio, pero ahí se acaba lo previsible.

Acá todo se expande: casi ningún tema baja de los diez minutos. Eubanks aporta un sonido relajado, con peso en el registro grave y gran sentido rítmico. Potter, por su parte, despliega una imaginación melódica enorme, con frases que parecen no tener límite. Al frente, sostiene y empuja a una sección rítmica de gran nivel, compleja pero siempre fluida, rica en matices y texturas.

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BRAD MEHLDAU TRIO LIVE - “THE VILLAGE VANGUARD”, New York, October 11-15, 2006 - Black hole sun - Brad Mehldau (p) Larry Grenadier (b) Jeff Ballard (d)

Cuando el baterista Jeff Ballard reemplazó a Jorge Rossy en el trío de Brad Mehldau, no fue un cambio menor: Rossy dejaba un vacío importante. Pero Ballard llegó con más empuje y soltura, y le dio al grupo un aire renovado, con más energía y flexibilidad.

Grabado a fines de 2006 en el Village Vanguard de Nueva York, Brad Mehldau Trio Live, el disco deja ver el lado más abierto de Mehldau, sobre todo al elegir material de fuentes poco obvias. De casi dos horas y media de música, destaca “Black Hole Sun”, del grupo Soundgarden. Dura 23 minutos y confirma que no hay una sola forma de abordarla.

Arranca como una balada inesperadamente suave, el contrabajista Larry Grenadier se luce con su solo más largo del set, y cuando entra Mehldau, la música se abre hacia zonas más libres de lo habitual. El trío funciona como una conversación constante: no hay protagonismos rígidos, todo fluye con naturalidad, entre cambios rítmicos y armónicos que parecen pensados de antemano, aunque nacen en el momento.

DEXTER GORDON DEXTER CALLING - Englewood Cliffs, N.J., May 9, 1961 - Soul sister, Ernie’s tune - Dexter Gordon (ts) Kenny Drew (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

Dexter Calling marca un momento clave en la carrera de Dexter Gordon. Es su debut para el sello Blue Note en 1961 que significó un verdadero renacer tras años complicados. Es uno de los cuatro que definieron esa etapa en Nueva York, junto a Doin’ All Right, Go y A Swingin’ Affair.

El sonido de Dexter es muy potente, lleno, con ecos de Coleman Hawkins y Ben Webster, y algo de Lester Young, pero siempre con su propia v. Su fraseo es directo, claro, con líneas largas y relajadas que se van armando con naturalidad. Intercala citas con naturalidad, maneja el tempo con soltura y construye la tensión para soltarla justo en el momento preciso.

En Dexter Calling cuenta con una banda completamente diferente con el pianista Kenny Drew, el bajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones. A veces, Dexter suena un poco predecible, con cierto brillo “californiano”. Pero en “Modal Mood”, de Kenny Drew, sale de su zona cómoda y ahí es donde más rinde.

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El álbum Enduring Sonance - sonancia duradera- partió, en un comienzo, como un disco de baladas. Pero el saxofonista Steve Wilson se dio cuenta rápidamente de que esa etiqueta quedaba corta. Lo que tenía en mente iba más allá: una idea de lirismo que hace que una canción permanezca, sin importar el tempo, el estilo o incluso el ánimo.

Con ese enfoque, armó un grupo de lujo, músicos que comparten esa capacidad de meterse de lleno en el corazón de cada tema y sacar a la superficie su carga emocional. Están el vibrafonista Joe Locke, el contrabajista Jay Anderson, el baterista Kendrick Scott y la pianista Renee Rosnes, quien además escribió los estupendos arreglos. En dos temas se suma el corno francés Kevin Newton, con un sonido muy particular.

El repertorio es bien personal. Wilson recurre a compositores de jazz contemporáneo con los que ha trabajado de cerca, como Billy Childs y George Cables, pero también a autores ligados al pop y al cine, como Gino Vannelli y Michel Legrand. A eso se suman figuras difíciles de encasillar, como Quincy Jones y Milton Nascimento.

KURT ROSENWINKEL THE REMEDY LIVE AT THE VILLAGE VANGUARD - New York, January, 2006 - Myron’s world - Mark Turner (ts) Kurt Rosenwinkel (g) Aaron Goldberg (p) Joe Martin (b) Eric Harland (d)

The Remedy: es una grabación en vivo en el Village Vanguard del guitarrista Kurt Rosenwinkel . El disco registra la banda en un gran momento. La soltura técnica está ahí, pero lo que realmente destaca es cómo el grupo se mueve dentro de las composiciones de Rosenwinkel —por momentos fragmentadas, abiertas— con una claridad y una lógica sorprendentes. El resultado es uno de sus trabajos más intensos en una amplia discografía que no se vuelve complaciente o predecible.

En el saxo tenor está Mark Turner, músico muy respetado y colaborador cercano de Rosenwinkle. La conexión entre ambos se nota de inmediato. En “Myron’s World”, Turner abre con un solo a-capella largo y concentrado, sin perder tensión en ningún momento. Cuando entra la banda, Rosenwinkel crea un solo igual de extenso y cargado de energía.

El grupo lo completan el pianista Aaron Goldberg, el contrabajista Joe Martin y el baterista Eric Harland, cuyo empuje se siente en los temas más intrincados pero también en pasajes más tranquilos donde el quinteto muestra su lado más lírico.

DONALD BYRD / BOBBY JASPAR DONALD BYRD PARIS ‘58 - Paul’s pal (1), Formidable, Easy living, Flute bop - Donald Byrd (tp) Bobby Jaspar (ts,fl) Walter Davis, Jr. (p) Jacques Dieval (p-1) Doug Watkins (b) Jacques Hess (b-1) Art Taylor (d) Daniel Humair (d-1)

En julio de 1958, el trompetista Donald Byrd inició una larga gira de seis meses por Europa donde lideró un quinteto muy sólido, tocó en varios festivales —KnokkeleZoute en Bélgica, Cannes en Francia, además de Suecia, Noruega y Alemania—y también pasó por el club parisino Au Chat Qui Pêche, pocos días después de presentarse en el teatro Olympia.

La banda se sintió tan a gusto en ese pequeño local de la rue de la Huchette que terminó convirtiéndose casi en su base en París. Entre noviembre y diciembre de ese año, la Radio Francesa los invitó a grabar algunas sesiones en estudio.

El sello Sam Records rescata ese material inédito que captura al trompetista en un momento especialmente fértil de su carrera.

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Esta semana, Puro Jazz cumple 29 años al aire en Radio Beethoven de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

Quiero detenerme un momento para agradecer. A quienes han estado al otro lado del dial durante estas casi tres décadas: gracias por la compañía, la fidelidad y la curiosidad permanente por esta música.

También quiero agradecer especialmente a los 762 auditores que, desde octubre de 2025, se han suscrito a nuestra página Roberto Barahona PuroJazz en Substack. Ese espacio ha crecido gracias a ustedes, y a los comentarios generosos que siguen sumándose día a día.

Todo esto le da sentido a lo que hacemos.

Un gran abrazo,

Roberto Barahona

REX STEWART’S ORHESTRA - Chicago, November 2, 1940 - Without a song, Linger awhile - Rex Stewart (cnt) Lawrence Brown (tb) Ben Webster (ts) Harry Carney (bar) Duke Ellington (p) Jimmy Blanton (b) Sonny Greer (d)

El cornetista Rex Stewart encontró su lugar ideal como parte fundamental de la orquesta de Duke Ellington, donde tocó durante once años. Su estilo “hablado”, con esos característicos efectos de media válvula fue aprovechado al máximo en arreglos pensados especialmente para él. Su forma de tocar, intensa y directa, recogía influencias de Louis Armstrong, Bubber Miley y Bix Beiderbecke.

Antes de llegar a Ellington en 1934, Stewart pasó por varias bandas: trabajó con Elmer Snowden, luego con Fletcher Henderson además de colaborar con Luis Russell y tocar brevemente con los McKinney’s Cotton Pickers. También lideró sus propios grupos en varias épocas.

JO JONES THE MAIN MAN - New York, November 29 & 30, 1976 - Goin’ to Chicago, I want to be happy, Metrical portions - Harry “Sweets” Edison, Roy Eldridge (tp) Vic Dickenson (tb) Eddie “Lockjaw” Davis (ts) Tommy Flanagan (p) Freddie Green (g) Sam Jones (b) Jo Jones (d)

El baterista Jo Jones —Jonathan “Jo” Jones— fue una figura clave en el desarrollo del swing. Fue pionero en el uso de escobillas y ayudó a trasladar el peso rítmico del bombo al hi-hat, abriendo el camino a bateristas modernos como Max Roach. Su técnica, dejando los platillos apenas separados, generaba un flujo continuo que definió una nueva forma de acompañar. Su primer trabajo importante llegó con los Walter Page’s Blue Devils a fines de los años 20, y luego se estableció en Kansas City, un foco clave del jazz de la época.

En 1934 se unió a la orquesta de Count Basie, donde dejó su huella formando parte de la célebre sección rítmica junto a Freddie Green, Walter Page y Basie, un equipo perfecto que definió el sonido del swing.

Tras su etapa con Basie, trabajó como músico independiente, hizo giras con Jazz at the Philharmonic y grabó con figuras como Billie Holiday, Lester Young y Benny Goodman.

JACK TEAGARDEN / BOBBY HACKETT COAST CONCERT - Los Angeles, October 18 & 19, 1955 - Basin Street blues (jt vcl), Struttin’ with some barbecue, Muskrat ramble, New Orleans, St. James infirmary (jt vcl) - Bobby Hackett (tp) Abe Lincoln (tb) Jack Teagarden (tb,vcl) Matty Matlock (cl) Don Owens (p) Nappy Lamare (g,bj-1) Phil Stephens (b,tu-1) Nick Fatool (d)

Jack Teagarden comenzó a tocar el trombón de manera profesional en San Antonio a los 16 años, integrándose a la orquesta de baile y jazz de Cotton Bailey.

A fines de la década de 1920, participó en grabaciones junto a figuras como Louis Armstrong, Benny Goodman, Bix Beiderbecke, Mezz Mezzrow, Glenn Miller, Eddie Condon y Fats Waller.

Además, junto a Miller, escribió la letra de “Basin Street Blues”, del compositor Spencer Williams, canción que se convertiría con el tiempo en uno de los temas más característicos y recurrentes en el repertorio de Teagarden.

Se mantuvo grabando con frecuencia, casi siempre rodeado de músicos que sabían cómo sacar lo mejor de su estilo cálido y relajado. Un buen ejemplo es su primera sesión para Capitol Records, en octubre de 1955. Su visita a Los Ángeles y coincidió con el trompetista Bobby Hackett y aprovecharon a entrar al estudio donde fueron apoyados por músicos con amplio recorrido.

Woody Shaw fue uno de los músicos de jazz más talentosos e innovadores de su generación. Navegó por la rápida fluctuación de la escena del jazz de los años 70 y 80 para crear una obra que extiende su influencia mucho más allá de su trágica muerte a los 44 años en 1989. Nacido en Newark en 1944, creció en un entorno donde la música era parte del paisaje diario. En 1963, su presencia constante en la vibrante escena del jazz de la ciudad había comenzado a llamar la atención del mundo del jazz en general, y Shaw encontró trabajo con el percusionista Willie Bobo.

ERIC DOLPHY “IRON MAN” - New York, July 3, 1963 - Iron Man, Mandrake - Woody Shaw (tp) Eric Dolphy (as-1,fl-2) Bobby Hutcherson (vib) Richard Davis (b-3) Eddie Khan (b-4) J.C. Moses (d)

Shaw debutó en el estudio en 1963 junto al saxofonista progresivo Eric Dolphy quien reconoció su talento. Dolphy en esa época ya tenía fama de empujar los límites entre el hard bop y el free jazz por eso nadie esperaba que un trompetista de apenas 18 años pudiera seguirlo en ese terreno. Pero Shaw se plantó con seguridad y personalidad desde el primer momento. Su solo empieza con una descarga potente y enseguida se mete en esos saltos amplios entre notas que después serían su sello (y que también eran parte del lenguaje de Dolphy). A partir de ahí, se lanza en una improvisación libre, muy imaginativa y sin amarras, pero que igual mantiene un swing firme y un pie en la tradición.

Lo que Shaw hacía en la trompeta, algo clave de su estilo era moverse con grandes saltos entre notas —no tan habituales en el instrumento—, lo que le daba un sonido distinto y muy reconocible. No es algo fácil de lograr, porque va un poco contra la forma en que la trompeta suele “pedir” que se toquen las frases. Justamente ahí está parte de su brillo: una manera de tocar más abierta, con líneas que se sienten menos previsibles y mucho más personales.

THE HORACE SILVER QUINTET

- “THE CAPE VERDEAN BLUES”, Englewood Cliffs, NJ, October 1, 1965 - Bonita - Woody Shaw (tp) J.J. Johnson (tb) Joe Henderson (ts) Horace Silver (p) Bob Cranshaw (b) Roger Humphries (d)

- “THE JODY GRIND” - Englewood Cliffs, NJ, November 2, 1966 - Grease Piece - Woody Shaw (tp) James Spaulding (as,fl-1) Tyrone Washington (ts) Horace Silver (p) Larry Ridley (b) Roger Humphries (d)

The Cape Verdean Blues suele considerarse un clásico del postbop y, para muchos, está justo detrás de Song for My Father dentro de la discografía de Horace Silver. Parte de su atractivo viene del grupo que armó Silver. La presencia de Woody Shaw, con apenas 20 años, le suma un sonido más moderno, encendido y con ganas de ir un poco más allá. Y Joe Henderson aporta una tensión que le da más carácter tanto a las melodías como al pulso del quinteto.

El resultado es un equilibrio muy logrado: música accesible, con groove, pero que no se queda en lo cómodo y siempre empuja un poco más lejos.

LARRY YOUNG “UNITY” - Englewood Cliffs, N.J., November 10, 1965 - The Moontrane - Woody Shaw (tp) Joe Henderson (ts) Larry Young (org) Elvin Jones (d)

“The Moontrane” es, sin duda, la composición más conocida de Woody Shaw, y es probablemente sea su versión más emblemática junto a Larry Young en el album Unity. Aunque podía desatarse con intensidad en la trompeta, acá Shaw elige un enfoque más contenido, casi meditativo. En parte, para dejarle espacio al órgano de Larry Young, pero también porque eso le da al tema un aire más reflexivo, como de búsqueda.

De hecho, más que lucirse, lo interesante es cómo arma un solo de principio a fin. Es una de las veces en que mejor se percibe a Shaw como narrador musical, con una idea clara que se va desarrollando paso a paso hasta cerrar de forma redonda.

WOODY SHAW “... IN THE BEGINNING”, New York, December, 1965 - Cassandranite, Obsequious - Woody Shaw (tp) Joe Henderson (ts) Larry Young (p1) or Herbie Hancock (p2) Ron Carter (b1) or Paul Chambers (b2) Joe Chambers (d)

Woody Shaw

... In The Beginning es la primera sesión en el estudio de Shaw como líder, es un Hard bop directo y con ese toque modal que le da otro enfoque. Y además congregó a los mejores artistas de Blue Note Records: Larry Young (acá, de forma poco habitual, en piano en un tema), Herbie Hancock, Ron Carter, Joe Henderson y Paul Chambers. No hay temas flojos, y el hecho de que cada pista tenga combinaciones distintas de músicos lo hace todavía más atractivo. Comparen el enfoque de Young frente al de Hancock, o el pulso de Carter contra el de Chambers.

El Bridge Quartet se mueve claramente en una estética heredera del período “postBridge” de Sonny Rollins: un sonido abierto, flexible, donde el liderazgo del saxofonista Phil Dwyer se apoya en un grupo compacto y muy atento. Lo acompañan Darrell Grant en piano, Tom Wakeling en contrabajo y Alan Jones en batería.

Night recoge la segunda parte de estas sesiones registradas en 2007, y se percibe un pulso más intenso que en el volumen anterior, en buena medida por el contexto en vivo. El cuarteto se toma libertades, estira las formas y deja espacio para que cada músico empuje la música con decisión.

Hay momentos especialmente logrados: una versión expansiva y enérgica de “Strode Rode”, de Sonny Rollins, y una lectura áspera de “Isfahan” de Billy Strayhorn. En ambos casos, el grupo confirma su capacidad para equilibrar tradición y riesgo sin perder cohesión.

TONY MORENO SHORT STORIES - Brooklyn, NY, May 18 & 19, 2015 - Three for D’reen, No blues to you - Ron Horton (tp) Marc Mommaas (ts) JeanMichel Pilc (p) Ugonna Okegwo (b) Tony Moreno (d)

El baterista Tony Moreno es una figura respetada en la escena neoyorquina, aunque curiosamente su reconocimiento ha sido mayor fuera de su ciudad natal. A lo largo de su carrera ha trabajado con nombres de peso como Jaki Byard, Dave Liebman, Mal Waldron, Barry Harris y Paul Bley, entre otros.

Tras perder su batería en un huracán, Moreno encontró en un pequeño teclado una vía para volver a componer. Ese proceso, casi terapéutico, terminó dando forma a Short Stories, un ambicioso álbum doble que presentó en 2015 en el 55 Bar, acompañado por un grupo con el que venía trabajando desde hacía varios años.

De carácter tranquilo y reservado fuera del escenario, Moreno se transforma al sentarse en la batería. Su toque evita el gesto excesivo: incluso en las baladas más introspectivas, cada acento y cada silencio están medidos con una sensibilidad notable, revelando una profundidad expresiva que sostiene y da sentido a todo el conjunto.

ARI BROWN ULTIMATE FRONTIER - Chicago, IL, January 17 & 18, 1995 - Lester Bowie’s gumbo stew (1), Motherless child - Ari Brown (ts,as,sop,fl,p) Kirk Brown (p) Yosef Ben Israel (b) Avreeayl Ra (d) Dr. Cruz, Enoch (perc1)

El saxofonista Ari Brown, figura clave de la escena de Chicago, encarna muchas de las virtudes del jazz más arraigado en la tradición. Ultimate Frontier marca su debut como líder —grabado cuando ya tenía 52 años— y deja claro que se trata de un músico con una voz plenamente formada.

Su estilo parte del postbop, pero incorpora con naturalidad ciertos gestos del free jazz, sin romper el hilo con la tradición. Esa combinación le permite moverse con libertad, manteniendo siempre un sentido claro de forma y narrativa.

El grupo que lo acompaña está integrado por músicos locales de gran oficio, y eso se nota en el sonido: cálido, directo, sin afectación.

Que una música así aparezca “tarde” en términos discográficos termina siendo una ventaja: lo que se escucha es a un artista maduro, con ideas claras y una creatividad que fluye sin esfuerzo. Un hallazgo poco común.

Beyond The Obvious mas alla de lo obvio es un disco liderado por el trompetista ruso Valery Ponomarev, ex integrante de los Jazz Messengers, es un cuarteto sin piano, con dos vientos —él en trompeta y Don Braden en tenor— apoyados por Martin Zenker en contrabajo y Jerome Jennings en batería.

El repertorio mezcla estándares con composiciones propias. Una de ellas, “Love On Sale”, se basa en “Love for Sale” de Cole Porter. El tema de apertura, “You Dig”, se grabó sin Braden, que estaba atascado en el tráfico de Nueva York.

En los estándares Ponomarev juega con los arreglos, buscando ángulos distintos sin perder la esencia. También hay un momento especial en “The Blessing” de Ornette Coleman, con una versión intensa y muy cuidada.

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KEN PEPLOWSKI LIVE “MEZZROW JAZZ CLUB”, New York, February 5, 2023 - Vignette, Prisoner of love, Bright Missisippi, Here’s to life, Who knows - Ken Peplowski (cl,ts) Ted Rosenthal (p) Martin Wind (b) Willie Jones, III (d)

El clarinetista Ken Peplowski tenía un sonido cálido y soltura en un instrumento difícil. Sus primeros pasos escuchando a Benny Goodman ayudaron a perfilarlo como un músico que conecta el swing clásico con una mirada más abierta y actual del jazz.

Su primer clarinete fue uno heredado de su padre, cuando tenía unos ocho años y a los veinte, tocó en la orquesta de Tommy Dorsey y más tarde en la última big band de Goodman, experiencias que marcaron su desarrollo.

En Live at Mezzrow, Peplowski se mueve entre clásicos y piezas menos conocidas, siempre con buen gusto y personalidad. Es interesante cómo dialoga con el pianista Ted Rosenthal, dejando que las melodías respiren y se transformen sobre la marcha.

La base rítmica —Willie Jones III en batería y Martin Wind en contrabajo— acompaña con soltura y musicalidad. El resultado es un concierto vivo, fluido, donde la interacción lo es todo.

TAD SHULL IN THE LAND OF THE TENOR - New York, December 17, 1991 - Night horse, Pick yourself up, Nobody else but me - Tad Shull (ts) Mike LeDonne (p) Dennis Irwin (b) Kenny Washington (d)

El saxofonista tenor Tad Shull combina en su estilo un sonido amplio y lleno —heredero de los grandes tenores clásicos— con una mirada armónica más arriesgada, cercana al hard bop y sus extensiones.

Se formó con David Liebman y Joseph Allard, y pronto empezó a moverse en distintas agrupaciones, como la Widespread Depression Jazz Orchestra y el Smithsonian Jazz Repertory Ensemble. Con el tiempo, fue consolidando sus propios cuartetos, donde su forma de tocar y escribir se escucha con más claridad. A lo largo de su carrera ha compartido escenario con figuras como Cab Calloway, Roy Eldridge, Dizzy Gillespie y Woody Herman, lo que habla de su versatilidad y oficio.

Entre sus trabajos como líder destaca In the Land of the Tenor, en la tierra del tenor, un disco que refleja bien su afinidad con la tradición y, al mismo tiempo, su interés por empujarla un poco más allá.

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El baterista Billy Drummond, destacado por la revista *DownBeat* como uno de los líderes más interesantes de su generación, ha construido una carrera sólida tanto como sideman —con más de 350 grabaciones— como al frente de sus propios proyectos. Formado junto a figuras como Horace Silver, Joe Henderson, Bobby Hutcherson y Sonny Rollins, su estilo combina energía, precisión y gran musicalidad.

En Native Colours, su álbum debut como líder, Drummond reúne un quinteto de alto nivel y un repertorio que mezcla originales de la pianista Renée Rosnes, estándares y clásicos del jazz, ofreciendo un equilibrio atractivo entre tradición y novedades.

Drummond muestra su versatilidad en formatos variados, incluyendo tríos sin instrumento armónico en piezas de Thelonious Monk y Ornette Coleman. Rosnes, por su parte, destaca con solos elegantes y composiciones como “Lexicon”. El resultado es un debut sólido que confirmó a Drummond como un músico clave de su generación.

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AARON DIEHL THE VAGABOND - New York, February 4 & 6, 2019 - The Vagabond, March from ten pieces for piano, Piano etude no 16 - Aaron Diehl (p) Paul Sikivie (b) Gregory Hutchinson (d)

Aunque “The Vagabond” es, en esencia, un disco de jazz que mira a la tradición —con ecos de pianistas como Art Tatum, Mary Lou Williams y Ahmad Jamal, —, también deja claro que la música clásica forma parte del lenguaje de Aaron Diehl.

En este álbum, el pianista se mueve con soltura entre ambos mundos. Junto a un trío explora puntos en común entre compositores como Philip Glass y George Gershwin, encontrando afinidades rítmicas y armónicas que encajan de manera fluida en el contexto del jazz.

El repertorio incluye, además, versiones de “March” de las 10 piezas para Piano, Op. 12* de Prokofiev y el “Piano Etude No. 16” de Glass, piezas que refuerzan esa conexión.

TERELL STAFFORD BROTHERLEE LOVE: CELEBRATING LEE MORGAN - Brooklyn, NY, May 19, 2014 - Candy (tw out), Favor - Terell Stafford (tp,comp) Tim Warfield (ts) Bruce Barth (p) Peter Washington (b) Dana Hall (d)

“BrotherLee Love” encuentra al trompetista Terell Stafford rindiendo homenaje a Lee Morgan, no solo como ícono del hard bop, sino también como compositor, un aspecto a veces menos valorado, el disco pone el foco en ese repertorio: siete de los nueve temas son de Morgan.

Stafford y el saxofonista Tim Warfield se entienden muy bien.

Stafford no imita sino que recoge la energía de Morgan, pero con un sonido propio, más cálido y abierto. Se luce especialmente en “Candy”, donde usa sordina, y en “Favor”, su única composición en el disco, con un aire relajado y un toque bluesero.

Es un tributo sin vueltas: directo, bien tocado y con espíritu de banda. Justo lo que Morgan hacía.

Brubeck à la mode es un disco del cuarteto de Dave Brubeck pero con el clarinetista Bill Smith en el instrumento principal. Smith, un amigo suyo desde los años de universidad y parte del grupo original conocido como The Brubeck Octet a fines de los 40, era un gran técnico del clarinete, pero también un innovador, que experimentó con recursos poco comunes como el uso de computadores y sordinas.

Este es el segundo de tres que Brubeck grabó con Smith. La base rítmica de siempre —Joe Morello y Eugene Wright— mantiene todo en movimiento, con ese pulso tan característico del cuarteto. Los temas son composiciones de Smith, y queda la curiosidad de imaginar qué habría hecho Paul Desmond con este material modal, construido a partir de una sola escala. Por su parte, Brubeck cambia bastante de un tema a otro, ajustando su forma de tocar al estilo y las ideas de Smith.

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VICTOR FELDMAN THE ARRIVAL OF VICTOR FELDMAN - Los Angeles, January 21 & 22, 1958 - Serpent’s tooth, Waltz, S’posin’, Be-bop - Victor Feldman (vib,p) Scott LaFaro (b) Stan Levey (d)

Victor Feldman fue un niño prodigio que ya trabajaba como músico profesional desde los siete años. Nació en Inglaterra, estuvo muy activo durante la era del bebop, sobre todo como baterista, y debutó como líder en 1948. A comienzos de los 50 empezó a destacar cada vez más en el vibráfono.

Después de salir de gira con la banda de Woody Herman entre 1956 y 1957, decidió mudarse a Estados Unidos. Ya instalado en la Costa Oeste, tocó en el Lighthouse junto a Howard Rumsey. Entre 1957 y 1961 grabó tanto en vibráfono como en piano para varios sellos y se convirtió en un músico de estudio muy solicitado. También pasó por el quinteto de Cannonball Adderley, principalmente como pianista, y en 1963 grabó con Miles Davis, quien incluso le ofreció sumarse a su nuevo grupo (incluso registró su tema “Seven Steps to Heaven” con Miles). Aun así, Feldman prefirió quedarse en Los Ángeles, enfocado en el trabajo de estudio.

En *The Arrival of Victor Feldman*, su segundo disco en EE.UU., lo acompañan el gran contrabajista Scott LaFaro y el baterista Stan Levey. Su repertorio be bop como muestra a un Feldman todavía en pleno desarrollo, pero ya con mucho que decir. La Faro, como siempre, no deja de sorprender.

LEE KONITZ WITH THE GERRY MULLIGAN QUARTET:

- The Haigh, Los Angeles, late January 1953 - Too marvellous for words, Sextet, Broadway, These foolish things - Chet Baker (tp) Lee Konitz (as) Gerry Mulligan (bar) Carson Smith (b) Larry Bunker (d)

- Phil Turetsky’s House, Los Angeles, late January o February 1, 1953 - Lady be good, I can’t believe that you’re in love with me - Chet Baker (tp) Lee Konitz (as) Gerry Mulligan (bar) Joe Mondragon (b) Larry Bunker (d)

Lee Konitz Plays with the Gerry Mulligan Quartet

Cuando apareció por primera vez en 1952, el cuarteto de Gerry Mulligan —saxofón barítono, trompeta, contrabajo y batería— introdujo una idea poco habitual en el jazz de posguerra: un grupo sin instrumento armónico. En una época en que el piano o la guitarra parecían indispensables, este ensamble prescindía de ellos.

A comienzos de 1953, Mulligan invitó a Lee Konitz, entonces un músico poco conocido de la orquesta de Stan Kenton. Con Carson Smith o Joe Mondragon en contrabajo y Larry Bunker en batería, registraron diez temas: cinco en vivo en el club The Haig el 25 de enero, y otros pocos días después en el estudio casero de Phil Turetsky.

Más que “cool jazz”, este cuarteto desarrolló un lenguaje propio. La ausencia de piano abría el espacio y favorecía un diálogo en contrapunto entre Mulligan y Chet Baker. Aquí la interacción pesa tanto como los solos, y la incorporación de Konitz aporta una voz nítida que refuerza ese delicado equilibrio.

Con motivo del centenario de Miles Davis, el baterista Gregory Hutchinson lanzó el 3 de abril Kind Of Now, The Pulse of Miles Davis. Hutchinson, a quien Jazz Magazine definió como “el baterista de su generación”, se mueve con soltura entre el respeto por los grandes bateristas que tocaron con Davis y una voz propia bien definida.

A lo largo de varias décadas, Miles Davis estuvo siempre al frente de distintos momentos clave del jazz—del bebop al hard bop, pasando por el modal, el post bop y la fusión. Parte de su genio como líder fue saber armar y transformar sus grupos según lo que la música pedía en cada etapa.

Para este proyecto, Hutchinson reunió un conjunto de primer nivel que recorre distintas facetas de ese legado: cuenta con la participación del notable Ambrose Akinmusire, una elección muy natural para asumir el rol de trompeta que marcó Miles, Ron Blake en saxo tenor y clarinete bajo, Jakob Bro y Emmanuel Michael en guitarras, Gerald Clayton en piano, Joe Sanders en contrabajo, y el propio Hutchinson en batería.

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DAYNA STEPHENS HOPIUM - Brooklyn, NY., 2024 - Jump start, Trust, Hopium - Dayna Stephens (as,ts) Aaron Parks (p) Charles Altura (g-1) Ben Street (b) Greg Hutchinson (d)

El saxofonista Dayna Stephens lleva tiempo dándole vueltas a una especie de contradicción que aparece tanto en lo personal como en lo social. De ahí surge Hopium, un disco que se mete de lleno en ese tira y afloja entre la esperanza de que las cosas mejoren y la duda de que eso realmente vaya a pasar. Es una tensión bastante reconocible.

El grupo que lo acompaña tiene aire de reencuentro: Aaron Parks en el piano, Ben Street en el contrabajo y Greg Hutchinson en la batería. Ya habían tocado juntos antes, es el mismo grupo de su aclamado álbum de 2021, Right Now!, y eso se nota. Hay confianza, las cosas fluyen sin forzar, y la música respira de manera natural. Más que una suma de grandes músicos, suena como un grupo que realmente se entiende.

El álbum incluye siete temas originales. Todos son de Stephens, salvo el sexto, que está firmado por Parks.

HARISH RAGHAVAN CALLS FOR ACTION - Brooklyn, NY, December 15-17, 2018 - Newe, Los Angeles, Sangeet, Lunatico - Immanuel Wilkins (as) Joel Ross (vib) Micah Thomas (p) Harish Raghavan (b) Kweku Sumbry (d)

El contrabajista Harish Raghavan debuta como líder con Calls for Action, un disco que muestra el jazz como un lenguaje vivo, siempre en movimiento.

Instalado en New York desde 2007, ha trabajado con músicos como Ambrose Akinmusire, Vijay Iyer y Charles Lloyd. Aquí se rodea de una generación más joven pero muy sólida: Immanuel Wilkins, Micah Thomas, Joel Ross y Kweku Sumbry.

El grupo nació de forma bastante natural, a partir de un proyecto de Ross, y terminó de afirmarse tras un tiempo tocando juntos. Esa química se nota en estas composiciones originales, muchas surgidas de ideas e improvisaciones del propio Raghavan que luego crecieron en formato de quinteto.

El título apunta a ese impulso de cambio: una especie de llamado a moverse, a transformar la música desde dentro. El disco, en esa línea, busca capturar la energía directa de la banda tocando en vivo, con cambios de clima y momentos de gran intensidad.

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El álbum “Transparent” se plantea como un retrato familiar sonoro: una exploración íntima de lo que implica acompañar a un joven en un proceso de transición de género. Para darle forma, Herzig reunió a un grupo cercano de colaboradores, entre ellos su esposo y también padre trans, el guitarrista Peter Kienle, con la idea de abrir espacios de escucha, diálogo y empatía.

Como punto de partida, organizó encuentros con otros padres de personas trans que atravesaban situaciones similares. En esas conversaciones surgieron relatos sobre transformación, construcción de identidad, prejuicio social, conflicto y también redes de apoyo. Nada quedó fuera. “Lo trans es parte de la naturaleza —como una variación en los cromosomas de género—”, reflexiona Herzig. “Tenemos que apoyar a cada persona para que pueda ser quien es, de la forma más auténtica posible”.

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HANK ROBERTS CONGERIES OF ETHEREAL PHENOMENA - New York, 2018 - Welcome, Necklace, Evidence, Cayuga - Jacob Sacks (p) Hank Roberts (cello) Vinnie Sperrazza (d)

El violonchelista Hank Roberts es una figura clave del jazz creativo, reconocido por llevar su instrumento a territorios poco convencionales dentro del avant-garde. Nacido en 1955 en Indiana, comenzó con formación clásica, pero desde joven amplió su interés a otros instrumentos y estilos.

Su paso por Berklee, a los 19 años, fue decisivo para desarrollar un lenguaje propio que combina jazz, blues, folk y música clásica, con un uso característico de dobles cuerdas es decir tocar dos notas al mismo y y acordes, tres o más notas simultáneas. No fue hasta los años 80 que se instaló en Nueva York, donde rápidamente se integró a la escena downtown, colaborando con músicos como Bill Frisell y Tim Berne, quienes participan en su debut como líder, *Black Pastels* (1987).

Desde entonces, Roberts ha mantenido una carrera consistente, alternando proyectos personales y colaboraciones, siempre con un enfoque abierto y exploratorio que lo distingue dentro del jazz contemporáneo.

VIJAY IYER BLOOD SUTRA - New York, February 21, 2003 - Brute facts, Ascent, Stigmatism, Because of guns (Hey Joe redux) - Rudresh Mahanthappa (as) Vijay Iyer (p) Stephan Crump (b) Tyshawn Sorey (d)

*Blood Sutra*, el impactante trabajo de 2003 del pinista Vijay Iyer que siguió a *Panoptic Modes*, —incluida una mención de *JazzTimes*— entre los mejores discos del año. Más que una simple continuación, el álbum consolida una de las asociaciones más fértiles del jazz reciente: el diálogo entre Iyer y el saxofonista Rudresh Mahanthappa.

El cuarteto lo completan el contrabajista Stefan Crump, colaborador habitual de Iyer, y marca además el debut discográfico del baterista Tyshawn Sorey. Aunque entonces llevaba poco tiempo en la escena, Sorey ya mostraba un estilo singular: potente pero preciso, siempre en movimiento, lleno de texturas cambiantes que ampliaban el lenguaje de la batería en el jazz contemporáneo.

Con excepción de “Because of Guns (Hey Joe Redux)”, que alude a la canción de Jimmi Hendrix, todas las composiciones son de Iyer. El resultado es un disco intenso y abierto, que funciona casi como una señal de rumbo para el jazz del siglo XXI.

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Asociado sobre todo a Charles Mingus —con quien grabó cerca de diez discos entre 1958 y 1961—, Booker Ervin fue uno de los grandes saxofonistas tenores de su generación, aunque no tan reconocido como varios de sus contemporáneos.

*That’s It!* es su tercer disco como líder, y se nota la influencia de su paso por el Jazz Workshop de Mingus. De hecho, el propio Mingus aparece citado varias veces en las notas del álbum, elogiando con entusiasmo a Ervin.

Aquí lidera un cuarteto muy sólido, con Horace Parlan al piano, George Tucker en contrabajo y Al Harewood en batería. Como pasó con muchos músicos que grabaron para Candid Records en esos años, el grupo suena especialmente inspirado, con más libertad y creatividad de lo habitual. Y eso ya es decir bastante en el caso de Ervin, que casi nunca hacía discos flojos.

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TOMMY FLANAGAN JAZZ POET : THE SUPER JAZZ TRIO - Englewood Cliffs, NJ, January 17 & 19, 1989 - Raincheck, Willow, weep for me, Caravan - Tommy Flanagan (p) George Mraz (b) Kenny Washington (d)

Con una carrera de décadas —en gran parte como acompañante de figuras como Miles Davis, J. J. Johnson o Sonny Rollins—, el pianista Tommy Flanagan se ganó un lugar privilegiado por su estilo elegante, preciso y siempre discreto. El álbum Jazz Poet, probablemente sea una de las mejores muestras para conocer su música.

En un trío de alto nivel, junto a George Mraz y Kenny Washington, Flanagan aborda un repertorio de estándares con un enfoque fresco y muy cuidado. El sonido es cálido y equilibrado, y la interacción entre los músicos —en especial entre contrabajo y batería— suma matices y profundidad. Lejos de cualquier rutina, estas versiones muestran cómo, en manos de Tommy Flanagan, el material más conocido puede sonar vivo y renovado.

MAKANDA KEN MCINTYRE / ERIC DOLPHY LOOKING AHEAD - Englewood Cliffs, N.J., June 28, 1960 - Lautir (2,5), They all laughed (2,5), Dianna (1,4) - Makanda Ken McIntyre (fl-1,as-2) Eric Dolphy (b-cl-4,as-5) Walter Bishop, Jr. (p) Sam Jones (b) Art Taylor (d)

Era bastante lógico que Ken McIntyre -también conocido como Makanda Ken McIntyre- tuviera la oportunidad de grabar en quinteto junto a Eric Dolphy: ambos compartían un enfoque multi-instrumentista, aunque con voces muy distintas. Publicado en el sello New Jazz Records, el disco reúne a un McIntyre de 24 años, recién salido del Conservatorio de Boston y lleno de ideas, con un Dolphy en pleno ascenso, ya reconocido por su trabajo con Chico Hamilton y, poco después, con Charles Mingus. En esta reedición, McIntyre toca saxo alto en cuatro temas y flauta en dos; sus incursiones en fagot, oboe o clarinete bajo vendrían poco después. Dolphy, por su parte, se mueve principalmente en el alto, pero también pasa por la flauta en un tema y utiliza el clarinete bajo en otro.

El grupo lo completan Walter Bishop Jr., Sam Jones y Art Taylor, quienes aportan solos precisos y un acompañamiento con mucho swing. En ese contexto, McIntyre logra sostenerse con soltura frente a la personalidad fuerte y creativa de Dolphy, a lo largo de varios temas originales y una composición de George Gershwin.

Jazz at Oberlin, del cuarteto de Dave Brubeck, es un disco clásico que captura muy bien la energía y la creatividad del grupo. Fue grabado en 1953 en Oberlin College (Ohio) y muestra por qué este cuarteto fue tan influyente en la historia del jazz.

Desde el comienzo se siente la conexión entre los músicos. Brubeck, en piano, destaca por su estilo original y por usar ritmos poco comunes. El saxofonista Paul Desmond aporta un sonido suave, cálido y muy melódico. La base rítmica —Ron Crotty en contrabajo y Lloyd Davis en batería— sostiene todo con solidez.

Más allá del concierto, el disco ayudó a llevar el jazz a salas de concierto y a que se estudiara en universidades. Sigue siendo un álbum clave: accesible, innovador y muy accesible.

KENNY BURRELL LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, September 16 & 17, 1959 - All night long, Trio, Broadway, Soft winds - Kenny Burrell (g) Richard Davis (b) Roy Haynes (d)

En su disco A Night at the Vanguard, el guitarrista Kenny Burrell toca con gran fluidez, combinando líneas melódicas y acordes con naturalidad. Lo acompañan dos músicos también de primer nivel: el contrabajista Richard Davis y el baterista Roy Haynes. Juntos logran un sonido muy equilibrado.

El repertorio se basa en estándares. Hay momentos muy expresivos como “Will You Still Be Mine” y y otros más relajados como “Soft Winds” o la balada “I’m a Fool to Want You”. También destaca el blues “All Night Long” y un guiño al estilo de Duke Ellington en “Just A’Sittin’ and A’Rockin’”.

CHET BAKER IN NEW YORK - New York, September, 1958 - Hotel 49, Soft winds, Solar - Chet Baker (tp) Johnny Griffin (ts) Al Haig (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

Chet Baker in New York muestra al trompetista en un contexto poco habitual. Conocido por su sonido suave, sus baladas, aquí se mueve hacia un terreno más directo y enérgico, cerca al estilo asociado a Miles Davis.

Grabado en Nueva York, el disco reúne a Baker con un grupo de primer nivel: el saxofonista Johnny Griffin, la única vez que Baker y Griffin grabaron juntos. El pianista es Al Haig y la espectacular sección rítmica de Paul Chambers y Philly Joe Jones.

Con esta alineación, el sonido es más intenso y con mayor empuje que el habitual en Baker. Sin dejar su lirismo, se adapta a un entorno más duro, con un enfoque más cercano al bebop y al jazz de la Costa Este, es decir Nueva York.

JOHN KIRBY AND HIS ORCHESTRA “FLOW GENTLY, SWEET RHYTHM” - CBS STUDIOS, NYC, June - July, 1940 - From A Flat To C, Blues Petite, Front And Center, Effervescent Blues , Minnie The Moocher’s Wedding Day - Charlie Shavers (tp), Buster Bailey (cl), Russell Procope (as), Billy Kyle (p), John Kirby (b), O’Neil Spencer (d), Canada Lee (narrator).

Entre estos registros destacan emisiones del programa “Flow Gently, Sweet Rhythm”, con la banda de John Kirby. Ninguna banda se benefició tanto —en cuanto a reputación— con la publicación de la Savory Collection como el sexteto de John Kirby Sextet. La razón se entiende de inmediato en los primeros compases de “From Ab to C”: suena como un tema de bop de fines de los cuarenta, pero en realidad fue escrito por el pianista Billy Kyle y grabado por el grupo en 1938.

Kyle venía de la escuela de Earl Hines, pero tenía un estilo propio: mano izquierda muy medida, mano derecha suelta y rítmica, y un sentido armónico que llamó la atención de pianistas más modernos, especialmente Bud Powell.

Después de ese arranque tan inusual —que no se parece mucho a nada típico del swing— la música se vuelve más reconocible. Ahí aparecen los solos: primero una trompeta con sordina de Charlie Shavers, y luego un coro compartido entre Buster Bailey y Russell Procope.

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LIONEL HAMPTON JAM SESSION “MAKE BELIEVE BALLROOM” - WNEW STUDIOS, NYC, December 28, 1938 - Star Dust, Chinatown, My Chinatown (1), Blues (LH-vcl), Rosetta - Charlie Shavers (tp), Vernon Brown (tb), Dave Matthews (as), Herschel Evans (ts), Lionel Hampton (vib, p-1, vcl), Howard Smith (p), Milt Hinton (b), Cozy Cole (d), Martin Block (announcer).

En el largo recorrido de Lionel Hampton (1908–2002), hay varios hitos que ayudan a entender no solo su energía inagotable, sino también su capacidad para reunir músicos y generar momentos únicos. Hampton vivió hasta los 94 años y mantuvo su big band activa por más tiempo que cualquiera de sus contemporáneos.

Después que dejó la orquesta de Benny Goodman en 1940, sus grupos y big bands funcionaron durante más de seis décadas.

Pero antes de consolidarse como líder, ya estaba en el centro de la escena. Un buen ejemplo es la sesión registrada el 28 de diciembre de 1938 en los estudios de WNEW en Nueva York, para el programa radial “Make Believe Ballroom”. Más que una grabación formal, se trata de una auténtica jam session: Hampton reunió a ocho músicos de primera línea que, aunque probablemente nunca habían tocado juntos en esa combinación exacta, compartían trayectorias cercanas.

La base rítmica incluía a Milt Hinton y Cozy Cole, ambos pilares de la sección de Cab Calloway. En trombón está Vernon Brown, y en alto Dave Matthews y el propio Hampton en vibráfono, todos ellos con experiencia en la banda de Goodman. En piano seleccionó a Howard Smith, que venía de tocar más de un año con Tommy Dorsey.

Dos figuras destacan especialmente en esta reunión. Por un lado, el tenor Herschel Evans, en una de sus últimas apariciones: le quedaban menos de dos meses de vida, y el más joven del grupo, con 21 años, el brillante trompetista, arreglista y compositor Charlie Shavers, cuya presencia anticipa el salto hacia una nueva generación.

Count Basie And His Orchestra CBS remote broadcast, Famous Door Jazz Club, NYC, August 31, 1938 Ed Lewis, Buck Clayton, Harry Edison (tp), Bennie Morton (tb), Dicky Wells, Dan Minor (tb), Earle Warren (as), Lester Young, Herschel Evans (cl, ts), Jack Washington (as, bari), Count Basie (p), Freddie Green (g), Walter Page (b), Jo Jones (d), Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl), Eddie Durham, Andy Gibson,Don Redman (arr).

COUNT BASIE AND HIS ORCHESTRA CBS REMOTE BROADCAST, FAMOUS DOOR JAZZ CLUB, NYC, August 31, 1938 - Honeysuckle Rose, Stop Beatin’ Around The Mulberry Bush (JR, ens.-vcl), Texas Shuffle, Alexander’s Ragtime Band, St. Louis Blues (JR-vcl - Ed Lewis, Buck Clayton, Harry Edison (tp), Bennie Morton (tb), Dicky Wells, Dan Minor (tb), Earle Warren (as), Lester Young, Herschel Evans (cl, ts), Jack Washington (as, bari), Count Basie (p), Freddie Green (g), Walter Page (b), Jo Jones (d), Helen Humes, Jimmy Rushing (vcl), Eddie Durham, Andy Gibson,Don Redman (arr).

A lo largo de más de cuatro décadas, Count Basie (1904–1984) dirigió una de las grandes orquestas del jazz. Su apodo, “Count”, resume bien su estilo: economía, precisión y un sentido del swing basado en la elección exacta de cada nota. Desde el piano, Basie definió una elegancia relajada que se convirtió en marca registrada de su música.

No es exagerado decir que, sin la radio, su historia habría sido distinta. En los años 30, el mundo de la radiodifusión vivía una etapa de experimentación, con avances en calidad de sonido que permitían transmitir música con mayor fidelidad. Fue en ese contexto que el productor John Hammond, figura clave en la difusión del jazz, descubrió a la banda de Basie.

En 1935, Hammond escuchó por radio las emisiones regulares desde el Reno Club de Kansas City, donde los Barons of Rhythm tocaban seis noches a la semana. Impresionado por ese sonido flexible y con un sólido swing, gracias a su apoyo, la orquesta ampliada de Basie debutó en el Roseland Ballroom de Nueva York.

Así, de un circuito local en Kansas City, Basie pasó rápidamente a convertirse en una figura central del jazz, en buena medida gracias al poder de la radio para amplificar su música.

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El 28 de junio de 1981, Herbie Hancock ingresó al estudio con el mismo núcleo que grabó el día anterior el disco Trio. Agregó a Wynton Marsalis para registrar Quartet. El repertorio combina estándares —incluidos dos de Thelonious Monk— con material asociado al segundo quinteto de Miles Davis y composiciones más recientes de Ron Carter y Tony Williams.

El grupo toca con una energía que nos recuerda al espíritu del grupo V.S.O.P. a fines de los setenta. Tras un inicio relativamente convencional, el discurso se desplaza hacia el territorio post-bop de mediados de los sesenta, donde Carter y Williams empujan con pulso firme a Marsalis y Hancock, generando una tensión sostenida. Hancock, por su parte, confirma aquí su vigencia como pianista acústico: complejo, inventivo y siempre estimulante.

Quartet fue clave en el despegue de Marsalis, al darle una plataforma de mayor visibilidad en la escena del jazz. Para Hancock, además, marcó la reactivación del concepto V.S.O.P. con la misma base rítmica y distintos invitados: en 1983 aparecería V.S.O.P. II, con Wynton y su hermano Branford Marsalis, seguido poco después por V.S.O.P. III.

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BILLY BANG THE FIRE FROM WITHIN - New York, September 19 & 29, 1984 - The glow of awareness, The nagual Julian (1), The mold of man - Ahmed Abdullah (tp) Billy Bang (vln) Oscar Sanders (elg) William Parker (b) John Betsch (d,cowbell) Thurman Barker (marimba) Charles “Bobo” Shaw (cowbell1)

Inspirado en un libro de Carlos Castañeda, el violinista neoyorquino Billy Bang reúne en The Fire From Within el fuego interno a un grupo poco convencional —trompeta, guitarra y marimba— para dar forma a un sonido atractivo, de textura ligera y muy abierto.

Las siete composiciones originales recorren distintos climas con naturalidad: desde el swing ágil y luminoso de “The Glow of Awareness”, pasando por el pulso polirrítmico con acento africano de “The Nagual Julian”, hasta el aire blusero de “The Mold of Man”.

El estilo de Bang siempre ha estado más cerca de una expresividad libre, casi “gitana”, que de una formación académica estricta. Aunque sus compañeros no alcanzan del todo la fluidez de sus solos, el trabajo de conjunto resulta tan disfrutable que The Fire From Within termina funcionando como una lograda síntesis entre tradición y búsqueda experimental.

AL COHN/BILL PERKINS/RICHIE KAMUCA THE BROTHERS ! - New York, June 24, 1955 - Rolling stone, Siouxzan, The walrus, Blue skies, Gay blade, Hags !, Proex - Al Cohn, Bill Perkins (ts,arr) Richie Kamuca (ts) Hank Jones (p) Barry Galbraith (g) John Beal (b) Chuck Flores (d) Bob Brookmeyer, Nat Pierce (arr)

El álbum The Brothers! reúne a tres tenores muy afines —Al Cohn, Bill Perkins y Richie Kamuca— en una sesión tan disfrutable como reveladora de una época. A mediados de los años 50, la influencia de Lester Young estaba en su punto más alto, y aquí se siente con claridad: fraseo relajado, sonido ligero y una forma de balancear precisión con naturalidad que hace que, por momentos, los tres resulten casi indistinguibles.

Los músicos venían de la emblemática sección de vientos de Woody Herman, y este encuentro en formato reducido traslada esa lógica de conjunto a un contexto más íntimo. El repertorio combina originales de los propios integrantes y colaboradores cercanos como Nat Pierce, Bill Potts y Bob Brookmeyer, junto al estándar “Blue Skies”. Todo está tocado con soltura y swing, sin buscar grandes rupturas, pero con una cohesión notable.

El grupo se completa con Hank Jones en piano, guitarra a cargo de Jimmy Raney (acreditado como “Sam Beethoven”) o Barry Galbraith, más John Beal en contrabajo y Chuck Flores en batería. Un disco que fluye con elegancia y espíritu de época.

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El saxofonista alto Immanuel Wilkins presenta un registro en vivo directo desde el histórico Village Vanguard. Junto al pianista Micah Thomas, el contrabajista Ryoma Takenaga y el baterista Kweku Sumbry, el cuarteto muestra una música intensa pero siempre flexible, con un fuerte sentido de grupo.

El repertorio alterna momentos de gran energía con otros más contenidos. Hay pasajes extensos y encendidos, como “Composition IX”, y otros donde el cuarteto se mueve con mayor sutileza. Se notan influencias claras —John Coltrane o McCoy Tyner—, pero sin caer en la imitación: aquí hay una voz propia, actual y bien enfocada.

El disco se siente en diálogo con la tradición del Vanguard pero con un pulso contemporáneo. Más que mirar hacia atrás, el cuarteto suma una nueva página a esa historia.

The Immanuel Wilkins Quartet: Live At The Village Vanguard fue grabado en mayo de 2025, durante dos noches.

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LIAM SILLERY PRIORITE - Riveredge, N.J., December 17 & 22, 2009 - A priori, Remoulade - Liam Sillery (tp) Matt Blostein (as) Jesse Stacken (p) Thomas Morgan (b) Vinnie Sperrazza (d)

El trompetista Liam Sillery presenta en “Priorité” (2011) un trabajo sólido dentro del post-bop, junto a un quinteto bien ensamblado que privilegia el trabajo colectivo. A su lado destacan el saxofonista Matt Blostein, el pianista Jesse Stacken, el contrabajista Thomas Morgan y el baterista Vinnie Sperrazza.

El disco se apoya en la interacción entre la trompeta y el saxo alto, que desarrollan líneas paralelas, se alternan en los solos y construyen un diálogo constante a lo largo del repertorio. Esa dinámica le da unidad al álbum y permite que cada tema se conecte con el siguiente de manera natural. La base rítmica, siempre atenta, aporta movimiento y matices, con un enfoque más colectivo que individual.

Musicalmente, “Priorité” propone estructuras algo complejas, con cambios de ritmo y armonías poco habituales, lo que le da un carácter más bien reflexivo. Hay momentos logrados, como “Remoulade”, uno de los pasajes más accesibles, o el aire más introspectivo de otras piezas.

RONNIE BOYKINS THE WILL COME, IS NOW - New York, February, 1975 - The will come, is now, Dawn is evening, afternoon - Daoud Haroon (tb) Joe Ferguson (sop,fl,ts) Jimmy Vass (as,sop,fl) Monty Waters (as,sop) Ronnie Boykins (b,sousa) Art Lewis (perc) George Avaloz (cga)

El contrabajista Ronnie Boykins, conocido por su trabajo con Sun Ra, lidera en “The Will Come, Is Now” su único disco como solista. Aunque fue invitado por ESP-Disk en 1964, la grabación recién se concretó en febrero de 1974, cuando Boykins decidió que era el momento adecuado.

El álbum muestra con claridad sus cualidades como contrabajista, incluyendo un notable uso del arco, además de su faceta como compositor y arreglador. Destaca también el sonido natural del instrumento, poco habitual en esa época.

En formato de septeto, seis composiciones originales recorren distintos climas y texturas. La música evoca por momentos el universo de Sun Ra, pero mantiene una identidad propia, revelando la sensibilidad y el enfoque personal de Boykins como artista.

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El saxofonista tenor Curtis Amy, nacido en Houston, Texas, llegó a Los Ángeles a mediados de los años 50, donde se integró de lleno a la escena del West Coast Jazz. A partir de 1960 comenzó a grabar para el sello Pacific Jazz. Su segunda sesión para la compañía fue Groovin’ Blue, un disco de potente impulso swing, codirigido junto al baterista Frank Butler, que además tiene el atractivo de ser una de las primeras grabaciones en incluir al vibrafonista Bobby Hutcherson, quien tenía 19 años.

El grupo lo completan el trompetista Carmell Jones —en su debut discográfico—, junto al pianista Frank Strazzeri y el contrabajista Jimmy Bond. En este sólido programa de seis composiciones de Amy destacan la energía de “Gone Into It”, y la balada “Beautiful You”, que funciona como vitrina ideal para el lirismo notable de Hutcherson.

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PHINEAS NEWBORN, JR. A WORLD OF PIANO:

- Los Angeles, October 16, 1961 - Cheryl, Manteca, Daahoud - Phineas Newborn, Jr. (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

- Los Angeles, November 21, 1961 - Oleo - Phineas Newborn, Jr. (p) Sam Jones (b) Louis Hayes (d)

Phineas Newborn Jr. fue un pianista extraordinario. Cuando irrumpió a mediados de los años 50, su dominio del instrumento llevó rápidamente a comparaciones con Art Tatum y Oscar Peterson. Sus discos, en su mayoría en formato de solo o trío, han hecho que incluso hoy muchos pianistas vuelvan a pensar su manera de abordar la improvisación en el jazz.

Sus primeras experiencias profesionales incluyeron presentaciones en clubes del área de Memphis junto a su padre y su hermano, además de su paso por la banda de Lionel Hampton. En 1955 se trasladó a Nueva York, donde comenzó a trabajar en clubes y a grabar para sellos importantes.

El álbum en trío A World of Piano, registrado en noviembre de 1961, suele considerarse uno de sus trabajos más logrados e influyentes. Allí está acompañado con gran nivel por Paul Chambers y Philly Joe Jones en una de las sesiones, y por Sam Jones junto a Louis Hayes en la otra. En este notable recital interpreta cinco estándares y tres piezas menos conocidas de compositores de jazz; entre los momentos más destacados están “Cheryl”, “Manteca”, “Daahoud” y “Oleo”.

PHILLY JOE JONES SHOWCASE - New York, November 17, 1959:

- Minor mode (2), Joe’s debut (1) (bm out), Gone, gone, gone (1)(bm out) - Blue Mitchell (tp) Julian Priester (tb) Bill Barron (ts) Pepper Adams (bar) Dolo Coker (p-1) Sonny Clark (p-2) Jimmy Garrison (b) Philly Joe Jones (d)

- Gwen (1) - Dolo Coker (p-1) Jimmy Garrison (b) Philly Joe Jones (d)

Showcase es un disco especialmente interesante dentro del hard bop, liderado por el baterista Philly Joe Jones. Bien pensado y variado, funciona como una carta de presentación tanto para su líder como para el grupo que lo acompaña.

Es, sin duda, un verdadero lucimiento para la batería de Jones —por entonces, en 1959, un talento en pleno ascenso—, pero también un trabajo colectivo muy sólido, a cargo de una formación de hard bop con inquietudes modernas y una instrumentación poco habitual: Bill Barron en saxo tenor y Julian Priester en trombón. A ellos se suman Pepper Adams en barítono, Jimmy Garrison en contrabajo, y en el piano alternan Charles Coker o Sonny Clark. Un elenco de alto nivel que mantiene el disco en constante ebullición de ideas.

Entre los momentos más inmteresantes destaca “Gwen”, una balada compuesta por Jones en la que el propio líder se encarga tanto del piano como —mediante sobregrabación— de la batería, en formato de trío junto a Garrison. También sobresale su intervención en “Gone”, inspirada en la lectura que hicieron Miles Davis y Gil Evans de Porgy and Bess.

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El guitarrista y compositor Shawn Purcell ha encontrado un camino poco habitual dentro del mundo del jazz. Durante quince años desarrolló su oficio en bandas militares, destacando su paso como guitarrista en el principal conjunto de la Fuerza Aérea de EE. UU., The Airmen of Note, con el que realizó giras internacionales. En el ámbito civil, ha tocado o grabado con figuras como Chris Potter, Nicholas Payton, Terell Stafford y Chip McNeill, entre muchos otros.

*Oblivity* es su tercer trabajo como líder, aunque tiene más de dos decenas de participaciones como sideman. La música es nítida, amable y envolvente. En cada composición Purcell se afirma con personalidad propia, alejándose con soltura de la sombra de sus influencias, incluso de gigantes de la guitarra como Pat Martino, Grant Green y, por supuesto, Wes Montgomery.

BEN WEBSTER BEN WEBSTER MEETS OSCAR PETERSON - Hollywood, CA, November 6, 1959 - The touch of your lips, Bye bye, blackbird - Ben Webster (ts) Oscar Peterson (p) Ray Brown (b) Ed Thigpen (d)

Ben Webster, junto a contemporáneos como Coleman Hawkins y Lester Young, fue uno de los grandes del saxofón tenor desde los inicios del jazz. A diferencia de Hawkins y su cromatismo o Young y su libertad rítmica, Webster desarrolló un estilo profundamente personal, capaz de decir mucho con lo mínimo. Su economía expresiva —máxima emoción con el mínimo de notas— y su inconfundible vibrato, de una belleza notable, dieron un brillo especial a sus baladas.

El LP Ben Webster Meets Oscar Peterson incluye piezas que son ejemplos sobresalientes de su lirismo. Acompañan a Webster con elegancia el trío de Oscar Peterson, con su contrabajista habitual Ray Brown y en la batería Ed Thigpen en una de sus primeras grabaciones con el trio.

JANE IRA BLOOM MIGHTY LIGHTS - New York, November 17-18, 1982 - 2-5-1 (1), Lost in the stars (1), Mighty lights - Jane Ira Bloom (sop) Fred Hersch (p-1) Charlie Haden (b) Ed Blackwell (d)

Jane Ira Bloom es una intérprete y compositora brillante que nunca ha recibido toda la atención que su obra merece. Su sonido en el saxo soprano puede evocar por momentos a Sam Rivers o Anthony Braxton, pero su tono ligeramente seco, incisivo y sinuoso es inconfundible. Con el tiempo ha ganado profundidad sin perder esa combinación tan suya de ligereza y peso emocional.

Bloom siempre ha sabido rodearse bien: Para el album Mighty Lights de 1982, invitó a Charlie Haden y a Ed Blackwell en bajo y batería son una compañía bastante pesada para mantener a un músico tan joven. El pianista es Fred Hersch, quien estaba en el inicio de su carrera, ya demuestra se enorme talento. Obviamente, el trabajo de la sección rítmica eleva esta música a un plano muy alto.

A sus 31 años, el trompetista Adam O’Farrill no parece muy interesado en repetir la historia familiar. Su padre y su abuelo fueron figuras destacadas del jazz afrocubano de posguerra, pero lo suyo va por otro lado. Domina bien los distintos matices expresivos de la trompeta, aunque esto no es el Afro-Cu-bop de su abuelo. La música transmite una seriedad que invita más a la atención que al disfrute inmediato.

Con *Elephant*, O’Farrill alcanza uno de sus puntos más altos dentro del jazz contemporáneo. Al frente de un sólido cuarteto de la escena neoyorquina —la pianista Yvonne Rogers, el contrabajista Walter Stinson y el baterista Russell Holzman— se muestra en gran forma, desplegando un trabajo que engancha por sus tramas rítmicas y armónicas, sostenidas por un notable control del aliento y un fraseo poco convencional.

El programa se abre con imaginación en “Curves and Convolutions”, una pieza que parte con un movimiento casi mecánico pero flexible, y que pronto se expande hacia un lenguaje sin ataduras, donde conviven elementos de la música clásica contemporánea y la vanguardia. O’Farrill firma un solo muy convincente sobre un pasaje en métrica irregular, antes de que el tema se asiente en un vamp colectivo, bien construido y con varias capas.

CHARLIE BYRD LIVE “VILLAGE VANGUARD” - New York, December, 1960 - Fantasia on which side is you on ? - Charlie Byrd (g) Keter Betts (b) Buddy Deppenschmidt (d)

La sesión del **Charlie Byrd Trio en el Village Vanguard**, grabada en diciembre de 1960, fue registrada por Dave Jones, un ingeniero freelance que trabajaba con Riverside Records en esa época. El registro antecede su trabajo más documentado en las históricas grabaciones de Bill Evans en el mismo club más adelante ese año. Para entonces, Jones ya conocía bien la acústica del lugar y sabía cómo capturar a un trío de dinámica contenida en un espacio como el Vanguard.

El lado B está dominado por “Which Side Are You On?”, una versión de unos 20 minutos que transforma el himno en un vehículo de samba-jazz. Hay espacio para solos de contrabajo, intervenciones mínimas de batería y un trabajo muy sostenido de Byrd: rasguea, puntea, varía, desplaza y reconfigura el tema principal con paciencia. El resultado es una fusión entre el tono contenido del cool jazz y una intensidad suave, casi flotante, de raíz brasileña que, en ese momento, era bastante personal dentro del panorama estadounidense.

KENNY WHEELER GNU HIGH - New York, June, 1975 - Smatter, Gnu suite - Kenny Wheeler (flhrn) Keith Jarrett (p) Dave Holland (b) Jack DeJohnette (d)

El trompetista y fiscornista Kenny Wheeler, nacido en Canadá y británico, fue una figura intrigante en el jazz. Desprovisto de ego y conocido por guardarse para sí mismo, era una persona sin pretensiones, que a mediados de los 70 ya era un compañero experimentado y había hecho discos de gran banda célebre. Sin embargo, un cambio en su enfoque compositivo, que realmente lo pondría en el mapa, acontece con *Gnu High*, su deburt para el sello ECM. Aquí Wheeler sienta las bases de lo que vendrá después en su obra. No solo marca un punto de inflexión en su carrera —al trabajar por primera vez en un formato de pequeño ensamble—, sino que también se cuenta entre los títulos más destacados del catálogo del sello.

El disco también destaca por la calidad extraordinaria del grupo. Los tres acompañantes de Wheeler eran músicos de primer nivel —y, además, con pasado en la órbita de Davis—. Keith Jarrett aparece aquí en lo que sería su última participación como sideman al piano, mientras Dave Holland se encarga del contrabajo y Jack DeJohnette de la batería. Cuatro improvisadores de altísimo nivel, trabajando con una sensibilidad muy afinada y un notable sentido del espacio.

El Baltimore Jazz Collective surge en 2019 cuando abrió el club Keystone Korner Baltimore, cuyo fundador, Todd Barkan, buscaba fortalecer el vínculo del club con la comunidad local. Para ello convocó al trompetista Sean Jones, quien reunió a un destacado grupo de músicos con raíces en la ciudad.

El resultado de ese impulso colectivo se cristaliza en su álbum debut homónimo, una obra que funciona a la vez como vitrina musical y homenaje cívico. El grupo —con Todd Marcus en clarinete bajo, Alex Brown en piano, Kris Funn en contrabajo, Quincy Phillips en batería y Brinae Ali en voz, tap— construye un retrato sonoro de Baltimore que entrelaza historia, identidad y presente.

La música recorre distintos climas y referencias: desde el aire gospel y blusero de “Minor Swing”, hasta la ambiciosa suite “RedLined” de Brown, que aborda las tensiones sociales derivadas de políticas urbanas discriminatorias.

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PAUL BLEY TRIO WITH GARY PEACOCK - New York, April 13, 1963 - Blues, Getting started, When will the blues leave ?, Long ago and far away, Moor - Paul Bley (p) Gary Peacock (b) Paul Motian (d)

Desde el inicia con “Blues”, el disco Paul Bley Trio With Gary Peacock se lanza con un poderoso swing que marca el tono de la sesión. El pianista Paul Bley se mueve con naturalidad en el universo de Ornette Coleman, combinando lirismo y riesgo en cada desvío. “Getting Started” introduce un clima más introspectivo, con escobillas que aportan una textura áspera pero acogedora, mientras Gary Peacock despliega un fraseo inquieto, ligeramente oblicuo.

El repertorio alterna intensidades: “When Will The Blues Leave” gana impulso rítmico con batería más incisiva, mientras “Long Ago And Far Away” avanza con energía casi locomotora. “Moor” revela el costado compositivo de Peacock, tan fresco como impredecible.

Bley se mantiene siempre preciso, acompañado por un Peacock expresivo y un Paul Motian sutil pero dinámico . Grabado entre 1963, el álbum conserva un sonido brillante y detallado que revela nuevos matices en cada escucha. En ese entramado, destaca especialmente Peacock, cuya tendencia a explorar registros agudos aporta aire, tensión y una personalidad inconfundible.

LUCKY THOMPSON QUARTET LORD, LORD, AM I EVER GONNA KNOW ? - Paris, France, spring 1961 - Lord, Lord, am I ever gonna know ?, Beautiful Tuesday (1), Our shared blessings - Lucky Thompson (sop1,ts2) Martial Solal (p) Peter Trunk (b) Kenny Clarke (d)

Lord, Lord, Am I Ever Gonna Know ? Señor, Señor, ¿Alguna Vez Lo Sabré? Este registro poco conocido de Lucky Thompson de 1961 documenta una actuación en París junto a un sólido trío europeo: Martial Solal en piano, Peter Trunk en contrabajo y Kenny Clarke en batería. Salvo la pieza que da título al disco, todo el material permaneció inédito durante décadas, lo que convierte a esta grabación en un hallazgo especialmente valioso dentro de su discografía.

Thompson, alternando con naturalidad entre saxo tenor y soprano, se muestra en plena madurez, desplegando un estilo relajado, fluido y profundamente melódico. Sus composiciones originales dominan el repertorio, con momentos destacados como “Choose Your Own”, donde se aventura en solos sin acompañamiento en ambos instrumentos, revelando una voz introspectiva y libre de concesiones.

De carácter más bien directo y sin artificios, eL álbum captura a un artista íntegro en un momento de plenitud creativa.

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La contrabajista Linda May Han Oh, ganadora del Grammy, ha construido una voz propia desde su debut Entry (2009), donde ya destacaba su enfoque compositivo y una interacción colectiva refinada. En Strange Heavens, lleva esa idea más lejos con un trío sin instrumento armónico junto a Ambrose Akinmusire y Tyshawn Sorey, explorando la condición humana a través de estructuras abiertas, sensibles y muy comunicativas. En varios pasajes se suma Fabian Almazan, cuya presencia añade nuevas capas tímbricas.

El disco abre con “Portal”, inspirado en la ansiedad contemporánea del doomscrolling -el consumo compulsivo y excesivo de noticias negativas en las redes sociales, que a menudo conduce a ansiedad y depresión donde un vamp insistente sostiene la delicadeza de la trompeta vamp es un pasaje corto y sencillo, repetido varias veces.

Cuatro piezas forman una suite inspirada en The Arrival de Shaun Tan, abordando migración y desarraigo. Allí, Oh destaca con su arco y un lenguaje expresivo que refuerza el carácter narrativo del álbum: música moderna, abierta y profundamente humana.

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JOEL ROSS GOSPEL MUSIC - New York, July 23-30 & August 19, 2025 - Hostile, The shadowlands, The giver - Josh Johnson (as) Maria Grand (ts) Joel Ross (vib,comp) Jeremy Corren (p) Kanoa Mendenhall (b) Jeremy Dutton (d) Laura Bibbs, Andy Louis, Ekep Nkwelle (vcl)

El vibrafonista Joel Ross presenta en Gospel Music uno de los trabajos más personales de su catálogo en Blue Note Records. Aquí, la espiritualidad no es un concepto abstracto, sino el motor de una música que busca transmitir calma, reflexión y también cierta esperanza en medio de tiempos inciertos.

Al frente de su sexteto Good Vibes [—con Josh Johnson, Maria Grand, Jeremy Corren, Kanoa Mendenhall y Jeremy Dutton—] Ross apuesta por un sonido colectivo, donde todos participan en igualdad. Más que una banda con solista y acompañamiento, aquí los instrumentos dialogan constantemente, compartiendo melodías y construyendo un flujo muy natural.

Las composiciones, con ritmos irregulares y armonías en movimiento, nunca se sienten pesadas. Temas como “Wisdom Is Eternal” o “The Shadowlands” avanzan con una intensidad sutil, mientras “Hostile” y “Nevertheless” le dan espacio a Ross para desarrollar solos más largos, siempre con un sonido claro y expresivo, cercano a la tradición de Milt Jackson.

DENMAN MARONEY UDENTITY - New York, January 4 & 6, 2008 - Udentity II, V, VI - Dave Ballou (tp) Ned Rothenberg (as,cl,bcl) Denman Maroney (p) Reuben Radding (b) Michael Sarin (d)

El pianista Denman Maroney presenta en Udentity una propuesta realmente singular, basada en su técnica del “hyperpiano”. Aquí, el piano deja de ser solo un instrumento de teclado: Maroney interviene directamente las cuerdas con objetos como barras de cobre, piezas de plástico, mientras toca las teclas con la otra mano, ampliando enormemente la paleta sonora.

Aunque la idea puede sonar experimental, la música no es inaccesible. Sus composiciones combinan estructuras complejas —ritmos superpuestos, relaciones de tempo simultáneas y juegos melódicos entrelazados— con motivos claros y hasta pegajosos por momentos. Hay una sensación constante de movimiento, como si varias capas de tiempo convivieran a la vez, pero sin perder del todo el hilo.

Más allá de su complejidad técnica, Udentity se deja escuchar con curiosidad y sorpresa. Es un disco que expande la idea del piano y del jazz contemporáneo, pero sin perder un sentido de juego y exploración que lo mantiene cercano.

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El encuentro entre Brian Lynch y Charles McPherson, trompeta y saxo alto, en *Torch Bearers* se sitúa dentro de la tradición post-bop, pero sin caer en gestos reverenciales. El disco se mueve en un equilibrio muy logrado entre sofisticación armónica y claridad expresiva.

McPherson suena especialmente vigente: su fraseo es ágil, preciso y libre de cualquier tentación nostálgica. Lynch, por su parte, no solo responde con solvencia instrumental, sino que construye un diálogo genuino, atento y siempre musical. Más que un duelo o un lucimiento individual, lo que emerge es una conversación sostenida, donde ambos comparten espacio, ideas y dirección.

El repertorio, mayoritariamente original, refuerza ese carácter colaborativo. Hacia el final, las piezas de Jimmy Van Heusen y Johnny Burke, junto al guiño a Dizzy Gillespie, funcionan como una declaración de linaje: una música que reconoce su historia sin quedar atrapada en ella.

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SONNY CLARK TRIO BLUES IN THE NIGHT - Hackensack, NJ, December 7, 1958 - Can’t we be friends ?, I cover the waterfront, Somebody loves me - Sonny Clark (p) Paul Chambers (b) Wesley Landers (d)

Blues In The Night del trío de Sonny Clark, revela una faceta poco difundida de un pianista esencial del hard bop. Grabaciones pensadas originalmente para singles en formato 45 —y nunca editadas en LP durante su breve vida—, muestran a Clark en un registro más contenido y accesible.

Lejos del empuje más incisivo asociado a Bud Powell, aquí se percibe con claridad la influencia de Ahmad Jamal y Red Garland: un toque más ligero, espacioso y elegante. Los arreglos son simples y directos, centrados en estándares muy conocidos, lo que permite que la atención recaiga en la sutileza de su fraseo y en un refinado sentido armónico.

Las interpretaciones avanzan con tempos relajados y un enfoque profundamente melódico, con improvisaciones teñidas de blues.

ART BLAKEY Y LOS JAZZ MESSENGERS - UGETSU - Live “Birdland”, New York, June 16, 1963 - Ugetsu, Time off, I didn’t know what time it was, The Theme - Freddie Hubbard (tp) Curtis Fuller (tb) Wayne Shorter (ts) Cedar Walton (p) Reggie Workman (b) Art Blakey (d)

El “The Jazz Corner of the World” más conocido como Birdland, era un sótano en Broadway donde en junio de 1963 se encontraba Art Blakey, ya reconocido como un formador clave de nuevos talentos. Esa a noche, su grupo incluía a jóvenes figuras como Freddie Hubbard y Wayne Shorter, nombres que pronto marcarían el rumbo del jazz moderno.

El resultado, capturado en Ugetsu, álbum de Art Blakey y los Jazz Messengers, es pura energía en vivo. La formación probablemente sea una de las más logradas en la historia de los Jazz Messengers. Freddie Hubbard acababa de reemplazar a Lee Morgan en la trompeta, aportando un sonido más expansivo y moderno. Junto a él, Wayne Shorter en saxo tenor, Curtis Fuller en trombón, Cedar Walton en piano, Reggie Workman en contrabajo y el propio Blakey en la batería conformaban un sexteto de enorme cohesión y empuje.

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En “Jackson Plays Dylan”, el saxofonista Javon Jackson interpreta canciones de Bob Dylan y las lleva al terreno del jazz con bastante naturalidad. No busca reinventarlas por completo, sino jugar con ellas, respetando sus melodías mientras abre espacios para la improvisación.

El grupo —con las voces de Lisa Fischer y Nicole Zuraitis— logra un buen equilibrio entre lo reconocible y lo nuevo. “Blowin’ in the Wind” parte muy fiel al original, pero poco a poco se va soltando. “Lay, Lady, Lay” cambia el enfoque al dejar la melodía en el contrabajo, mientras el saxo se mueve con más libertad. Y “Mr. Tambourine Man” termina convertido en un swing luminoso y contagioso.

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BARRY HARRIS TRIO CHASIN’ THE BIRD - New York, May 31 & August 23, 1962 - Chasin’ the Bird, Stay right with it, ‘Round midnight, The way you look tonight - Barry Harris (p) Bob Cranshaw (b) Clifford Jarvis (d)

Chasin’ the Bird muestra a Barry Harris en su elemento: el trío. Con Bob Cranshaw y Clifford Jarvis, el pianista suena suelto, claro y con ese swing tan característico.

Desde el tema de Charlie Parker, Harris deja ver su dominio, combinando líneas con una naturalidad que parece simple, pero no lo es. En “‘Round Midnight”, de Thelonious Monk, se pone más introspectivo, mientras que “The Way You Look Tonight” fluye con elegancia.

Más allá del repertorio, lo mejor es cómo suena todo: directo, sin exceso, pero con mucha sustancia. Los temas propios encajan perfecto y refuerzan su estilo. Es un disco que lo muestra en plena forma, tocando con claridad, swing y mucha musicalidad.

KENNY DORHAM JAZZ CONTRASTS - New York, May 21, 1957 - Falling in love with love, La villa - Kenny Dorham (tp) Sonny Rollins (ts) Hank Jones (p) Oscar Pettiford (b) Max Roach (d)

En Jazz Contrasts, el trompetista Kenny Dorham se luce tanto por su técnica como por su control, incluso en tempos exigentes. En la última mitad de la década de 1950, Roach prácticamente redefinió el significado y los usos del tempo rápido, que, al principio, los bajistas se conformaron con el primer y tercer ritmo de cada compás y los trompetistas se limitaban a la mitad del tiempo torrencial del baterista. En un quinteto que incluye al tenor Sonny Rollins, el pianista Hank Jones, el bajista Oscar Pettiford y Roach, en el tema “Falling in Love with Love”, Dorham muestra soltura, incluso acelerando su fraseo sin perder claridad. Pero el momento clave es “La Villa”, donde sigue el pulso vertiginoso de Roach con una seguridad total. Ahí alcanza uno de sus puntos más altos en disco.

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Después de la Segunda Guerra Mundial, el jazz se dividió en múltiples direcciones: Bebop (rápido, complejo, armónicamente avanzado). Cool jazz (más restringido, cerebral), Hard bop (bluesy, jazz moderno influenciado por el gospel).

El jazz Mainstream surgió como un camino intermedio, especialmente entre los músicos que habían surgido en la era del swing, pero que absorbieron algo de lenguaje bebop sin abandonar sus raíces. En esencia, el mainstream jazz enfatiza una fuerte sensación de swing arraigada en la era de la big band, melodías claras y frases líricas, el blues y repertorio estándar, improvisación accesible, menos armónicamente densa que el bebop, pero aún así sofisticada.

JOE NEWMAN AND HIS BAND - Brooklyn, NY, March 9, 1954 - Close quarters, Jose beguines, Blues for Slim - Joe Newman (tp) Matthew Gee (tb) Frank Wess (fl,ts) Frank Foster (ts) Johnny Acea (p) Eddie Jones (b) Osie Johnson (d)

JOE NEWMAN (1922–1992) fue originalmente un trompetista de swing con un sonido elegante y muy personal. Aunque se perciben ecos de Harry “Sweets” Edison, él siempre señaló a Louis Armstrong como su principal referencia. Originario de Nueva Orleans y criado en una familia musical, dio su primer gran paso profesional con la orquesta de Lionel Hampton (1941–42).

Su nombre quedó estrechamente ligado a Count Basie: fue, junto al guitarrista Freddie Green, uno de los pocos músicos que integró de forma sostenida tanto la orquesta de los años 40 (1943–46), donde compartía protagonismo con Edison, como la célebre formación posterior a 1951 (1952–61), esta vez alternando solos con Thad Jones. Entre ambas etapas, pasó por la popular banda de Illinois Jacquet (1946–50).

Además de su labor como sideman, Newman lideró numerosas sesiones —especialmente para RCA— hoy consideradas esenciales. Tras dejar Basie definitivamente, desarrolló una carrera variada: giras internacionales (incluida la URSS con Benny Goodman en 1962), educación (cofundando Jazz Interactions), trabajo en Broadway y colaboraciones con figuras como Benny Carter, manteniéndose activo hasta sus últimos años.

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RUBY BRAFF RUBY BRAFF SPECIAL - Brooklyn, NY, October 17, 1955 - Romance in the dark, When you wish upon a star (1), Wishing - Ruby Braff (tp) Vic Dickenson (tb) Sam Margolis (ts,cl-1) Nat Pierce (p) Walter Page (b) Jo Jones (d)

RUBY BRAFF (1927–2003) fue un cornetista profundamente expresivo, dueño de un sonido inconfundible y ajeno a las modas. Aunque pertenecía a la generación del bebop —contemporáneo de Dizzy Gillespie y Miles Davis—, siempre se sintió más cercano al legado de Louis Armstrong, Lester Young y Billie Holiday. Esa elección estética lo dejó, durante años, fuera de sintonía con su época.

Braff construyó una trayectoria muy personal, centrada en estándares y en un lenguaje a medio camino entre el swing y el trad jazz. Como Thelonious Monk, ignoró tendencias y se mantuvo fiel a la música que amaba, lo que con el tiempo le valió reconocimiento. Comenzó a tocar muy joven en Boston y pronto trabajó con figuras como Edmond Hall, Pee Wee Russell y Bud Freeman.

Instalado en Nueva York desde 1953, fue casi el único músico de su generación dedicado al mainstream. Grabó con Vic Dickenson, el sexteto de Benny Goodman y Buck Clayton, aunque durante un tiempo tuvo escasa actividad pública. Su carrera cobró nuevo impulso en los años 60 con George Wein, y más tarde destacó en su cuarteto con George Barnes, consolidándose como una figura clave del swing tardío.

BUCK CLAYTON BUCKIN’ THE BLUES - Brooklyn, NY, March 14, 1957 - Buck huckles, Claytonia, Cool too, Squeeze me - Buck Clayton (tp) Vic Dickenson (tb) Earl Warren (as) Hank Jones (p) Kenny Burrell (el-g) Aaron Bell (b) Jo Jones (d)

Buck Clayton (1911–1991) fue uno de los grandes trompetistas de la era del swing, con un estilo elegante, flexible y atemporal. Su forma de tocar se adaptaba tanto a contextos cercanos al bop como al Dixieland, sin pertenecer del todo a ninguno. No es casual que el crítico Stanley Dance utilizara el término mainstream para describir justamente ese tipo de swing en pequeños grupos que Clayton encarnaba.

Nacido en Kansas, comenzó en el piano —enseñado por su padre— y no adoptó la trompeta hasta los 18 años, inspirado por Louis Armstrong. Prácticamente autodidacta, se formó tocando en California con diversas bandas, incluyendo la de Earl Dancer, donde también realizó arreglos. Una experiencia clave fue su estancia en Shanghái (1934–35), donde lideró una orquesta con gran éxito hasta la inminente invasión japonesa.

De regreso en Estados Unidos, su carrera dio un giro decisivo al integrarse a la orquesta de Count Basie en Kansas City, donde se convirtió en su principal solista de trompeta. Su lirismo, claridad y swing lo consolidaron como una figura central del jazz clásico durante décadas.

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Afro Blue presenta a Harold Mabern junto a cinco destacadas voces: Gregory Porter, Norah Jones, Jane Monheit, Kurt Elling y Alexis Cole. Mabern despliega un acompañamiento sensible y atento, dejando espacio para que cada cantante brille y generando una química muy natural.

El pianista, que siempre ha valorado el trabajo con vocalistas como parte esencial del aprendizaje en el jazz, encuentra aquí un terreno ideal. A lo largo del disco, su estilo cálido, con raíces en el blues, se mantiene como hilo conductor. Lo respalda un sólido elenco instrumental, con vientos de gran nivel Jeremy Pelt (tp1) Steve Turre (tb2) Eric Alexander (ts) y una sección rítmica firme, John Webber (b) Joe Farnsworth (d) además de la participación especial del guitarrista Peter Bernstein en “Do It Again” de Steely Dan. El resultado es un álbum variado, fluido y especialmente agradable.

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BUDDY DEFRANCO / ART TATUM THE COMPLETE PABLO GROUP ART TATUM MASTERPIECES - Los Angeles, February 6, 1956 - Deep night, This can’t be love, Memories of you, Once in a while - Buddy DeFranco (cl) Art Tatum (p) Red Callender (b) Bill Douglass (d)

The Complete Pablo Group Masterpieces reúne a Art Tatum en una serie de grabaciones realizadas entre 1954 y 1956. Aunque célebre por su virtuosismo deslumbrante —velocidad, técnica y una fuerte personalidad musical—, Tatum demuestra aquí cuánto disfrutaba tocar en grupo.

La caja incluye tríos con figuras como Benny Carter, Lionel Hampton y Buddy Rich, además de cuartetos liderados por Roy Eldridge, Buddy DeFranco y Ben Webster. Cada encuentro revela distintas dinámicas: desde la intensidad casi competitiva hasta un diálogo más lírico y equilibrado. En conjunto, estas grabaciones muestran a un Tatum relajado pero brillante, interactuando con otros grandes del jazz en un contexto colectivo tan estimulante como revelador.

CANNONBALL ADDERLEY / MILT JACKSON THINGS ARE GETTING BETTER - New York, October 28, 1958 - Groovin’ high, The sidewalks of New York, Sounds for Sid - Cannonball Adderley (as) Milt Jackson (vib) Wynton Kelly (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d)

Things Are Getting Better Es un álbum que confirma por qué Cannonball Adderley fue uno de los grandes maestros del saxo alto. Aquí se une al vibrafonista Milt Jackson, son acompañados por un trío de lujo: Wynton Kelly, Percy Heath y Art Blakey.

La colaboración entre Adderley y Jackson surge de manera natural: ambos dominan el lenguaje de la balada y el blues, y al mismo tiempo pueden abordar el bebop con total autoridad. *Things Are Getting Better* es un disco sin puntos débiles.

El repertorio incluye tomas alternativas de “Serves Me Right”, de Buddy Johnson, y “The Sidewalks of New York”, llena de vitalidad. Entre los momentos más destacados está el tema que da título al álbum, donde Adderley y Jackson despliegan con soltura su profundo sentido del blues.

Por su parte, “Groovin’ High” —interpretado con una precisión notable y a un tempo más reposado que la versión original de 1945— funciona casi como un estudio de bebop. Jackson se mueve aquí con absoluta naturalidad, mientras Adderley deja ver con claridad la doble influencia de Charlie Parker y John Coltrane en su estilo de la época.

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Durante los años cincuenta y sesenta, muchas orquestas de rhythm & blues y rock & roll usaban músicos con sólida formación jazzística, para quienes ganarse la vida era prioridad. Pero de vez en cuando una jam session les daba espacio para soltarse. No era común que los líderes —más enfocados en el acompañamiento directo— les permitieran improvisar o ir mucho más allá. Recién cuando las compañías discográficas empezaron a fijarse en ellos —a veces por recomendación de músicos de jazz ya consolidados— el mundo del jazz comenzó a notar esa atractiva mezcla de oficio y sabor musical.

Fred Jackson, quien tocó con Little Richard, Lloyd Price y B.B. King, encarnaba bien ese perfil: un saxofonista con raíces en el R&B pero con fuerte orientación jazzística. Su nombre empezó a circular con más fuerza cuando participó en una sesión en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey, junto al organista Baby Face Willette, en el electrizante álbum Face to Face (1961). A partir de ahí, Alfred Lion, interesado en expandir el catálogo soul jazz de Blue Note Records, decidió darle la oportunidad de grabar como líder. El resultado fue Hootin’ ’n Tootin’.

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MICHAEL WOLLNY TRIO LIVING GHOSTS - Illingen, April 19, 2024 - Nacht - Rufe in der horchenden nacht - Michael Wollny (p) Tim Lefebvre (b) Eric Schaefer (d)

El atractivo del álbum Living Ghosts o fantasmas vivientes no está tanto en el repertorio como en la forma en que este se articula. Uno de los pianistas más distintivos del jazz europeo actual, Michael Wollny, grabó este álbum en vivo junto a sus compañeros habituales: el contrabajista Tim Lefebvre y el baterista Eric Schaefer.

El registro captura una única noche de la primavera de 2024, en la que el trío tocó guiado casi por completo por la intuición, siguiendo apenas aspectos cambiantes de sus propias composiciones. A lo largo del concierto, fragmentos reconocibles de su repertorio aparecen y desaparecen de forma inesperada: a veces como destellos breves, otras como puntos de partida para desarrollos más amplios. Esos “fantasmas” del pasado se reconfiguran en tiempo real, en un proceso que refleja la complicidad del trío y su manera de dialogar constantemente con su propia historia musical.

JOHN COLTRANE GROUP LIVE “VILLAGE VANGUARD”

- New York, November 2, 1961 - India (1,2) - Garvin Bushell (oboe1,contrabassoon1) John Coltrane (sop,ts) Eric Dolphy (as,bcl) McCoy Tyner (p) Reggie Workman (b) Jimmy Garrison

- New York, November 3, 1961 - Greensleeves - John Coltrane (ts,sop) McCoy Tyner (p) Reggie Workman (b) Elvin Jones (d)

Durante cuatro noches de noviembre de 1961, en el histórico Village Vanguard, en pleno Greenwich Village, John Coltrane y su cuarteto registraron 22 interpretaciones que hoy son consideradas fundamentales.

En ese momento, Coltrane aún estaba afinando el formato de su grupo, explorando combinaciones de timbres y voicings que le permitieran alcanzar la intensidad expresiva que tenía en mente. The Complete Village Vanguard Recordings reúne por primera vez este material completo y en orden de interpretación en vinilo. El box set de siete LP —más de cuatro horas de música— documenta un punto clave en su evolución, con su cuarteto clásico: McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones, junto a invitados como Eric Dolphy y Reggie Workman.

Grabado en 1969 pero editado recién en 1980, Mother Ship marca el cierre de la etapa de Larry Young en Blue Note y resume su aporte a la expansión del órgano Hammond B3 más allá del soul jazz convencional. Al frente de un cuarteto con Lee Morgan (trompeta), Herbert Morgan (saxo tenor) y Eddie Gladden (batería), Young presenta cinco composiciones propias que se mueven entre el post-bop, el groove y la exploración abierta.

El disco combina desde el pulso funky y aire latino , hasta las texturas más libres y espaciales. Hay una energía constante, casi descontrolada, donde el órgano de Young empuja al grupo hacia terrenos del free.

Lee Morgan aporta flexibilidad y se aleja del hard bop más clásico, mientras Gladden sostiene con soltura estructuras complejas y cambiantes. El resultado es un álbum dinámico, original que confirma a Young como una figura clave en la evolución del instrumento.

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MARIA SCHNEIDER ORCHESTRA AMERICAN CROW - Power Station, New York Mayo 26, 2025 American Crow, American Crow revisited - Maria Schneider (comp/dir); Steve Wilson, (sa,ss, fl); Dave Pietro (sa, cl, piccolo); Rich Perry, John Ellis (st); Scott Robinson (cl: bari, bajo, contrabajo); Tony Kadleck, Greg Gisbert, Nadje Noordhuis, Mike Rodriguez, (t); Keith O’Quinn, Ryan Keberle, Marshal Gilkes, (tbn); George Flynn (tbn: bajo y contrabajo); Julien Labros, (acor); Jeff Miles (g); Gary Versace (p); Jay Anderson (b); Johnathan Blake (dr)

Hay algo muy especial en cómo Maria Schneider arma sus historias musicales.

La pieza central de su obra American Crow -cuervo americano- juega con un contraste claro entre momentos de tensión y otros más calmos. Arranca con fuerza —los metales sugieren el graznido de los cuervos— y de a poco se abre hacia un clima más introspectivo, donde la trompeta de Mike Rodriguez aporta una gran carga expresiva. Se nota cómo Schneider escribe pensando en sus músicos, dejando que cada voz sume al sonido del conjunto.

El desarrollo fluye con naturalidad: la orquesta gana densidad y energía, sostenida con pulso firme por el baterista Johnathan Blake, hasta llegar a un final casi en suspenso, muy sutil. El EP de 30 minutos concluye con una nueva versión de “A World Lost”, con estupendos aportes de la guitarra de Jeff Miles y el acordeón de Julien Labro.

Maria Schneider Orchestra: Steve Wilson, (sa,ss, fl); Dave Pietro (sa, cl, piccolo); Rich Perry, John Ellis (st); Scott Robinson (clarinetes bari, bajo,contrabajo); Tony Kadleck, Greg Gisbert, Nadje Noordhuis, Mike Rodriguez, (t); Keith O’Quinn, Ryan Keberle, Marshal Gilkes, (tbn); George Flynn (tbn bajo y contrabajo); Julien Labros, accordion; Jeff Miles (g); Gary Versace (p); Jay Anderson (b); Johnathan Blake (dr)

WOODY SHAW IMAGINATION - Englewood Cliffs, N.J., June 24, 1987 - If I were a bell, Stormy weather, Steve’s blues - Woody Shaw (tp) Steve Turre (tb) Kirk Lightsey (p) Ray Drummond (b) Carl Allen (d)

Imagination (1987) es un álbum que encuentra al trompetista Woody Shaw al frente de un sólido quinteto con Steve Turre (trombón), Kirk Lightsey (piano), Ray Drummond (contrabajo) y Carl Allen (batería). Sería su última grabación como líder.

El repertorio combina, en su mayoría, estándares abordados desde un hard bop ágil y bien articulado, junto a algunos momentos más líricos. Piezas como “Imagination” y “Stormy Weather” destacan por su carácter introspectivo, con un Shaw de sonido nítido y fraseo emotivo; en esta última, el uso del plunger por parte de Turre aporta un diálogo casi vocal.

Lightsey, Drummond y Allen sostienen e impulsan el conjunto con solidez, mientras “Steve’s Blues” cierra el disco reafirmando su pulso hard bop.

La pianista californiana Lisa Hilton en su disco Extended Daydream* evoca el luminoso clima de su estado con un enfoque relajado, en el que actualiza con soltura el formato clásico de pequeño ensamble liderado desde el piano. Su formación inicial, entre lo autodidacta en lo musical y lo visual, se percibe en un trabajo que avanza más por atmósferas y colores que por gestos enfáticos.

El grupo —con J.D. Allen en tenor, Igmar Thomas trompeta, Luques Curtis bajo y Rudy Royston batería— funciona como un colectivo bien afiatado. El repertorio, mayormente original, se mueve en un registro reflexivo pero variado. En “So What”, el clásico de Miles Davis, Hilton le deja espacio a Curtis para que marque el pulso con soltura para que luego Thomas desarrolle la melodía modal con naturalidad.

“Wildflower”, de Billie Eilish, lo adapta con fluidez al lenguaje jazzístico, apoyada en la interacción del grupo. En conjunto, un disco de climas bien trabajados, sin excesos y con una identidad clara.

PATRICK ZIMMERLI BOOK OF DREAMS - New York, June 11 & 12, 2019 - Algo mas, 60 Morningside, Crow or dove - Patrick Zimmerli (sop,ts) Kevin Hays (p) Satoshi Takeishi (d)

El saxofonista y compositor Patrick Zimmerli reúne en *Book of Dreams* un conjunto de piezas originales y arreglos de estándares que, como sugiere la crítica de DownBeat, destacan tanto por su lirismo como por su exigencia técnica. Se trata de materiales escritos a lo largo de casi dos décadas, en paralelo a su trabajo principal como autor de obras de gran formato.

Zimmerli fue reuniendo estas ideas en un archivo al que llamó precisamente *Book of Dreams*, entendiendo estas composiciones como “regalos” del inconsciente. El resultado es un repertorio íntimo y concentrado, donde la improvisación dialoga con una escritura refinada.

Junto a Zimmerli en saxo soprano y tenor, están Kevin Hays en piano y Satoshi Takeishi en batería, en un formato de trío que privilegia la sutileza y la interacción. Más que una muestra de virtuosismo, el disco revela una faceta introspectiva y profundamente creativa.

PREMAZZI-NASSER QUARTET FROM WHAT I RECALL - May 30th, 2024, New York, NY - Iacchus, Stalking, From what - Kyle Nasser (saxes) Simona Premazzi (p) Noah Garabedian (b) Jay Sawyer (d)

La pianista italiana Simona Premazzi y el saxofonista bostoniano Kyle Nasser se conocieron en Nueva York y, tras años de colaboración, consolidaron en 2021 un cuarteto junto a Noah Garabedian en el contrabajo y Jay Sawyer en la batería. Además de presentarse en giras internacionales, coprodujeron *From What I Recall*, su álbum debut.

Premazzi define su escritura como “contrapuntual, abierta al contraste y a la tensión y liberación”, una idea que atraviesa todo el disco. La música se mueve en una intensidad contenida, donde destaca el diálogo entre ambos compositores. Una de las piezas de Premazzi arranca como una vertiginosa persecución entre piano y saxofón, para luego asentarse en un pulso más calmo y una sección introspectiva.

El cierre llega con “Scamander”, de Nasser, que comienza con un clima sereno y controlado. A partir de ahí, la melodía se pone tortuosa en interacción con el piano, antes de abrirse hacia un pasaje más lírico liderado por Premazzi, mientras el saxofón desarrolla una línea modal extensa que crece de forma gradual y se disipa con la misma sutileza.

SONNY ROLLINS - WITHOUT A SONG (THE 9/11 CONCERT) - Berklee Performance Center, Boston, MA, September 15, 2001 - Without a song, Global warming - Clifton Anderson (tb) Sonny Rollins (ts) Stephen Scott (p,kalimba1) Bob Cranshaw (elb) Perry Wilson (d) Kimati Dinizulu (cga,perc)

El martes 11 de septiembre, Sonny se encontraba en su departamento a seis cuadras del World Trade Center, las torres gemelas- donde quedó atrapado hasta la noche siguiente, cuando efectivos de la Guardia Nacional llegaron para evacuarlo.

Rollins tenía programado desde mucho antes un concierto en Boston para el 15 de septiembre, y decidió que no lo cancelaría y debía continuar. “Era lo mejor que podíamos hacer”, dijo Sonny, “y además, para algunas personas fue beneficioso escucharnos tocar justo después de lo ocurrido”.

Aquella noche ofreció una de las interpretaciones más inspiradas de su carrera: sabía que debía hacerlo. La grabación del concierto se publicaría posteriormente bajo el título “Without a Song: The 9/11 Concert”.

SONNY ROLLINS ROAD SHOWS, VOL. 2 - Beacon Theatre, New York, September 10, 2010 - Sonnymoon For Two, St Thomas - Ornette Coleman (as) Sonny Rollins (ts) Christian McBride (b) Roy Haynes (d) Bob Cranshaw (b) Kobie Watkins (d) Sammy Figueroa (perc)

Carl Smith, un fanático seguido de Rollins, comenzó a grabar sus conciertos subrepticiamente. Diseñó un ingenioso sistema con diminutos micrófonos ocultos y un pequeño grabador DAT. Compraba entradas en segunda fila él y sus amigos y les pedía que no aplaudieran, de esta manera los micrófonos captaran el sonido directo de los instrumentos y no el de la amplificación de la sala.

Irónicamente, el mayor obstáculo para su iniciativa fue Lucille Rollins, su esposa y representante. Cuando descubrió las grabaciones, reaccionó con ira y advirtió a Smith si volvía a intentarlo sería expulsado.

Sin embargo, tiempo después de la muerte de Lucille, Rollins revisó el archivo reunido por Smith y decidió trabajar con ese material. De ese proceso surgió la serie Road Shows, una colección de grabaciones en vivo inéditas publicadas por Doxy Records, el sello creado por el propio Rollins. Para mantener el proyecto activo, Rollins decidió incorporar al ingeniero de sonido Richard Corsello a sus giras; su tarea consistía en revisar meses de conciertos y seleccionar las interpretaciones más logradas, que son además las grabaciones que usé para todo este programa.

El 10 de septiembre de 2010, Sonny Rollins celebró su 80 cumpleaños con un concierto histórico en el Beacon Theatre de Manhattan. Durante casi dos horas, acompañado por Bob Cranshaw, Russell Malone, Kobie Watkins y Sammy Figueroa, Rollins desplegó un sonido pleno y sin restricciones, demostrando que su genio estaba intacto.

El concierto fue una actuación de dos horas en el Beacon Theatre del Upper West Side de Manhattan, que eclipsó sus propias considerables expectativas. La celebración del 80° cumpleaños de Rollins en el Beacon fue el evento jazzístico del año.

Los músicos en escena.

Durante gran parte de la noche, Rollins actuó con un ensamble que incluía a Bob Cranshaw (bajo), Russell Malone (guitarra), Kobie Watkins (batería) y Sammy Figueroa (percusión). El guitarrista Jim Hall. Roy Hargrove añadió trompeta en varios momentos, y todos estos músicos convergieron en el escenario para el encore con la composición más conocida de Rollins, “St. Thomas”.

Sin duda, el punto culminante de la noche fue una sorpresa mayúscula. Rollins no supo si Coleman iba a actuar en el Beacon hasta el último momento, por lo que no hubo ensayo previo. Él lo introdujo en mitad de una ya apasionante interpretación del blues “Sonnymoon for Two”, con Roy Haynes y Christian McBride.

Ornette Coleman salió al escenario y el lugar enloqueció: todos de pie, gritando y aclamando. Coleman soloist, luego él y Sonny intercambiaron frases, lo que llevó a Rollins a un lugar más libre que en cualquier otro momento del espectáculo.

Ese momento fue también la primera colaboración en vivo de Sonny y Ornette Coleman, quienes eran mutuos admiradores e influencias recíprocas. No solo Sonny no sabía que Ornette saldría hasta que lo hizo — fue un instante de comunión espiritual entre dos gigantes de la improvisación.

“Sonnymoon for Two” — la pieza central

La pieza, de casi 22 minutos, fue el centro del concierto: no tanto un duelo como una inspirada conversación paralela entre dos de los saxofonistas más influyentes del jazz. Rollins la eligió pensando en Coleman, pues “el blues sería lo suficientemente abierto para que Ornette hiciera lo que quisiera”.

Sonny Rollins permaneció en el escenario durante casi dos horas a los ochenta años. Su sonido fue impresionante, pleno y sin restricciones. Un asistente comentó que tocó casi dos horas sin parar, con el saxofón fuera de su boca apenas diez minutos en total.

El legado del concierto

El concierto fue filmado por Dick Fontaine para el documental Sonny Rollins: Beyond the Notes, y la actuación completa de “Sonnymoon for Two” fue publicada en el álbum Road Shows, Vol. 2.

En resumen, fue una noche irrepetible: dos leyendas octogenarias del jazz tocando juntas en público por primera y única vez, rodeadas de algunos de los mejores músicos del género. Una velada que quedó grabada en la historia del jazz.​​​​​​​​​​​​​​​​

TwoPart Inventions es un álbum surge como un residuo de la pandemia. Durante ese período, el contrabajista Peter Brendler intensificó su práctica, en gran medida como una forma de mantener el equilibrio personal. Se dedicó de lleno a la música e intentó recrear en su casa lo que más extrañaba: la interacción con otros intérpretes. Esa ausencia lo llevó a explorar la ejecución simultánea de múltiples líneas en el contrabajo, desarrollando así una mayor soltura en formatos más reducidos, como el solo y el dúo.

Su vínculo con el saxofonista Jon Irabagon se remonta a 25 años de colaboraciones y numerosos conciertos compartidos, además de una grabación previa junto a Barry Altschul. Interesado desde siempre en el formato de dúo, encontró en esta asociación el espacio ideal para una propuesta especialmente lograda. En ese contexto, la exigencia se combina con una notable flexibilidad, en una dinámica que él mismo compara con conducir una moto en lugar de un auto.

Durante la selección del repertorio para el disco TwoPart Inventions, se centraron en estándares escritos por pianistas. El desafío armónico del formato resultó particularmente estimulante, y el resultado final marca, posiblemente, el inicio de una serie de futuras grabaciones en dúo.

BRIAN MARSELLA BAGATELLE VOL. 6 - New York, 2021 - Bagatelle #119, #149, #266, #153 - Brian Marsella (p) Trevor Dunn (b) Kenny Wollesen (d) John Zorn (comp)

Bagatelles Vol. 6 de John Zorn, interpretado por el trío del pianista Brian Marsella, es posiblemente una de las entregas más logradas de esta extensa serie. Publicada inicialmente en 2021 dentro de una caja de cuatro discos y editada por separado en 2026, el álbum destaca por la notable compenetración entre Marsella, el contrabajista Trevor Dunn y el baterista Kenny Wollesen.

Marsella se mueve con soltura dentro de un lenguaje exigente, abordando las composiciones de Zorn —de líneas angulares y a menudo cercanas a la atonalidad— con una combinación de precisión y lirismo. En medio de estas estructuras, surgen pasajes más simples, como valses o baladas, que el trío desarrolla con especial sensibilidad.

Fiel al espíritu de la serie, las piezas sirven como punto de partida para improvisar y se van abriendo hacia terrenos más libres y guiños al cromatismo de Alexander Scriabin.

HENRY THREADGILL’S ZOOID POOF - Astoria, NY, December 15 & 16, 2019 - Come and go, Poof, Now and then - Henry Threadgill (as,fl,bfl,comp) Liberty Ellman (g) Christopher Hoffman (cello) Jose Davila (tu,tb) Elliot Humberto Kavee (d)

Poof, una nueva obra del compositor, saxofonista y flautista Henry Threadgill junto a su grupo Zooid, su principal laboratorio musical durante las últimas dos décadas. Su disco anterior, In for a Penny, In for a Pound, obtuvo el Pulitzer Prize for Music en 2016, se destaca por su originalidad y por la manera en que integra escritura e improvisación en una textura sonora que evoca la complejidad de la vida contemporánea.

Con Poof, Threadgill retoma el trabajo de Zooid, el conjunto más longevo de su extensa trayectoria. La banda —Liberty Ellman en guitarra, Christopher Hoffman en cello, José Dávila en tuba y Elliot Humberto Kavee en batería, junto al propio Threadgill en saxo alto y flautas— suma en conjunto 75 años de colaboración con el líder. Grupo que tuve el privilegio de escuchar en un concierto organizado por la AACM Asociación para el Avance de Músicos Creativosen Nueva York.

Las composiciones del álbum, explica Threadgill, están concebidas como sonatas o conciertos de cámara: “Come and Go” para saxofón y cello; “Poof” para saxofón y guitarra; “Beneath the Bottom” para trombón; “Happenstance” para flauta y batería; y “Now and Then” para tuba y guitarra.

Ingrid Jensen se ha consolidado como una trompetista con una voz propia y reconocible, dueña de un sonido que refleja tanto su personalidad como su enorme talento. A lo largo de los años ha reconocido diversas influencias, desde Clark Terry hasta Woody Shaw, aunque la huella más profunda proviene de Kenny Wheeler.

En “Landings” Jensen reúne un cuarteto ágil y muy atento, capaz de reaccionar en cada momento. Junto al organista Gary Versace, el guitarrista Marvin Sewell y el baterista Jon Wikan, lidera un grupo que puede girar con precisión y, al mismo tiempo, abrir espacios más líricos con total naturalidad. La música suena trabajada en detalle, pero nunca rígida: hay libertad, escucha y una sensación constante de riesgo compartido.

La presencia de George Coleman, junto a su composición “Amsterdam After Dark”, no es solo un guiño a una figura histórica del jazz, sino la incorporación de una voz sólida y expresiva que se integra con naturalidad al lenguaje del grupo.

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MARTIN WIND STARS - February 5-6, 2025 New York City - Passing Thoughts, Life, Black Butterfly, Moody, Wail - Anat Cohen(cl) Kenny Barron (p) Martin Wind (b) Matt Wilson (dr)

“Stars”, el disco del contrabajista Martin Wind, no busca llamar la atención: simplemente, a los pocos compases, uno siente que la música avanza sola, con naturalidad, como si supiera exactamente a dónde va. Tal vez se trate de eso: confianza. La que nace de años tocando juntos, de escenarios compartidos y de silencios bien entendidos. Aquí nadie fuerza nada: todo fluye.

Wind no marca el rumbo de forma evidente; más bien guía con suavidad. Es generoso: deja espacio, equilibra, escucha. Anat Cohen se mueve en ese mismo espíritu: su clarinete canta, conversa, se relaja y también se emociona. Kenny Barron es el centro del grupo, sin imponerse; su toque en el piano permite que todo respire. Y Matt Wilson aporta color y detalle desde la batería, siempre atento, siempre elevando.

HUGO FERNÁNDEZ RIVERMIND - Berlin, Germany, May, 2025 - Rivermind, Playing chase, Brightsteps, Dancing leafs - Daniel Stawinski (p) Hugo Fernandez (g,comp) Giacomo Tagliavia (b) Mathias Ruppnig (d)

El guitarrista mexicano radicado en Berlin, tras más de una década en Madrid, Hugo Fernández ha desarrollado una identidad donde la tradición del jazz convive con elementos del pop-rock, la música del mundo y la formación clásica. Estudió en el Berklee College of Music y realizó un posgrado en la University of New Orleans. Con cinco discos previos, se ha presentado en escenarios y festivales de México y Europa.

En Rivermind, grabado en Berlín en 2025, Fernández reúne siete composiciones originales que se mueven con naturalidad entre el jazz, el pop y el folclore, dando forma a un sonido personal y abierto.

Para este proyecto, Fernández congregó a un trío internacional de gran talento: Daniel Stawinski en piano, con influencias que van del folclore balcánico y la música persa a la tradición europea y cubana; Giacomo Tagliavia en contrabajo que combina sus raíces sicilianas con un lenguaje jazzístico contemporáneo; y Mathias Ruppnig en batería, sólido tanto en contextos tradicionales como en propuestas más exploratorias.

Ocho años después de su último disco, “No Revenge Necessary”, el super grupo de Nueva Orleans Nolatet regresa con un nuevo repertorio que confirma tanto su identidad como su espíritu. La banda combina la sólida sección rítmica del Astral Project —James Singleton en contrabajo y Johnny Vidacovich en batería— con la energía expansiva del vibrafonista y percusionista Mike Dillon y el pianista Brian Haas. El resultado es una música que equilibra la experiencia de músicos curtidos con una clara resistencia a encasillarse en un estilo fijo.

Ser de Nueva Orleans es tanto una actitud como un lugar, y Nolatet lleva esa actitud consigo, en esta ocasión el grupo se trasladó a Tulsa, Oklahoma para grabar su tercer álbum en vivo en el club LowDown, frente a un público entusiasta que captó de inmediato ese espíritu flexible y comunicativo que define al cuarteto.

JAKOB BRO TAKING TURNS - New York, March, 2014 - Black is all colors at once, Haiti - Lee Konitz (as,sop) Jason Moran (p) Jakob Bro (g,comp) Bill Frisell (g) Thomas Morgan (b) Andrew Cyrille (d)

El prestigio del guitarrista danés Jakob Bro creció de forma decisiva cuando en 2006 reemplazó a Bill Frisell en la banda del baterista Paul Motian, una conexión que lo acercó por primera vez al saxofonista alto Lee Konitz. En este album, “Taking Turns” junto a Bro y Konitz, se reúne un sutil “supergrupo” que incluye a Frisell, el pianista Jason Moran, el contrabajista Thomas Morgan y el baterista Andrew Cyrille.

El tema de apertura, “Black Is All Colors at Once”, se despliega con delicados arpegios de guitarra antes de que Konitz —entonces con 86 años— deje oír un fraseo profundo y meditativo, alternando registros graves con agudos que sostiene sin repetirse, sobre el entramado de guitarras y el pulso ágil pero discreto de Morgan.

RON MILES “OLD MAIN CHAPEL” - Boulder, CO, September 21, 2011 - Guest of honor, Ruby go round - Ron Miles (tp) Bill Frisell (g) Brian Blade (d)

“Old Main Chapel” fue grabado en vivo en el recinto del mismo nombre en Boulder, Colorado, el 21 de septiembre de 2011, apenas un día antes de que el trío de Ron Miles (tp) Bill Frisell (g) Brian Blade (d) entrara al estudio para registrar su debut, “Quiver”. El programa —siete piezas en total— reúne seis composiciones originales de Miles, varias de ellas en versiones más extensas de las que luego aparecerían en el disco”.

Se trata de una música de cámara jazzística de alto nivel: más que centrarse en un solista, sigue la interacción constante entre los tres músicos. La trompeta de Miles se aleja de cualquier gesto declamatorio y privilegia un fraseo contenido, de notable sutileza tímbrica.

- New York, September 19, 1928 - The boy in the boat, Walk that thing - Leonard Davis, Sidney DeParis, Jimmy Harrison (tp) Ben Whitted (cl,as) Edgar Sampson (cl,as,vln) Benny Waters (cl,ts,arr) Charlie Johnson (p) Bobby Johnson (bj) Cyrus St. Clair (tu) George Stafford (d)

- New York, May 8, 1929 - Harlem drag, Hot bones and rice - Leonard Davis, Sidney DeParis (tp) George Stevenson (tb) Edgar Sampson, Ben Whitted (cl,as) Benny Waters (cl,ts) Charlie Johnson (p) Bobby Johnson (bj) Billy Taylor, Sr. (tu) George Stafford (d)

Charlie Johnson dirigió una de las mejores bandas de la década de 1920. Comenzó a tocar el trombón, trabajando de forma independiente en el área de Nueva York a partir de 1914. Sin embargo, después de mudarse a Atlantic City, se cambió al piano. Nunca fue realmente un solista, era más bien un acompañante que tenía un don para armar bandas de jóvenes estrellas. Dirigió una serie de grupos a partir de 1918 y grabó con la cantante de blues clásico Mary Stafford en 1921. Su Paradise Ten se estableció en el club Small’s Paradise durante 1925-35. La banda de Johnson grabó cinco sesiones notables durante 1925-29, con acompañantes como Thomas Morris, Jabbo Smith, Leonard Davis, Sidney DeParis, Charlie Irvis, Jimmy Harrison, Benny Carter y Benny Waters, además de la vocalista invitada Monette Moore.

Después de que la banda cerrara en Small’s en 1935, Charlie Johnson se desvaneció de la escena, tocando solo de vez en cuando a principios de la década de 1950 y nunca más volvió a grabar.

Entre los aspectos más destacados se encuentran “Don’t You Leave Me Here”, “You Ain’t the One”, “Charleston Is the Best Dance After All”, y tres tomas de la emocionante “Walk That Thing”. Jabbo Smith se roba el espectáculo en un par de ocasiones, pero un gran porcentaje de los acompañantes de Johnson fueron musicos importantes, y tanto el trabajo del conjunto como los solos están en un nivel consistentemente alto.

TRUMMY YOUNG BIG SEVEN - New York, September 3, 1946 - Blues triste, Fruttie cutie, Johnson rock, Lucky draw - Buck Clayton (tp) Trummy Young (tb) Buster Bailey (cl) George Johnson (as) Jimmy Jones (p) John Levy (b) Cozy Cole (d)

James “Trummy” Young fue famoso tanto por su sonido extrovertido como por sus trabajos con Jimmie Lunceford y Louis Armstrong. Creció en Washington, D.C., y trabajó con Booker Coleman’s Hot Chocolates (1928). Se mudó a Chicago, donde fue solista destacado con la orquesta de Earl Hines (1933-37). Mientras estaba con Jimmie Lunceford (1937-43), Young fue la estrella de la exitosa versión de la banda de “Margie”, cantando y tomando un famoso solo de trombón.

Young fue lo suficientemente flexible como para tocar con cualquiera, incluso participar en una cita dirigida por el pianista Clyde Hart que incluía a Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Para la sesión de Trummy Young’s Big Seven del 3 de septiembre de 1946, el trompetista Buck Clayton y el saxo alto George Johnson son responsables de la mayor parte del repertorios (y posiblemente también de los arreglos, con la ayuda del habitual Jimmy Jones).

Hay nuevas caras, son el clarinetista Buster Bailey de las bandas de Fletcher Henderson y John Kirby, el maestro de la batería Cozy Cole, y el bajista John Levy, que había llegado a Nueva York desde Chicago con Stuff Smith.

El precioso e inquietante tema BLUES TRISTE de Jimmy Jones es quizás el más avanzado de la sesión. Bailey y Jones lo montan, Buck lidera el conjunto. Bailey es fluido y sofisticado, Jones, en su uso de acordes con un sonido casi similar al arpa, el alto George Johnson es fino y Trummy ofrece el mayor contraste en un estilo más bopero.

BUNK JOHNSON JAZZ BAND - New Orleans, LA, October 2, 1942 - Big Chief Battle Axe, Dusty rag, Franklin Street blues, The Thriller rag, Sobbin’ blues - Bunk Johnson (tp) Albert Warner (tb) George Lewis (cl) Walter Decou (p) Lawrence Marrero (bj) Chester Zardis (b) Edgar Mosley (d)

Para algunos, a principios de los años 40, Bunk no era un musico genuino. Para otros, era una especie de dios cuyo descubrimiento parecía venir directo del nacimiento del jazz. En retrospectiva, la verdad parece estar en el punto medio. Ahora sabemos que Bunk era un embustero que mintió sobre su edad y era demasiado joven para haber tocado con Buddy Bolden, aunque sin duda lo escuchó.

Su sesión de octubre de 1942 que vamos a escuchar nos trae una música de Nueva Orleans que no había sido documentada en disco hasta la primera cita de Bunk unos meses antes. Las bandas negras de Nueva Orleans que hicieron discos en los años 20 fueron en su mayoría las que tocaron para el público blanco, con pocas excepciones notables como Sam Morgans. Esta música tocada por músicos de mediana edad para sus contemporáneos, principalmente para bailar, con un toque de bandas de desfile. Bunk tenía sus propias ideas sobre cómo debería ir la música. No era realmente un improvisador, ciertamente no en el sentido post Armstrong (aunque curiosamente su fraseo fue claramente influenciado por Louis).

Aparte de Bunk, el músico más interesante aquí es el clarinetista George Lewis, que llevaría el estandarte bandera de este tipo de jazz de Nueva Orleans en las décadas posteriores a la muerte de Bunk en 1949. Sus puntos fuertes eran la sinceridad absoluta, un tono y una manera con el blues que era suyo. Los otros, aparte del banjoista Lawrence Marrero que, al igual que Lewis, llegó al norte con Bunk más tarde.

ZUTTY SINGLETON:

- ZUTTY’S CREOLE BAND - Los Angeles, June 30, 1944 - Oh, didn’t he ramble, Crawfish blues - Norman Bowden (tp) John “Shorty” Haughton (tb) Barney Bigard (cl) Freddie Washington (p) Bud Scott (g) Ed Garland (b) Zutty Singleton (d)

- ZUTTY’S TRIO - Los Angles, June 30, 1944 - Barney’s bounce, Lulu’s mood - Barney Bigard (cl) Freddie Washington (p) Zutty Singleton (d)

El gran baterista Zutty Singleton, nacido en Nueva Orleans, se había establecido en Los Ángeles en 1943, y la ciudad siguió siendo su base durante unos ocho años. Sus afiliaciones iban desde Slim Gaillard hasta Wingy Manone, e hizo trabajos de cine y radio. Aquí está elegido con el trompetista Norman Bowden, que suena positivamente arcaico, pero Barney Bigard está en forma juguetona. Bud Scott y Ed Garland, al igual que Barney, son de Nueva Orleans y el pianista Freddie Washington, aunque de Texa, habían estado con Kid Ory ya en 1921. RAMBLE, el himno de Nueva Orleans, tiene un buen Bigard en conjunto y solo, y un sólido solo del veterano trombonista de big band Shorty Haughton. No tan bueno - ni el clarinete ni el piano alcanzan el mismo nivel.

La trayectoria de los grandes artistas rara vez es lineal. En el caso de Rollins, más que una única cumbre, hubo distintas mesetas creativas.

Desde los años sesenta, muchos músicos y críticos coincidían en que el verdadero territorio de Sonny Rollins eran las actuaciones en vivo con sus solos —largos, arquitectónicos, llenos de humor y riesgo— que alcanzaban su máxima intensidad frente al público.

Durante los años ochenta y parte de los noventa, sin embargo, algunos sectores de la prensa especializada cuestionaron ciertos aspectos de sus grabaciones: el uso de reverberación, repertorios considerados menos arriesgados y discos de estudio que, según varios críticos, no lograban reflejar la energía de sus presentaciones en vivo.

En este cuarto programa dedicados a la carrera e influencia de Sonny Rollins, presentaremos álbumes de ese periodo que considero tan sobresalientes como los de años anteriores.

SONNY ROLLINS:

G-MAN - FILM SOUNDTRACK, “OPUS 40” - Saugerties, New York, August 19, 1986 - G-Man - Sonny Rollins (ts) Clifton Anderson (tb) Mark Soskin (keyboards) Bob Cranshaw (elb) Marvin “Smitty” Smith (d)

En 1986, su Concerto for Tenor Saxophone and Orchestra tuvo la premiere mundial en Japón. Irónicamente, no sería esa presentación la que quedaría más grabada en la memoria de los aficionados, sino un concierto mucho más pequeño realizado meses después, el 16 de agosto. El director de cine Robert Mugge filmó a Rollins en la locaalidad de Saugerties, New York, donde se encuentra Opus 40, una gran escultura ambiental de Harvey Fite. Rollins actuó al aire libre junto a Clifton Anderson, Bob Cranshaw, Marvin “Smitty” Smith y Mark Soskin.

La música alcanzó un nivel extraordinario. Rollins interpretó con intensidad “GMan”, “Kim”, seguidas por potentes versiones de “Don’t Stop the Carnival” y “Tenor Madness”. Luego llegó una extensa cadencia en la que citó fragmentos de melodías muy diversas: el “Anvil Chorus” de Giuseppe Verdi, la “Funeral March” de Frédéric Chopin, “A Kiss to Build a Dream On” asociada a Louis Armstrong, además de canciones populares.

En medio de ese despliegue musical ocurrió lo inesperado. Rollins saltó desde el escenario de unos dos metros de altura y se fracturó el talón derecho y cayó de espaldas. Sin poder levantarse, comenzó a tocar “Autumn Nocturne”, mientras el público, atónito, creía que todo formaba parte del espectáculo. Terminó la pieza todavía tendido en el suelo.

Rollins renunció a atención médica: “No, voy a terminar el concierto”, y así lo hizo. El episodio se convirtió rápidamente en leyenda dentro del mundo del jazz, y la interpretación de “GMan” registrada esa noche terminaría siendo considerada una de las más memorables de su carrera.

OLD FLAMES - New York, July & August 1993 - My Old Flame - Clifton Anderson (tb) Sonny Rollins (ts) Tommy Flanagan (p) Bob Cranshaw (elb,b) Jack DeJohnette (d) plus Brass Choir : Jon Faddis, Byron Stripling (flhrn1) Clifton Anderson (tb1) Alex Brofsky (fhr1) Bob Stewart (tu1)

En 1993, las muertes de Dizzy Gillespie en enero y de Billy Eckstine en marzo reforzaron en Sonny Rollins la sensación de responsabilidad que sentía como uno de los grandes sobrevivientes de su generación. Rollins y Gillespie se habían encontrado por última vez en el verano de 1992 en Rotterdam, durante la gira Diamond Jubilee que celebraba los setenta y cinco años del trompetista.

Con ese contexto en mente, Rollins comenzó a planificar su siguiente álbum , Old Flames, grabado en julio y agosto de ese año. Para el proyecto convocó a su viejo amigo Jimmy Heath, con quien —según decía— había estado “unido desde hace cien años”, para que escribiera arreglos para un coro de metales y también dirigiera las sesiones.

El disco está compuesto casi enteramente por baladas, con una sola pieza original de Rollins, “Times Slimes”. El núcleo del grupo incluyó a Clifton Anderson, Bob Cranshaw, Jack DeJohnette y Tommy Flanagan, junto a un ensamble de metales con Jon Faddis, Byron Stripling, Alex Brofsky y Bob Stewart.

Los arreglos de Heath para “Darn That Dream” y “Prelude to a Kiss” resaltan el lado más lírico de Rollins.

SONNY ROLLINS +3 - New York, August 30, 1995 - What A Difference A Day Made - Sonny Rollins (ts) Stephen Scott (p) Bob Cranshaw (elb) Jack DeJohnette (d)

Sonny Rollins +3, grabado en dos sesiones en agosto y octubre de 1995 en Nueva York, muestra a Rollins en excelente forma rodeado de un sólido grupo de colaboradores. Desde su contrato con Milestone de los años setenta, algunos críticos habían cuestionado la calidad de sus acompañantes para las sesiones del sello. En este caso, sin embargo, no había mucho que objetar: el álbum reúne a músicos de primer nivel como Tommy Flanagan o Stephen Scott en piano, su tradicional bajista eléctrico Bob Cranshaw y, en batería, a Jack DeJohnette o Al Foster.

El repertorio combina dos composiciones originales con cinco estándares muy asociados a cantantes.

GLOBAL WARMING

- New York, January 7, 1998 - Mother nature’s blues - Sonny Rollins (ts) Stephen Scott (p) Bob Cranshaw (elb) Idris Muhammad (d)

- New York, February 28, 1998- Clearcut boogie - Clifton Anderson (tb) Sonny Rollins (ts) Stephen Scott (p,kalimba1) Bob Cranshaw (elb) Perry Wilson (d) Victor See Yuen (perc)

Global Warming (1998), el vigésimo álbum de Sonny Rollins para Fantasy Records, es uno de los proyectos más conceptuales de esta etapa. Preocupado por la falta de acción frente al cambio climático —tema que llevaba estudiando desde hacía años— Rollins concibió el disco como una obra con conciencia ecológica, al punto de describirlo como “mi Freedom Suite de 1998”, en alusión a su influyente álbum de 1958.

El repertorio incluye cuatro composiciones originales inspiradas en su preocupación ambiental.

Old New, el segundo álbum del cuarteto de la violonchelista Tomeka Reid, muestra por qué se ha convertido en una de las voces más interesantes del jazz actual. Compositora, arreglista e improvisadora, Reid representa con naturalidad ese espíritu explorador que siempre ha impulsado al jazz.

Aunque participa en grabaciones desde su debut discográfico en 2002, Old New es apenas su segundo trabajo como líder de su propio grupo. El disco presenta una formación poco común: un cuarteto de cuerdas que funciona como un conjunto híbrido, donde cada músico puede asumir distintos roles —bajo, melodía o ritmo— según lo requiera la música.

Una de las ideas centrales del proyecto fue prescindir de un instrumento armónico tradicional. En su lugar aparece la guitarra de Mary Halvorson, cuyo uso creativo de pedales genera un contraste inmediato con el sonido completamente acústico del violonchelo de Reid.

Para Reid, una de las ventajas de su instrumento es que su presencia en el jazz aún tiene mucho espacio por explorar. A diferencia de la trompeta o el saxofón, no existe una tradición demasiado rígida que marque el camino. Esa libertad es justamente la que impulsa la música de Old New.

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RUSS LOSSING PROXIMITY ALERT - South Orange, NJ, April 3, 2024 - Incommunicado, Boodda, Apostrophe, Proximity alert - Russ Lossing (p) Mark Helias (b) Eric McPherson (d)

Nacido en Ohio y radicado en Nueva York, el pianista y compositor Russ Lossing lleva años explorando las posibilidades del trío de piano. En sus comienzos tocó junto al contrabajista Ed Schuller y el baterista Paul Motian, y más adelante mantuvo un prolongado trío con Masa Kamaguchi y Billy Mintz.

En 2020 inició una nueva etapa con el contrabajista Mark Helias y el baterista Eric McPherson, dos músicos de amplia trayectoria que hoy forman la base de *Proximity Alert*, una sesión de once piezas centrada en la interacción y la escucha colectiva.

“Incommunicado” abre el disco con un tema amplio y enérgico, donde se perciben algunos guiños a la música clásica contemporánea. En las secciones improvisadas, el trío se mueve con espacio y contención, construyendo un lenguaje sobrio pero lleno de matices.

DAVE REMPIS / TIM DAISY BACK TO THE CIRCLE - Chicago, Il, February, 2004 - Welcome, Back to the circle, Huff - Dave Rempis (as,ts) Tim Daisy (d)

El saxofonista Dave Rempis y el baterista Tim Daisy forman parte de la activa escena avantgarde de Chicago. Han tocado juntos en distintos proyectos desde fines de los años noventa, y su segundo disco como dúo, “Back To The Circle”, surge después de más de dieciséis años compartiendo experiencias dentro del jazz improvisado.

El álbum reúne seis piezas completamente improvisadas, grabadas en una sola sesión. La música avanza con la naturalidad de una conversación: ideas que aparecen en el momento y se transforman a medida que progresa el intercambio entre saxofón y batería.

Rempis alterna entre saxofones tenor, alto y barítono —a veces dentro de una misma improvisación—, generando cambios constantes de color y registro. El formato puede recordar al célebre dúo de John Coltrane y Rashied Ali en el álbum Interstellar Space, aunque aquí el enfoque es diferente.

Daisy evita una percusión demasiado densa y prefiere un estilo más ligero y flexible. La casi ausencia del bombo deja mucho espacio en el registro grave, lo que le da a la música una sensación de amplitud y movimiento. Sin bajo ni instrumentos armónicos, el dúo avanza guiado por la escucha mutua y la intuición.

The Roar and the Whisper -el rugido y el suspiro- es el quinto álbum de estudio de la saxofonista y compositora Alexa Tarantino. Integrante de la Jazz at Lincoln Center Orchestra y del quinteto femenino Artemis, Tarantino lidera aquí un cuarteto con el pianista Steven Feifke, el contrabajista Philip Norris y el baterista Mark Whitfield Jr.

El disco abre con “Inside Looking Out” -adentro mirando hacia afuera- una pieza dinámica y cambiante donde destaca el diálogo entre Tarantino y el pianista Feifke, un acompañante atento y siempre alineado con el fraseo de la saxofonista. La base rítmica —impulsada por las líneas del bajo de Norris— sostiene un swing firme, mientras aparecen claras inflexiones modales de raíz coltraniana, especialmente en el solo de soprano de Tarantino.

KENNY BARRON SONGBOOK - c. 2024 - Sunshower (cms vcl), Minor blues redux (cr vcl), In the slow lane (ke vcl), Sonia Braga (en vcl) - Kenny Barron (p) Kiyoshi Kitagawa (b) Johnathan Blake (d) Jean Baylor, Ann Hampton Callaway, Cecile McLorin Salvant, Catherine Russell, Kurt Elling,Ekep Nkwelle,

Kenny Barron siempre quiso grabar un álbum con algunos de sus vocalistas favoritos interpretando su música. Es lo que hizo en su album Songbook. El pianista eligió trece composiciones propias, encargó letras a Janice Jarrett y reunió a ocho destacados cantantes para grabar junto a su trío.

“Sunshower”, casi un estándar dentro del repertorio de Barron —con varias versiones registradas por él desde 1975— adquiere un giro interesante en la interpretación de Cécile McLorin Salvant: parte como una balada y luego cambia hacia un tempo más ligero. “Cook’s Bay”, en tanto, nació hace cerca de treinta años durante una sesión para Verve Records con la violinista Regina Carter.

Las letras de Jarrett apuntan a un tono poético, y los cantantes les dan una forma interpretativa muy cuidada. La música cobra más fuerza cuando Barron toma interviene desde el piano. Kurt Elling aporta un toque de ironía en “In The Slow Lane”, mientras que la batería de Johnathan Blake suma un acompañamiento preciso y lleno de matices.

NICK FINZER DREAMS, VISIONS, ILLUSIONS - c. 2022 - To dream a bigger dream, I thought I should take the road less traveled, Visions or mirage - Nick Finzer (tb,comp) Lucas Pino (ts,bcl) Glenn Zaleski (p) Alex Wintz (g) Dave Baron (b) Jimmy MacBride (d)

Considerado como una Estrella Emergente del jazz en la encuesta de críticos de DownBeat, el trombonista Nick Finzer se ha ido consolidando como una de las voces sobresalientes de su generación. Con composiciones propias llenas de energía y un estilo personal en el trombón, Finzer ha recorrido el mundo como líder de sus grupos y ha compartido escenario con varias de las figuras más respetadas del jazz.

Su nuevo álbum Dreams, Visions, and Illusions, es la culminación de más de diez años de dirigir su sexteto “Hear & Now” con Lucas Pino en saxofón tenor y clarinete bajo, Alex Wintz en guitarra, Glenn Zaleski en piano, Dave Baron en bajo y Jimmy Macbride en batería.

Aunque en Four Freedoms el cuarteto se encuentra geográficamente disperso —Marta Warelis, Nick Dunston y Joey Baron residen en Europa, mientras el trompetista Dave Douglas está radicado en Nueva York— el álbum suena de todo menos distante. La distancia, en este caso, parece agudizar el enfoque. El resultado es una banda de trabajo recién formada cuya cohesión se apoya más en un vocabulario musical compartido y en una intención común que en la proximidad física. La música avanza impulsada por la escucha atenta y un claro sentido de propósito colectivo.

Ese lenguaje compartido se sostiene, en parte, en la larga relación musical entre Douglas y Baron, una colaboración que se remonta a décadas y a numerosos contextos creativos. Warelis y Dunston, por su parte, aportan voces contemporáneas bien definidas, inclinadas hacia la interacción más que hacia jerarquías rígidas. En lugar de situar a Douglas como narrador único, el disco se desarrolla como un intercambio continuo: las ideas circulan, se transforman y, en ocasiones, se ponen a prueba en tiempo real.

Parte del impacto del álbum proviene de su inmediatez. Grabado en gran medida en vivo durante el Getxo Jazz Festival, en España —con material adicional trabajado al día siguiente sin público— Four Freedoms captura tanto la intensidad del momento escénico como la claridad que surge tras la reflexión.

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ÁLVARO TORRES MAIRENA - Madrid, Sevilla August 2025 - Llum Verda, Mairena, The Good Life - Álvaro Torres (p) Masa Kamaguchi (b) Kresten Osgood (dr)

El trío del pianista español Álvaro Torres con el bajista de Masa Kamaguchi y el baterista Kresten Osgood comenzó a tomar forma en 2023 con un estilo que fusiona el postbop, la improvisación libre y elementos del folclore español. Torres ha colaborado con Barry Altschul, Tony Malaby, Chris Lightcap y Bill McHenry, entre otros. Su CD Mairena fue grabado en Madrid en el Café Berlin y en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, durante su gira de nueve conciertos de 2025 por España.

LEE MORGAN CITY LIGHTS - Hackensack, NJ, August 25, 1957 - City lights, Tempo de waltz, You’re mine, you - Lee Morgan (tp) Curtis Fuller (tb) George Coleman (as1,ts) Ray Bryant (p) Paul Chambers (b) Art Taylor (d)

Dave Douglas “Four Freedoms”, Álvaro Torres “Mairena” y

Para Lee Morgan, un joven prodigio de la trompeta de apenas 19 años, 1957 fue un año decisivo. En ese período tocó junto al organista Jimmy Smith, participó como solista destacado en el célebre álbum Blue Train de John Coltrane y, tras la muerte de su ídolo y mentor Clifford Brown, pasó a ser un músico muy solicitado en estudios de grabación. Ese mismo año se estableció en Nueva York y se integró de forma permanente a los Art Blakey’s Jazz Messengers, dirigidos por Art Blakey, además de publicar varios discos como líder, entre ellos City Lights.

El grupo que lo acompaña en ese álbum reúne a jóvenes figuras en pleno ascenso: el trombonista Curtis Fuller, el saxofonista tenor George Coleman, el pianista Ray Bryant, el contrabajista Paul Chambers y el baterista Art Taylor. Todos ellos formaban un conjunto dinámico, ambicioso y en claro proceso de consolidación.

Al reseñar City Lights en 1958, año de su publicación, el crítico Dom Cerulli de la revista DownBeat elogió el control y la creatividad de Morgan, destacando en su interpretación “una seguridad que promete aún más, si logra mantener el ritmo actual de su carrera”.

- ALL STAR QUINTET - New York, January 25, 1944 - Rompin’ in ‘44, Blue interval, Seein’ Red - Edmond Hall (cl) Red Norvo (vib) Teddy Wilson (p) Carl Kress (g) Johnny Williams (b)

- SWINGTET - New York, May 5, 1944 It’s been so long, Big city blues - Benny Morton (tb) Edmond Hall (cl) Harry Carney (bar) Don Frye (p) Everett Barksdale (g) Junior Raglin (b) Sidney Catlett (d)

El clarinetista Edmond Hall fue uno de los pocos músicos de jazz capaces de ser reconocidos con una sola nota. Nació en 1901 en Luisiana, a unos sesenta kilómetros de Nueva Orleans.

En 1928 se trasladó a New York City, donde pasó la mayor parte del período 1929-35 como integrante de la orquesta de Claude Hopkins. El verdadero Edmond Hall comenzó a revelarse en discos en 1937. Sus grabaciones con el trompetista Henry “Red” Allen anunciaron su llegada. También grabó con Billie Holiday, junto al saxofonista Lester Young y la cantante Mildred Bailey.

Hall trabajó en combos de jazz tradicional liderados por Zutty Singleton y Joe Sullivan, y también grabó con músicos tan diversos como Art Tatum, Ida Cox, Lionel Hampton, Josh White e incluso W. C. Handy. Se convirtió además en un músico habitual del club Café Society y entre 1941 y 1944 formó parte del sexteto del pianista Teddy Wilson.

Hall lideró numerosas sesiones para el sello Blue Note Records. El singular “Celeste Quartet” fue su primera grabación como líder. También dirigió intensas sesión all-star de Dixieland para Blue Note en 1944.

TEDDY WILSON:

- AND HIS ORCHESTRA - Los Angeles, July 30, 1937 - Remember me (bc vcl), The hour of parting (bc vcl) - Harry James (tp) Benny Goodman (cl) Vido Musso (ts) Teddy Wilson (p) Allan Reuss (g) Harry Goodman (b) Gene Krupa (d) Boots Castle (vcl)

- QUARTET - Los Angeles, September 5, 1937 - Ain’t misbehavin’, Just a mood [Blue mood], Honeysuckle rose - Harry James (tp) Teddy Wilson (p) Red Norvo (xyl) John Simmons (b)

El pianista Teddy Wilson se encontraba en Los Angeles con la banda de Benny Goodman para participar en la película Hollywood Hotel de Warner Brothers. Para entonces, Goodman ya tenía suficiente poder como para insistir en que su Cuarteto también apareciera en la película.

Ese mismo día, Wilson grabó además con su propio conjunto, que incluye a Goodman, en una sesión para Victor. Esta fue la primera fecha de Wilson de la que han sobrevivido dos versiones de cada tema, lo que permite hacer comparaciones muy interesantes para determinar cuál interpretación se consideró superior. En algunos casos, la primera toma funcionaba más bien como un ensayo o una prueba técnica; en otros, bastaba con que alguien cometiera un error evidente o hiciera una entrada vacilante para que quedara claro que esa versión era inferior.

Es mérito de Wilson haber logrado algo tan memorable a partir de una canción tan trivial como Remember Me. El puente no está nada mal, aunque quizá solo porque lo que lo precede resulta tan poco inspirado. Goodman se divierte bastante dándole un aire de blues a la melodía, pero lo que realmente salva la interpretación son los hermosos momentos que aporta Wilson a lo largo de la pieza, ya sea en sus solos o en ese acompañamiento elegante y distante que sabe construir con tanta sutileza.

COUNT BASIE AND HIS ORCHESTRA - New York, June, July 1937 - One O’Clock Jump, Pennies From Heaven, Swinging at Daisy Chain, Roseland Shuffle, Exactly like you, Boo hoo, Good morning blues - Buck Clayton (tp,arr) Ed Lewis, Bobby Moore (tp) Eddie Durham (tb,arr) George Hunt, Dan Minor (tb) Earl Warren (as,vcl) Herschel Evans (ts) Lester Young (ts,cl) Jack Washington (as,bar) Count Basie (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Jimmy Rushing, Billie Holiday (vcl) Jimmy Mundy, Eddie Durham (arr) Howard Doyle (mc)

La banda de Basie recién había llegado a Nueva York y ya estaba aportando algo radicalmente nuevo: una sección rítmica fluida y un fuerte énfasis en los solos improvisados. Su aspiración era lograr la informalidad de un pequeño conjunto, aunque apoyado por instrumentos adicionales, que era justamente el objetivo declarado de Basie. El contrabajista Walter Page había instruido al baterista Jo Jones sobre la cualidad esencial para dar vida a este nuevo enfoque: la batería nunca debía eclipsar a los demás instrumentos de la sección rítmica. Esto condujo al innovador concepto de Jones de concentrarse en el fluir del ritmo, más que en su marcación estricta.

En One O’Clock Jump, la frase que Basie toca en los segundos ocho compases de su segundo coro se convirtió en su característico vamp, utilizado como introducción al tema de la banda durante toda la primera década del conjunto. El solo de vientos recae en el solista más brillante de la orquesta, el saxofonista tenor Lester Young; y los coros finales basados en riffs incluyen puentes en los que el contrabajo de Page adquiere un papel especialmente destacado.

“THE BRIDGE” - New York, January - February, 1962 John S. The Bridge Sonny Rollins (ts) Jim Hall (g) Bob Cranshaw (b) Harry T. Saunders / Ben Riley (d)

Hay una larga brecha en la discografía de Sonny Rollins entre 1959 y 1962 en la que decidió voluntariamente no tocar en público. No existen grabaciones de este período después de las cintas privadas que se hicieron durante su gira europea en marzo de 1959.

Prefirió arriesgar su fama antes que dejar de crecer.Durante casi dos años practicó solo en el Puente de Williamsburg, en Nueva York, donde podía tocar sin molestar a nadie.

Su regreso ocurrió en diciembre de 1961 en el Jazz Gallery, epicentro del jazz neoyorquino. Lideró un cuarteto con Jim Hall, Bob Cranshaw y Walter Perkins, mientras la fila rodeaba la cuadra. En el público estaban músicos como Art Blakey, Miles Davis, Bill Evans y Benny Golson. La expectativa era enorme.

La crítica habló de una ejecución más sólida que nunca, aunque algunos esperaban una transformación radical. Rollins no lo veía así. Para él, el estilo profundo de un músico no cambia: lo que cambia es la manera de decir lo que se quiere expresar.

Después del sabático apareció otra dimensión. Las frases se volvieron más cortas, surgieron pausas deliberadas y el silencio dejó de ser un descanso para convertirse en parte esencial del discurso. El cambio más profundo, quizás, no fue técnico sino filosófico. Ya no tocaba para competir ni para consolidar reputación. Tocaba para entender.

En enero y febrero grabó el disco que selló su retorno, The Bridge, con el mismo núcleo de músicos.

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OUR MAN IN JAZZ - LIVE “THE VILLAGE GATE”, New York, July 27, 1962 Dearly beloved Don Cherry (cnt) Sonny Rollins (ts) Bob Cranshaw (b) Billy Higgins (d)

Our Man in Jazz suena casi como una conversación en voz alta. No se parece a nada de lo que Sonny había grabado antes. Hay silencios cargados de tensión, interrupciones repentinas y una especie de puntuación rítmica que hace pensar que está hablando a través del saxofón más que simplemente tocándolo.

La música nació en tres sets de una hora cada noche, durante cuatro días. El repertorio era personal y arriesgado: iba desde canciones del gran cancionero estadounidense hasta territorios cercanos al avant-garde. Varias piezas ya formaban parte de su historia, pero aquí aparecen transformadas. Los temas no terminan: se encadenan. Cada cierre parece conducir inmediatamente a otro comienzo. Una versión de “Oleo”, por ejemplo, se extiende por más de veinticinco minutos.

El disco dividió opiniones. No todos entendieron lo que Sonny llamaba su “Música Lógica”. El crítico Pete Welding le otorgó apenas tres estrellas en Down Beat, la reseña más baja que recibía en una década. Pero, más que un traspié, el álbum dejó claro que Rollins estaba decidido a seguir su propio camino, aunque eso implicara desconcertar a parte de su público.

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“SONNY MEETS HAWK !” - New York, July 15, 1963 All The Things You Are Sonny Rollins, Coleman Hawkins (ts) Paul Bley (p) Bob Cranshaw (b) Roy McCurdy (d)

Cuando el productor George Avakian le dijo a Sonny Rollins que podía grabar con quien quisiera, la respuesta fue inmediata: quería tocar con “el hombre a quien todo saxofonista le debe gratitud”, Coleman Hawkins.

La elección era clara. La inquietud no. Rollins admiraba profundamente a Hawkins y sabía que enfrentarlo en el estudio significaba medirse con la raíz misma del saxo tenor moderno. La pregunta era cómo sostener su propia voz —esa voz ya inquieta y en transformación— sin quedar atrapado por el peso de la admiración.

Se fijaron dos días para grabar Sonny Meets Hawk!. El primero, Sonny no apareció. No fue un gesto caprichoso: en 1963 todavía estaba redefiniendo su rumbo después del sabático, explorando nuevas direcciones. Tal vez necesitaba tiempo para reconciliar esa búsqueda personal con un encuentro tan directo con la tradición.

Cuando finalmente llegó al estudio, la tensión se disipó en la música. Lo que quedó registrado fue un diálogo franco y generoso entre generaciones.

Abrieron con “All the Things You Are”. Ocho compases bastaron para que Hawkins afirmara su autoridad con esa sonoridad plena y vertical que lo distinguía. La sección rítmica alteró la introducción, pero Hawk entró sin titubeos. Rollins respondió con disonancias y ángulos inesperados; no era un desafío, sino una expansión del lenguaje. Durante tres coros, Hawkins tocó con una vitalidad asombrosa, recordando que la tradición no es pasado: es presencia viva.

ORIGINAL MUSIC FROM THE SCORE “ALFIE” - New York, January 26, 1966 Alfie’s Theme J.J. Johnson (tb) Jimmy Cleveland (tb-1) replaces J.J. Johnson, Phil Woods (as) Sonny Rollins, Bob Ashton (ts) Danny Bank (bar) Roger Kellaway (p) Kenny Burrell (g) Walter Booker (b) Frankie Dunlop (d) Oliver Nelson (arr,cond)

En 1966, Sonny Rollins grabó la banda sonora de Alfie, la película protagonizada por Michael Caine. Para la sesión se reunió una orquesta de nueve músicos bajo la dirección y los arreglos de Oliver Nelson. El tiempo apremiaba: solo había tres horas de estudio y ningún ensayo previo. Nelson respetó en gran medida las ideas originales de Sonny, pero las envolvió en su inconfundible color orquestal.

Rollins eligió una sección rítmica cercana —Walter Booker en bajo y Frankie Dunlop en batería— y dejó en manos de Nelson el resto del elenco. Muchas decisiones, incluso quiénes improvisaban, se tomaron sobre la marcha. Años más tarde, Dave Liebman señalaría el solo en “Alfie’s Theme” como una exploración total del instrumento, con ecos evidentes de Coltrane.

El pianista Roger Kellaway tuvo un rol central, interviniendo en todos los temas. En “Little Malcolm Loves His Dad”, durante un solo, Sonny se apartó repentinamente del micrófono y dejó la improvisación inconclusa; Kellaway continuó sin saber exactamente por qué.

Con el tiempo, Rollins sintió que todo había sido demasiado apresurado. Los músicos respondieron con profesionalismo, pero él habría querido más tiempo, más espacio y mayor control sobre los arreglos.

“DON’T STOP THE CARNIVAL” - Live (*), San Francisco, CA, April 13, 14 & 15, 1978 Autumn Nocturne Donald Byrd (tp,flhrn-1) Sonny Rollins (ts,sop) Mark Soskin (p,el-p) Aurell Ray (el-g) Jerome Harris (el-b) Tony Williams (d)

Our Man in Jazz

En abril de 1978, Sonny Rollins viajó a San Francisco para grabar el álbum Don’t Stop the Carnival.

El disco se registró en vivo en el Great American Music Hall, entre el 13 y el 15 de abril. Como invitados participaron el baterista Tony Williams y el trompetista Donald Byrd, junto a Jerome Harris en bajo, Aurell Ray en guitarra y el pianista Mark Soskin.

Williams —contratado para la ocasión en lugar del baterista habitual de Rollins— fue una fuerza arrolladora en el tema que da título al álbum. Sonny aportó dos composiciones propias: “Silver City”, uno de los puntos más altos del disco, que comienza con un extenso dúo entre saxofón y batería, y la pieza funk “Camel”, donde el baterista despliega toda la energía eléctrica que había mostrado en su grupo Lifetime.

Pero el momento más impactante llega en la cadencia visceral de “Autumn Nocturne”: Sonny Rollins despliega lo que Soskin describió como una “enciclopedia del jazz”: fragmentos de historia, recursos técnicos, citas implícitas, todo condensado en un solo discurso. Cuando finalmente entra la sección rítmica, la tensión acumulada se libera y el público estalla en un aplauso casi catártico.

El pianista argentino Leo Genovese, descrito por The New York Times como un verdadero “políglota musical”, ha recibido elogios de la crítica y varios reconocimientos importantes. Entre ellos destacan el premio de Grammy Award for Best Improvised Jazz Solo en 2021 por su participación en “Endangered Species”, de Wayne Shorter, y el galardón Rising Star—Piano en la encuesta de críticos de DownBeat en 2023.

Pianista de enorme talento y versatilidad, Genovese también ha realizado giras y grabado con figuras como esperanza spalding, Joe Lovano, Jack DeJohnette y Herbie Hancock, entre muchos otros.

En Solo Brooklyn, registrado en vivo a comienzos del año pasado durante el Forward Festival organizado por 577 Records en Nueva York, podemos escuchar a Genovese en un contexto íntimo y completamente solo, una situación ideal para apreciar la amplitud de su lenguaje y su libertad creativa al piano.

LUIS NACHT / CAMILA NEBBIA NOCHE Y NIEBLA - Buenos Aires, Argentina, lanzamiento 6 de marzo, 2026 - La colgué, Me condiciona el nombre, Me gusta así - Luis Nacht (st/ss) Camila Nebbia (st) Jerónimo Carmona (b) Fermín Merlo (dr)

El próximo lanzamiento del álbum Noche y Niebla marca un acontecimiento significativo dentro del jazz argentino, al reunir dos linajes musicales distintos tanto en lo temporal como en lo estético. Los saxofonistas Luis Nacht y Camila Nebbia, representantes de generaciones diferentes, anuncian este trabajo acompañados por una sección rítmica profundamente arraigada en la improvisación: Jerónimo Carmona en contrabajo y Fermín Merlo en batería.

Más que una colaboración circunstancial, Noche y Niebla es el resultado de un entendimiento musical desarrollado a lo largo del tiempo. El diálogo creativo entre Nacht y Nebbia ha madurado durante más de una década de presentaciones en vivo, dando forma a una obra que lleva la improvisación a un plano conceptual particularmente profundo. El título del álbum alude a la tensión entre la oscuridad de la intuición y la indeterminación de la forma, dos fuerzas que atraviesan y modelan todo el proyecto.

NOVOA/CARTER/MELA TRIO THE FREEDOM SUITE VOL. 2 - New York, April 18, 2021 - Education, Creative destruction, Free to be free, Silence, Cyborgs - Daniel Carter (ts,as,sop,cl,tp,fl) Eva Novoa (p,el-p,el-harpsichord,Chinese gongs,maracas,vcl,whistling) Francisco Mela (d,vcl)

Durante varios años, la pianista y compositora Eva Novoa se ha consolidado como una presencia constante dentro de la música creativa, con una serie de lanzamientos recientes que reflejan su enfoque innovador.

The Freedom Suite, Novoa/Carter/Mela Trio, Vol. 2 reúne a Novoa junto al multi-instrumentista Daniel Carter y al baterista Francisco Mela en un proyecto que enfatiza el trabajo colectivo y la improvisación del momento. El disco nace, además, como un homenaje a Duke Ellington, cuyo genio transformó el lenguaje de la big band con una concepción orquestal novedosa sin perder nunca el impulso del swing.

El álbum está formado por una serie de breves “estudios” o viñetas musicales que evocan distintas facetas del universo de Ellington, desde el sonido de su orquesta hasta el espíritu del célebre álbum Money Jungle, grabado por Ellington junto a Charles Mingus y Max Roach. El resultado es una mirada contemporánea que conecta tradición, improvisación y exploración sonora.

El septeto neoyorquino The Empress debuta con el álbum Square One, un magnífico álbum de hard bop y una delantera de cuatro saxofonistas. La agrupación es una iniciativa de Pureum Jin, nacida en Corea del Sur y radicada en Nueva Yorkquien alterna entre soprano y alto, que además formó el colectivo con la idea de reunir y dar mayor visibilidad a destacadas músicas de la escena neoyorquina actual. Junto a ella participan Erena Terakubo (alto), Chelsea Baratz (tenor) y Lauren Sevian (barítono), . El grupo lo completa un sólido trío rítmico: Steve Ash en piano, Joey Ranieri en contrabajo y Pete Van Nostrand en batería.

Gran parte del carácter del disco proviene de los ingeniosos arreglos del saxofonista y compositor alemán Michael Lutzeier, responsable de diez de las once piezas. El álbum abre con su enérgica “Instant Composure”, que deja claro desde el inicio el empuje del conjunto y la potencia de los saxos, que generan un sonido casi de big band.

HANK JONES THE TALENTED TOUCH - New York, February 3, 4, 6 & 7, 1958 - If I love again, My one and only love, Don’t ever leave me, It’s easy to remember, You are my love, The blue room - Hank Jones (p) Barry Galbraith (g) Milt Hinton (b) Osie Johnson (d)

The Talented Touch, grabado en 1958 cuando el pianista Hank Jones tenía 40 años, es uno de los primeros álbumes que permite apreciar con claridad el refinado estilo que lo convertiría en una figura esencial del piano en el jazz. El disco presenta principalmente versiones breves de estándares muy conocidos, interpretados con un enfoque elegante y contenido.

Acompañado por el contrabajista Milt Hinton y el baterista Osie Johnson, Jones se mueve dentro de un trío que le concede mayor libertad de lo habitual en las producciones de su sello en esa época. El clima general del álbum es deliberadamente ligero y refinado. The Talented Touch ofrece una muestra del gusto, la claridad y la sensibilidad musical que acompañarían a Hank Jones durante toda su larga carrera.

MARCUS GILMORE JOURNEY TO THE NEW - Live “Village Vanguard”, New York, July 26 & 27, 2024 - Cape stride, Hindsight, Open handed reach, Interlude two - Morgan Guerin (EWI) David Virelles (p) Emmanuel Michael (g) Rashaan Carter (b) Burniss Travis (el-b) Marcus Gilmore (d,perc)

Journey to the New marca el esperado debut como líder del baterista Marcus Gilmore, nieto del legendario Roy Haynes. Aunque Gilmore llevaba más de dos décadas activo colaborando con figuras como Chick Corea, Pharoah Sanders y Pat Metheny, este registro en vivo en el Village Vanguard es su primer disco liderando un proyecto propio.

El grupo reúne a músicos de gran sensibilidad: Morgan Guerin (EWI), David Virelles (piano), Emmanuel Michael (guitarra), Rashaan Carter (contrabajo) y Burniss Travis (bajo eléctrico). El álbum es resultado del trabajo de conjunto, donde la batería de Gilmore cumple un papel estructural: organiza el flujo de la música y permite que el grupo respire como un solo organismo.

Para el pianista, organista y tecladista Brian Charette, el órgano Hammond B3 es una orquesta completa y no simplemente un instrumento limitado a un papel específico dentro del jazz. Su álbum Borderless lo ilustra. Es, además, una de sus creaciones más personales y arriesgadas. Grabado en solitario, con material mayormente original y registrado en una o dos tomas, el disco recupera una ética clásica del jazz: confiar en el momento y dejar que las pequeñas imperfecciones revelen la verdad.

El programa abre con “Minors Must Be Accompanied by Adults”, los menores deben ser acompañados por adultos, un blues en tonalidad menor que remite a Jack McDuff, aunque con sutiles extensiones armónicas que generan una leve inestabilidad. “Sunrise” cambia el clima con escalas húngaras y un vibrato vintage previo al dominio de Jimmy Smith. La escala menor húngara (o gitana menor) es una escala exótica heptatónica conocida por su sonido oscuro y característico de Europa del Este.

TONI HARPER DIZZY GILLESPIE AND HIS ORCHESTRA - Los Angeles, November 8, 1955 - Taking a chance on love, Play me the blues - Dizzy Gillespie, Harry “Sweets” Edison (tp) Melba Liston (tb) Willie Smith (as) Curtis Amy, Ed Beal (ts) Clyde Dunn (bar) Carl Perkins (p) George Bledsoe (b) Albert Bartee (d) Toni Harper (vcl)

TONI HARPER “TONI HARPER SINGS” - Los Angeles, December 29, 1955 - Gone with the wind, I could write a book - Toni Harper (vcl) Oscar Peterson (p) Herb Ellis (g) Ray Brown (b) Alvin Stoller (d)

TONI HARPER NIGHT MOOD - Hollywood, CA, April , 1960 - Round midnight, Saturday night - Toni Harper with Orchestra Arranged & Conducted by Marty Paich : Toni Harper (vcl) acc by Conte Candoli, Dick Collins, Stu Williamson, Al Porcino (tp) Frank Rosolino, Bob Fitzpatrick, Pete Carpenter (tb) Red Callender (tu) Art Pepper, Bud Shank (as) Bill Perkins, Jack Montrose (ts) Jack Nimitz (bar) Jimmy Rowles (p) Larry Bunker (vib) Bill Pitman (g) Joe Mondragon (b) Mel Lewis (d) Marty Paich (dir)

Toni Harper (nació en 1937, falleció el 2023), también conocida como Toni Dunlap, fue una cantante estadounidense. Figura precoz del jazz vocal, alcanzó notoriedad siendo apenas una adolescente, con presentaciones en el Carnegie Hall y actuaciones junto a Frank Sinatra.

En 1955, con 17 años, realizó sus primeras grabaciones en un álbum de Dizzy Gillespie, participando en dos de los cuatro temas del disco con una banda con figuras legendarias del jazz como Harry “Sweets” Edison y la trombonista Melba Liston. Más tarde debutó como solista en el sello Verve Records, la acompañan el trío de Oscar Peterson, con Herb Ellis, Ray Brown y Alvin Stoller.

Se retiró de los escenarios a los 29 año y en 1960 grabó su último álbum, Night Mood, junto al director y arreglista Marty Paich de Frank Sinatra. El álbum es sofisticado y hecho a su medida. Alternando estándares del cancionero popular con originales de jazz, el disco revela toda la amplitud de su talento.

LARANCE MARABLE - TENORMAN - Hollywood, CA, August 4, 1956 - The devil and the deep blue sea, Easy living, Minor meeting, Three fingers north [Sweet Georgia Brown] - James Clay (ts) Sonny Clark (p) Jimmy Bond (b) Lawrence Marable (d)

Nacido en Los Ángeles en 1929, Lawrence Marable fue uno de los bateristas más sólidos del mainstream angelino. Autodidacta, se destacó en los años 50 por su poderoso trabajo de platillos y sus precisos acentos, acompañando a figuras como Charlie Parker, Dexter Gordon y Stan Getz. Grabó con los Montgomery Brothers y participó en sesiones de Chet Baker, Sonny Stitt y Milt Jackson. En 1956 lideró una sesión junto al tenorista James Clay, y más tarde integró el Quartet West de Charlie Haden, grabando para Verve Records.

Aunque Steve Smith, fundador de HRS, seguramente tuvo algo que decir al elegir la banda, fue Pee Wee quien dirige: él eligió los temas, definió las rutinas y los tempos. El grupo era todo un cruce de mundos: Dicky Wells y Freddie Green venían de la banda de Count Basie; Max Kaminsky, amigo de Pee Wee, bajó desde su Boston natal; James P. Johnson, el decano del piano stride de Harlem, que llevaba casi tres años fuera de los estudios; y el gran baterista Zutty Singleton, colaborador habitual de la banda de Eddie Condon.

La primera sesión de HRS fue nada menos que el debut de Pee Wee Russell como líder en disco.

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PEE WEE RUSSELL PEE WEE RUSSELL’S RHYTHMAKERS - New York, August 31, 1938 - Baby, won’t you please come home ?, Baby, won’t you please come home ?, There’ll be some changes made, I’ve found a new baby, Everybody loves my baby (1) - Max Kaminsky (tp) Dicky Wells (tb) Pee Wee Russell (cl) Al Gold (ts) James P. Johnson (p) Freddie Green (g) Wellman Braud (b) Zutty Singleton (d,vcl)

El crítico de jazz Dick Rieber contó que hicieron unas ocho tomas hasta lograr una aceptable de Baby, Won’t You Please Come Home, pero las dos que se publicaron quedaron muy bien. There’ll Be Some Changes Made, un clásico de Chicago, también sobrevivió en dos tomas: los tempos son iguales, pero en la primera Kaminsky hace un solo tras el ensemble inicial, mientras que en la segunda es Johnson quien brilla en ese momento – ¡y lo hace fenomenal! El solo de tom-tom de Zutty, impresionante en ambas tomas, va seguido de dos coros calientes del conjunto, otra vez al más puro estilo de Chicago.

MUGGSY SPANIER / SIDNEY BECHET BIG FOUR - New York, March 28, 1940 - Four or five times, Sweet Lorraine, Lazy river, China boy - Muggsy Spanier (cnt) Sidney Bechet (cl,sop) Carmen Mastren (g) Wellman Braud (b)

Con el cuarteto The Sidney Bechet Buggsy Spanier Big Four, HRS se metió de lleno en la historia del jazz. Stephen Smith estaba tan impresionado con los discos sin batería ni piano que Rex Stewart, Barney Bigard, Django Reinhardt y Billy Taylor habían hecho en París en 1939 que decidió intentar algo parecido con Bechet, pero “con un sabor más antiguo y tradicional”. Le pidió al guitarrista Carmen Mastren que preparara los arreglos, Wellman Braud es el contrabajista.

Mastren contó que antes de las sesiones apenas había hablado con Bechet o Spanier, y ni siquiera conocía a Braud, así que estaba un poco nervioso por lo que pasaría en el estudio. “Bechet y Braud llegaron y se sentaron frente a frente. Muggsy llegó y se sentó. Uno, dos, tres, cuatro… ¡y pum! La música explotó a mi alrededor”.

Bechet solía ser muy competitivo con los trompetistas, pero con Spanier era distinto. La manera firme y sencilla de tocar del cornetista y su entrega sincera hicieron que Bechet se sintiera seguro y a gusto, y juntos crearon algo mágico.

HARRY CARNEY HARRY CARNEY’S BIG EIGHT - New York, March 18, 1946 - Minor mirage, Jamaica rumble , Shadowy sands, Candy cane - Joe Thomas (tp) Lawrence Brown (tb) Otto Hardwick (as) Ted Nash (ts) Harry Carney (bar) Jimmy Jones (p) Billy Taylor, Sr. (b) Jimmy Crawford (d)

Esta fue la primera sesión como líder de Carney, el histórico barítono de Ellington. Minor Mirage deja escuchar al distintivo sonido de alto de Otto Hardwick, fundamental en las secciones de reed de los años 30 y 40. En Jamaica Rumble, los cinco metales se mezclan con calidez, mientras el pianista Jimmy Jones ofrece un solo lineal poco habitual; también se destacan solos de Ted Nash, Lawrence Brown y el propio Carney. Candy Cane combina una introducción a capella con un tema atractivo, y aunque Jones tiene un breve espacio, la sesión es sobre todo un despliegue del liderazgo y virtuosismo de Carney. Estas grabaciones HRS forman parte del pequeño pero potente legado de grupos reducidos de Ellington.

BILLY KYLE BIG EIGHT - NYC September 11, 1946) - H.R.S. Bounce, Ooh, baby, you knock me out, Date for eight, Contemporary blues - Dick Vance (tp) Trummy Young (tb,vcl) Buster Bailey (cl) Lem Davis (as) John Hardee (ts) Billy Kyle (p) John Simmons (b) Buddy Rich (d))

La primera sesión de Kyle como líder para HRS reúne a figuras destacadas: el trompetista Dick Vance, el tenor texano John Hardee, el auto-didacta John Simmons y Buddy Rich en batería. En H.R.’s Bounce, de tempo medio, los ensambles son precisos y cada músico tiene su momento: el oen rden de solos son alto Lem Davis, trombón de Trummy Young, clarinete Buster Bailey, Hardee tenor, el Kyle en piano, Vance con sordina, y un sutil solo final de Buddy Rich. La sesión captura la energía de un grupo pequeño liderado por un pianista con gran sentido de swing y control del ensemble.

Esta noche en PJ presentaremos el segundo programa dedicado a la carrera del influyente saxo tenor y compositor Sonny Rollins. Este programa recorre un momento decisivo en la historia de Rollins quien pasó de ser una joven promesa del saxofonista a convertirse en una voz central e ineludible del instrumento.

- “MOVIN’ OUT” - Hackensack, NJ, August 18, 1954- Swingin’ For Bumsy - Kenny Dorham (tp) Sonny Rollins (ts) Elmo Hope (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d)

En agosto de 1954, Rollins ingresó al estudio de Rudy Van Gelder registró su álbum Moving Out para el sello Prestige, era su primera sesión como líder en casi un año y uno de sus primeros LPs de doce pulgadas.

Para la ocasión reunió a un gran grupo: Elmo Hope en piano, Percy Heath en contrabajo, Art Blakey en batería y su gran amigo, el trompetista Kenny Dorham. Dorham tocaba con un fraseo muy cercano al del saxo tenor —instrumento que también había tocado—, lo que le dió al quinteto una sonoridad muy particular. La idea en el estudio era capturar la energía de un club.

Ese día registraron cuatro composiciones originales de Rollins que, aunque basadas en progresiones de acordes conocidas, no todos los músicos las dominaban, pero eso no impidió que la sesión fluyera.

El sonido de Sonny ya mostraba mayor madurez. Para el crítico Ira Gitler, que escribió las notas del disco, el álbum confirmaba la promesa que Rollins había mostrado desde joven. Sin embargo Nat Hentoff, crítico de la revista Down Beat, elogió al grupo y la calidad de la grabación de Van Gelder, aunque fue más duro con Sonny, a quien calificó como “falto de imaginación, aunque rítmicamente poderoso”.

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- PLUS 4 - Hackensack, NJ, March 22, 1956 - Valse Hot - Clifford Brown (tp) Sonny Rollins (ts) Richie Powell (p) George Morrow (b) Max Roach (d)

En marzo de 1956, Rollins grabó Sonny Rollins Plus Four, aunque él es el líder nominal, se trata del quinteto del Quinteto de Clifford Brown y Max Roach. Sonny eligió tres estándares y dos composiciones propias. Lo más llamativo del disco fueron, sin duda, los temas originales.

“Valse Hot”, que hoy es un clásico, fue un experimento en compás de 3/4. Cuando Sonny escuchó el “Jitterbug Waltz” de Fats Waller, la composición que le aclaró que además del 4/4 normalmente usado em el jazz, había otros metros posibles que todavía no se habían explorado a fondo.

En “Valse Hot” los acentos caen en lugares inesperados, y lograr que el swing suene ligero y natural no era fácil. Max, que nunca antes había tocado un vals de jazz le confesó a Rollins que se quedó en el sótano de su casa practicando toda la noche. El otro original fue “Pent-Up House”, que ahora también es estándar.

En las notas del álbum escritas por Ira Gitler, proclama a Sonny como un referente clave del tenor moderno cuya influencia sobre varios saxofonistas contemporáneos era obvia.

Con este álbum, las dudas que Nat Hentoff había manifestado antes sobre Sonny desaparecieron. Le otorgó al disco cuatro estrellas y media en Down Beat: era la mejor reseña que Rollins había recibido hasta ese momento.

- “TENOR MADNESS” - Hackensack, NJ, May 24, 1956 - Tenor Madness - Sonny Rollins (ts) John Coltrane (ts-1) Red Garland (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

Para las sesiones del 24 de mayo de 1956, Sonny contrató la sección de ritmo del Primer Gran Quinteto de Miles Davis: Paul Chambers, Philly Joe Jones y Red Garland. También trajeron a John Coltrane, que no fue contratado para la sesión, pero vino a mostrar su apoyo a Sonny. Resultó ser una de las sesiones más importantes de su carrera: Tenor Madness.

Sonny eligió estándares poco transitados: “When Your Lover Has Gone”, “My Reverie” y “The Most Beautiful Girl in the World”. Sumó además un original, “Paul’s Pal”, dedicado a Chambers. Durante la sesión Rollins grabó algunas de sus interpretaciones más líricas y sofisticadas, usando un vibrato muy expresivo pero no estaba conforme. Después de cada toma negaba con la cabeza: “No está pasando nada”. Pero algo sí pasó.

Alguien sugirió que Sonny invitara a Coltrane a tocar en una pista. Coltrane, que se había quedado dormido en el auto, afortunadamente, tenía su saxofón. Se decidieron por un blues de doce compases bien conocido en el medio en ese época. Kenny Clarke, que lo había compuesto, lo grabó en 1946 como “Rue Chaptal” y alternativamente como “Royal Roost”. Hank Mobley lo había grabado como “Sportin’ Crowd” con Jazz Messengers de Art Blakey y Sonny junto a Trane lo bautizaron como “Tenor Madness”, que se convertiría en la versión definitiva de la canción.

- “SAXOPHONE COLOSSUS” - Hackensack, NJ, June 22, 1956 - Blue 7, St. Thomas - Sonny Rollins (ts) Tommy Flanagan (p) Doug Watkins (b) Max Roach (d)

Para Saxophone Colossus, grabado en 1956, Sonny Rollins reunió un cuarteto que no solo confirmó el altísimo nivel que ya venía mostrando, sino que lo proyectó aún más lejos. La reseña de Gunther Schuller, que popularizó la idea de la “improvisación temática” asociada a Rollins, terminó de instalar el disco como un clásico indiscutido. A partir de entonces, Sonny empezó a ser considerado el tenor más influyente desde Coleman Hawkins y Lester Young.

En una escena dominada por herederos del lirismo de Lester Young, a Rollins se lo describía a veces como áspero o incluso iracundo. Sin embargo, su música transmite más bien amplitud, humor e inteligencia estructural. Hay ingenio en su forma de elegir repertorio y, sobre todo, en cómo organiza sus improvisaciones. Su sonido es firme y elegante, con una autoridad que nunca se vuelve rígida: siempre está en transformación.

Las cinco piezas del álbum son sólidas, pero dos momentos resultan especialmente reveladores. En “Blue 7”, Rollins construye su solo a partir de motivos breves de blues menor que desarrolla con paciencia y lógica interna, articulando el trabajo del cuarteto con claridad casi arquitectónica.

En “St. Thomas”, parte de una sencilla figura de dos notas que va variando sutilmente. Max Roach responde con un solo igualmente temático —algo inusual en la batería de la época— y sostiene el pulso con imaginación junto al piano de Tommy Flanagan. Cuando Rollins regresa, ya en tiempo de jazz, retoma ideas previas y cierra su improvisación con naturalidad, como si todo hubiera estado previsto desde el comienzo.

- “WAY OUT WEST” - Los Angeles, March 7, 1957 I’m an Old Cowhand Sonny Rollins (ts) Ray Brown (b) Shelly Manne (d)

En 1957 Sonny Rollins estaba en la cima de su carrera. Venía de grabar Saxophone Colossus y su sonido ya era una referencia del saxo tenor moderno. Rollins se encontraba en Los Ángeles -costa oeste de Estados Unidos cuando decidió entrar al estudio de Contemporary Records junto a dos músicos extraordinarios: Ray Brown en contrabajo y Shelly Manne en batería. El detalle clave es que no hay piano. La ausencia de piano no fue una decisión económica, sino estética. Rollins quería libertad. Sin un instrumento armónico que fijara los acordes, el saxo quedaba expuesto, obligado a sugerir las armonías desde el propio fraseo. Lejos de sonar frágil, el resultado fue abierto y ágil. La música respira. Hay espacio, riesgo y una sensación constante de movimiento.

El repertorio se basa en el imaginario Lejano Oeste con canciones como “I’m an Old Cowhand” soy un viejo vaquero y “Wagon Wheels” ruedas de carreta, además de la célebre carátula con Rollins vestido de vaquero en el desierto californiano. Pero el guiño es más que decorativo. En “Old Cowhand”, por ejemplo, Rollins convierte un tema casi humorístico en un ejercicio de improvisación temática: toma pequeñas melodías, las transforma, las desplaza rítmicamente y las reorganiza con lógica interna. Construye, más que simplemente encadenar frases.

Way Out West consolidó el formato de trío sin piano para el tenor. Parece ligero, incluso juguetón, pero su arquitectura es seria y audaz. Es una exploración que ampliaría el camino del jazz moderno.

- Damn if I know [The stroller] - Jimmy Owens (tp,flhrn) Grachan Moncur, III (tb) Archie Shepp (ts) Walter Davis, Jr. (p) Ron Carter (b) Beaver Harris (d)

- Sophisticated lady Archie Shepp (ts) Ron Carter (b) Roy Haynes (d)

El álbum “The Way Ahead” marcó un giro importante para Archie Shepp. Grabado en 1969, el saxofonista buscaba una formación que equilibrara tradición y vanguardia, inicialmente sin piano —quizás influido por su experiencia junto a Cecil Taylor. El álbum reunió a Ron Carter (contrabajo), Grachan Moncur III (trombón), Jimmy Owens (trompeta), Beaver Harris o Roy Haynes (batería) y Walter Davis Jr. (piano).

El repertorio combina blues profundo, góspel y swing callejero con una energía moderna. Desde “Damn If I Know (The Stroller)”, con ecos de Duke Ellington y Ben Webster, el grupo explora un territorio que también dialoga con el espíritu de Charles Mingus. El solo de Shepp es áspero y expresivo, sostenido por una base flexible.

En “Sophisticated Lady” y “Fiesta”, con Haynes en batería, aportan un swing elegante y una profundidad emocional inesperada. El resultado es un disco que mira hacia adelante sin perder sus raíces.

CRAIG TABORN, TOMEKA REID Y CHES SMITH “DREAM ARCHIVES” - New Haven, CT, January, 2024 - Coordinates for the absent, When Kabuya dances, Mumbo jumbo Craig Taborn (p,keyboards,electronics) Tomeka Reid (cello) Ches Smith (d,perc,vib,electronics)

El álbum Dream Archives reúne a Craig Taborn (piano), Tomeka Reid (cello) y Ches Smith (batería, vibráfono y percusión). Aunque es su primer disco como trío, suena como el trabajo de un grupo con años de confianza compartida. El repertorio incluye cuatro composiciones de Taborn y dos versiones muy bien elegidas: “When Kabuya Dances”, de Geri Allen, y “Mumbo Jumbo”, de Paul Motian.

Desde el inicio, con “Coordinates for the Absent”, Taborn explora los registros más agudos y graves del piano en un diálogo de gran sensibilidad, con ecos impresionistas que recuerdan a Debussy, pero siempre buscando nuevos caminos rítmicos y armónicos.

A lo largo del álbum, el trío transita por distintos climas y paisajes sonoros con naturalidad. Hay libertad, riesgo y escucha atenta, pero también una clara sensación de unidad. Nada suena forzado: la música fluye con coherencia, curiosidad y una conexión profunda entre los tres músicos.

ROSWELL RUDD & DUCK BAKER “LIVE” - New York, January 5, 2002 & Albuquerque, NM, March 28, 2004 - The happenings, A bouquet for JJ, Well, you needn’t, Bemsha swing - Roswell Rudd (tb) Duck Baker (g)

El trombonista y etnomusicólogo Roswell Rudd, se une al guitarrista fingerstyle Duck Baker, en Live un album registrado en vivo en 2002 en Tonic el extinto club de Nueva York) y en 2004 en The Outpost (Albuquerque), ambas actuaciones muestran una química poco común. (“Fingerstyle” el guitarrista usa el pulgar para tocar las cuerdas graves y los otros dedos para tocar melodía, acordes y armonías en las cuerdas agudas).

La combinación de trombón jazzístico y guitarra folk crea un formato inusual, que exige gran cuidado en timbre y dinámica. Rudd frasea como si hablara: incluso en los pasajes más libres mantiene un aire narrativo, lleno de carácter. Baker aporta ritmo flexible, toque preciso e imaginación, dialogando con respeto por la amplia trayectoria de Rudd —del trad al free—, pero como un igual.

Juntos reinventan temas de Jelly Roll Morton, Thelonious Monk y Herbie Nichols, y juegan con citas y asociaciones libres, rozando a veces la desarmonía deliberada. El resultado es un experimento lúdico y radical, tan histórico como arriesgado.

La música del saxofonista tenor Hank Mobley, es una parte esencial del legado del sello Blue Note Records. Dueño de un sonido lírico y reconocible, de ideas armónicas y rítmicas sofisticadas y de una escritura melódicamente rica, Mobley fue una presencia constante tanto en sus propias sesiones como en las de otros músicos. Sin embargo, a pesar de esa actividad frecuente, nunca logró consolidar un grupo estable y duradero bajo su propio nombre.

Hizo su primera grabación para el sello en 1954 como miembro de The Jazz Messengers, bajo el liderazgo del pianista Horace Silver. Poco después comenzó a encabezar sus propias grabaciones, iniciando un período especialmente fructífero con el disco Hank, su debut como líder para el sello en el que contó con el trompetista Donald Byrd, el saxofonista alto John Jenkins, el pianista Bobby Timmons, el contrabajista Wilbur Ware y el baterista Philly Joe Jones.

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MANUEL GREENE “NIÑO” - Estudio Palo Quemado, Santiago, 2024 - Vitral, Navegante, Toñi Willy - Roberto Boksamy (sa) Joaquín Fuentes (p) Juan Ríos (b) Ignacio Barrientos Guitarra (1) Manuel Greene (dr/comp.)

En diciembre de 2025, el baterista y compositor chileno Manuel Greene publicó Niño, su primer disco como líder, grabado poco más de un año antes en el estudio Palo Quemado en Santiago. El álbum condensa un proceso de aprendizaje y búsqueda personal que el propio Greene ha descrito como un enamoramiento profundo de la música.

Desde la batería —y también con sus composiciones— Greene construye un paisaje sonoro abierto, lleno de matices y espacios, donde la imaginación tiene un rol protagónico. La música invita a flotar, a dejarse llevar por climas y colores que muchas veces dicen más que las palabras.

El cuarteto lo completan Roberto Boksamy en saxo alto, Joaquín Fuentes en piano y Juan Ríos en contrabajo, con el guitarrista Ignacio Barrientos como invitado en una de las piezas. La interacción es orgánica y atenta, más centrada en la escucha y el diálogo que en el virtuosismo exhibicionista.

Niño marca así un comienzo firme, sensible y coherente en la trayectoria de Greene.

DAVE PIETRO “THE BUTTERFLY EFFECT” - New York ?, c. 2025 - Svengali, The butterfly effect - Scott Wendholt (tp) Dave Pietro (as) Gary Versace (p) Jay Anderson (b) Adam Cruz (d)4

Dave Pietro forma parte de la escena jazzística de Nueva York desde 1987. Saxofonista, compositor y profesor, se ha consolidado como un músico versátil y muy solicitado, con un sonido sólido y flexible.

Comenzó su carrera en las big bands de Toshiko Akiyoshi, Woody Herman, Lionel Hampton, Maynard Ferguson y Maria Schneider, además de integrar la Village Vanguard Jazz Orchestra.

Interesado en ampliar su horizonte musical, Pietro ha estudiado música clásica de la India y se ha presentado en proyectos liderados por el tablista Sandip Burman.

Como líder ha publicado diez discos; el más reciente es The Butterfly Effect, un álbum que lo muestra en un momento de plena madurez artística y que incluye, entre otros, al trompetista Scott Wendholt.

En su álbum The Moon Is Waiting, el trompetista Tim Hagans se rodea de un grupo muy compenetrado: el guitarrista Vic Juris, el contrabajista Rufus Reid y el baterista —y también pianista— Jukkis Uotila. En las notas del disco, Hagans explica que le gusta tocar con cierta sensación de riesgo, evitando la comodidad excesiva. Esa idea se siente a lo largo de todo el álbum.

El tema que da título al disco parte con frases largas y un acompañamiento flexible, y poco a poco se vuelve más intenso, con intervenciones filosas y muy expresivas de la trompeta. “Ornette’s Waking Dream of a Woman”, compuesta para una compañía de danza, mezcla libertad, funk, rock y postbop en un desarrollo enérgico. “First Jazz” se mueve en clave postbop, con solos firmes y directos. “Boo” comienza con un solo blusero de Juris y luego toma un giro más eléctrico, evocando por momentos el clima de B*****s Brew. En cambio, “What I’ll Tell Her Tonight” ofrece un respiro: una balada de aire nostálgico, marcada por la entrada tardía de la trompeta con sordina.

Aunque hay tensión y sorpresa, nada suena desordenado. Hay libertad, sí, pero también una estructura clara que sostiene todo el recorrido.

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MELISSA ALDANA “FILIN” - New York 2025 - La Sentencia, No Te Empeñes Más (1), Imágenes, Little Church, Ocaso- Melissa Aldana (st) Gonzalo Rubalcaba (p) Peter Washington (b) Kush Abadey (dr) Cécile McLorin Salvant (voz-1)

En Filin, la saxofonista tenor Melissa Aldana cumple un deseo largamente postergado: grabar un disco de baladas. Publicado por Blue Note Records, el álbum toma como referencia clásicos como Ballads de John Coltrane y el clima introspectivo de Kind of Blue, pero encuentra su identidad en el repertorio del filin cubano —esa corriente nacida en los años 40 que unió bolero, trova y sensibilidad jazzística.

La idea surgió a partir del diálogo con el pianista Gonzalo Rubalcaba, quien no solo aporta arreglos y un acompañamiento lleno de matices, sino también un conocimiento profundo de este repertorio. Junto a ellos, el contrabajista Peter Washington y el baterista Kush Abadey sostienen un pulso firme y flexible. Como invitada especial, Cécile McLorin Salvant canta en dos piezas.

El resultado es íntimo y contenido. Aldana prioriza la melodía, el espacio y el color del sonido por sobre el despliegue técnico. Más que un simple disco romántico, Filin transmite la memoria emocional del amor: una sensación que ya pasó, pero que sigue vibrando en el aire.

BENNIE GREEN “BACK ON THE SCENE” - Hackensack, N.J., March 23, 1958 - I love you, Melba’s mood - Bennie Green (tb) Charlie Rouse (ts) Joe Knight (p) George Tucker (b) Louis Hayes (d)

En Back on the Scene, el trombonista Bennie Green muestra una de sus facetas más variadas sin perder el sello que lo caracteriza: un sonido cálido, flexible con un profundo swing. Desde el inicio sorprende con un aire latino en “I Love You” (de Cole Porter) y “Melba’s Mood”, donde el ritmo contagioso le da un nuevo color a su fraseo siempre ligado al bop y al jump blues.

La balada “You’re Mine You” deja ver su lado más sensible, mientras que el estándar “Just Friends” reafirma su conexión con la tradición del big band y el lenguaje bop, aquí reforzada por los sólidos solos del tenorista Charlie Rouse.

Completan la sección rítmica el contrabajista George Tucker y el baterista Louis Hayes. El disco mantiene una atmósfera alegre y optimista, muy en la línea de sus grabaciones para Prestige: jazz directo, vital y sin complicaciones innecesarias.

- New York, June 8, 1954 - Blue mood, Devil and the flesh [Devil and the fish] - Dizzy Gillespie (tp) Jimmy Cleveland (tb) Hank Mobley (ts) Wade Legge (p) Lou Hackney (b) Charlie Persip (d)

- Los Angeles, November 8, 1955 - Play me the blues (th vcl) - Dizzy Gillespie, Taft Jordan, E.V. Perry, Ernie Royal (tp) Jimmy Cleveland, Matthew Gee, Jimmy Wilkins (tb) Hilton Jefferson, Gigi Gryce (as) Budd Johnson, Ernie Wilkins (ts) Sahib Shihab (bar) Wade Legge (p) Nelson Boyd (b) Charlie Persip (d) Herb Lance (vcl)

Jazz Recital es un álbum del trompetista Dizzy Gillespie, grabado entre 1954 y 1955 que reúne interpretaciones en formato de quinteto, sexteto y orquesta de jazz, mostrando distintas facetas de su trabajo en esos años.

El álbum lo retrata en un punto especialmente interesante de su trayectoria: el revolucionario del bebop de los años cuarenta comenzaba a consolidarse como una figura institucional del jazz moderno. Es una etapa de consolidación posterior al bebop: un jazz moderno más pulido, con mayor estructura y refinamiento, sin perder energía ni imaginación.

Destacan especialmente el trombonista Jimmy Cleveland y el saxofonista Hank Mobley en las grabaciones en formato reducido, cuyas intervenciones aportan solidez y un notable sentido melódico al conjunto.

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ANAT COHEN’S - QUARTETINHO “BLOOM” - Mt. Vernon, NY, April, 2024 - The night owl, Trinkle tinkle, La catedral, Superheroes in the gig economy - Anat Cohen (cl) James Shipp (vib,mar,perc) Vitor Goncalves (p,accor) Tal Mashiach (b,g)

La más reciente producción de la clarinetista Anat Cohen es Bloom, el segundo disco de su grupo Quartetinho con melodías que aparecen por todos lados, Bloom muestra a Cohen en un formato cercano y sencillo que el de su anterior, el ambicioso Triple Helix (2019). Aquí deja de lado el gran ensamble para concentrarse en un cuarteto con una fuerte conexión con músicas del mundo, donde lo principal es la conversación entre los músicos.

La acompañan Vitor Gonçalves en piano, acordeón y Rhodes; Tal Mashiach en contrabajo y guitarra; y James Shipp en vibráfono y percusión. Entre todos construyen un sonido cálido y delicado, con mucho espacio para que cada instrumento respire y aporte su propio color.

El disco incluye composiciones de todos los integrantes, lo que refuerza su carácter colectivo. También hay una versión muy musical y fluida de “Trinkle, Tinkle” de Thelonious Monk, además de un arreglo amplio y expresivo de “La Catedral”, del guitarrista y compositor paraguayo Agustín Barrios Mangoré.

BELLBIRD “THE CALL” - Montreal ca. 2025 - Murmuration, Mourning Dove, The Call - Allison Burik - (sa/cl-b) Claire Devlin (st) Eli Davidovici (b) Mili Hong (dr)

El grupo Bellbird toma su nombre del campanero blanco, un ave que vive en los bosques húmedos de Venezuela y que tiene uno de los cantos más fuertes y llamativos del mundo animal. Ese sonido, tan extremo como inconfundible, es la inspiración que inició el proyecto The Call, la llamada.

El cuarteto Bellbird, radicado en Montreal, se inició en encuentros informales durante la pandemia. Lo componen la saxo tenor Claire Devlin, la multi instrumentista Allison Burik en saxo alto y clarinete, la baterista Mili Hong y el contrabajista Eli Davidovici, músicos de la escena del jazz e improvisación libre que frecuentan el Café Résonance en Montreal. La invitación al Ottawa Jazz Festival en 2021 ayudó a consolidarlos como grupo. Desde entonces, han ido afirmando su sonido y su identidad. Montreal 2025

Sonny Rollins vive en Woodstock, Nueva York. Nació en Harlem en 1930, creció rodeado de auténtica realeza del jazz. Sus primeros años están marcados por un ascenso meteórico: de adolescente prodigio del barrio pasó a convertirse en el “Saxophone Colossus” que ayudó a redefinir el jazz moderno.

Frecuentaba visitar los clubes de jazz del centro de la ciudad para escuchar bebop pero todavía no había oído hablar de Charlie “Bird” Parker, el joven fenómeno del saxo alto. Poco después formó una banda con amigos del barrio, los Counts of Bop, donde estaban futuros pesos pesados como Jackie McLean, Kenny Drew y Art Taylor. No pasó mucho tiempo antes de que Charlie Parker se convirtiera en una influencia decisiva. “Bird me causó una impresión muy profunda en el tenor”, diría Sonny. “Lo escuché tocar ese instrumento muy pocas veces, pero sus ideas, su empuje, la manera en que creaba música me conmovieron muchísimo”. La virtuosidad excepcional de Bird —y también su adicción a la heroína— llevó a Sonny tanto a lo más alto como a momentos realmente tétricos.

Con diecisiete años, en julio de 1947 Sonny se afilió a la American Federation of Musicians el sindicato de músicos y dio el salto a la vida profesional. Para el verano de 1948 ya estaba de gira por Montreal, contratado por el trompetista Al Bryant.

BABS GONZALES AND HIS ORCHESTRA:

- New York, January 20, 1949 - Capitolizing, Professor Bop - Bennie Green, J.J. Johnson (tb) Julius Watkins (fhr) Jordan Fordin (as) Sonny Rollins (ts) Linton Garner (p) Arthur Phipps (b) Jack “The Bear” Parker (d) Babs Gonzales (vcl)

- New York, April 27, 1949 - St. Louis blues - J.J. Johnson (tb) Albert Socarras (fl) Don Redman (sop) Sonny Rollins (ts) Wynton Kelly (p) Ray Nance (vln-1) Bruce Lawrence (b,vcl) Roy Haynes (d) Babs Gonzales (vcl)

Poco después, el cantante Babs Gonzales lo invitó a participar en su primer disco para Capitol. La banda incluía al trombonista Bennie Green, a Sonny Rollins en saxo alto y tenor, al pianista Linton Garner (hermano de Erroll), al baterista Jack “The Bear” Parker y al contrabajista Arthur Phipps. Los arreglos escritos por el trombonista J. J. Johnson. A último minuto se sumó también el cornista francés Julius Watkins, que apareció sin invitación en un ensayo y terminó quedándose.

Rollins estuvo muy ocupado el año 1949 : el 20 de enero, con apenas dieciocho años, hizo su debut discográfico. Junto a Babs, grabaron “Capitolizing”, un tema bebop, y “Professor Bop”, una pieza vocalese humorística que celebraba el auge del bop. El disco recibió buenas críticas. “Capitolizing es Babs en su mejor momento”, decía una reseña de Metronome en mayo de 1949. Sonny, sin embargo, no quedó conforme con su propio desempeño, dando inicio a una autocrítica feroz que lo acompañaría toda la vida. “Sonaba muy derivativo”, diría después sobre su solo. “Estaba completamente metido en el lenguaje de Charlie Parker”.

El 27 de abril, Sonny volvió al estudio para otra sesión de Gonzales en Capitol, con Wynton Kelly, Bruce Lawrence y Roy Haynes en la sección rítmica. Al frente estaban J. J. Johnson, el flautista Alberto Socarras, el violinista Ray Nance, Babs en la voz y Don Redman, líder de la banda, en saxo soprano.

JAY JAY JOHNSON’S BOPPERS

- New York, May 11, 1949 - Audobahn [Audubon], Don’t blame me, Bee Jay - J.J. Johnson (tb) Sonny Rollins (ts) John Lewis (p) Gene Ramey (b) Shadow Wilson (d)

- New York, May 26, 1949 - Hilo - Kenny Dorham (tp) J.J. Johnson (tb) Sonny Rollins (ts) John Lewis (p) Leonard Gaskin (b) Max Roach (d)

Estas primeras actuaciones en estudio no pasaron desapercibidas. Llamaron la atención de Ira Gitler, crítico y el productor del sello Prestige; el productor de Savoy Teddy Reig, también tomó nota. Así, el 11 de mayo, Sonny grabó con los Boppers de J. J. Johnson, junto al pianista John Lewis, el contrabajista Gene Ramey, el baterista Shadow Wilson.

Johnson le dio a Sonny la oportunidad de grabar por primera vez composiciones propias. De los cuatro temas registrados, dos eran suyos: “Audubon” y “Goof Square”. Su lenguaje armónico seguía muy marcado por Bird, pero el sonido ya era inconfundiblemente Sonny Rollins.

Dos semanas más tarde, el 26 de mayo, Sonny regresó al estudio con los Boppers de J. J. Johnson para una sesión a sexteto, sumando a Kenny Dorham en trompeta, John Lewis en piano, Leonard Gaskin en contrabajo y Max Roach en batería. El disco en formato 78 RPM le valió a Sonny su primera mención importante en la revista Down Beat, aunque la crítica fue tibia, por no decir dura. “Seis boppers conocidos tocan dos lados apenas correctos”, decía la reseña. “El tenor Rollins, acreditado como autor de ‘Hilo’, hace solos sin mayor efecto, mientras que el solo de trompeta de Kenny Dorham, como siempre, comienza bien pero termina sin clímax por falta de fuerza y autoridad en su fraseo y ataque”. Así se establecía un patrón que se repetiría: las primeras críticas de Down Beat hacia Sonny serían, en general, poco amables.

BUD POWELL’S MODERNISTS - New York, August 8, 1949 - Bouncing with Bud, Wail, Dance of the infidels - Fats Navarro (tp) Sonny Rollins (ts) Bud Powell (p) Tommy Potter (b) Roy Haynes (d)

En agosto Sonny participó en una sesión del pianista Bud Powell. Alfred Lion y Francis Wolff, fundadores y propietarios del sello Blue Note, invitaron a Powell a grabar, quien reclutó a Rollins y al trompetista Fats Navarro. A pesar de que Powell estaba lidiando con graves problemas de salud mental y tanto él como muchos de sus contemporáneos (incluido Rollins al principio de su carrera) luchaban con el uso de sustancias controladas, la música que hicieron en la sesión debut de estudio de Powell se considera un bebop poderoso y de alta calidad. Las actuaciones son musicalmente coherentes, vibrantes e históricamente importantes, y los críticos afirman que la creatividad y la técnica de Powell brillan a pesar de sus desafíos personales.

MILES DAVIS SEXTET - New York, January 17, 1951 - Morpheus, Down, Whispering - Miles Davis (tp) Bennie Green (tb) Sonny Rollins (ts) John Lewis (p) Percy Heath (b) Roy Haynes (d)

Sonny Rollins

Sonny y Miles Davis habían tocado juntos desde 1949, y fue logico que lo invitara en 1951 a participar en sesiones con la banda formada por Davis para cumplir con sus obligaciones contractuales con el sello Prestige. Davis ya esperaba que Rollins se integrara a su gran primer quinteto en 1955, algo que no sucedió. Principalmente porque para entonces Rollins ya había trabajado con Thelonious Monk, grabado composiciones originales -que hoy son estándares de jazz- había liderado varias sesiones y se había retirado del jazz por primera vez para dejar las drogas y recomponer su salud.

La noche del 17 de enero Sonny llegó a los estudios Apex, la banda de Davis incluía a Bennie Green, John Lewis, Percy Heath y Roy Haynes.

THE SONNY ROLLINS QUARTET - New York, December 17, 1951 - Time on my hands, Mambo bounce, This love of mine, Scoops, Newk’s fadeaway Shadrack - Sonny Rollins (ts) Kenny Drew (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d)

Sonny Rollins, que ahora tenía contrato con Prestige, el 17 de diciembre regresó los estudios Apex para su primera sesión completa como líder: el Sonny Rollins Quartet. Sería su última grabación por un tiempo: apenas tres días después sería sentenciado tras ser hallado culpable de posesión y consumo de drogas.

Para la sesión con Percy Heath, Art Blakey y Kenny Drew comenzó cuesta arriba. Era una noche fría y lluviosa, el conguero Sabu Martínez no logró llegar desde el Bronx y, para colmo, Sonny descubrió que no tenía correa para el saxofón, instrumento que acababa de retirar de una casa de empeño. A menudo lo empeñaba para comprar drogas. Improvisó una con un gancho de ropa y una cuerda.

La sesión fue tensa y dispersa. Grabaron ocho temas, entre estándares y originales. Kenny Drew se quedaba dormido entre tomas y Blakey lo despertaba con redobles en la caja.

A pesar de estos problemas y dificultades con las cañas, Sonny logró momentos notables: un vibrato cargado de emoción en “Time on My Hands”, un swing desbordante en “Mambo Bounce” y “This Love of Mine”, una balada con ecos de Coleman Hawkins. La noche cerró con una intensa jam basada en los acordes de I’ve got rhythm, donde Rollins está realmente espectacular.

“Zero” de 1998, Fue el tercer lanzamiento del saxofonista Greg Osby para Blue Note Records y tal vez su mejor grabación hasta la fecha. Después de haber colaborado durante mucho tiempo con Steve Coleman y Cassandra Wilson en “Mbase”, Osby se volvió hacia el Hip-Hop, pero - afortunadamente- lo abandonó rápidamente. En “Zero”, Osby está respaldado por un grupo de buenos músicos jóvenes que muestran sólidos atributos técnicos. El disco abre con “Sea of Illusion” con el sonido característico de Osby: combina ingeniosamente la melodía y la disonancia de una manera angular; su ataque y ejecución son impecables.

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MCCOY TYNER “TIME FOR TYNER” - Englewood Cliffs, N.J., May 17, 1968 - African village, I didn’t know what time it was - Bobby Hutcherson (vib) McCoy Tyner (p) Herbie Lewis (b) Freddie Waits (d)

El estilo de piano de McCoy Tyner, completo con acordes sofisticados y una mano izquierda explosivamente percusiva, ha trascendido los estilos convencionales para convertirse en uno de los sonidos más identificables de la música improvisada. Sus contribuciones armónicas y sus dispositivos rítmicos dramáticos forman el vocabulario de la mayoría de los pianistas de jazz.

Nacido en Filadelfia, Pensilvania, se convirtió en parte de las escenas emergentes de jazz y R&B de principios de la década de 1950. Con 20 años, Tyner comenzó una relación con el legendario saxofonista Benny Golson, así como actuando en el famoso conjunto The Jazztet (1960). Luego se unió al cuarteto clásico de John Coltrane.

Después Tyner también comenzó a explorar sus propios talentos lanzando varios álbumes en el sello discográfico Impulse, como Time for Tyner con un grupo estelar junto al vibrafonista Bobby Hutcherson, el bajista Herbie Lewis y el baterista Freddie Waits. Tyner y Hutcherson se combinan muy bien y ambos muestran experiencia en la creación de ideas sobre vamps modales. Las otras tres selecciones son antiguos estándares.

FRED KATZ “AND HIS JAMMERS” - Los Angeles, 1958 - Feeling the blues, To blow is to know, Ruby my dear (1) - Don Fagerquist (tp) Gene Estes (vib) Fred Katz (p,cello) John Pisano (g) Leroy Vinnegar (b) Lennie McBrowne (d)

Frederick Katz Fue violonchelista y compositor y uno de los primeros músicos de jazz en establecer el chelo como instrumento como solista de improvisación. Katz se formó y estudió con Pablo Casals y actuó con varias orquestas sinfónicas. Era un niño prodigio tanto en el violonchelo como en el piano y actuó en público cuando era adolescente, y se sintió atraído por la música de los clubes nocturnos de Manhattan. Es conocido como miembro del quinteto del baterista Chico Hamilton, uno de los grupos de jazz más importantes de la costa oeste de la década de 1950 en el que Katz definió el enfoque de “cámara jazz”. Katz también grabó varios álbumes como líder.

Hoy falleció en Santiago Adolfo Flores, co-fundador y director de Radio Beethoven. La noticia me golpea en lo profesional y en lo personal.

Con Adolfo tengo —y tendré siempre— una deuda imposible de saldar. Él me dio un vuelco decisivo en mi vida. Confió en mí cuando quizás no había demasiadas razones externas para hacerlo, y me abrió la puerta a una segunda carrera que me ha regalado años de aprendizaje, entusiasmo y una alegría profunda. Gracias a esa oportunidad sigo activo, creativo y, sobre todo, feliz.

Radio Beethoven en Santiago, inaugurada el 16 de marzo de 1981, fue fundada por Fernando Rosas Pfingsthorn y Adolfo Flores Sayler. Fundarla fue un acto de visión y de valentía cultural. Sostenerla durante décadas fue un acto de consecuencia. En tiempos de vértigo y superficialidad, la emisora se mantuvo fiel a una idea simple pero poderosa: la música merece respeto. Merece contexto. Merece excelencia.

Muchos auditores encontraron allí una escuela de escucha. Yo encontré, además, un hogar.

Que Puro Jazz exista y tenga un espacio en esta casa no es casualidad. Es parte de una mirada amplia, generosa, donde la música —sin apellidos excluyentes— es entendida como una experiencia transformadora. Esa amplitud también fue parte de su legado.

Hoy despedimos a un gestor cultural fundamental para Chile. Pero su obra sigue sonando. Sigue viva en cada transmisión, en cada auditor que descubre una obra, en cada programa que se hace con dedicación y amor por el oficio.

Gracias, Adolfo.

Roberto F. Barahona S.

25 de febrero, 2026

“BUNK JOHNSON’S JAZZ BAND” - New Orleans, LA, October 2, 1942

When I leave the world behind Bunk Johnson (tp) Albert Warner (tb) George Lewis (cl) Walter Decou (p) Lawrence Marrero (bj) Chester Zardis (b) Edgar Mosley (d)

“AND THE YERBA BUENA JAZZ BAND”

- San Francisco, January/February 1944

Ace in the hole (ch vcl), All the girls go crazy, Ory’s creole trombone

Bunk Johnson (tp,vcl) Turk Murphy (tb) Ellis Horne (cl) Burt Bales (p) Pat Patton (bj) Squire Girsback (b,tu) Clancy Hayes (d,vcl) Sister Lotta Peavey (vcl)

Bunk Johnson, considerado por algunos como un genio y por algunos detractores como un fraude, el trompetista estaba en el medio. Siempre una figura controvertida debido a sus exageraciones, incluso la fecha de su está en disputa, ya que solía afirmar que nació en 1879 y había tocado en la década de 1890 con Buddy Bolden. Lo que se sabe es que Bunk tocó en Nueva Orleans a partir de 1910 y que era conocido por tener un tono bonito en sus primeros días. En 1914, Bunk comenzó a trabajar como autónomo en Texas, Kansas City (con Sammy Price alrededor de 1930) y muchas zonas rurales. La falta de trabajo y los problemas con los dientes hicieron que Johnson dejara de tocar en 1934. Trabajó en el campo y como camionero y parecía estar perdido para siempre del jazz.

Pero en 1942 hizo sus primeras grabaciones, lo muestran como un músico en dificultades, pero con cuyo estilo que se remonta al período anterior a 1920, aunque Johnson mejoró el año siguiente. luego pasó un tiempo en San Francisco en 1943, incluyendo grabación superiores con la Yerba Buena Jazz Band.

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EDDIE LANG:

- New York, September 29, 1926 Stringing the blues - Joe Venuti (vln) Eddie Lang (g)

- New York, January 15, 1932 Pickin’ my way, Feelin’ my way Eddie Lang, Carl Kress (g)

- New York, February 4, 1927 Singin’ the blues (1) Bix Beiderbecke (cnt) Bill Rank (tb) Frankie Trumbauer (c-mel) Jimmy Dorsey (cl,as) Paul Mertz (p) Howdy Quicksell (bj) Eddie Lang (g-1) Chauncey Morehouse (d)

- New York, November 5, 1928 Church Street sobbin’ blues (1) Eddie Lang (g) solos acc by Frank Signorelli (p) Justin Ring (chimes-1)

Eddie Lang fue el mejor guitarrista de jazz de 1925-33 y el primer jazz virtuoso en el instrumento. Su nombre era Salvatore Massaro y era amigo de la infancia del violinista Joe Venuti. Aunque Lang inicialmente tocó el violín, cambió al banjo y comenzó a doblar en la guitarra, rápidamente se convirtió en un músico muy sofisticado cuyo uso de acordes era bastante avanzados para la época. Lang trabajó con una variedad de conjuntos y bandas y fue miembro de Mound City Blue Blowers de Red McKenzie (1924-25) y pronto fue descubierto, convirtiéndose en un guitarrista independiente muy ocupado que trabajaba constantemente en radio y grabaciones. Su éxito y popularidad la guitarra reemplazó al banjo en la mayoría de las bandas a fines de la década de 1920.

A lo largo de su carrera, Lang a menudo se asoció con Venuti, y trabajó con Roger Wolfe Kahn (1926-27), Jean Goldkette, la big band de Adrian Rollini (1927) y Paul Whiteman (1929-30). Entre sus grabaciones más destacadas se encuentran duetos con Venuti, la orquesta de Frankie Trumbauer (incluido “Singin’ the Blues” con Bix Beiderbecke), duetos con Lonnie Johnson (durante los cuales Lang usó el seudónimo de “Blind Willie Dunn” solo para ocultar el hecho de que eran fechas integradas) y un par de dúos memorables con Carl Kress.

RETAGUARDIA JAZZ BAND VOL 3

- Santiago, Chile diciembre 1980/enero 1981 - Gatemouth, Savoy blues, Froggie moore

Enrique Planas (tp) Duccio Castelli (tb) Guillermo Gabler, Alfredo Puga (cl) Alfredo Espinoza (as) Michael Weiss (bar) Antonio Campusano (p) Juan Christian Amenábar, Juan Carlos Aguila (bj) Domingo Santa Cruz (tu) Lorenzo Martínez (d)

En en 1958 el taller que el tubista Domingo Santa Cruz lideraba con jóvenes aficionados se convirtió en la Retaguardia Jazz Band, encabezada por el clarinetista Roberto Millar y el pianista Antonio Campusano, quien fue durante décadas el director de la banda.

La banda se llamó Retaguardia Jazz Band por la música de la “retaguardia cronológica”, es decir, de los años 1920 y 1930. No más allá. Tuvo 42 músicos desde 1958 con una extensa discografía. Actualmente la forman además de aficionados músicos profesionales (el genial saxofonista Alfredo Espinoza fue miembro durante años) y otros jóvenes que le dan aire y renovación (el clarinetista Boris Ortiz, el tubista Cristián Alvarez.

La Retaguardia se presenta frecuentemente en escenarios por todo el país y hacho giras en Europa y Estados Unidos.

JIMMIE LUNCEFORD AND HIS ORCHESTRA - New York, January 26 & March 20, 1934 White heat, Jazznocracy, Swingin’ uptown, Here goes (A fool) - Eddie Tompkins, Tommy Stevenson, Sy Oliver (tp,vcl,arr) Henry Wells (tb,vcl) Russell Bowles (tb) Jimmie Lunceford, Willie Smith (cl,as) Joe Thomas (cl,ts) Earl Carruthers (ts,bar) Edwin Wilcox (p,arr) Al Norris (g) Moses Allen (b,vcl) Jimmy Crawford (d) Will Hudson (arr)

La orquesta de Jimmie Lunceford era famosa por su alta musicalidad y era considerada como una de las bandas importantes del Swing como las de Ellington, Basie y Goodman.

Aunque Lunceford tocaba varios instrumentos, rara vez lo hacía con su big band, sino que se concentraba en dirigirla. Lunceford estudió en la Universidad de Fisk donde formó una banda local compuesta por sus mejores alumnos (los Chickasaw Syncopators grabaron dos títulos en Dallas en 1927) y ese fue el núcleo de su orquesta cuando se convirtió en conjunto profesional en 1929.

En 1934, la banda de Lunceford estaba en camino de alcanzar una gran popularidad. Sy Oliver contribuyó magníficos arreglos que le dieron a la orquesta su propio sonido, Tommy Stevenson era el trompeta agudista, el que alcanzaba notas altísimas, y entre los solistas clave se encontraban el alto Willie Smith, el tenor Joe Thomas y el trombonista Trummy Young.

En 1939, Sy Oliver fue atraído por una lucrativa oferta de Tommy Dorsey. A pesar de esa gran derrota, a Lunceford (quien pronto agregó a Suooky Young y Gerald Wilson a su sección de trompetas) todavía le quedaban algunos buenos años. Sin embargo, durante la guerra la orquesta de Lunceford se vio en declive. Los bajos salarios que pagaba obligaron a algunos de los músicos clave a desertar (incluido el muy reacio Willie Smith). Aún así, la Orquesta de Jimmie Lunceford trabajaba regularmente en 1947 cuando su líder murió de un infarto a la edad de 45 años mientras firmaba autógrafos.

Love Letters del baterista ROY HAYNES reúne una lista de estrellas, incluidos los pianistas Kenny Barron y David Kikoski, los bajistas Dave Holland y Christian McBride, el tenorista Joshua Redman y el guitarrista John Scofield para un sólido disco de estándares. Incluso cuando se acercaba a su octava década en 2002, cuando se hizo este récord, Haynes continuó mostrando el talento e impulso que lo convirtió en un baterista altamente considerado desde su mandato con Charlie Parker y Bud Powell a mediados de la década de 1940. Es evidente a lo largo de todo el álbum, desde “Afro Blue” de Mongo Santamaría hasta la conmovedora toma de “Qué Pasa” de Horace Silver. Todos tienen sus momentos brillantes, pero la de Haynes con Holland y Scofield es una combinación excelente.

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BOBBY TIMMONS “BORN TO BE BLUE” - New York, August 12 & September 10, 1963 - Born to be blue (1), Malice towards none (1) Namely you (2) - Bobby Timmons (p) Ron Carter (b-2) Sam Jones (b-1) Connie Kay (d)

Bobby Timmons emergió de Filadelfia a los 19 años, con un estilo de piano funky teñido de gospel, con sabor a blues y hardbop. Timmons, en una carrera de grabación que solo abarcaría pocos años, contribuiría a algunas de las mejores sesiones de las legendarias del sello Blue Note de los años 50, y sería miembro de dos de las principales bandas de esa época, Art Blakey and the Jazz Messengers, y el Cannonball Adderley Quintet.

A lo largo de su carrera, Timmons fue descrito como un pianista orientado al blues y al funk debido a sus éxitos (”Moanin’”, “This Here” y “Dis Dat”). Pero como demuestra en esta cita de trío de 1963, con Sam Jones o Ron Carter en el bajo y el baterista Connie Kay, que era en realidad un pianista de inspiración completa. En su CD Born to Be Blue! la música va desde bop hasta espirituales.

BRAD GOODE QUINTET “THAT’S RIGHT!” - Dallas, TX, January 7 & 8, 2018 - Perplexity, Blues in the night, Letter from home - Brad Goode (tp) Ernie Watts (ts) Adrean Farrugia (p) Kelly Sill (b) Adam Nussbaum (d)

Brad Goode, un compositor que toca trompeta, bajo y batería, es reconocido como un estilista único con un enfoque altamente creativo. Ha grabado en docenas de álbumes de jazz, incluidos 18 como líder.

Brad obtuvo un título en trompeta clásica en la Universidad de Kentucky y una maestría en bajo en la Universidad DePaul. Durante sus años de aprendizaje, realizó giras y grabó con las bandas de Von Freeman, Red Rodney, Curtis Fuller y la Orquesta Woody Herman, entre otros.

Roxy Coss se ha convertido en una de las saxofonistas más interesantes de su generación, una voz definitoria del Movimiento Milenario en el Jazz. Ganadora del Premio ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer 2016 y las encuestas de Downbeat Critics la incluyeron en la lista de “Rising Star” [estrella emergente ] del Saxofón Soprano en los últimos tres años. A principios de 2017, Coss lanzó su tercer álbum como líder, “Chasing the Unicorn” donde aparece en Tenor y Soprano junto a su quinteto.

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MAL WALDRON & JACKIE MCLEAN “LEFT ALONE” - New York, prob April, 1960 - Left alone, You don’t know what love is, Airegin - Jackie McLean (as) Mal Waldron (p) Julian Euell (b) Al Dreares (d)

Aunque no mantenía el mismo ritmo sin parar que tenía a principios de los años 60, Jackie McLean todavía tocaba magníficamente a lo largo de la década de 1980. Lo Demuestra en esta cita de 1986 con el pianista Mal Waldron, cuyas contramelodías, solos complementarios, frases de y acompañamiento de apoyo proporcionan un contraste perfecto con las incursiones de McLean. Es lírico y se involucra en algunas pistas; su lado explosivo emerge en otros, mientras McLean, se luce en el tema Left Alone, el resto del disco es Waldron en un trío.

JEFF WILLIAMS “JAZZ BLUES” - New York, August 29, 1995 - Funhouse living, Borderline, Oddity - Tim Ries (sop,ts,as) Patrick Zimmerli (ts) Kevin Hays (p) Doug Weiss (b) Jeff Williams (d)

Jeff Williams comenzó su carrera profesional de jazz en Nueva York en 1971. En el 72 estaba jugando con Stan Getz, seguido de Dave Liebman y Lookout Farm hasta 1976. Sus otras asociaciones incluyen a Joe Lovano, Lee Konitz, Paul Bley, Bill McHenry, Ethan Iverson,

Tony Malaby, Leo Genovese y muchos otros. Desde que hizo un segundo hogar en Londres hace algunos años, Jeff ha actuado con Kenny Wheeler, Norma Winstone, además de liderar sus propias bandas. Jeff ha grabado nueve álbumes que muestran sus composiciones originales.

Jazz Blues se grabó en 1995 con Kevin Hays en el piano y Doug Weiss en el bajo, con el equipo de doble saxo de Tim Ries y Patrick Zimmerli en primera línea. La música de Williams aquí es armónicamente densa, compleja y orquestada con sensibilidad, al tiempo que da una gran libertad de improvisación a todos sus buenos músicos.

Los saxofonistas Paul Desmond en alto y Gerry Mulligan en barítono siempre fueron un equipo perfecto en sus infrecuentes colaboraciones. Ambos tenían tonos claros inmediatamente distintivos, ingenio y la capacidad de improvisar melódicamente. Aquí aparecen en cuartetos sin piano que también incluyen a Wendell Marshall, Joe Benjamin o John Beal al bajo, y a Connie Kay o Mel Lewis en la batería. La interacción entre Desmond y Mulligan es de esperar.

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RAY GALLON “MAKE YOUR MOVE” - Brooklyn, NY, c. 2020 - Kitty paws, Out of whack, Craw daddy

- Ray Gallon (p,comp) David Wong (b) Kenny Washington (d)

Make Your Move es el primer CD del pianista Ray Gallon, algo increíble considerando sus trabajos con Jon Hendricks y Sheila Jordan y a todos, desde Dizzy Gillespie y Milt Jackson hasta Ron Carter, quien escribió las notas del disco. El bajista Dave Wong y el baterista Kenny Washington completan un trío muy empático. Gallon es un pianista brillante profundamente arraigado en la tradición y menciona entre sus profesores a John Lewis, Barry Harris y Hank Jones. Sus originales recuerdan al canon bop/hardbop con ecos de Bud Powell y la referencia ocasional a Thelonious Monk

JOE LOCKE / GEOFFREY KEEZER “SIGNING” - Marriottsville, MD, November 8 & 9, 2011 - Naima, Signing, This is just to say - Joe Locke (vib) Geoff Keezer (p,el-p,omnisphere) Mike Pope (b,el-b) Terreon Gully (d)

El Grupo Joe Locke/Geoffrey Keezer es una combinación perfecta, que equilibra los amplios intereses musicales de dos líderes que también son formidables compositores e intérpretes . Si bien ambos lideran grupos individuales propios, la oportunidad ocasional de unir fuerzas está garantizada para producir música memorable. Se unen a ellos dos jóvenes artistas que habían estado en la escena nacional del jazz durante más de diez años: el baterista Terreon Gully Y el bajista Mike Pope. El cuarteto se centra principalmente en los originales de los co-líderes, con Keezer a veces incorporando teclados eléctricos y Pope alternando entre bajos eléctricos y acústicos. El interesante arreglo de Locke de “Naima” de John Coltrane, añade una contra melodía inusual con el tema inicialmente oculto en el fondo, y que luego abre de manera irregular.

That moment of glance, Farid - Don Cherry (tp) Luqman Lateef (ts) Wilbur Ware (b) Ed Blackwell (d)ins, Denis Charles (d) Huss Charles (cga) Roger Blank,

Eddie Blackwell, uno de los bateristas más distintivos del período desde 1960, cuando entró en escena con Ornette Coleman hasta su muerte inoportuna de complicaciones renales en 1992.

Se distinguía por ese “beat for dance”, pulso para bailar siempre presente. Aunque es conocido por su trabajajo con improvisadores sin concesiones, muy a menudo en texturas de forma libre, esa corriente de baile siempre estuvo presente con Blackwell. Esa “cosa” que Ed Blackwell siempre llevaba sin importar el entorno, provenía de su educación en Nueva Orleans.

Desde una perspectiva moderna, fue uno de los precursores en llevar esa tradición de desfile callejero, o segunda línea, a la batería progresiva. Blackwell trajo esas perspectivas rítmicas tradicionales a los inquietos músicos de Nueva Orleans en los años 50 que estaban interesados en avanzar la música más allá de sus límites tradicionales, junto con el pianista Ellis Marsalis, el saxofonista Harold Battiste y el clarinetista Alvin Batiste, entre otros.

Shades of Edward Blackwell, grabado en 1968, esta fue la primera grabación de Blackwell como líder y contiene dos sesiones muy contrastantes. La primera presenta a Don Cherry, Wilbure Ware y el tenor Luqman Lateef en dos originales de Blackwell. El segundo disco es un conjunto de percusión dinámico, que se une a Ed, aquí hay dos graduados más de Ornette, Billy Higgins y Dennis Charles, junto con Roger Blank, Huss Charles y Jordan en un diálogo de percusión.

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HORACE PARLAN “MOVIN’ AND GROOVIN’” - Englewood Cliffs, N.J., February 29, 1960 - C jam blues, Up in Cynthia’s room, Lady bird, It could happen to you - Horace Parlan (p) Sam Jones (b) Al Harewood (d)

Horace Parlan, un aclamado pianista de jazz cuyo estilo era diferente al resto, en gran parte porque tenía que compensar por una mano parcialmente discapacitada, pero aún así forjó un estilo impresionante. Charles Mingus le dio su primera exposición nacional significativa a finales de la década de 1950; trabajó con el saxofonista y flautista Rahsaan Roland Kirk a mediados de la década de 1960; y tuvo una larga y fructífera asociación con el saxofonista Archie Shepp, a partir de 1977.

El primer álbum de Parlan, MOVIN’ & GROOVIN’, presenta la sección rítmica de Sam Jones, que rápidamente se había establecido como una de las voces más importantes del bajo y Al Harewood, el baterista autodidacta.

CHET BAKER / ART PEPPER “PICTURE OF HEATH” - Hollywood, CA, November 20 & 21, 1956 - For minors only, Picture of Heath, For miles and miles, C.T.A. - Chet Baker (tp) Art Pepper (as,arr) Phil Urso (ts) Carl Perkins (p) Curtis Counce (b) Larance Marable (d)

Picture of Heath Se lanzó originalmente bajo el título Playboys, con Chet Baker y Art Pepper como líderes. Ambos estuvieron presentes en la creación del sonido de la costa oeste, que era más flexible y sutil que el hard bop de la costa este. Su breve asociación creativa alcanzó su punto máximo el 31 de octubre de 1956, cuando grabaron las siete pistas que se convirtieron en Picture of Heath.

El sexteto tiene a Phil Urso en tenor en primera línea junto con Baker en la trompeta y Pepper en el saxo alto. El título de la reedición proviene de una de las pistas, pero también reconoce la centralidad de Jimmy Heath en este proyecto. Heath compuso y arregló cinco de las siete canciones del álbum. “For Minors Only” es la única que se convirtió en un estándar de jazz. No hay ninguna de las baladas por las que Baker se hizo famoso.

El pianista clásico Jean Goldkette, fue líder de las grandes bandas en la década de 1920, aunque rara vez tocaba con sus propias orquestas. Goldkette vivió en Francia, Grecia y Rusia cuando era joven, y se mudó con su familia a los Estados Unidos en 1911. Formado como concertista de piano, decidió involucrarse en la música popular. Se mudó en 1921 a Detroit, donde adquirió un restaurante chino sin terminar, lo transformó en el Graystone Ballroom que fue base de operaciones para sus bandas y reconocido como el mejor club nocturno de Detroit.

La orquesta de Jean Goldkette grabó por primera vez en 1924. Bix Beiderbecke estuvo brevemente en la banda ese año, pero su mediocre lectura obligaron a Goldkette a despedirlo, con la promesa de que lo volverían a contratar cuando pudiera leer mejor. En octubre de 1926, Bix regresó a un banda superior con músicos del calibre de Frank Trumbauer, Joe Venuti, Eddie Lang y el arreglista Bill Challis.

En el otoño de 1927, la Jean Goldkette Orchestra se disolvió y varios de sus mejores músicos se unieron a la orquesta de Adrian Rollini. En diciembre de 1927, Goldkette organizó una nueva orquesta que solo duró hasta 1929.

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FLETCHER HENDERSON’S ORCHESTRA New York:

- May 14, 1926 (1) & April 27, 1927 (2) - The stampede (1), St. Louis shuffle (2) - Russell Smith, Joe Smith (tp) Rex Stewart (cnt) prob Luke Smith (tp) Benny Morton (tb) Buster Bailey (cl,as) Don Redman (cl,as,gfs,arr) Coleman Hawkins (cl,ts,bassax) Fletcher Henderson (p) Charlie Dixon (bj) Ralph Escudero (tu) Kaiser Marshall (d)Fletcher Henderson And His Orchestra :June Cole (vcl) Don Redman (arr)

- October 24, 1927 - Goose pimples - Russell Smith, Tommy Ladnier (tp) Jimmy Harrison (tb) Buster Bailey, Jerome Pasquall (cl,as) Coleman Hawkins (cl,ts) Fletcher Henderson (p) Charlie Dixon (bj) prob. Don Redman, Jack Purvis (arr)

- March 14, 1928 King Porter stomp - Russell Smith, Joe Smith, Bobby Stark (tp) Jimmy Harrison, Benny Morton (tb) Buster Bailey (cl) Jerome Pasquall (cl,as) Coleman Hawkins (ts) Fletcher Henderson (p) Charlie Dixon (bj) June Cole (tu) Kaiser Marshall (d) Bill Challis (arr)

Esta es la banda Henderson seis meses después de la partida de Armstrong, cuya participación discutimos en un programa anterior; su influencia se ha hecho sentir en el flujo rítmico general de la banda. También se escucha en el entorno orquestal más fluido de Don Redman y, quizás, lo más vital en la recién descubierta habilidad del saxofonista tenor Coleman Hawkins para producir líneas largas que se mueven más allá del fraseo corto que todavía definía la mayoría de los solos de jazz en esa época.

El cornetista Rex Stewart toca poderosos solos al principio y al final de STAMPEDE, grabada en mayo de 1926, mientras que el solo entremedio revela el magnífico tono, el fraseo relajado y la esencia del canto del trompetista Joe Smith. Stewart y Smith repiten frases de pocos compases de duración, mientras que Hawkins no solo piensa en términos más largos con poca repetición, sino que también suena completamente espontáneo y sin frases fijas. Es esta característica la que lo separará de sus grandes discípulos (Berry, Webster, Evans y Byas), todos los cuales encontraron sus propias voces, pero que confiaron en las “frases aprendidas” mucho más que Hawkins.

Hay tres versiones de ST. LOUIS SHUFFLE que sobreviven de la sesión del 27 de abril de 1927, la primera sesión de la banda para Víctor, tienen solos de Hawkins similares, siendo la version master la mejor grabada y a melódicamente superior a las otras dos.

ANDY KIRK AND HIS TWELVE CLOUDS OF JOY:

- Chicago, April 30, 1930 - Mary’s idea - Gene Prince, Harry Lawson (tp) Allen Durham (tb) John Harrington (cl,as) John Williams (as,bar) Lawrence Freeman (ts) Mary Lou Williams (p,arr) William Dirvin (bj,g) Claude Williams (vln) Andy Kirk (bassax,tu,dir) Edward McNeil (d) Harry Lawson (vcl)

- New York, March 2 & 4 1936 - Walkin’ and swingin’, Moten swing, Lotta sax appeal

Harry Lawson, Paul King (tp) Earl Thompson (tp,arr) Ted Donnelly, Henry Wells (tb) John Harrington (cl,as,bar) John Williams (as,bar) Dick Wilson (ts) Mary Lou Williams (p,arr) Ted Robinson (g) Booker Collins (b) Ben Thigpen (d,vcl) Pha Terrell (vcl) Andy Kirk (dir)

- New York, December 9, 1936 - The lady who swings the band (hm vcl) - Harry Lawson, Paul King (tp) Earl Thompson (tp,arr) Ted Donnelly, Henry Wells (tb) John Harrington (cl,as,bar) John Williams (as,bar) Dick Wilson (ts) Mary Lou Williams (p,arr) Ted Robinson (g) Booker Collins (b) Ben Thigpen (d,vcl) Harry Mills (vcl) Andy Kirk (dir)

Andy Kirk no fue un gran músico, tocaba saxofoes bajo y barítono y tuba en sus primeras bandas antes de convertirse en líder; nunca escribió ni arregló música. Pero su Twelve Clouds of Joy fue una importante orquesta con sede en Kansas City de la década de 1930 y una de las primeras en llegar a un público fuera de su base en el estado de Missouri.

A mediados de los 20 se unió a Dark Clouds of Joy de Terrence Holder en Dallas. Una disputa por dinero llevó a la renuncia de Holder en enero de 1929 y Kirk fue nombrado líder y la big band se estableció en Kansas City. Con su flujo rítmico y fuertes raíces de blues, Las Twelve Clouds of Joy (como se llamaba la banda ahora) fue un exponente ejemplar del jazz de Kansas City y, aunque sus solistas no podían igualar los de la banda de Count Basie, también instalado en la ciudad, Kirk había encontrado un gran talento en la pianista y arreglista Mary Lou Williams quien fue reconocida lentamente en el mundo del jazz dominado por hombres.

Desde 1930 hasta 1942, Williams fue el principal catalizador de la banda de Kirk. Sus arreglos, como “MARY’S IDEA” y “WALKIN ‘AND SWINGIN’”, están marcados por una mezcla de experimentalismo y urgencia rítmica, y su interpretación pronto le valió la fama de estrella en la canción “THE LADY WHO SWINGS THE BAND”. En años posteriores, las tendencias progresistas de Williams se hicieron aún más pronunciadas, lo que la llevó a adoptar gran parte del vocabulario bebop y la inspiró a componer piezas extendidas, entre las que sobresale la Suite Zodiac de 1945.

EDDIE MILLER AND HIS BIG BAND - Los Angeles, February 4,1944 - Hour of parting , Our Monday date, (I’m Gonna) Stomp, Mr. Henry Lee, Who, Me - pers prob : Charles Griffard, Bob Goodrich, Bruce Hudson (tp) Abe Lincoln, Ed Kusby, Elmer Smithers (tb) Matty Matlock (cl) Arthur “Doc” Rando, Ray Lunsdale (as) Eddie Miller (ts) Clyde Rogers (bar) Stan Wrightsman (p) Nappy Lamare (g,vcl) Artie Shapiro (b) Nick Fatool (d) Penny Parker (vcl) Paul Weston (arr)

Reconocido por su hermoso tono (que fue influenciado por Bud Freeman, aunque su estilo era mucho más suave), Eddie Miller fue miembro original y solista estrella tanto en la Bob Crosby Orchestra como con los Bobcats. Pasó gran parte de su vida tocando Dixieland, algo poco inusual para un saxofonista tenor. Nacido y criado en Nueva Orleans, después de tocar con los New Orleans Owls en 1928, Miller se mudó a Nueva York, donde trabajó con varias bandas poco conocidas antes de unirse a la de Ben Pollack a mediados de 1930. Dirigió su propia big band en Los Ángeles en 1943 con la que grabó para el sello Capitol. La banda sonaba similar a la de Crosby e incluía algunos de los mismos acompañantes. La banda no duró mucho, y Miller se mantuvo ocupado como músico de estudio.

HOUR OF PARTING, es una linda composición que demuestra la melódica interpretación de Miller. En OUR MONDAY DATE, del canon Armstrong-Hines Hot Five, Miller inicia el orden de los solos, luego Stan Wrightsman le sigue un solo de piano típico y Bruce Hudson concluye los solos en trompeta con sordina en un onda Muggsy Spanier, la banda completa se luce detrás de ellos. El baterista Nick Fatool, un veterano de las bandas de Benny Goodman y Artie Shaw, está como siempre magnífico.

Jakob Bro nació en Dinamarca en 1978. Su padre tenía una big band en la que Bro comenzó a tocar la pandereta incluso antes de que caminara. Más tarde, estudió trompeta a luego guitarra cuando descubrió la música de Jimi Hendrix. Continuó estudiando en la Real Academia de Música de Dinamarca, en la Berklee School de Boston y en la New School de Nueva York. Jakob, ex miembro de la Electric Bebop Band de Paul Motian y del Tomasz Stanko Quintet junto a sus proyectos como líder de la banda. Sus propios álbumes hasta la fecha han presentado una lista excepcional de músicos, incluidos Lee Konitz, Bill Frisell, Paul Motian, Kenny Wheeler, Paul Bley, Mark Turner y otros. “Once Around the Room”, es su maravilloso álbum creado junto al saxofonista Joe Lovano en un homenaje a Motian, cuya influencia se presenta en seis piezas. Para este proyecto realizado en Copenhague, Lovano y Bro convocaron un grupo poco convencional con tres bajistas (Thomas Morgan, Larry Grenadier y Anders Christensen) y dos bateristas (Joey Baron, Jorge Rossy).

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CHARLES LLOYD “OF COURSE, OF COURSE” - New York, March 8, 1965 - Of course, of course, The things we did last summer (rc,tw out), Apex (gs out), Goin’ to Memphis - Charles Lloyd (ts,fl) Gabor Szabo (g) Ron Carter (b) Tony Williams (d)

El segundo álbum del saxofonista Charles Lloyd como líder Of Course, Of Course lo une al guitarrista Gabor Szabo; ambos tocaron en el quinteto de Chico Hamilton), el bajista Ron Carter y el baterista Tony Williams. Aunque Lloyd todavía era miembro del grupo de Cannonball Adderley, su ,amanera de tocar aquí muestra que estaba claramente listo para convertirse en líder. Siete de las nueve composiciones son suyas. SU version de “THE THINGS WE DID LAST SUMMER” es un dúo con Szabo. Aaunque que en Lloyd y muchos otros tenores había una clara influencia de Coltrane, ciertamente, la ráfaga de notas y la deconstrucción de acordes de Coltrane es evidente en partes, pero “APEX”, Lloyd en un trío sin el guitarrista; , es el inquebrantable sentido de la melodía y la rima es de de Ornette Coleman lo que se escucha. Sin embargo, tanto en tenor o flauta, Lloyd se estaba estableciendo rápidamente como una voz original, y este disco lo prueba.

THE TED HEATH ORCHESTRA “THE HEATH 100TH LONDON PALLADIUM SUNDAY CONCERT” - London, February 14, 1954 - Birth of the blues, Fascinating rhythm, Viva Verrell, How high the moon - Bobby Pratt, Duncan Campbell, Stan Reynolds, Ronnie Hughes (tp) Wally Smith, Don Lusher, Jimmy Coombes, Ric Kennedy (tb) Roy Willox, Les Gilbert (as) Henry McKenzie (cl,ts) Danny Moss (ts) George Hunter (bar) Frank Horrox (p) Johnny Hawksworth (b) Ronnie Verrell (d) Lita Roza (vcl) Ted Heath (dir)

Ted Heath fue uno de los líderes de bandas más famosos de Gran Bretaña de la década de 1950. Sus bandas tocaban música swing modernizada que siempre era bailable, pero que ocasionalmente tenían valiosos solos. Heath comenzó a tocar el tenor antes de cambiar al trombón cuando tenía 14 años. Tuvo largos períodos como acompañante con una variedad de las mejores bandas de baile, y comenzó a dirigir su propia gran banda en 1944 y, a través de apariciones regulares en la radio, giras y conciertos, pronto se convirtió en un nombre popular en Inglaterra. Incluso después de la muerte de Ted Heath en 1969, la banda continuó actuando y grabando hasta 1977. Ted Heath London Palladium Swing Sessions, marca la centésima Swing Session. El disco también puede considerarse como un homenaje a una de las instituciones musicales más famosas de Londres, The London Palladium, porque ahi se presentaron las Ted Heath Swing Sessions, sesiones que comenzaron como un experimento en 1945, poco después de la formación de la banda. Ocho años después, llegaron a su concierto numero 100. Todos los conciertos desde que comenzó la serie se agotaron.

El disco The Heath 100th London Palladium Sunday Concert de 1954, lo compró en Montevideo el padre de nuestro auditor Sergio Labra cuando él era niño. Sergio adoraba el disco y lo tocaba frecuentemente, pero con el tiempo se extravió y hace años que no lo escucha.

Las composicones de Mark Turner para su cuarteto en el disco Return from the Stars (título de la novela de ciencia ficción de Stanislav Lem) dan a los músicos mucho espacio para moverse, en un álbum a la vez estimulante y reflexivo en su expresión. Los solos fluyen orgánicamente fuera de los arreglos y, bajo la deslumbrante interacción del tenor de Turner y la trompeta de Jason Palmer, la sección rítmica de Joe Martin y Jonathan Pinson, bajo y batería, se desliza libremente. Aunque Turner ha sido una presencia frecuente en el sello ECM, Return from the Stars es su primer álbum de cuarteto desde Lathe of Heaven de 2014 y un documento esencial de su arte como músico y su pensamiento conceptual como líder de banda.

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TOMEKA REID “GEOMETRY OF TREES” - New Haven, CT, July 17, 2021 - Re : berth, Imaginary donuts, Through the shaft of nothings we drive onward - Taylor Ho Bynum (cnt) Joe Morris (g) Tomeka Reid (cello) Kyoko Kitamura (voice)

La violonchelista Tomeka Reid ha forjado un camino sin limitaciones. Las citas con artistas legendarios como Roscoe Mitchell y Anthony Braxton las ha complementado con aclamadas sesiones bajo su liderazgo y colaboraciones con otros artistas. En su disco Geometry of Trees se le unen a Reid la vocalista Kyoko Kitamura, el cornetista Taylor Ho Bynum y el guitarrista Joe Morris. Es el tercer álbum del cuarteto que sigue siendo un colectivo donde prevalece un credo grupal de técnica no convencional e intercambio tenso de sonido. Cada miembro parece estar conectado en una red de interacción vanguardista que a veces conduce a una tensión notablemente controlada, como en el conciso “Re: berth”, donde los gestos repentinos estallan desde el espacio mientras gruñidos de la corneta responden a las oscilaciones de violonchelo arqueadas y a los susurros vocales.

MICHAEL BISIO “ACCORTET” - Brooklyn, NY, February 16, 2014 AM - Henry’s theme, Giant chase - Kirk Knuffke (cnt) Art Bailey (accor) Michael Bisio (b) Michael Wimberly (d)

Hay mucho que escuchar en “Accortet”: la calidad del sonido es excelente (es el trabajo de Jim Clouse de Park West Studio en Brooklyn, Nueva York), las composiciones son reflexivas y la musicalidad inmejorable. El cornetista Kurt Knuffke sigue impresionando en cada escenario en el que toca y la paleta musical de Art Bailey muestra cómo sigue ampliando el vocabulario del acordeón. Y la sección rítmica mantiene la música en movimiento mientras es melódica y añade tantos colores. La música del contrabajista y líder Michael Bisio continúa evolucionando mientras desafía y recompensa al oyente.

Ralph Moore, nacido en Inglaterra, ha vivido en EE. UU. desde 1970, es un saxofonista tenor influenciado por John Coltrane, pero que posee un tono ligeramente más suave. Asistió a Berklee, se mudó a Nueva York en 1981 y trabajó con músicos del nivel de Horace Silver, Roy Haynes, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Jimmy Knepper, Bobby Hutcherson y Kenny Barron. Debutó como líder en 1985 para Reservoir, grabó varios buenos álbumes para Landmark, Criss Cross, Savoy y realizó extensas giras con J.J. Johnson, y en 1995, se unió a la Tonight Show Orchestra en Los Ángeles, donde permaneció durante 15 años, ahora está de vuelta tocando jazz, Los Ángeles sigue siendo su base.

El material y la alineación del trompetista Terence Blanchard, el pianista Benny Green, el bajista Peter Washington y el baterista Kenny Washington) hacen de este un disco particularmente agradable. Aunque todavía mostraba la inspiración (en el sonido) de John Coltrane de principios de los 60, Moore había desarrollado un estilo cada vez más original dentro de la corriente principal moderna a lo largo de la década de 1980. Los aspectos más destacados incluyen a J.J. “Enigma” de Johnson, “This I Dig of You” de Hank Mobley y “Blues for John” de Moore (escrito en homenaje a Coltrane).

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NADJE NOORDHIUS “FULL CIRCLE” - New York, March 31, 2022 - Little Dance, Entwine, Full Circle - Nadje Noordhuis (fl / t) Fred Hersch (p) Thomas Morgan (b) Rudy Royston (dr)

El sonido de Nadje Noordhuis en la trompeta y el fliscorno es puro, único e inconfundible. FULL CIRCLE presenta composiciones originales y una increíble formación de Fred Hersch en piano, Thomas Morgan y Rudy Royston en bajo y batería, una banda que ofrece una clase magistral de tono, claridad y precisión. Estos artistas no necesitan presentación, pero es una revelación escucharlos en este contexto. Noordhuis escribió la mayor parte de la música con este conjunto particular en mente y se nota. La generosidad de espíritu y la naturalidad en su forma de tocar y escribir brilla positivamente.

El segundo día de esta sesión se reunieron para repasar la mezcla. Nadje comentó que había algo en uno de sus solos que quería arreglar. Algo que le llamó la atención cuando estaba “escuchando la sesión”. Lo Había revisado de su memoria, porque la cinta aun no estaba disponible.

THELONIOUS MONK “THE CLASSIC QUARTET” - TBS, TV Broadcast, Tokyo, Japan, May 23, 1963 - Evidence, Bolivar blues, Just a gigolo (tm solo) - Charlie Rouse (ts) Thelonious Monk (p) Butch Warren (b) Frankie Dunlop (d)

El audio de un programa de televisión que Thelonious Monk grabó en Tokio durante su gira de 1963 por Japón, The Classic Quartet presenta a Charlie Rouse en tenor, Butch Warren en bajo y y el el minimalista magistral Frankie Dunlop en la batería, ofreciendo un set-list bastante estándar de Monk de la época. Comienza con “Epistrophy”, seguida de una rara versión en vivo de “Bolivar Blues”. El sonido es muy bueno, con la batería y el bajo más alto en la mezcla de lo habitual, lo que le da al conjunto un toque especial, y Rouse, quizás el colaborador musical más comprensivo de Monk, está en buena forma. Lo más destacado es el lugar en solitario de Monk en “Just a Gigolo”, donde sus líneas angulares y disonantes de piano reestructuran y vuelven a ensamblar la melodía en una mini obra maestra, delicada y conmovedora, que demuestra la extraña habilidad de Monk para adaptar los estándares a su propio espacio excéntrico.

No fue la primera sesión que Jackie McLean grabó para Blue Note, pero fue la primera en que los primeros indicios de McLean de ir más allá de los límites del bop ya son evidentes. Son sutiles, por supuesto, y no son tan pronunciados como lo serían dentro de unos años. Su interpretación es solo un toque más angular de lo que se espera de él. La influencia de Ornette Coleman es más evidente en “Minor Apprehenssion” de McLean, donde el tema principal es libre al estilo de Coleman y paralelo al del trompetista Donald Byrd y una venia definitiva a Don Cherry. Además, el baterista Pete LaRoca toma un solo sorprendentemente libre hacia el final de la pista. No hay pulso constante, no hay referencia a la forma de 32 compases, solo una impresión de la melodía, usando el ritmo y el sonido para transmitir esa impresión. Podría ser el primer solo de batería grabado en tomar tales libertades, lo que hace que el solo, en efecto, sea uno de los primeros ejemplos grabados de jazz libre. Lo más importante es que el solo suena genial y es convincente, 63 años después de que se grabara.

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AHMAD JAMAL “EMERALD CITY NIGHTS - LIVE AT THE PENTHOUSE” - Seattle, WA March 25, 1965 - Feeling good - Ahmad Jamal (p) Jamil Nasser (b) Chuck Lampkin (d) - Seattle, WA September 22, 1966 - Poinciana, Whisper not - Ahmad Jamal (p) Jamil Nasser (b) Frank Gant (d)

Los dos volúmenes de Emerald City Nights de Ahmad Jamal provienen de cintas del pianista a lo largo de cuatro años de actuaciones en el club Penthouse de Seattle con cuatro grupos diferentes. La variación entre los dos álbumes muestra el sentido cada vez mayor de la dirección de la banda a lo largo de esos años. Hacen hincapié en algunos de los estándares reconocibles que ayudaron a establecer sus credenciales. Por ejemplo la versión de “Feelin’ Good”. La toma de Jamal, es casi irreconocible al principio, la conduce con una marcha lenta a medio ritmo de Jamil Nasser (b) y Chuck Lampkin (d). Jamal juega, repitiendo la melodía y, después de llegar a un poderoso climax, la banda hace un fade out natural, que nos deja con ganas de oír más. También está su clásico “Poinciana” aunque no incluye al baterista Vernel Fournier, quien diseñó el reconocible pulso que hizo que esa versión se convirtiera en un gran éxito, aunque el enfoque de Lampkin es un tanto diferente, pero la influencia es Fournier es evidente.

JUAN PABLO SALVO URZÚA ¨JUAN PABLO SALVO BIG BAND¨ - Santiago (?) ca 2021 - Xdd, Vidas de pasticina, Parque San Borja, Vértigo - Juan Pablo Salvo y big band.

Juan Pablo Salvo Urzúa inició su carrera de trompetista a los 13 años. SU debut en el estudio como líder lo hizo con “Mensaje”, que publicó a los 18 años que incluye la suite “Elementos”, un arreglo para quinteto de la canción “Run Run se fue pal norte”, de Violeta Parra. Desde entonces, ha colaborado con Ángel Parra Trío, Nélson Oliva Quinteto y el grupo Cómo Asesinar a Felipes. El 2021 recibió el premio Pulsar como Mejor Artista de Jazz.

¨Juan Pablo Salvo Big Band¨ es su nuevo álbum que reúne a músicos de diversas generaciones. Es un trabajo que se basa en las raíces musicales de Salvo y la importancia que tuvo participar en la Conchalí Big Band en su formación musical.

Juan Pablo Salvo y big band: Trompetas: Juan Pablo Salvo, Diego Oyarzun, Italo viveros, Nicolas Astorga; Trombones: José Moraga, Alfredo Tauber, Marcelo Maldonado, Pablo James; Saxofones: David Espinoza (sa+ fl) César Vidal (sa) Francisco Vega (st)

Isaías Zamorano (st/ss) Pablo Jara (bari); Ritmo: Camilo Aliaga (p) Felipe Ovalle (b) Edzon Maqueira (dr)

Invitados: Agustín Moya (st - 1), Felipe Vakuno Sama (p -2) y Luciano Gonzales (b el -3)

“Filin” recoge la búsqueda de la saxofonista de nuevos sonidos.

El jazz nació en Estados Unidos, pero no por eso se mantuvo ahí. Sus posibilidades como un género innovador, que se basa en la continua experimentación, permiten que sea la inspiración de experiencias sonoras de distintas partes del mundo. Ejemplo de ello fue el “filin”.

Proveniente de la palabra en inglés feeling ––en español, sentimiento––, este estilo musical surge a mediados del siglo XX en Cuba cuando los compositores y los intérpretes se plantearon experimentar con el bolero a través de giros melódicos. Una armonía enriquecida que se vio influenciada por el jazz norteamericano y que combinó con un claro vínculo a lo lírico y la emocionalidad.

“Es un repertorio que estoy tratando de traer a la luz de nuevo”, adelanta Melissa Aldana (1988), la saxofonista tenor nacional que desde 2010 se encuentra radicada en Nueva York, acerca de su nuevo proyecto musical. Inspirada por esta tradición del filin cubano y la esencia del jazz contemporáneo, la reconocida intérprete nominada al Grammy en 2020 estrenará este viernes su tercer disco junto al célebre sello Blue Note, bajo el nombre de “Filin”.

Aldana continúa las líneas de experimentación del jazz al presentar este trabajo que aborda la balada a través del filin, que resulta en un estándar melódico profundamente significativo. “Lo tenía planeado hace mucho tiempo. Tenía ganas de hacerlo. Este disco lo empecé a proyectar el año pasado y lo grabamos en abril”, confiesa. El álbum contiene ocho pistas que son acompañadas de las interpretaciones del pianista Gonzalo Rubalcaba, el bajista Peter Washington y el baterista Kush Abadey, además de la participación especial de la vocalista Cécile McLorin Salvant.

“Sentí la ansiedad de grabar este disco como forma de explorar más profundamente mi sonido y en lo que yo quiero tocar como artista”, afirma la artista. “Tocar baladas para un saxofonista, a un tiempo lento, es súper revelador de cierta manera, porque se trata de cosas que no tienen necesariamente que ver con la técnica”, agrega sobre enfrentarse a un nuevo ritmo.

Aunque distinto a sus otros trabajos, “Filin” continúa la orientación artística que Aldana ha mantenido a lo largo de su carrera desde un punto más libre y auténtico. “Mi sonido viene de un lugar muy honesto, que está fundado en la tradición e historia de la música, pero también de un enfoque personal. Creo que es una de las cosas que siempre han estado en la música que hago. Todo está muy conectado”.

En cuarteto

Dentro de una extensa agenda de conciertos que tiene preparados para este primer semestre, Melissa Aldana aterrizará en el país tres días después del lanzamiento de su nuevo álbum, este lunes 16 de febrero. “Para mí, siempre es muy lindo volver a Chile, regresar a casa y poder presentar mi trabajo. A pesar de que yo sé que hay gente que no entiende mucho de jazz, aprecio el apoyo y el cariño. Entonces, siempre es muy especial”, dice luego de tres años sin visitar el territorio nacional.

En esta ocasión, se presentará en el Teatro Nescafé de las Artes (Manuel Montt 032, Providencia) en formato cuarteto. “A mí me gusta la idea de tocar con una banda, la combinación y toda la historia que se crea cuando estamos tocando juntos. Para mí, esa conexión humana y lenguaje en el escenario es súper importante”. Así, Aldana compartirá las tablas con Glenn Zaleski, en el piano; Pablo Menares, en el bajo, y Kush Abadey, en la batería. Con ellos repasará tanto sus conocidas composiciones como sus nuevos sonidos inspirados en el filin, “más que todo el desarrollo que he hecho en estos tres años”, aclara.

Además de anticiparse como un encuentro emocional, su concierto ––con entradas que se encuentran entre los $25.000 y $45.000 y que se pueden comprar a través del sitio web de Ticketmaster–– es una invitación “a tener una experiencia de compartir con nosotros, de escuchar la música, aun así no la entiendan, de estar todos cercanos en una habitación y cambiar las energías, contar una historia juntos”.

Caleb Wheeler Curtis es uno de los saxos alto más interesantes que han surgido desde el año 2000. Su interpretación tiene una calidad radiante y vocal, ya sea dirigiéndose a melodías fuertes o abstracciones de las mismas. Su enfoque es fuerte sin ser forzado, y aunque su espíritu musical tiene una voluntad abierta de exploración, su educación musical le da una sabiduría inherente. Como parte de la “aldea” de músicos centrados en el pianista Orrin Evans, ha aparecido en dos álbumes nominados al Grammy tocando con su Captain Black Big Band. Las relaciones que formó a partir de ese parentesco con Evans son evidentes en la compañía que mantiene para sus propias creaciones.

Curtis escribió la música para Heatmap, es una sesión de cuarteto que incluye a Evans en el piano, junto con el magistral Eric Revis en el bajo y el ecléctico Gerald Cleaver en la batería.

El sonido de Curtis mora en algún lugar entre Ornette Coleman y John Coltrane, sin embargo, en “Trees For the Forest” evita el enfoque al estilo Coleman con un ambiente más tranquilo.

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GENOVESE, ESPINOZA Y PUENTE “SIETE FLORES NEGRAS” - Santiago, enero 2018 - Paisaje (de la memoria), El Soldado, La búsqueda, Lucy - Leo Genovese, piano, Rodrigo Espinoza, contrabajo y Gabriel Puente, batería

El contrabajista Rodrigo Espinoza ha ocupado un papel importante de la escena del jazz contemporáneo y ha sido indispensable en una serie de proyectos que marcaron el ritmo del circuito jazzístico, tocando y grabando discos representativos de la última década. Con Siete Flores Negras, Espinoza comienza a crear su propia música, después de una estadía en Nueva York donde se acercó a la corriente musical, regresa a Santiago, monta un trío con los maestros Leo Genovese, piano y Gabriel Puentes, batería y crean Siete Flores Negras en 2018. El trio abre el concierto del 13 de enero del Festival Internacional de Jazz de Providencia en el Parque Inés de Suarez a las 21:00.

One for VJ, Unity, Cactus, An unexpected turn, A meeting of minds

Ron Oswanski (org) Sheryl Bailey (g) Ian Froman (d)

Sheryl Bailey posee una técnica increíble y un gusto impecable. Lo dice el crítico Lee Metcalf, sin embargo, la guitarrista respeta la melodía equilibrando su habilidades técnicas con un sólido sentido lírico y swing.

Toca guitarra desde los 13 años, inicialmente Sheryl aspiraba a ser estrella de rock, pero bajo la influencia de su madre pianista aprendió armonía, y su primer maestro en Pittsburgh, John Maione, la introdujo en la tradición de la guitarra a través de los legendarios Wes Montgomery, Jimmy Raney, George Van Eps, Joe Pass y otros. Eventualmente asistió al Berklee College of Music. Sus años de dedicación y enfoque le valieron el tercer lugar en la competencia internacional de guitarra de jazz Thelonius Monk en 1995, y en 2000 fue designada embajadora de jazz por el Departamento de Estado de EE. UU. para realizar una gira por América del Sur.

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ANAT COHEN “NOTES FROM THE VILLAGE” - New York, May 14 & 15, 2008

Siboney, J blues, Lullaby for the naive ones, Jitterbug waltz

Anat Cohen (cl,ts,sop,b-cl) Jason Lindner (p,el-p) Gilad Hekselman (g) Omer Avital (b) Daniel Freedman (d,perc) -

Sheryl Bailey ha invitado a Anat Cohen, unirse a su trio durante su presentación en el festival de Providencia. Cohen es clarinetista y saxofonista que ha sido nominada al Grammy. En el clarinete, usa el registro superior para evocar una alegría contagiosa. En el registro inferior, insinúa una melancolía profunda y conmovedora. En cuanto a los números más up-tempo, sus improvisaciones no solo son rápidas; sino que tienen una claridad e inteligencia profunda que es realmente poco común.

Anat ha sido declarada Clarinetista del Año por la Asociación de Periodistas de Jazz cada año desde 2007 y también ha sido nombrada la mejor clarinetista en las encuestas de lectores y críticos de la revista DownBeat durante varios años consecutivos. En 2009, ASCAP otorgó a Anat un premio del Hall of Fame, el Salón de la Fama por composición y musicalidad, entre otros honores.

- Smada (1), Pie eye’s blues, The swingers get the blues too, C jam blues - Ray Nance (tp,vln) Britt Woodman, Booty Wood, Matthew Gee (tb) Jimmy Hamilton (cl,ts) Russell Procope (cl,as) Johnny Hodges (as) Paul Gonsalves (ts) Harry Carney (bar,b-cl,cl) Duke Ellington (p) Billy Strayhorn (p-1)Jimmy Woode (b) Jimmy Johnson (d)

Duke Ellington And His Award Winners - Blues in Orbit caza la esencia de una grabación nocturna de estudio, equilibrando tanto la espontaneidad como y el pulido técnico. Ellington y compañía acababan de regresar de una gira europea cuando la mayor parte de este álbum se grabó en una sesión después de la medianoche en Nueva York los días 2 y 3 de diciembre de 1959. Los arreglos tuvieron que ser escritos rápidamente porque el copista no apareció. Por un lado, la banda swinguea con estas piezas más cortas; y por el otro, también improvisan libre e intensamente en varios puntos. Hay magníficos solos de Ray Nance, Harry Carney y Paul Gonsalves; en “Smada” Billy Strayhorn está en el piano y Johnny Hodges en el saxo alto, y “Pie Eye’s Blues” es una improvisación de estudio con Ray Nance y Jimmy Hamilton intercambiando tres solos cada uno.

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LOU LEVY “LUNARCY” - Los Angeles, February 10-12, 1992 - Lunarcy, Pathetique, Zoot - Pete Christlieb (ts,a-fl) Lou Levy (p) Eric Von Essen (b,cello) Ralph Penland (d,perc)

Aunque el disco Lunarcy del pianista Lou Levy tiene una configuración de rutina, una sección rítmica y un saxofón tenor, la música es todo menos rutinaria. Levy, el saxofonista Pete Christlieb, el bajista Eric Von Essen y el baterista Ralph Penland tocan música de extraordinarias texturas armónicas. La canción del título surgió del clásico “How High The Moon”, cuyo espíritu se cierne sobre la actuación, pero la línea de melodía de Levy y los cambios hacen de esta una experiencia completamente nueva. En “Pathetique”, Levy adapta los arrebatos de Tchaikovsky y Harold Arlen y los transforma en una pieza tan intrincada como “Giant Steps”. La integración del cuarteto es absoluta.

BILL EVANS QUINTETS “THE INTERPLAY SESSIONS”

- New York, August 21 - 22, 1962 - Loose bloose, Fudgesickle built for four - Zoot Sims (ts) Bill Evans (p) Jim Hall (g) Ron Carter (b) Philly Joe Jones (d)

- New York, July 16, 1962 - You go to my head - Freddie Hubbard (tp) Bill Evans (p) Jim Hall (g) Percy Heath (b) Philly Joe Jones (d)

Los quinteto sde Bill Evans en Interplay se componen de un par de sesiones diferentes: ambas incluyeron a Jim Hall en la guitarra y Philly Joe Jones en la batería. Las sesiones de julio de 1962 son con un jovencísimo Freddie Hubbard, para las de agosto el saxofonista Zoot Sims reemplaza a Hubbard , y se suma el bajista Ron Carter.

Incluye material original que se apega más al formato de hard bop transitando por una delgada línea entre el elegante sentido de las baladas de Evans y su enfoque más duro, ágil y contundente del blues y hard bop. Comienza con “Loose Bloose” y un blues vamp estándar, con hermosos solos de Hall y Sims. Los acordes de Evans aquí cambian a su lado más ornamentado. Esto contrasta marcadamente con la balada “Time Remembered”, que es lánguida, misteriosa y llena de elegancia a través de lo que no se “dice”. Sims toca en su mejor onda Ben Webster.

El saxo tenor Michael Brecker introdujo nuevos ángulos en su sonido en “Time Is Of The Essence”, con dos nuevos sidemen. El órgano de Larry Goldings, Pat Metheny en la guitarra y uno de tres bateristas diferentes. Ya que no hay bajo, Metheny a menudo ocupa ese papel cuando no está improvisando. El toque de Goldings es ligero, en contraste con el enfoque más intenso de Brecker y Metheny. Pero es el segundo nuevo acompañante quien marca la diferencia: Elvin Jones en la batería en tres pistas. Brecker nunca se había escondido de anunciar sus influencias, y con el impulso de Jones despliega su afecto por John Coltrane, tocando libre y agresivamente.

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INGRID JENSEN “INVISIBLE SOUNDS : FOR KENNY WHEELER” - Shoreline, WA, March 2, 2015 - Foxy trot (1) Old Time - Ingrid Jensen (tp) Christine Jensen (sop-1) Steve Treseler (ts,cl,b-cl) Geoff Keezer (p) Martin Wind (b) Jon Wikan (d)

El trompetista Kenny Wheeler que fue uno de los grandes del jazz, aunque nunca alcanzó el reconocimiento popular que se merecía y algunos de sus contemporáneos lograron. Sin embargo, para sus compañeros y audiencias de todo el mundo, era un tesoro internacional. Nacido en Canadá en 1930, se mudó a Inglaterra en 1952, tocando con una variedad de bandas, entre otras, John McLaughlin y Dave Holland.

La trompetista Ingrid Jensen, también nacida en Canadá pero residente en la ciudad de Nueva York, estudió con Wheeler y es una devota de su música y sonido, al igual que su colíder el saxofonista Steve Treseler. En el disco “Invisible Sounds - For Kenny Wheeler” - Sonidos invisibles, hacen un homenaje a Wheeler cuya composición “Foxy Trot”, incluida en el álbum de Wheeler Double, Double You de 1984), abre el disco con su memorable melodía descendente/ascendente consolidada por robustas secciones de ensamble.

THE MEL LEWIS ORCHESTRA “”20 YEARS AT THE VILLAGE VANGUARD” - New York, March 20-22, 1985 - All of me (tj arr) Solo: Ralph Lalama, Butter (jd arr), Solos: Kenny Werner, Ed Neumeister, C jam blues (bf arr) Solos: Kenny Werner, Mel Lewis

Earl Gardner, Joe Mosello, Glenn Drewes, Jim Powell (tp) Bill Pusey (tp-1) added, John Mosca, Ed Neumeister (tb) Douglas Purviance, Earl McIntyre (b-tb) Stephanie Fauber (fhr) Dick Oatts (as,sop,fl) Ted Nash (as,sop,cl,fl) Joe Lovano, Ralph Lalama (ts,cl,fl) Gary Smulyan (bar,b-cl) Kenny Werner (p) Dennis Irwin (b) Mel Lewis (d,ldr) Thad Jones, Richard de Rosa, Jim McNeely, Jerry Dodgion, Bill Finegan, Bob Brookmeyer (arr)

En 1965, el baterista Mel Lewis y el trompetista Thad Jones (hermano de Elvin) formaron la Orquesta Thad Jones-Mel Lewis, que comenzó presentándose todos lunes en el club Village Vanguard desde febrero de 1966. En 1978, Jones dejó la banda y se mudó a Europa, y Lewis mantuvo el grupo en marcha, llamándolo la Mel Lewis Jazz Orchestra. Una de las características más distintivas del conjunto fue su énfasis en los solistas, a los que siempre se les dio mucho espacio para expresarse. Mel comentó que la suya solo es una big band cuando todos tocan juntos, pero cuando alguien está haciendo un solo es un cuarteto”.

La Mel Lewis Jazz Orchestra celebró su 20 aniversario con este álbum. Aunque se incluyen dos arreglos de Jones, la banda había cambiado bastante desde su salida. Se tornó más joven y menos dependiente de un arreglista, y un poco más influenciada por la música clásica pero con swing. Esta versión de la banda incluye músicos notables como el pianista Kenny Werner, el altoista Dick Oatts y tanto Joe Lovano como Ralph Lalama en tenores.

Cannonball Adderley renunció a su propia banda en 1957 cuando tuvo la oportunidad de unirse al épico conjunto de Miles Davis, lo que finalmente resultó en algunas de las mejores grabaciones de jazz de todos los tiempos (incluyendo Milestones y Kind of Blue). Davis devolvió el favor en marzo de 1958, apareciendo como sideman en la fecha del quinteto de estrellas de Adderley para Blue Note, y la sesión resultante es de hecho Somethin’ Else. El equipo rítmico (Hank Jones, Sam Jones, Art Blakey) crea un ritmo tenso y enfocado mientras la banda renueva “Autumn Leaves” y “Love for Sale”. Somethin’ Else, una de las sesiones más gloriosamente relajadas de la era del hard bop.

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BUDDY DEFRANCO “THE ARTISTRY OF BUDDY DEFRANCO” - Los Angeles, August 9 & 10, 1954 - The Bright One, Mine, Now’s the time, Autumn leaves - Buddy DeFranco (cl) Sonny Clark (p) Eugene Wright (b) Bobby White (d)

Buddy DeFranco fue uno de los grandes clarinetistas e indiscutiblemente el mejor en surgir desde 1940. Fue su mala suerte ser el mejor en un instrumento que después de la era del swing cayó drásticamente en popularidad y, a diferencia de Benny Goodman y Artie Shaw, tampoco fue un nombre reconocido por el público en general.

The Artistry Buddy DeFranco (el arte de) es uno de sus mejores álbumes de los años 50. DeFranco lleva el clarinete a lugares que no se imaginaban en la década anterior. Es una sesión con Sonny Clark en el piano y un swing ligero y relajado, gracias al suave pulso de Eugene Wright en el bajo y Robert White en la batería. La interacción entre Clark y DeFranco es definitivamente una de las sobresalientes del jazz de los años 50, se escucha en pistas que incluyen “Titoro”, “Mine”, “Gerry’s Tune” y “Now’s The Time”.

- HOT SIX - Chicago, March 10, 1926 - 29th and Dearborn, Sweet Mumtaz George Mitchell (cnt) Kid Ory (tb) Albert Nicholas (cl,as,sop) Barney Bigard (ts) Luis Russell (p) Johnny St. Cyr (bj) Richard M. Jones (speech-1)

HEEBIE JEEBIE STOMPERS - Chicago, November 17, 1926 - Plantation joys, Please don’t turn me down, Dolly mine - Bob Shoffner (cnt) Preston Jackson (tb) Darnell Howard (cl,as) Barney Bigard (ts) Luis Russell (p) Johnny St. Cyr (bj)

Luis Russell dirigió una de las mejores big bands de fines de la década de los 20 e inicios de los 30. 1929-1931. Estudió guitarra, violín, órgano y piano en Panamá, su país natal, eventualmente optó por el piano. Se inició como músico profesional acompañando películas mudas en 1917. En 1919 Russell ganó US $ 3.000 en una lotería, dinero que utilizó para mudarse con su madre y hermana a Nueva Orleans. Durante los siguientes años, Russell trabajó con una variedad de bandas de la ciudad, incluida una dirigida por Albert Nicholas en 1923. Cuando Nicholas dejó la ciudad al año siguiente, Russell asumió el liderazgo del grupo. Una año más tarde, Russell se mudó a Chicago para tocar con Doc Cook. Pronto se unió a la banda de King Oliver durante dos años, de gira, grabando para luego mudarse a Nueva York en 1927 con el cornetista. En 1926, mientras aún estaba en Chicago, Russell dirigió dos sesiones de grabación, una con su Hot Six y la otra junto a su Heebie Jecbie Stompers, con gente como George Mitchell, Kid Ory, Albert Nicholas, Barney Bigard, Johnny St. Cyr y otros.

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BIX BEIDERBECKE “THE WOLVERINES” - Richmond, Indiana, May 6 & June 20, 1924 - Riverboat shuffle, Susie Take A, I need some pettin’, Susie Take B - Bix Beiderbecke (cnt) Jimmy Hartwell (cl) George Johnson (ts) Dick Voynow (p,ldr) Bob Gillette (bj) Min Leibrook (tu) Vic Moore (d)

En muchos sentidos, Bix Beiderbecke simbolizó la década de 1920. Saltó a la fama con el auge de la Era del Jazz, bebió demasiado licor de contrabando y murió poco después de la Gran Depresión. Tocaba intuitivamente y se sintió atraído por una música nueva y salvaje que sus padres desaprobaban. Fue uno de los primeros (quizás el primero) músicos blancos en crear su propia voz original en una música dominada por negros.

Leon Beiderbecke nació y creció en Davenport, Iowa, en una familia conservadora. Desde temprana edad, el talento musical de Beiderbecke era evidente. Recibió clases de piano clásico, pero solía enloquecer a sus profesores al “mejorar” improvisando la música escrita. Después de su graduación de la escuela secundaria, sus padres lo enviaron a la Academia Militar de Lake Forest con la vana esperanza de que aprendiera autodisciplina y se olvidara de esta música de jazz. La escuela estaba a solo 5 km al norte de Chicago, ¡el centro del jazz en ese momento! Beiderbecke pronto violó el toque de queda de su escuela al ir a clubes nocturnos locales en busca de jazz. Disfrutó de la música de los New Orleans Rhythm Kings, y tuvo algunas oportunidades de tocar con ellos. Bix finalmente fue pillado y expulsado de la academia hacia el final de su primer año.

Durante 1922-23, Beiderbecke estudió corneta, tocó y trabajó como autónomo. El estilo de de Emmet Hardy le impresionó e influenciado en esa época; además conoció y se hizo amigo de Louis Armstrong. En octubre de 1923, Beiderbecke se unió a una nueva banda, The Wolverines, que comenzó con la New Orleans Rhythm King como modelo antes de desarrollar su propio sonido.

Entre febrero y octubre de 1924, los Wolverines grabaron 16 canciones, el debut discográfico de Bix. Ya en ese punto inicial, Beiderbecke tenía un tono hermoso e inquietante, y un estilo que era fresco por fuera pero lleno de fuego interior. Los discos de los Wolverines se hicieron notar rápidamente, e incluso Red Nichols, famoso trompetista de la época, copió el primer solo de Bix (’Jazz Me Blues’) nota por nota en una grabación.

JAMES P. JOHNSON “PIANO SOLO” - New York, 1921/23 The Harlem Strut, Keep Off the Grass, Carolina Shout, Worried & Lonesome Blues - James P. Johnson (p)

El rey de los pianistas del estilo stride, James P. Johnson fue uno de los grandes pianistas de jazz y posiblemente el más influyente de la década de 1920, particularmente antes que surgieran otros importantes pianistas: Fats Waller, Earl Hines y Art Tatum. Johnson recibió clases de piano de su madre, tocaba en fiestas de alquiler cuando era aún adolescente. Se hizo profesional en 1912, tocando en grupos o solo en clubes, realizaba giras de vodevil, haciendo rollos de piano (a partir de 1917) y también trabajaba en teatro.

Johnson empujó la música más allá del ragtime, él “caminaba” con su mano izquierda (moviéndose hacia adelante y hacia atrás entre notas graves y acordes que se tocaban una octava o dos más arriba) mientras que la derecha improvisaba una serie interminable de variaciones melódicas. Aunque Johnson no inventó el stride piano o piano a zancadas, solidificó las ideas de sus predecesores de las dos décadas anteriores en un nuevo y emocionante estilo que encajaba perfectamente con la música de los años 20.

Johnson grabó por primera vez en 1921 y durante la década siguiente grabó sus composiciones clásicas, como “Carolina Shout” (una pieza de prueba para estudiantes), “Keep Off the Grass”, “Snowy Morning Blues”, “You’ve Got ser modernista “. También dirigió algunas citas con pequeños grupos, grabó como acompañante de una variedad de cantantes de blues clásicos (incluidos encuentros memorables con Bessie Smith y Ethel Waters), y fue la estrella de innumerables fiestas de alquiler y jam sessions o sesiones de improvisación, a menudo con sus amigos los pianistas Willie “the Lion “Smith y Fats Waller (su - protegido). Pero eso no fue todo. Johnson escribió estándares como “”If I Could Be with You One Hour Tonight,” “Old-Fashioned Love “y el tema principal de la década de 1920: “The Charleston “. En julio de 1928 estrenó su obra de larga duración Yamecraw en el Carnegie Hall.

GEORGE BRUNIES “AND HIS JAZZ BAND” - New York, November 29, 1943 - Royal garden blues, Ugly child (gb vcl), Tin roof blues, That da da strain - Wild Bill Davison (cnt) George Brunies (tb,vcl) Pee Wee Russell (cl) Gene Schroeder (p) Eddie Condon (g) Bob Casey (b) George Wettling (d)

George, el más famoso de los hermanos Brunies, fue un importante trombonista en el mundo del Dixieland durante décadas. Cuando tenía ocho años, ya tocaba la trompeta en la banda de Papa Jack Laine. Brunies (que era autodidacta y nunca aprendió a leer música) cambió al trombón, tocando en una variedad de bandas en Nueva Orleans cuando era adolescente. Como muchos músicos de la ciudad, en 1920 se mudó a Chicago, para unirse a la banda del baterista Joe “Ragababy” Stevens y el pianista Elmer Schoebel, y participó en una banda que tocaba en el S.S. Capitol, un barco que transitaba por el río Mississippi. En 1921, Brunies se unió a The Friar’s Society Orchestra, que pronto se convirtió en la New Orleans Rhythm Kings. La carrera de Brunies apenas comenzaba. En años posteriores, el trombonista (que por consejo de un numerólogo eliminó dos de las letras E de su nombre. Trabajó con Louis Prima, Sharkey Bonano, Bobby Hackett, Ragtimers de Muggsy Spanier (1939), Art Hodes, Eddie Condon, Wild Bill Davison y sus propias bandas, manteniéndose activo hasta principios de los años 70.

Adaptation, Estate - John Ellis (ts) Mike Moreno (g) Massimo Biolcati (b) Rodney Green (d)

- Along came Betty - Philip Dizack (tp) Kevin Hays (p) Massimo Biolcati (b) Kendrick Scott (d)

Procedente de una familia sueca/italiana, el contra bajista Massimo Biolcati, es ahora residente en Nueva York Como sideman, Massimo ha tocado con Paquito D’Rivera, Terence Blanchard, Ravi Coltrane, Lizz Wright, and Luciana Souza además de un gran número de músicos increíbles de situaciones y orígenes dispares. En Momenta, su tercer álbum como líder reune a tres diferentes cuartetos. Con estas bandas con poco o ningún ensayo, aborda una combinación de originales y arreglos de estándares y covers. Momenta es la realización de esta idea con música grabada el 2020 por varias iteraciones de personal dirigidas por Massimo.

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KARL BERGER / EDWARD BLACKWELL “JUST PLAY” - Albany, NY, March 20, 1976 - Just play, Time is - Karl Berger (vib,darbuka,balafon-1) Ed Blackwell (d,cymbals)

El pianista, compositor, vibrafonista, instructor e improvisador nacido en Alemania Karl Berger se encuentra entre el grupo de europeos que adoptaron el jazz libre desde el principio, en gran parte debido a la influencia de Ornette Coleman. Los conceptos de Coleman de tocar jazz se reflejan sin duda en los propios de Berger. Después de desarrollar su estética de jazz libre, Berger tocó con Don Cherry en París. Emigró a Estados Unidos en 1966 para tocar la Sinfonía para Improvisadores del trompetista y para grabar su debut, From Now On, para el sello ESP-Disk. En 1971, fue parte del quinteto de John McLaughlin para la histórica salida de avant-fusion When Fortune Smiles. En 1976 grabó Just Play , en duo dúo con el baterista Ed Blackwell, aunque no se vendió hasta 1979.

Just Play no es jazz libre en sentido estricto. La música sigue bien organizada y firmemente anclada en la tradición del jazz. Por supuesto, el vibráfono (y el balafón, para el caso) no es un instrumento con el que se pueda experimentar mucho con ruidos y otras técnicas que ahora son clichés en la música improvisada. La música aquí, aunque se siente liberada del concepto de tonalidad, sigue siendo melodiosa, y Blackwell, como siempre mantiene, un ritmo ligero y relajado pero lleno de inspirador virtuosismo .

BUD FREEMAN “AND HIS GROUP” - New York, December 4 & 11, 1953 - Margo’s seal, I guess I’ll have to change my plans, I could write a book, Blues for tenor, Sweet Georgia Brown, Three little words, Blue moon, Indian summer - Bud Freeman (ts) Dick Cary (p) George Barnes (g) Jack Lesberg (b) Don Lamond (d)

Cuando Bud Freeman se inició, el suyo era el único enfoque alternativo en el tenor al estilo más pesado de Coleman Hawkins y fue una inspiración para Lester Young. Freeman, también fue uno de los pocos saxofonistas (junto con Eddie Miller) en ser aceptado en el mundo de Dixieland. Participó en la memorable grabación de Eddie Condon de 1933 “The Eel”. Después de períodos con Joe Haymes y Ray Noble, Freeman fue solista estrella con Tommy Dorsey’s Orchestra y Clambake Seven (1936-1938) . Freeman viajó por el mundo, hizo decenas de buenas grabaciones y se aferró al mismo estilo básico que había desarrollado a mediados de los años 30 . Se mantuvo activo en sus ochenta años.

Joanne Brackeen es una pianista y compositora clave en la evolución del jazz moderno de fines del siglo XX. Su música, armónicamente avanzada, rítmicamente audaz y llena de ideas creativas, amplió el lenguaje del jazz sin perder comunicación. El impacto de Charlie Parker fue decisivo en su vida y la llevó rápidamente al piano de jazz. A fines de los años 50 ya tocaba con figuras como Teddy Edwards, Dexter Gordon, Harold Land, Charles Lloyd y Charles Brackeen, con quien se casó.

Entre 1969 y 1972 hizo historia al convertirse en la primera mujer en tocar y grabar con los Jazz Messengers de Art Blakey. Luego trabajó con músicos como Joe Henderson, Joe Farrell, Sonny Red y Toots Thielemans. Desde 1975 comenzó a grabar discos bajo su propio nombre y colaboró con saxofonistas como Sonny Stitt y Stan Getz.

Durante décadas, sus tríos ayudaron a definir el jazz moderno. Su álbum debut, junto a Cecil McBee y Billy Hart, muestra un estilo ya personal: armonías densas, gran libertad improvisatoria y una música compleja que, aun así, resulta sorprendentemente accesible.

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WADADA LEO SMITH “SUN BEANS OF SHIMMERING LIGHT” - Live “Constellation”, Chicago, IL, 2015 - Sun beams of shimmering light, Super moon rising, Dark tango - Wadada Leo Smith (tp,eng-hrn,comp) Douglas Ewart (woodwinds,comp) Mike Reed (d,comp)

Sun Beans of Shimmering Light es un excelente registro de música improvisada por parte del trompetista Wadada Leo Smith, el multiinstrumentista Douglas R. Ewart y el baterista Mike Reed.

El encuentro tuvo lugar en 2015, pero recién ahora lo ha publicado el sello Astral Spirits. La música funciona como una experiencia intensa, que adopta distintas.

Cada tema se construye a partir de ideas sólidas y bien integradas. Aunque todo es improvisado, nada suena disperso o inconexo. Por el contrario, el trío toca con convicción y coherencia.

RON DEWAR “THE BOTTLE TAPES” - The Empty Bottle Club , Chicago, Nov 19, 1997 - Continuous - Ron Dewar (st) Joshua Abrams (b) Robert Barry (dr)

Ron Dewar, saxo tenor, no sonaba como nadie. Aunque asimiló influencias de Sonny Rollins, Gene Ammons, Eric Dolphy y Johnny Griffin, su estilo fue siempre personal, marcado también por la intensidad y el compromiso de John Coltrane, a quien escuchó en vivo sin jamás imitarlo. Poseía una técnica casi ilimitada en todos los saxos, especialmente visible en el formato exigente de la big band, donde en un solo coro era capaz de desarrollar ideas, alcanzar un clímax y sostenerlo —o incluso superarlo— con una fuerza extraordinaria.

Lo escucharemos liderando un trío junto Joshua Abrams en bajo y el baterista Robert Barry ennuna actuaci®on en el prestigios Club de jazz de vanguardia Empty Bottle del saxofonsita Fred Anderson en noviembre de 1979

El álbum Song for My Father de Horace Silver representó un punto clave como compositor. Se inspiró en las raíces musicales caboverdianas de su padre, que Silver había dejado de lado durante años. Un viaje a Río de Janeiro, y el ambiente de la bossa nova en el aire, lo motivó a probar una fusión entre esa música y el jazz. El resultado fue Song for My Father, un disco de los más vendidos de la historia de Blue Note.

Si hubiera durado más tiempo, el grupo de Silver de mediados de los 60 tenía el potencial de rivalizar en el hard bop con Art Blakey. La banda contaba con el saxofonista Joe Henderson y el trompetista Woody Shaw, dos de los talentos jóvenes más destacados de la época. Henderson se incorporó en 1964, poco antes que Shaw, y ambos participaron en la grabación de siguiente proyecto, The Cape Verdean Blues, junto al invitado especial J. J. Johnson en el trombón.

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ETHAN IVERSON “EVERY NOTE IS TRUE” - Rhinebeck, NY, January 5 & 6, 2021 - She won’t forget me, For Ellen Raskin, At the Bells and Motley - Ethan Iverson (p,vcl) Larry Grenadier (b) Jack DeJohnette (d)

Ethan Iverson, pianista y maestro de la melodía, tiene un estilo aparentemente sencillo: toca con swing a un tempo medio, eligiendo cada nota con cuidado y logrando siempre un resultado sorprendente y agradable.

Su debut en el sello Blue Note, Every Note Is True, refleja su principio: solo cree en las melodías que realmente le convencen, y así cada nota cobra vida. Los 10 temas muestran su oído maduro y el comping -acompañamiento- experto de Jack DeJohnette en batería y Larry Grenadier en bajo. El trío suena como si llevara años tocando juntos. Podrían haber usado esa confianza para explorar más libremente, pero su precisión ya es un logro, y aporta gran profundidad a un debut sobresaliente.

NOAH PREMINGER “DARK DAYS” - New York, December 14, 2024 - Hummus, Casa Pueblo, Nash’s world - Noah Preminger (ts) Ely Perlman (g) Kim Cass (b) Terreon Gully (d)

Noah Preminger’s “Dark Days” no es un álbum para relajarse. Desde la primera canción, “Hummus,” se siente la tensión y el malestar que atraviesa todo el disco. Incluso temas más suaves, COMO “CASA PUEBLO” O LA BALADA “NASH’S WORLD,” tienen un trasfondo inquietante. Grabado en diciembre de 2024, durante un momento difícil en la vida de Preminger, “Dark Days” refleja el estado mental general del eminente saxofonista tenor en 2024, un año en el que experimentó problemas de salud crónicos (desde entonces resueltos).

Los acompañantes juegan un papel clave: Kim Cass (bajo) y Terreon Gully (batería) combinan solidez con nerviosismo contenido, mientras que Ely Perlman aporta líneas inquietantes que impactan.

El grupo Planet Jazz fue fundado por el baterista neoyorquino Johnny Ellis, fallecido en 1999 a los 44 años. Sin embargo, gracias a sus antiguos compañeros de banda, este grupo directo y lleno de energía sigue adelante, como queda claro en esta actuación en vivo registrada en el club Small’s de Nueva York.

Aparecen varias figuras destacadas de la escena local: el trompetista Joe Magnarelli, el saxofonista tenor Jerry Weldon, el guitarrista Peter Bernstein y el contrabajista Neal Miner, con Joe Strasser ocupando con solvencia el lugar que dejó Ellis. El clima es animado y optimista; los arreglos miran de frente a la tradición, pero incorporan giros inesperados y pequeños desvíos que mantienen la música fresca.

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RENEE ROSNES “KINDS OF LOVE” - New York, March 31April 1, 2021 - Silk (Dedicated to Donald Brown), Kinds of love, The golden triangle - Chris Potter (saxes,fl,bcl) Renee Rosnes (p,elp,vcl,comp,arr) Christian McBride (b) Carl Allen (d) Rogerio Boccato (perc)

Renee Rosnes es, sin exagerar, una de las grandes voces del jazz actual. Pianista y compositora de primer nivel, su forma de tocar es profundamente personal, con raíces claras en el lenguaje clásico del jazz, pero siempre abierta a nuevas ideas, matices y caminos expresivos.

Con una década de grabaciones muy celebradas para el sello Blue Note, Rosnes en este nuevo proyecto para Smoke Sessions presenta un conjunto de composiciones tan variadas como inspiradas, interpretadas por un grupo de músicos extraordinarios: Chris Potter, Christian McBride, Carl Allen y Rogério Boccato.

NED OTTER “THE RIGHT TO KNOW” - Englewood Cliffs, N.J., February 17, 1990 - The right to know, Funny, Panchromatic - Tom Kirkpatrick (tp) George Coleman (as,ts) Ned Otter (ts) Harold Mabern (p) Daniel Vitale (b) Billy Higgins (d)

En este álbum de 2002, el saxofonista tenor Ned Otter se presenta por primera vez como líder, y lo hace acompañado por su mentor, el gran George Coleman. El disco está dedicado al baterista Billy Higgins, fallecido poco después de concluir la producción.

Otter y Coleman forman un muy bien equilibrado y potente frente de tenores cuyas líneas melódicas fluyen con naturalidad. Junto a ellos, el trompetista Tom Kirkpatrick y el —lamentablemente subvalorado— pianista Harold Mabern aportan carácter y empuje. El grupo toca siempre con convicción. Los arreglos, bien ajustados y con pasajes al unísono, refuerzan el trabajo colectivo y le dan al disco una identidad clara y coherente.

Nathan Davis, Saxofonista tenor y soprano —además de flautista y clarinetista—, nació en Kansas City en 1937, se inició muy joven tocando jazz profesionalmente, incluso con la banda de Jay McShann. Estudió educación musical y servió en el Ejército estadounidense, passando varios años en Europa, sobre todo en París, donde colaboró con figuras como Kenny Clarke, Art Blakey, Ray Charles, Dexter Gordon y Woody Shaw.

En 1969 regresó a Estados Unidos para integrarse como profesor en la Universidad de Pittsburgh, donde desarrolló una influyente carrera académica. Allí impulsó uno de los primeros programas universitarios de estudios de jazz, creó seminarios y conciertos de alcance internacional y fundó la Pittsburgh Jazz Orchestra. “The Hip Walk” grabado en Alemania en 1965, cuando fue reeditado en CD en 1998 sacó a la luz el éxito de Davis como improvisador, compositor y arreglista cerca del comienzo de su carrera.

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OSCAR PETERSON TRIO “NIGHT TRAIN” - Los Angeles, December 16, 1962 - C jam blues, Night Train, Bags’ groove, Moten swing, Things ain’t what they used to be - Oscar Peterson (p) Ray Brown (b) Ed Thigpen (d)

Oscar Peterson fue uno de los importantes pianistas de todos los tiempos.Con una técnica fenomenal al nivel de su ídolo, Art Tatum, la velocidad, destreza y capacidad de Peterson para swinguear a cualquier ritmo eran increíbles. Muy eficaz en grupos pequeños, sesiones de improvisación y en acompañamiento de cantantes, O.P. estaba en su mejor momento cuando interpretaba solos no acompañados. Su estilo original no cayó en ningún idioma específico. Al igual que Erroll Garner y George Shearing, el estilo distintivo de Peterson se formó durante mediados y finales de los años 40 y quedó entre el swing y el bop. Peterson, que no evolucionó mucho desde la década de 1950, grabó un gran número de notable álbumes. Aunque el repertorio del álbum Night Train del Oscar Peterson Trio (con el bajista Ray Brown y el baterista Ed Thigpen) es bastante típico, Peterson y trío suenan inspirados.

RED RODNEY “THEN AND NOW” - New York, May 13 & 14, 1992 - Woody’n you, Un poco loco, Crazeology - Red Rodney (flhrn) Chris Potter (as-1,ts) Garry Dial (p) Jay Anderson (b) Jimmy Madison (d)

“The Hip Walk” - Villingen, Germany, September 1, 1965

Red Rodney a los 15 años ya tocaba trompeta en la orquesta de Jerry Wald. Luego pasó por varias big bands importantes, entre ellas las de Jimmy Dorsey, Benny Goodman y Les Brown. Su estilo dio un giro total después de escuchar a Dizzy Gillespie y Charlie Parker, y pronto se convirtió en una de las voces jóvenes más brillantes del bebop. Rodney aportó ideas y solos memorables en las bandas de Gene Krupa (1946), Claude Thornhill y en la célebre Second Herd de Woody Herman (1948–1949). Entre 1949 y 1951 fue, con idas y vueltas, miembro habitual del quinteto de Charlie Parker, y brilló especialmente en el histórico concierto de Bird en el Carnegie Hall en 1949.

Su última grabación, realizada dos años antes de su muerte, muestra a Rodney con 64 años tocando exclusivamente el fliscorno y manteniendo una técnica sólida y segura. Al frente de su quinteto habitual —con Chris Potter en saxos tenor y alto, Garry Dial al piano, Jay Anderson en contrabajo y Jimmy Madison en batería—, Rodney vuelve a sus raíces y revisita once estándares de la era del bop, pero dándoles un giro personal y fresco.

El álbum What Is There to Say? (1959) es el último de los cuartetos sin piano que Gerry Mulligan grabó en los años cincuenta y también uno de los mejores. Junto a él aparecen Art Farmer en trompeta, Bill Crow en contrabajo y Dave Bailey en batería, un grupo que funciona con notable equilibrio y compenetración. La ausencia de piano obliga a Mulligan y Farmer a sostener tanto el ritmo como la melodía, lo que da lugar a un diálogo constante entre ambos, alternando pasajes de estrecha interacción con solos de fuerte personalidad.

Aunque a veces se lo asocia al hard bop por época, el clima general del disco se mueve más cerca del cool jazz, con un sonido relajado pero lleno de ideas. Prácticamente todos los temas resultan memorables.

Además, se trata de una de las sesiones de Columbia con mejor sonido de finales de los cincuenta. Pese al estéreo muy separado típico de la época, la cercanía de los vientos aporta una gran sensación de presencia.

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SARAH VAUGHAN / CLIFFORD BROWN “SARAH VAUGHAN WITH CLIFFORD BROWN” - New York, December 16 & 18, 1954 - Lullaby of Birdland, I’m glad there is you, April in Parisl, Embraceable you (cb,pq,hm out) - Sarah Vaughan (vcl) acc by Clifford Brown (tp) Herbie Mann (fl) Paul Quinichette (ts) Jimmy Jones (p) Joe Benjamin (b) Roy Haynes (d) Ernie Wilkins (arr,dir)

La sesión de estudio de 1954, Sarah Vaughan with Clifford Brown, destaca por la participación de uno de los trompetistas más importantes de su época. Vaughan interpreta nueve estándares de carácter íntimo, acompañada por un grupo que incluye a Brown en trompeta, Herbie Mann en flauta y Paul Quinichette en saxo tenor, con amplio espacio para los solos de cada uno.

Aquí, Vaughan está posiblemente en uno de los mejores momentos vocales de su carrera: se detiene, sostiene y saborea cada nota en piezas como “April in Paris”, “Jim” y “Lullaby of Birdland”. Y aunque la emoción que transmite Vaughan es profunda, Brown casi logra igualarla con solos que exhiben su asombrosa virtud bop, en un contexto contenido, sin perder ni la sencillez expresiva de sus notas ni la extraordinaria audacia de sus elecciones. Los solos de Quinichette también son magníficos, con un sonido que casi parece un reflejo perfecto de la voz de Vaughan.

De manera curiosa, ni Brown, ni Quinichette ni Mann participan en el punto más alto del álbum, “Embraceable You”, que Vaughan interpreta con el acompañamiento de la sección rítmica: Jimmy Jones al piano, Joe Benjamin en contrabajo y Roy Haynes en batería.

TEDDY EDWARDS “TEDDY’S READY” - Los Angeles, August 17, 1960 - Blues in G, Scrapple from the apple, What’s new ? - Teddy Edwards (ts) Joe Castro (p) Leroy Vinnegar (b) Billy Higgins (d)

Teddy Edwards comenzó a tocar en público cuando tenía apenas 12 años. Nació en 1924 en Jackson, Mississippi, se trasladó a Detroit en 1942 y poco después salió de gira con la big band de Ernie Fields. En 1945 se estableció definitivamente en Los Ángeles, ciudad clave en su trayectoria. Tras un breve paso por el saxo alto con Roy Milton, se volcó al tenor, instrumento con el que desarrolló su voz más personal. Integró la banda de Howard McGhee, grabó con frecuencia como sideman y pronto empezó a liderar sus propios grupos.

Su debut para el sello Contemporary ofrece una excelente muestra de su talento como tenorista, a la altura de contemporáneos como Dexter Gordon o Wardell Gray. Acompañado por Joe Castro, Leroy Vinnegar y Billy Higgins, (p,b y dr) Edwards interpreta estándares y composiciones propias con soltura, profundidad y un sólido enfoque straight-ahead.

El trompetista y compositor Tim Hagans ha sido tres veces nominado al Grammy. Hagans ha tocado y grabado con figuras clave del jazz como Thad Jones, Ernie Wilkins, Joe Lovano, Bob Belden y Dexter Gordon. Fue precisamente Jones quien lo impulsó a componer, al punto de incluir una de sus primeras obras en un disco propio. Hagans integró durante tres años la orquesta de Stan Kenton y más tarde estableció una relación artística fundamental con la Norrbotten Big Band, donde se desempeñó como director artístico y compositor residente por quince años. Desde Suecia desarrolló numerosos proyectos junto a invitados como Rufus Reid, Randy Brecker, Peter Erskine y Dave Liebman, parte de los cuales quedaron documentados en *The Avatar Sessions*.

Hagans ha recibido encargos de instituciones como el NEA, IAJE/ASCAP y destacadas big bands europeas. Desde 2007 colabora con la Michele Brangwen Dance Ensemble, explorando cruces entre música, danza e improvisación. Este sábado, Tim Hagans y su quinteto Synesthesia se presentarán en el Festival Internacional de Providencia.

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EMMET COHEN “UPTOWN IN ORBIT” - New York, December 1 & 2, 2021 - Uptown in orbit (1), Li’l darlin’, Mosaic - Sean Jones (tp-1) Patrick Bartley (as-1) Emmet Cohen (p) Russell Hall (b) Kyle Poole (d)

Ha llegado el momento de . Desde su lanzamiento debut en Mack Avenue, “Future Stride”, el pianista Emmet Cohen ha recorrido el mundo constantemente, llevando su música durante una pandemia global, todo mientras organiza conciertos semanales en vivo desde su casa en Harlem, Nueva York. Estas transmisiones en vivo proporcionaron un sentido de comunidad y un hogar a los músicos desplazados de Nueva York, que recuerdan a las fiestas de alquiler de la década de 1920. En “Uptown in Orbit”, su segundo lanzamiento para Mack Avenue, Cohen lleva la tradición del jazz a primer plano mientras proporciona el giro moderno necesario para los tiempos actuales. En este lanzamiento aparecen el trompetista/educador Sean Jones, el saxofonista Patrick Bartley, el bajista Russell Hall y el baterista Kyle Poole.

BEN PEROWSKY “ESOPUS OPUS” - Brooklyn, NY, March 15, 2006 - Key lime, Within you without you, Esopus opus, Perolas - Chris Speed (ts,cl) Ted Reichman (accor) Drew Gress (b) Ben Perowsky (d)

El baterista Ben Perowsky, con una presencia habitual de la escena del downtown de Nueva York, fundó y codirigió la banda de proto-fusión Lost Tribe, formó parte de Elysian Fields, Joan as Policewoman y los Lounge Lizards, y al mismo tiempo se mantuvo activo como sideman junto a músicos como Steven Bernstein, Uri Caine, Dave Douglas y John Zorn, entre muchos otros.

Un artista de intereses muy diversos, Perowsky debutó con su cuarteto en “Esopus Opus”, un disco que recorre múltiples géneros: desde versiones de rock clásico y música brasileña hasta composiciones propias, siempre cambiantes. Curiosamente, este grupo guarda un claro parentesco con el Claudia Quintet, el ensamble liderado por el también baterista John Hollenbeck. Ambos comparten a Chris Speed (clarinete y saxo tenor), Ted Reichman (acordeón) y Drew Gress (contrabajo), aunque el grupo de Hollenbeck suma además al vibrafonista Matt Moran.

Percusionista prolífico y de enorme prestigio dentro del jazz de vanguardia y la improvisación, Hamid Drake ha construido un lenguaje rítmico que mezcla elementos afro-cubanos, indios y africanos. Surgió en los años setenta junto al saxofonista Fred Anderson, figura clave de la escena de Chicago, y desde entonces ha sido un colaborador esencial de improvisadores como Peter Brötzmann, Matthew Shipp, Ken Vandermark, Pharoah Sanders y William Parker. Además, trabajó estrechamente con Don Cherry desde 1978 hasta la muerte del trompetista en 1995.

Pasquale Mirra, originario de Ravello, es considerado uno de los vibrafonistas más talentosos de la escena italiana e internacional. Ha colaborado con grandes improvisadores del escenario mundial, incluidos Michel Portal, Fred Frith, Nicole Mitchell, Tristan Honsinger, Ernst Rijseger, y con algunos de los artistas italianos más talentosos. En 2013, 2014 y 2015 fue nombrado el mejor vibrafonista italiano por la revista Jazz it.

Es difícil definir y encasillar a estos dos músicos, porque no pertenecen a un solo género y demuestran con cuánta maestría y naturalidad se puede pasar de una cultura musical a otra sin generar rupturas.

En el Festival Internacional de Providencia, Hamid y Pasquale presentarán su música junto a cuatro músicos chilenos: Claudio Rubio, saxos; Felipe Rivero, piano y teclados; Milton Russell, contrabajo y Raul Aliaga en percusión y tabla.

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BRUCE BARTH “DEDICATION” - Brooklyn, NY, August 9, 2021 - “Dedication” - Brooklyn, NY, August 9, 2021 - Courage, In memoriam, Let’s go - Bruce Barth (p,comp) Vicente Archer (b) Montez Coleman (d)

Figura clave de la escena jazzística de Nueva York durante 40 años, el pianista Bruce Barth ha desarrollado una visión musical inspirada que siempre ha dado lugar a colaboraciones valiosas y profundas. Ninguna tan significativa como la de su trío estable de muchos años junto al contrabajista Vicente Archer y el baterista Montez Coleman.

La voz colectiva del grupo encontró aquí su marco perfecto, lo que convierte el álbum *Dedication* en un momento especialmente profundo y cargado de emoción: Montez falleció apenas cinco meses después de la sesión de grabación, a los 48 años. El disco celebra la alegría y la camaradería que Montez aportaba al grupo, así como la inspiración, guía y gratitud durante toda la grabación.

SEBASTIÁN JORDÁN “PATAGONIA” - Santiago 2023 - Patagonia, Sofía - Sebastián Jordán (t) Sergio Olivares (saxo/fl) Sebastián Castro (p/tecl) Milton Russell (b) Félix Lecaros (dr)

Sebastián Jordán es, sin lugar a dudas, la figura más relevante de la trompeta en el jazz chileno, consolidado como solista a partir de la década del 2000. Formado con distinción en el seno de las orquestas Irazú (1997) y Los Andes Big Band (1998), pronto se erigió como el principal referente del instrumento dentro de su generación.

Su trayectoria se ha caracterizado por la construcción de un discurso musical propio, de notable profundidad lírica y refinamiento expresivo, desarrollado tanto en sus proyectos como solista-líder como en su prolífica labor como sideman en la escena contemporánea. En este sentido, Jordán se inscribe de manera natural como el continuador de Cristián Cuturrufo en la línea histórica de la trompeta dentro del jazz chileno.

La flautista y compositora neoyorquina Jamie Baum, reconocida internacionalmente como una de las grandes flautistas del jazz e incluida anualmente en la encuesta de críticos de la revista DownBeat desde 1999, ha trabajado y/o grabado con figuras tan diversas como Randy Brecker, Paul Motian, Roy Hargrove, Kenny Barron, Anthony Braxton y Wadada Leo Smith. Baum también enseña en el departamento de JazzArts de la escuela de música de Manhattan.

Pasado mañana, el viernes 23 a las 20:00 Jaime se presentará en el Festival Internacional de Providencia con el cuarteto que debutó en 2023 en el legendario club Mezzrow de Nueva York. Tras años tocando juntos en distintos proyectos y formaciones, el balance entre lo familiar y lo inesperado mantiene al público atento. El repertorio mezcla composiciones originales de los integrantes y arreglos d estándares con un enfoque propio.

En su álbum Sight Unheard es acompañada por músicos de primer nivel — Dave Douglas en trompeta y Kenny Werner o Roberta Piket en piano—, pero mantiene su presencua siempre al frente. Jamie compuso casi todo el repertorio, e hizo todos los arreglos de música abierta y dinámica, llena de matices, energía y momentos de gran interacción colectiva.

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MILT JACKSON “QUINTET” - New York, April 7, 1952 - Tahiti, Lillie, Bags’ groove, What’s new ?, Don’t get around much anymore, On the scene - Lou Donaldson (as1) Milt Jackson (vib) John Lewis (p) Percy Heath (b) Kenny Clarke (d)

Este CD reúne dos sesiones completas lideradas por el vibrafonista Milt Jackson. En una de ellas, los futuros integrantes del Modern Jazz Quartet se unen al saxofonista Lou Donaldson; la otra incluye ocho temas en cuarteto junto a Thelonious Monk.

Hoy escucharemos la sesión de abril de 1952, que en lo esencial ya presenta al Modern Jazz Quartet: John Lewis (piano), Percy Heath (contrabajo) y Kenny Clarke (batería), ofreciendo un acompañamiento excepcional a Jackson. Con Lou Donaldson en saxofón alto, el grupo interpreta versiones sublimes que duran unos minutos cada una. Eto se debe que, aunque el LP ya existía desde 1948, estas grabaciones fueron pensadas originalmente para discos de 78 rpm, formato que seguía siendo el más usado por las radios y porque muchos oyentes aún no tenían tocadiscos para LP. Así, estas sesiones se publicaron primero como 78 rpm de Blue Note y solo más tarde fueron recopiladas en LP.

ENRICO PIERANUNZI “DON’T FORGET THE POET” - Amsterdam, The Netherlands, March 7, 8 & 9, 1999 - Don’t forget the poet, A nameless gate, Hindsight - Bert Joris (tp,flhrn) Stefano d’Anna (sop,ts) Enrico Pieranunzi (p) Hein van de Geyn (b) Hans van Oosterhout (d)

Enrico Pieranunzi, nacido en Roma en 1949, es pianista, compositor y arreglador. Ha grabado más de 70 discos como líder y ha colaborado, en vivo y en estudio, con músicos como Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, entre muchos otros. Ha sido elegido Artista del Año en tres ocasiones por la encuesta de críticos de la revista Musica Jazz y también recibió el premio francés Django d’Or como Mejor Músico Europeo.

En el álbum Don’t Forget the Poet, Pieranunzi aparece acompañado por Bert Joris en trompeta y fliscorno, y por el saxofonista Stefano d’Anna. El grupo se completa con el contrabajista Hein Van de Geyn, quien además produce el disco, y el baterista Hans von Oosterhout. Los 11 temas son composiciones de Pieranunzi y proponen una música donde prima la belleza y el lirismo, más que el swing marcado o las referencias directas al blues.

“BUD FREEMAN TRIO” - New York, November 30, 1938 -The blue room, Exactly like you - Bud Freeman (ts) Jess Stacy (p) George Wettling (d)

Bud Freeman siempre tuvo su propio sonido y estilo. Aunque nunca fue la influencia dominante que fue Hawkins, fue una inspiración tanto para Lester Young (que admiraba su individualidad incluso mientras desarrollaba su propio tono mucho más frío) como para Eddie Miller, que con Bob Crosby a menudo sonaba como Freeman, pero tocaba en un estilo más simple, aunque no menos oscilante. Incluso Hawkins expresó admiración por las habilidades de Freeman y su decisión de no copiar a nadie más.

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EDDIE HEYWOOD “AND HIS ORCHESTRA” - New York, February 19 & 26, 1944 -`T ain’t me, Carry me back to old Virginny, I can’t believe that you’re in love with me - Doc Cheatham (tp) Vic Dickenson (tb) Lem Davis (as) Eddie Heywood (p) Al Lucas (b) Jack “The Bear” Parker (d)

El pianista Eddie Heywood nació en Atlanta, Georgia. Se inició tocando en un teatro de vódevil en Atlanta, ocasionalmente acompañando a cantantes como Bessie Smith y Ethel Waters.[ 1] Heywood se mudó, primero a Nueva Orleans y luego a Kansas City, cuando el vódevil comenzó a ser reemplazado por imágenes sonoras. Después de mudarse a Nueva York, toco con Benny Carter (1939-1940). Luego dirigió su propio grupo a partir de ese período, apoyando a Billie Holiday en algunas ocasiones a partir de 1941. En 1943, aparece en el cuarteto de Coleman Hawkins con un solo en “The Man I Love”). Su primer sexteto incluyó a Doc Cheatham y Vic Dickenson. Su versión de 1944 de “Begin the Beguine” se convirtió en un éxito. Eddie Heywood continuó actuando hasta la década de 1980.

CHU BERRY “AND HIS JAZZ ENSEMBLE” - New York, August 28, 1941 - Blowing up a breeze, On the sunny side of the street, Monday at Minton’s, Gee baby, ain’t I good to you ? (hlp vcl) - Hot Lips Page (tp,vcl) Chu Berry (ts) Clyde Hart (p) Al Casey (g) Al Morgan (b) Harry Jaeger (d)

El August 28, 1941 Chu Berry, Hot Lips Page y Clyde Hart en tenor, trompeta y piano ingresaron al estudio de Commodore Records en New York. También participan el guitarrista de Fats Waller Al Casey y Harry Wager baterista de Benny Goodman, son caras nuevas del sello. La instrumentación es la misma que la de Chu en una grabación de 1938, lo que deja bastante claro son los cambios que habían tenido lugar en el swing. Se había vuelto más ágil, con una mayor propensión a los riffs que son frase corta repetida típicamente utilizada como introducción o estribillo en una canción.

Grabaron dos baladas y dos temas rápidos: Una larga toma de “On The Sunny Side Of The Street”, con un solo de Hot Lips. “Blowing Up A Breeze”, muestra que Chu y Lips van bien juntos. La toma termina con un riff al unísono y Chu, con la mayor parte del espacio en solitario, que está en buena forma; este era el tipo de ritmo en él que sobresalía. “Monday At Minton’s” es el primo de “One O’clock Jump”, al que Hart cita en su solo de saxo alto. “Gee Baby Ain’t I Good To You” fue una de las especialidades de Lips. Su solo de trompeta con sordina es “suplicante”. Este fue el canto del cisne de Chu: en dos meses, había fallecido, acababa de cumplir 33 años. Si hubiera vivido, podría haber habido una tercera escuela clásica de tenor para agregar a Coleman Hawkins y Lester Young.

PECK KELLEY “PECK KELLEY JAM” - Houston, Texas, June 9 & 16, 1957 - Stompin’ at the Savoy, Riverboat shuffle - Dick Shannon (cl) Peck Kelley (p) Felix Stagno (el-g) Dusty Hymes (g) Glen Boyd (b) Richard “Spanky” Jones (d)

Peck Kelley fue un hombre sumamente tímido y un pianista virtuoso con el don de atraer a los mejores y más brillantes jóvenes músicos de jazz de todo el país a su banda en el este de Texas. Los mejores líderes de banda del día intentaron atraerlo, pero se negó a migrar a escenas de jazz fértiles y más lucrativas en otros lugares. En cambio, creó un centro de hiot jazz en su estado en una época en la que el jazz rara vez se escuchaba en ningún otro lugar que no fuera Nueva Orleans o Chicago.

Kelley lideró una influyente “territory band” en Texas durante la década de 1920. Se decía que el estilo de Kelley estaba adelantado a su tiempo y era armónicamente más avanzado que el de otras bandas de esa época. En el grupo tocaron músicos como Pee Wee Russell y Jack Teagarden, además de Leon Roppolo, de los New Orleans Rhythm Kings. La banda nunca llegó a grabar.

En 1957, Peck Kelley se unió al cuarteto de Dick Shannon, con Glen Boyd al contrabajo, formación de la que provienen las únicas grabaciones de estudio que se conservan de este músico.

La historia de Jackie McLean es ya parte de la leyenda del jazz. Empezó a tocar el saxofón alto a los quince años; a los diecisiete estudiaba con Bud Powell y tocó en conciertos locales con Thelonious Monk y al año siguiente junto a Charlie Parker, y a los diecinueve se presentó en el club Birdland con Miles Davis. Además, grabó con Miles Davis, el Jazz Workshop de Charles Mingus y más tarde con los Jazz Messengers de Art Blakey. Antes de cumplir veinte años, McLean era conocido como una figura clave del jazz neoyorquino.

Su álbum Jacknife (1965) lo acompañan los trompetistas de primer nivel, Lee Morgan y Charles Tolliver, y una sólida sección rítmica: Larry Willis al piano, Larry Ridley en el contrabajo y Jack DeJohnette en la batería. El sonido intenso de McLean recorre un repertorio variado, que va desde las amplias exploraciones modales de “On The Nile”, de Tolliver, pasando por los ritmos enérgicos de “Climax”, de DeJohnette, hasta “Blue Fable”, composición del propio McLean.

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HAMPTON HAWES “THE TRIO (VOLUMES 1 & 2) - Diciembre 1955 & enero 1956 - Stella by starlight, Blues for Jacque, Yesterdays - Hampton Hawes (p) Red Mitchell (b) Chuck Thompson (d)

Hampton Hawes fue uno de los mejores pianistas de hard bop de la escena jazzística de la Costa Oeste. Llamó la atención a fines de los años 50 con una serie de excelentes discos en formato de trío. Influido por las innovaciones bebop de Bud Powell, Hawes mostró muy pronto la misma soltura tanto en temas rápidos y llenos de swing como en baladas románticas.

Después de trabajar con las bandas de Los Ángeles lideradas por Shorty Rogers y Howard McGhee, y tocar con figuras del bebop de la Costa Oeste como Sonny Criss, Dexter Gordon y Wardell Gray.

Hampton Hawes Trio, Vols. 1 & 2 es el primero de una larga serie de grabaciones que lo muestran en uno de los mejores momentos iniciales de su carrera, junto al contrabajista Red Mitchell y al baterista Chuck Thompson. Además de tres composiciones propias, Hawes interpreta siete estándares con versiones llenas de energía y swing, logrando que temas muy conocidos suenen nuevamente vivos y atractivos.

LIAM SILLERY “PHENOMENOLOGY” - River Edge, N.J., December 9, 2008 - Phenomenology, Holding pattern, Intentionality - Liam Sillery (tp,flhrn) Matt Blostein (as) Jesse Stacken (p) Thomas Morgan (b) Vinnie Sperrazza (d)

Con su lanzamiento “Phenomenology”, el trompetista Liam Sillery continúa desafiando tanto a los músicos como al oyente con composiciones intrincadas e improvisación sorprendente. La banda es reactiva y solidaria, mientras mantiene sus personalidades individuales para complementar constantemente la música. La exploración de Liam de los paisajes sónicos sugeridos por sus composiciones crea una sensación de intriga melódica en el “Koi” inspirado en Kenny Wheeler y las líneas de la rueda de la bocina a través del backbeat de “Intentionality”. Esta grabación sin duda ayuda a solidificar a Sillery como “una voz importante en el jazz del siglo XXI”

En Americana Vol. 2, J.D. Allen aborda temas profundos —políticos, raciales, económicos e históricos—, pero en el centro musical del disco está algo tan simple y a la vez fundamental como el blues. Allen pone el foco en ese papel muchas veces subestimado, pero clave, que el blues ha tenido en la historia del jazz y en cómo sigue transformándose e influyendo en el género hasta hoy.

Para este proyecto vuelve a trabajar con sus colaboradores de siempre, Gregg August en contrabajo y Rudy Royston en batería, y suma al guitarrista Charlie Hunter. Hunter no solo comparte con Allen un interés profundo por el blues y su legado, sino también varias experiencias de vida similares. Aunque crecieron en distintas regiones del país, sus trayectorias personales se cruzan de manera natural, algo que se percibe con claridad en la música que hacen juntos.

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MATT BAUDER “NIGHTSHADES” - Brooklyn, NY, February 5 & 6, 2013 - Octavia minor, Weekly resolution - Nate Wooley (tp) Matt Bauder (ts) Kris Davis (p) Jason Ajemian (b) Tomas Fujiwara (d)

Matt Bauder formó su banda Day in Pictures en 2007 con la idea de concentrar sus diversas habilidades como compositor en un sonido propio y reconocible. La formación actual reúne a algunos de los improvisadores más destacados de hoy. Nate Wooley y el propio Bauder, en trompeta y saxofón tenor, han desarrollado un frente muy particular gracias a años de giras junto al quinteto Canada Day de Harris Eisenstadt. La base rítmica —Kris Davis en piano, Jason Ajemian en contrabajo y Tomas Fujiwara en batería— se complementa a partir de contrastes claros entre sus distintas maneras de tocar.

Cuesta imaginar una versión más personal y cercana de la tradición del souljazz actual que “Octavia Minor”, el tema que abre Nightshades, segundo álbum del grupo. La pieza se apoya en un riff relajado de hard bop y en el diálogo natural entre Bauder y el notable trompetista Wooley. Al mismo tiempo, se aparta con elegancia de lo convencional gracias a un clima espacial, con matices de Medio Oriente, y al intercambio tenso entre los giros blueseros del piano de Davis y los acentos descentrados de la batería de Fujiwara.

MAX JOHNSON “MAX JOHNSON QUARTET” - Paramus, NJ, c. 2012 - 60-66, Disharmony in 5 notes or less, Lost & found (for Henry Grimes) - Steve Swell (tb) Mark Whitecage (as,cl) Max Johnson (b) Tyshawn Sorey (d)

Discípulo del bajista de vanguardia Henry Grimes, Max Johnson aporta a su contrabajo una energía intensa en Max Johnson Quartet su prometedor debut. El disco reúne seis composiciones originales para un cuarteto sin piano, donde distintos géneros se filtran a través de una mirada claramente libre y experimental. Johnson ha tocado con figuras como Anthony Braxton, William Parker y John Zorn; esas influencias se sienten, pero no lo dominan: aquí logra una voz propia, creando reglas solo para tensarlas o dejarlas de lado.

Esa tensión se percibe en “Elephant March”, un funk en compases irregulares que parece reclamar a John Medeski, hasta que Tyshawn Sorey empieza a desarmar el pulso y el trombonista Steve Swell junto al saxofonista Mark Whitecage despegan hacia zonas extremas y luego regresan. “Lost & Found” crece poco a poco, con ecos de los pasajes más brillantes de Rhapsody in Blue. El no del todo tradicional “6066” da paso a “Atonement”, un blues torcido, y el cierre “IsetRa” evoca pirámides, rituales y quizá a la Arkestra que alguna vez tocó entre ellas.

Observando el 22 aniversario de su primer álbum de cuarteto (Look Forward del 2022) con el pianista Luis Perdomo, el bajista Hans Glawischnig y el baterista Antonio Sánchez, y el 15o aniversario de su cuarteto actual con el baterista Henry Cole, el saxofonista alto Miguel Zenón ingresó al Village Vanguard en septiembre de 2024 para grabar el primer álbum del grupo.

Aunque el cuarteto ha ofrecido cientos de conciertos en todo el mundo durante años, nunca antes había registrado oficialmente su potencia en vivo. Para Zenón, este disco tiene una energía especial, marcada por la historia y la atmósfera única del Village Vanguard, un lugar soñado por generaciones de músicos de jazz. El lanzamiento se efectuó en el mismo lugar en septiembre de 2025.

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CARMEN STAAF “SOUNDING LINE” - Oakland, CA, September, 2024 - Scorpio?, Byeya, Libra, Boiling point - Ambrose Akinmusire, Darren Johnston (tp) Ben Goldberg (cl) Dillon Vado (vib,tamb) Carmen Staaf (p,comp) Hamir Atwal (d) John Santos (bgo)

La pianista y compositora Carmen Staaf se inspira en dos figuras clave del piano en el jazz: Thelonious Monk y Mary Lou Williams. En su álbum Sounding Line, Staaf explora los puntos de encuentro entre estos músicos revolucionarios, revelando influencias compartidas y una relación artística más estrecha de lo que suele asumirse.

Staaf creció estudiando el lenguaje de Monk. Sus composiciones, a menudo calificadas como excéntricas, muestran en realidad una construcción cuidadosa y una lógica interna muy precisa.

El descubrimiento de Mary Lou Williams amplió decisivamente su perspectiva. Le impactó la amplitud estilística de Williams, su vigencia a lo largo de varias décadas y esa admiración la llevó a investigar a fondo su obra y a reconocer los lazos creativos que la conectan con Monk, que es el concepto del disco.

Para dar forma al proyecto, Staaf reunió a músicos de SanFrancisco con quienes había construido vínculos musicales y pedagógicos, conformando un elenco diverso que refuerza el espíritu abierto y dialogante de Sounding Line.

BENNY GOLSON “GONE WITH GOLSON” - Hackensack, N.J., June 20, 1959 - Autumn leaves, Soul me, A bit of heaven - Curtis Fuller (tb) Benny Golson (ts) Ray Bryant (p) Tommy Bryant (b) Al Harewood (d)

El saxofonista tenor y compositor Benny Golson (1929–2024) dejó una huella inconfundible en el jazz moderno, marcada por un groove elegante y un lirismo siempre reconocible. Esa riqueza se aprecia con claridad en Gone With Golson (1959), un álbum que refleja tanto su origen en Filadelfia como su sólida herencia musical, ligada a maestros como Coleman Hawkins y Ben Webster, muy lejos de las corrientes más radicales del avant-garde de la época.

Golson brilla por si solo, pero la presencia del trombonista Curtis Fuller eleva aún más el nivel del disco. Juntos logran un swing fluido y natural, con un diálogo constante y lleno de matices. Golson suena inspirado y melódico, fiel al espíritu de clásicos con el empuje sostenido por el pulso firme de Al Harewood y el trabajo refinado de los hermanos Bryant, Ray al piano y Tommy al contrabajo.

La relación entre el pianista y compositor George Colligan y el baterista DeJohnette se remonta a quince años y un encuentro fortuito durante un ensayo de la big band de Don Byron. Colligan llegó temprano y encontró a DeJohnette ya instalado y listo para tocar. Comenzaron a improvisar, compartiendo temas e ideas musicales, y la conexión fue inmediata. DeJohnette, dos años más tarde, lo llamó para invitarlo a unirse a su grupo. Para Colligan, esta colaboración tuvo un significado especial, ya que DeJohnette había sido durante mucho tiempo uno de sus grandes referentes, en parte porque ambos comparten la poco habitual doble condición de pianistas y bateristas.

En 2014, Colligan y DeJohnette grabaron en vivo en el Jazz Standard de Nueva York, acompañados esta vez por la contrabajista Linda May Han Oh. Publicado ahora por Whirlwind Recordings como Live At The Jazz Standard, el álbum captura un momento especialmente poderoso en la trayectoria de tres músicos magistrales, en distintas etapas de su camino artístico, pero reunidos en perfecta sintonía, con una música llena de energía, empatía y convicción.

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TIMO VOLLBRECHT “BREMEN NEW YORK” - Bremen, Germany, c. 2024 - Spicy moon - Ralph Alessi (tp) Timo Vollbrecht (sax,comp) Elias Stemeseder (p) Chris Tordini (b) Thomas Stronen (d)

Para su cuarto álbum como líder, el saxofonista y compositor alemán Timo Vollbrecht reúne un quinteto de ensueño que incluye al trompetista Ralph Alessi, el contrabajista Chris Tordini y el baterista Thomas Strønen. Completa el grupo el excelente pianista Elias Stemeseder. Grabado en vivo en la sala de conciertos Sendesaal de Bremen, célebre por su acústica excepcional, el disco presenta siete composiciones originales escritas especialmente para esta formación.

Construido sobre un compás poco habitual de 7/4, “Brighton Blues” mantiene un pulso tranquilo pero muy atractivo. Todo parte del piano, que marca el camino con una cadencia firme y clara, mientras el bajo y la batería avanzan con suavidad, sin apuros. El fraseo de Vollbrecht, lleno de arpegios y detalles, recuerda en algunos momentos a Charles Lloyd, sobre todo en esa búsqueda de un clima más introspectivo y casi espiritual. A pesar de la complejidad rítmica, la música fluye con naturalidad y se siente orgánica, como si el ritmo respirara por sí solo.

CHRISTIAN MCBRIDE BIG BAND “WITHOUT FURTHER ADO, VOL. 1” - New York ?, c. 2024 - Murder by numbers (s vcl,1), Back in love again (jo vcl) Old folks (sj vcl), All through the night (cms vcl), Come rain or come shine (ah vcl) Cold chicken suite, 3rd movement - Christian McBride Big Band feat.: Andy Summers (g1) Christian McBride (b) Sting, Jeffrey Osborne, Samara Joy, Jose James, Cecile McLorin Salvant, Dianne Reeves, Antoinette Henry (vcl)

La enorme variedad de contextos, estilos y asociaciones legendarias definen la trayectoria del contrabajista, compositor y líder Christian McBride. Lo ilustra con su big band en Without Further Ado, Vol. 1, cuarto disco primer álbum centrado en voces, con invitados e invitadas de distintas generaciones.

La gran sorpresa inicial es la reunión de Sting y Andy Summers, juntos por primera vez desde 2008, al frente de una versión swing de “Murder by Numbers”, lado B de The Police. Luego aparece el gigante del R&B Jeffrey Osborne en (Every Time I Turn Around) Back in Love Again, con McBride pasando al bajo eléctrico para sostener el pulso funk y sensual del tema.

Samara Joy aborda “Old Folks” con un aire clásico que recuerda a los grandes crooners, mientras Antoinette Henry aporta fuerza y dramatismo en “Come Rain or Come Shine”. El cierre destacado llega con Cécile McLorin Salvant, quien ofrece una versión singular y personal del estándar de Cole Porter “All Through the Night”.

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Don Byas fue un saxofonista tenor clave en la historia del jazz, alguien que amplió y llevó más lejos las innovaciones de Coleman Hawkins. Comenzó su carrera tocando saxo alto y en 1929 ya trabajaba con Bennie Moten y los Blue Devils de Walter Page. Entre 1931 y 1932 lideró su propio grupo en Oklahoma, y en 1933 se pasó definitivamente al saxo tenor, instrumento con el que dejaría su mayor huella.

En Notes and Tones, el libro de entrevistas de Art Taylor, Byas comenta que “Art Tatum me afectó profundamente. De ahí viene mi forma de tocar. Yo no tengo un estilo: simplemente soplo, como Art. Él no tenía estilo, solo tocaba el piano, y así es como yo toco”. Añade: “No había nadie tocando lo que yo tocaba, porque en ese tiempo ningún músico de viento seguía a los pianistas. En ese sentido, yo estaba por delante de todos”.

Escuchemos a Byas en una de las muchas sesiones organizadas por el barón danés Timme Rosencrantz en su departamento de la calle 46 en Nueva York, esta es del 6 de noviembre de 1944. Byas está especialmente inspirado en These Foolish Things y Tea for Two, acompañado por el pianista John Levy y el contrabajista Ted “Mohawk” Sturgis, conocido por su larga relación con Roy Eldridge.

RALPH SUTTON / EDMOND HALL “RALPH SUTTON QUARTET WITH EDMOND HALL” - Pythian Temple studio, New York, February 10, 1954 - Oh baby, Dardanella, Up jumped you with love, Sweet and lovely - Edmond Hall (cl) Ralph Sutton (p) Walter Page (b) Cliff Leeman (d)

En el CUARTETO del pianista RALPH SUTTON y el clarinetista EDMOND HALL del 10 DE FEBRERO y el 8 de Junio de 1954 en el Pythian Temple studio de Nueva York. Walter Page y Cliff Leeman los apoyan en el bajo y la batería. Hall era el clarinetista de la banda de la casa del club Eddie Condon’s, y Sutton el pianista de los intermedios, aunque a veces también tocaba con la banda. Page estuvo en la banda de Condon en 1954, y Cliff también, de forma interina. Es obvio que los cuatro se comunicarían estupendamente bien en estas sesiones.

HANK D’AMICO “HANK D’AMICO SEXTET” - New York, October 10, 1944 - Hank’s pranks, Juke box Judy, Shy little witch from Greenwich, Gone at dawn - Frankie Newton (tp) Hank D’Amico (cl) Don Byas (ts) Dave Rivera (p) Sid Weiss (b) Cozy Cole (d)

En la sesión de Hank D’Amico, grabada en Nueva York el 10 de octubre de 1944, hay un factor clave que contribuye a su excelencia: la presencia de un improvisador cuyo escaso reconocimiento contrasta de manera directa con su originalidad y profundidad. Lo acompaña Frankie Newton, un intelectual, pintor con una sensibilidad poética en la trompeta.

Por su parte, D’Amico encontró una forma de tocar el clarinete que le era completamente propia: prácticamente no hay rastros de las influencias predominantes de la época y, al igual que Newton, es un improvisador genuino, siempre en el momento, muy lejos de ser un mero encadenador de frases.

Junto al talentoso pianista Dave Rivera están Sid Weiss, un contrabajista ejemplar del período previo a Jimmie Blanton, con técnica e afinación de primer nivel, y Cozy Cole (que en ocasiones puede sonar algo pesado) toca exclusivamente con escobillas, aportando una ligereza ideal al conjunto.

Brandon Sanders no siguió el camino habitual de muchos músicos de jazz. Recién a los 25 años tomó por primera vez unas baquetas, cuando la mayoría ya acumulaba estudios, conciertos y grabaciones. Más de un cuarto de siglo después, a los 52, lanzó su debut discográfico *Compton’s Finest* (Savant, 2023). Hoy, con su tercer álbum *Lasting Impression*, queda claro que el baterista —nacido en Kansas City, criado en Compton y radicado en Nueva York— piensa en el largo plazo. Lejos de querer probar que es “la próxima gran cosa” NYC, Sanders se concentra en construir un legado, haciendo música de peso, arraigada en la experiencia y en lo aprendido a lo largo del camino.

Una figura clave en este recorrido es el vibrafonista Warren Wolf, compañero suyo en Berklee y presente en los tres discos del baterista. El álbum parte con “8/4 Beat” de Bobby Hutcherson, con un solo brillante de Wolf. La vocalista Jazzmeia Horn hija de Shirley en dos pistas.

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MCCOY TYNER “THE REAL MCCOY” - Englewood Cliffs, NJ, April 21, 1967 - Contemplation, Passion dance - Joe Henderson (ts) McCoy Tyner (p) Ron Carter (b) Elvin Jones (d)

En 1967, McCoy Tyner estaba preparado para comenzar una nueva etapa. Dos años antes había dejado el influyente cuarteto de John Coltrane y también su vínculo con el sello Impulse!. Tras un período complejo en lo personal, pero de gran crecimiento artístico, el pianista encontró en Blue Note el espacio ideal para reafirmarse con una voz propia. Su debut en el sello, *The Real McCoy*, marcó el inicio de una etapa especialmente fértil que daría lugar a siete álbumes y es considerado, con justicia, uno de sus grandes logros.

Para esta grabación, Tyner reunió un cuarteto de primer nivel junto al saxofonista tenor Joe Henderson, el contrabajista Ron Carter y el baterista Elvin Jones. El repertorio incluye cinco composiciones originales que se han vuelto clásicos de su catálogo, entre ellas “Passion Dance”, “Search for Peace”, “Four by Five” y “Blues on the Corner”. El resultado es un disco que consolida a Tyner como una fuerza creativa independiente y en pleno dominio de su lenguaje.

THOM ROTELLA “SIDE HUSTLE” - Los Angeles, February 20, 24 & 27, 2024 - Who dat ?, Not so much (2,5), (Medley:) Three views of a secret (1,3,4,5) - Jeremy Pelt (tp-1) Eric Alexander (ts-2) Bobby Floyd (org) Gregg Karukas (org-3) Thom Rotella (g) Roy McCurdy (d) Kendall Kaye (d-4) Lenny Castro (perc-5)

Side Hustle, el debut discográfico del guitarrista Thom Rotella en 2024 fue recibido con entusiasmo por la radio, alcanzando el puesto #3 en el ranking nacional de JazzWeek. El álbum con un enfoque muy marcado en el groove, con guitarra y órgano al centro, reuniendo a Rotella con Bobby Floyd en el Hammond B-3 y el saxofonista tenor Eric Alexander y el trompetista Jeremy Pelt.

El disco combina nueve composiciones originales y cuatro versiones cuidadosamente elegidas, todas accesibles y con un fuerte sentido melódico. Rotella crece con claridad como compositor y arreglista, ofreciendo un álbum variado y coherente. La apertura, “This Is for Lou”, arranca con fuerza gracias al B-3 y un solo intenso del tenor de Alexander antes de que Rotella improvise al más puro estilo Wes Montgomery, cuya influencia atraviesa buena parte del disco.

El programa del álbum Three for Shepp de Marion Brown se divide en partes iguales entre composiciones propias —que ocupan la primera mitad del disco— y temas de Archie Shepp, presentes en la segunda. Lo primero que llama la atención es lo cercanos que resultan ambos compositores en términos de tono, color y textura.

Para estas grabaciones, Brown se rodea de grupos de primer nivel. En sus propias piezas lo acompañan el pianista Dave Burrell y el baterista Bobby Capp, junto al trombonista Grachan Moncur III y el contrabajista Norris Sirone Jones. En los temas de Shepp, en cambio, Stanley Cowell y Beaver Harris toman los puestos de piano y batería. “New Blue”, de Brown, es un estudio modal lento, profundamente enraizado en el blues, y representativo de la escuela post-modal.

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TRIPLEPLAY “GAMBIT” - Martha’s Vineyard, MA, August 18 & 29, 2003. -Rastro 5 (for Emir Kusturica), Framinghammer, Two (for Joe Morris) - Ken Vandermark (reeds) Nate McBride (b) Curt Newton (d)

El grupo Tripleplay, integrado por el músico de vientos Ken Vandermark, el contrabajista Nate McBride y el baterista Curt Newton, swingea en contextos inesperados (a veces de forma más evidente que en otros, con una ayuda decisiva del amplio registro de Newton) y demuestra un claro respeto por la tradición.

Vandermark comparte la mitad de los créditos de composición de estas ocho piezas con McBride, aunque la articulación colectiva del trío termina por diluir las diferencias entre ambos. En algunos pasajes el grupo se vuelve lírico, o apuesta por la simplicidad con un tono marcadamente romántico. McBride, por momentos, se permite desarrollar riffs que reflejan tanto su estilo personal como el énfasis estructurado de varias de las composiciones. El tema “Framinghammer”, por ejemplo, avanza sobre una línea de bajo cadenciosa, reforzada por el contrapunto de la batería, mientras que “Bird, Field (gray)” obtiene su fuerza de impulsos rítmicos que nacen desde el contrabajo.

IRENE SCHWEIZER “THE BOTTLE TAPES”. - Live, Chicago, IL, February 16, 2000 Jungle Beats Irene Schweizer, piano

STEVE LACY/ROSWELL RUDD QUARTET “THE BOTTLE TAPES” - Live, Chicago, IL, March 29, 2000 - Number One - Steve Lacy (ss) Roswell Rudd (tbn) Jean-Jacques Avenel (b) John Betsch (dr)”

The Bottle Tapes es un box set de seis CDs que documenta una década clave de música improvisada en vivo en el club Empty Bottle de Chicago, entre 1996 y 2005. Las grabaciones provienen de la serie Empty Bottle Jazz & Improvised Music Series, organizada por el productor y escritor John Corbett junto al saxofonista Ken Vandermark, y capturan el pulso creativo de una escena en plena efervescencia.

Durante esos años se realizaron más de 500 conciertos, y esta selección reúne momentos destacados de artistas locales e internacionales que marcaron el jazz contemporáneo y la improvisación libre.

Entre los músicos incluidos aparecen figuras como Peter Brötzmann, Wadada Leo Smith, Milford Graves, Nicole Mitchell, Von Freeman, Mats Gustafsson y muchos otros.

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Jazz Mood fue el álbum debut como líder del multi-instrumentista Yusef Lateef (editado originalmente por Savoy y recientemente reeditado en vinilo de 180 gramos). Aunque 1957 fue un año especialmente prolífico para Lateef, este registro figura entre los más importantes de su producción inicial. Basta con escuchar “Metaphor”: Lateef recorre un amplio espectro tímbrico, pasando del argol (instrumento de viento de origen árabe) a la flauta, mientras la pieza se desplaza de una modalidad austera a un swing más exuberante con Curtis Fuller (trombón) Hugh Lawson (piano) con Ernie Farrow (contrabajo) y Louis Hayes (batería) Lateef en (ts,fl1,argol,gourd) Las cinco canciones son originales de Lateef.

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FRANK KIMBROUGH / JOE LOCKE “SATURN’S CHILD” - Brooklyn, NY, August 8, 1997 - 727, Saturn’s child, Midnight - Frank Kimbrough (p) Joe Locke (vib)

El pianista Kimbrough se une al vibrafonista Joe Locke para asumir un desafío formidable: no solo deben lidiar con un sonido seminal en esta música, el de John Lewis y Milt Jackson, sino también con Chick Corea y Gary Burton. La influencia va más allá del mero sonido: hay más de un eco de “Django” en el repertorio, todo por los intérpretes, salvo “Silence” de Charlie Haden. El sonido es suntuoso y la interpretación muy musical, aunque parece de alguna manera todo un estado de ánimo en lugar de nueve piezas diferentes.

Más que buscar virtuosismo, Locke y Kimbrough parecen perseguir belleza pura. En ese camino, Saturn’s Child se perfila como un heredero natural del espíritu de Crystal Silence de Corea y Burton.

THAD JONES “AFTER HOURS” - Hackensack, NJ, June 21, 1957 - Blue jelly, Count one - Thad Jones (tp) Frank Wess (ts,fl) Mal Waldron (p) Kenny Burrell (g) Paul Chambers (b) Art Taylor (d)

After Hours (recientemente reeditado en vinilo de 180 gramos) reúne al pianista Mal Waldron como parte de un sexteto de lujo liderado por el trompetista Thad Jones. El grupo se compone con Frank Wess en flauta y saxo tenor, Kenny Burrell en guitarra, Paul Chambers en contrabajo y Art Taylor en batería.

En ese momento, Waldron atravesaba uno de los mejores períodos creativos de su carrera: grababa discos fundamentales como líder, tocaba de forma estable con Charles Mingus y Jackie McLean, y había sido además el último acompañante de Billie Holiday. Sin embargo, este álbum no está pensado como una vitrina para que se luzca en el piano. Aquí Waldron cumple más bien un rol de motor silencioso: compone los cuatro temas y, salvo algunos pasajes puntuales, deja que sus compañeros ocupen el centro de la escena.

En especial, el guitarrista Kenny Burrell brilla y le da al disco un carácter muy particular, distinto a tantos registros post-bop dominados por los vientos.

En su álbum “Quintet”, el quinto como líder de la saxofonista Roxy Coss, evoca el espíritu clásico de los conjuntos Blue Note de los años sesenta. Coss, cuya carrera discográfica comenzó en 2008 tras obtener una residencia en el club neoyorquino Smoke, reconfigura aquí su línea delantera al emparejar sus saxos tenor y soprano con la guitarra de Alex Wintz. El resto del grupo lo integran el baterista Jimmy Macbride, el contrabajista Rick Rosato y la pianista Miki Yamanaka.

“Free to Be” es un manifiesto personal que Coss escribió para ayudarse a superar barreras ficticias que frenan la energía creativa y el desarrollo personal. “Females Are Strong As Hell” las mujeres son más fuertes que el infierno es, probablemente, un himno a la lucha de muchas músicas de jazz por obtener el mismo reconocimiento y las mismas oportunidades que sus colegas hombres.

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TAL FARLOW “THE SWINGING GUITAR OF TAL FARLOW” - New York, May 31, 1956 - Yardbird suite, Meteor, Gone with the wind - Eddie Costa (p) Tal Farlow (g) Vinnie Burke (b)

Famoso por sus habilidades extraordinarias, Tal Farlow no se inició en la guitarra hasta los 21 años, pero en menos de un año ya estaba tocando profesionalmente y entre 1949 y 1953 formó parte del trío de Red Norvo —que en sus inicios incluyó a Charles Mingus— en el que Farlow alcanzó gran notoriedad en el mundo del jazz. Su capacidad para ejecutar líneas rápidas y, al mismo tiempo, ligeras lo convirtieron en uno de los guitarristas más destacados de su época.

Tras seis meses con el Gramercy Five de Artie Shaw en 1953, Farlow lideró uno de sus mejores grupos: un trío sin batería junto al pianista Eddie Costa y el contrabajista Vinnie Burke. Con Burke aportando un walking bass constante, la interacción entre Farlow y Costa resulta siempre estimulante, ya sea tocando al unísono o alternándose compases.

RAY ANDERSON “IT JUST SO HAPPENS” - Englewood Cliffs, NJ, January 31 & February 1, 1987 - Once in a while, Ross the boss, Fatelet - Stanton Davis (tp) Ray Anderson (tb) Perry Robinson (cl1) Bob Stewart (tu1) Mark Dresser (b) Ronnie Burrage (d)

Aunque el trombonista Ray Anderson en sus primeros discos con su trío y cuarteto lograba un muy buen sonido, es cuando se rodea de otros vientos que realmente despliega todo su potencial. En It Just So Happens Sucede simplemente , se le unen el trompetista Stanton Davis, el clarinetista Perry Robinson, Bob Stewart en tuba, Mark Dresser en el contrabajo y Ronnie Burrage en batería.

El álbum presenta composiciones originales de Anderson e improvisaciones de gran virtuosismo técnico y profundas raíces jazzísticas, todo concentrado en su inconfundible sonido de trombón. La combinación de trompeta, clarinete, tuba, contrabajo y batería crea una textura sonora muy particular y atractiva.

Albany Leon “Barney” Bigard nació en Nueva Orleans el 3 de marzo de 1906. Comenzó a tocar el clarinete en mi bemol a los siete años y tomó clases con Lorenzo Tio Jr. En sus primeros años actuó en Nueva Orleans con diversas bandas, tocando tanto clarinete como saxofón tenor. En 1924 se trasladó a Chicago, donde al principio fue más solicitado como saxofonista tenor que como clarinetista.

Entre 1924 y 1927 tocó el tenor con los Dixie Syncopators de King Oliver, grabando numerosos discos junto al célebre cornetista. Sin embargo, Jelly Roll Morton quedó particularmente impresionado por su forma de tocar el clarinete y lo destacó en ese instrumento en varias grabaciones.

La sesión de los Jazzopetators de Bigard, realizada el 19 de diciembre de 1936 en los Associated Cinema Studios —junto a los estudios de Columbia Pictures en Hollywood—, resultó histórica. **Caravan** se convertiría en el mayor éxito del joven sello Variety y en una melodía destinada a integrar tanto el repertorio permanente de Duke Ellington como el gran cancionero estadounidense.

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CARL KRESS NEW YORK, OCTOBER 17, 1946 - There’s a small hotel, Just you, just me, Coquette, I may be wrong - Chris Griffin (tp) Hank D’Amico (cl) Art Drellinger (ts) Stan Freeman (p) Carl Kress (g) Bob Haggart (b) Dave Tough (d)

Desde fines de los años veinte, el guitarrista Carl Kress fue uno de los músicos de estudio más solicitados de Nueva York. Se ganó sus credenciales jazzísticas participando en sesiones con Beiderbecke, Red Nichols, Trumbauer, los hermanos Dorsey y muchos otros, y también grabó dúos con Eddie Lang.

Para su sesión de octubre de 1946, Kress reunió a un pequeño grupo de curtidos jazzistas de estudio para hacer música sin pretensiones. “Small Hotel” se mueve con un swing de tempo medio: el clarinete elegante de Hank D’Amico expone la melodía, con el ex trompetista de la banda de Goodman, Chris Griffin, en el puente. El solo de piano de Stan Freeman está respaldado por el magnífico trabajo de platillos del baterista Dave Tough. Kress se encarga del puente, sigue el tenor de Artie Drelinger y luego Griffin vuelve para su segundo puente y conduce el tema hasta el final.

“Just You, Just Me” es más rápido y abre con bajo, guitarra y clarinete. Uno de los momentos más destacados es el coro completo de Griffin, tocado con sordina. “I May Be Wrong” cierra una sesión realmente estupenda.

JOHNNY HODGES NEW YORK, AUGUST 24, 1938 - Prelude to a kiss (mmh vcl), There’s something about an old love (mmh vcl), The Jeep is jumpin’ [Krum elbow], Krum elbow blues - Cootie Williams (tp) Lawrence Brown (tb) Johnny Hodges (sop,as) Harry Carney (bar) Duke Ellington (p) Billy Taylor, Sr. (b) Sonny Greer (d) Mary McHugh (vcl)

*Prelude to a Kiss* había sido grabada por primera vez como instrumental el nueve de agosto por la orquesta completa de Duke Ellington para el selo Brunswick, con Johnny Hodges como solista destacado. Esta sesión marcó la primera versión vocal de un tema que se convertiría en un clásico del repertorio de la banda y en un pilar para Hodges.

Los dos últimos temas de la sesión fueron instrumentales acreditados a Ellington y Hodges. Aunque el nombre de Ellington aparece inevitablemente al hablar de los grandes compositores de jazz, Hodges rara vez recibe reconocimiento, pese a su enorme capacidad para inventar melodías estructuradas y narrativas, muchas basadas en riffs, y reinventar el blues al nivel de Ellington. Leonard Feather informó en *Melody Maker* (1 de octubre de 1938) que “el grupo de Johnny Hodges aprovechó la reciente sensación de Krum Elbow… y grabó *Krum Elbow Blues*, inicialmente una sátira musical que terminó siendo un típico blues de 12 compases.”

Feather agregó que en esa misma sesión, Ellington habría grabado *The Dawn of a New Day*, tema de Gershwin para la Feria Mundial de Nueva York, aunque no se conoce registro de la grabación y el título no aparece en los libros de registro.

VIC DICKENSON SEPTET BROOKLYN, NY, NOVEMBER 29, 1954 - Everybody loves my baby (1), Old fashioned love (1) - Shad Collins (tp) Ruby Braff (tp1) added, Vic Dickenson (tb) Edmond Hall (cl) Sir Charles Thompson (p) Steve Jordan (g) Walter Page (b) Jo Jones (d)

Cuando Vic Dickenson llegó al estudio en Brooklyn con su septeto a fines de 1954, el trompetista es Shad Collins y el histórico Jo Jones ocupaba la batería. Ruby Braff figura como músico invitado y participa en dos temas.

Aunque ni Dickenson, Collins, Jones y el bajista Walter Page habían compartido filas en la orquesta de Count Basie, el espíritu de este conjunto se siente a lo largo de toda la sesión. El swing fluye sin esfuerzo desde el comienzo, incluso en repertorio poco habitual, que aquí suena sorprendentemente actual. Dickenson aprovecha los tempos relajados para variar timbres y matices con sus sordinas, mientras que el clarinetista Edmond Hall y Collins aportan magníficos solos . La sección rítmica impulsa cada tema con elegancia y energía, dando espacio a momentos líricos, blues profundos y mucho swing.

En marzo de 1965, Thelonious Monk se encontraba en un momento clave de su trayectoria. Ya era una figura central del jazz moderno, pero seguía explorando su música concierto a concierto. La actuación registrada el 8 de marzo en el estudio de Radio Bremen, Alemania, captura a Monk en plena madurez artística, con un grupo que funcionaba como una unidad sólida y flexible a la vez.

El cuarteto —Monk al piano, Charlie Rouse en saxo tenor, Larry Gales en contrabajo y Ben Riley en batería— llevaba tiempo tocando junto y eso se nota en la naturalidad del diálogo musical. Rouse, su colaborador más cercano de esos años, se movía con total soltura dentro del lenguaje anguloso de Monk, sin forzarlo ni suavizarlo. La sección rítmica sostiene el pulso con equilibrio, permitiendo que la música respire incluso en los pasajes más exigentes.

El repertorio combina composiciones emblemáticas como “Rhythm a ning”, “Well You Needn’t”, “Epistrophy” y “Criss Cross” con estándares abordados desde una mirada muy personal.

Más que un documento histórico, Bremen 1965 es un retrato vivo de Monk en acción: directo, imprevisible y profundamente fiel a su propia visión del jazz.

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TYRONE WASHINGTON “NATURAL ESSENCE” - Englewood Cliffs, N.J., December 29, 1967 - Natural essence, Positive path, Soul dance - Woody Shaw (tp) James Spaulding (as,fl) Tyrone Washington (ts) Kenny Barron (p) Reggie Workman (b) Joe Chambers (d)

Natural Essence es uno de esos discos que capturan un momento de transición en el jazz de fines de los años sesenta. El saxofonista tenor Tyrone Washington parte del hard bop, pero lo estira hacia territorios más abiertos, con guiños al soul jazz y a una espiritualidad muy propia de la época. El resultado es una música intensa pero accesible, con groove, energía y espacio para la improvisación colectiva.

Washington se rodea de músicos jóvenes y creativos —entre ellos Herbie Hancock en piano— que empujan el sonido hacia adelante sin perder el pulso. Los temas alternan entre estructuras claras y pasajes más libres, donde el grupo dialoga con naturalidad. No es un disco agresivo ni hermético: invita a dejarse llevar por el ritmo y por la expresividad directa del saxo tenor.

Natural Essence es una suerte de puente entre el jazz más tradicional y las nuevas búsquedas de finales de los sesenta.

HANK MOBLEY “HANK” - Hackensack, N.J., April 21, 1957 - Fit for a hanker, Dance of the infidels - Donald Byrd (tp) John Jenkins (as) Hank Mobley (ts) Bobby Timmons (p) Wilbur Ware (b) Philly Joe Jones (d)

El saxofonista tenor Hank Mobley hizo su primera aparición en Blue Note Records en 1954 como miembro de The Jazz Messengers bajo el liderazgo de Horace Silver y comenzó a liderar sus propias citas al año siguiente, marcando el comienzo de una carrera de 15 años en el sello. Mobley todavía estaba estableciendo su identidad única como improvisador con un estilo lírico y como compositor en sus primeros discos de Blue Note, incluido éste del sexteto de 1957 Hank con Donald Byrd en la trompeta, John Jenkins en el saxo alto, Bobby Timmons en el piano, Wilbur Ware en el bajo y Philly Joe Jones en la batería.

“THE BOTTLE TAPES” - EMPTY BOTTLE DE CHICAGO:

(I) FRED ANDERSON/KENT KESSLER/HAMID DRAKE - “For Fred Hopkins” Enero 27, 1999 - Fred Anderson, tenor saxophone; Kent Kessler, bass; Hamid Drake, congas

(II) FRANÇOIS HOULE “Areality” - 9 de enero 1998 - François Houle (cl)

The Bottle Tapes es un proyecto que rescata la música del club Empty Bottle de Chicago en pleno auge de la escena creativa de los años 90. Entre 1996 y 2005, John Corbett y Ken Vandermark curaron más de 500 conciertos que consolidaron a la ciudad como un foco clave de la música improvisada. *The Bottle Tapes*, box set de seis CDs a partir de grabaciones de conciertos en el legendario club, recorre desde el free jazz más intenso hasta la improvisación experimental más extrema, con cerca de 100 músicos internacionales.

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JEROME SABBAGH “I WILL FOLLOW YOU” - Paris, France, May 15 & 16, 2010 - I will follow you, Monolith, The clown, Comptine, More; - Jerome Sabbagh (sop,ts) Ben Monder (g) Daniel Humair (d)

El saxofonista Jerome Sabbagh, nacido en París y radicado en Nueva York, en su álbum “I Will Follow You” del 2010, presenta música original llena de energía y con una calidez muy directa. Un punto central del proyecto es su conexión natural con el guitarrista Ben Monder, uno de los más solicitados de la escena actual. A este diálogo se suma el baterista suizo Daniel Humair, Con 72 años cuando se grabó este disco, lo lleva a otro nivel.

Humair fue uno de los grandes bateristas europeos de su generación y tocó con figuras como Bud Powell, Dexter Gordon y Eric Dolphy, experiencias que aún marcan su forma de improvisar. En este disco, los tres músicos se encuentran sin ensayos previos para improvisar libremente y tocar composiciones de Sabbagh, guiados por una idea común: decir lo justo, sin exagerar ni alargar innecesariamente la música.

JIM BLACK’S JIM & THE SCHRIMPS “AIN’T NO SAINT” - Berlin, Germany, August 17 & 18, 2022

The set-up (for Baikida Carroll), Snaggs, Asgingforit, Riversgardens, Schrimps BBQ -

Asger Nissen (as) Julius Gawlik (ts) Felix Henkelhausen (b) Jim Black (d,comp)

El baterista y líder Jim Black ha sido una figura clave del jazz moderno desde los años noventa. En esta nueva banda, reúne a jóvenes talentos como Asger Nissen, Julius Gawlik y Felix Henkelhausen, quienes están entre las voces más originales del jazz europeo actual. Con la misma formación que en algunas de sus bandas más reconocidas, la música de este cuarteto es intensa y directa: desde la primera nota. Black combina muchas ideas y sonidos distintos, pero siempre con coherencia, sin perderse en experimentos gratuitos. Su música es vibrante, inmediata y rechaza pasividad.

Sonny Red fue un saxofonista alto surgido de la escena de Detroit, donde trabajó junto a Barry Harris entre 1949 y 1952. En 1954 pasó brevemente al saxo tenor mientras tocaba con Frank Rosolino y ese mismo año se integró por un corto período a los Jazz Messengers de Art Blakey. Su llegada a Nueva York en 1957 le dio algo de visibilidad: grabó con Curtis Fuller y Paul Quinichette y lideró varias sesiones entre 1958 y 1962 para sellos como Savoy, Jazzland y, sobre todo, Blue Note.

A pesar de colaborar en los años sesenta con músicos de peso como Clifford Jordan, Pony Poindexter, Donald Byrd, Kenny Dorham y Yusef Lateef, su carrera nunca terminó de despegar y hacia los setenta había caído prácticamente en el olvido. Influido claramente por Charlie Parker y Jackie McLean, Sonny Red fue un buen instrumentista, aunque no siempre inspirado en el estudio.

Sin embargo, su álbum para Blue Note es una notable excepción. En estas grabaciones —reeditadas en CD en 1996 junto a cinco tomas inéditas— se lo escucha en su mejor momento, acompañado por Wynton Kelly al piano, Sam Jones o Paul Chambers en contrabajo y Roy Brooks o Jimmy Cobb en batería. Interpretando estándares poco frecuentados y varias composiciones propias, Red muestra una voz personal y un potencial artístico que, lamentablemente, nunca llegó a desarrollarse del todo.

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THEO CROKER / SULLIVAN FORTNER “PLAY” - c. 2024 As we are, First light, Light remains Theo Croker (tp) Sullivan Fortner (p)

“PLAY”, el primer álbum compartido como colíderes por Theo Croker (trompeta) y Sullivan Fortner (piano), llega tras décadas de amistad y colaboración. Aunque Fortner ha participado con frecuencia en proyectos de Croker, nunca antes habían compartido de manera equitativa en un disco de estudio. El resultado puede sorprender: aquí no aparecen ni las fusiones con hiphop, R&B o electrónica que han marcado trabajos recientes de Croker, ni el apego al jazz más clásico y a las raíces de Nueva Orleans que suelen definir a Fortner.

Después de desechar una primera sesión dedicada a estándares modernos, regresaron al estudio sin un plan claro, sin ensayos ni estructuras previas: simplemente tocaron. Esa decisión le da a “Play” una sensación de inmediatez muy tangible.

El disco se compone en su mayoría por dúos íntimos y contemplativos que se mueven entre el jazz y la música de cámara. Aunque predomina un clima sereno y meditativo, la música no es pasiva: hay tensión, urgencia y una emocional intensidad.

MAL WALDRON SEXTET “MAL/2” - Hackensack, N.J., April 19, 1957 - Don’t explain, From This Moment On, One by One - Bill Hardman (tp) Jackie McLean (as) John Coltrane (ts) Mal Waldron (p) Julian Euell (b) Art Taylor (d)

Antes de radicarse en Europa en 1965 y establecerse definitivamente en Múnich, el pianista Mal Waldron dejó una serie de notables discos de hard bop grabados en Estados Unidos, donde ya se percibía con claridad su estilo personal, anguloso y con ecos de Thelonious Monk. Mal/2, registrado en 1957, es uno de los mejores ejemplos de ese período y reúne a un sexteto de lujo que incluye a John Coltrane, Jackie McLean, Idrees Sulieman y Art Taylor, entre otros.

El álbum incluye una lectura muy inspirada y emotiva de “Don’t Explain”, una canción escrita por Billie Holiday y Arthur Herzog Jr. Fue la última canción de Holiday a quien Mal Waldron acompañó en los dos últimos años de su vida.

En esencia, el álbum The Charm of Impossibilities - El encanto de las imposibilidades,- del trompetista Chad McCullough, es un homenaje a la música del compositor clásico Olivier Messiaen. Su forma tan personal de compopner ha sido una fuente de inspiración desde que McCullough descubrió su obra a comienzos de este siglo. Como él mismo señala, la música de Messiaen es “extremadamente compleja en su estructura, pero a la vez accesible para el oyente casual y emocionalmente abrumadora”. La idea del disco fue trasladar esos conceptos a un contexto donde el resultado diera lugar a una música abierta a la improvisación.

Para concretar este proyecto, McCullough se apoyó en dos colaboradores de larga data: el contrabajista Larry Kohut y el baterista Jon Deitemeyer, quienes lo acompañan en once composiciones originales tan ambiciosas como personales. En cinco de los temas se suma además el saxofonista Jon Irabagon. Aunque el punto de partida es claramente clásico, el resultado final es un jazz contemporáneo lúcido y bien equilibrado, que fluye con naturalidad y demuestra el alto nivel musical y la compenetración del grupo.

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BILL HARRIS “BILL HARRIS AND FRIENDS” - Los Angeles, September 23, 1957 It might as well be spring (bw out), In a mellow tone Bill Harris (tb) Ben Webster (ts) Jimmy Rowles (p) Red Mitchell (b) Stan Levey (d)

Bill Harris fue uno de los trombonistas más singulares del jazz moderno entre 1945 y 1960, precisamente porque nunca siguió el modelo dominante de J.J. Johnson. Desde temprano desarrolló un estilo propio. Profesional desde 1938, pasó por grandes orquestas como las de Gene Krupa, Benny Goodman y Charlie Barnet, pero su nombre quedó especialmente ligado a Woody Herman. Harris mantuvo una carrera muy activa en pequeños grupos, en Jazz at the Philharmonic y en colaboraciones con figuras como Flip Phillips, Chubby Jackson y Red Norvo.

En el álbum Bill Harris and Friends (1957) Harris está rodeado de músicos de primer nivel como Ben Webster, Jimmy Rowles, Red Mitchell y Stan Levey. Webster, uno de los grandes colosos del saxo tenor, aporta aquí interpretaciones memorables, especialmente en baladas y en estándares como “I Surrender, Dear”. El diálogo entre el trombón ingenioso de Harris y el sonido cálido y emocional de Webster da forma a una sesión relajada llena de complicidad.

BILLY MOHLER “THE ETERNAL” - Los Angeles, c .2024 Those who know, Hawk wind, Adaptation, Destroyer Devin Daniels (as) Jeff Parker (g) Billy Mohler (b,comp) Damion Reid (d)

En The Eternal, su álbum más reciente, el bajista y compositor angelino Billy Mohler reafirma una identidad muy clara: grooves sólidos, fuerte conexión con el rock y un lenguaje jazzístico abierto y contemporáneo. Tras varios discos con Chris Speed y Nate Wood, Mohler presenta aquí un nuevo cuarteto con músicos clave de la escena de Los Ángeles: el saxofonista Devin Daniels, el guitarrista Jeff Parker y el baterista Damion Reid.

Desde el inicio, Mohler impulsa un groove poderoso sobre el que el saxofón y la guitarra de Daniels y Parker (g) se mueven con naturalidad, mientras que Reid aporta un beat con energía rockera.

NAT KING COLE TRIO “V-DISC 437” - Los Angeles, February 27, 1945

If you can’t smile and say yes, Any old time, A Trio Grooves in Brooklyn. Nat King Cole (p,vcl) Oscar Moore (g) Johnny Miller (b)

Cuando Nat “King” Cole entró a los estudios de V-Disc, ya era uno de los músicos más activos de la Costa Oeste desde 1939. Grababa para varias compañías y también había registrado música para Decca y Capitol junto a figuras como Lester Young, Lionel Hampton, Sweets Edison, Dexter Gordon, Les Paul y Buddy Rich. Además, había participado en los conciertos de Jazz at the Philharmonic y en los programas radiales “Jubilee”. Lograr que grabara para V-Disc fue todo un mérito.

Desde el comienzo, el grupo resulta muy atractivo: la voz cálida y relajada de Nat se apoya en una base rítmica compacta y con swing; su piano ágil recuerda a Teddy Wilson y Art Tatum; los solos de Moore son incisivos, y Miller sostiene todo con absoluta firmeza.

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ELLA FITZGERALD AND HER V-DISC JUMPERS “V-DISC 730” - New York, October 12, 1945 That’s Rich, I’ll always be in love with you, I’ll see you in my dreams Ella Fitzgerald (vcl) acc by Charlie Shavers (tp) Lou McGarity (tb) Peanuts Hucko (cl) Al Sears (ts) Buddy Weed (p) Remo Palmieri (g) Trigger Alpert (b) Buddy Rich (d)

Ella Fitzgerald realizó tres grabaciones para V-Disc compartiendo el liderazgo con Buddy Rich. Rich y el trompetista Charlie Shavers, famoso por su velocidad, arrancan con That’s Rich, antes de que otros músicos tengan breves espacios. El solo de Rich da paso a intercambios de scat entre Fitzgerald y la banda, en una versión con aire bop de un típico ensamble improvisado al estilo de Eddie Condon. En I’ll Always Be in Love with You, una canción de 1929 que Count Basie adoraba y grabó muchas veces, la cantante y el grupo ofrecen una interpretación suave y llena de swing.

CLARK TERRY AND HIS SECTION EIGHTS “V-DISC 805” - New York, February, 1947 - Phalanges, Sleep, Billy’s bounce [Billie’s bounce] Clark Terry (tp,vcl) Willard Parker (ts) Bob Parker (p) Singleton Palmer (b) Earl Martin (d)

Estas son las primeras grabaciones publicadas de Clark Terry, realizadas cuando tocaba con la orquesta de Charlie Barnet, quien decía que Terry era probablemente el mejor trompetista del momento. El tema Sleep, de Fred Waring, tiene una larga historia dentro del jazz; aquí Terry y Parker lo transforman en una pequeña jam session. Siempre impredecible, Terry brilla también en Billy’s Bounce (Billie’s Bounce), un blues de tempo medio con mucho groove. Sin duda, un comienzo prometedor para una de las carreras más largas y sólidas en la historia del jazz.

JIMMY BROWN WITH BOB HAGGART’S BOYS “V-DISC 830” - New York, April 7 & 8, 1947 - Haggart’s lady (2), Bye bye blues (2), Stand still Stanley (2), Indian love call (2) Jimmy Brown (vcl) acc by Chris Griffin (tp) Peanuts Hucko (cl) Toots Mondello (as) Art Drellinger (ts) Stan Freeman (p) Danny Perri (el-g) Bob Haggart (b) Bunny Shawker (d)

El contrabajista Bob Haggart es quizá más conocido como colíder, junto a Yank Lawson, de la World’s Greatest Jazz Band. Pero también fue un músico innovador, un gran arreglista y compositor, como lo demuestra su trabajo con la banda de Bob Crosby.

Aquí se destacan las excelentes intervenciones del guitarrista Danny Perri, Chris Griffin en trompeta, Art Drellinger y Toots Mondello en tenor y alto, además de un conjunto muy bien ensamblado. Quienes esperaban que Haggart se inclinara por el sonido clásico de Nueva Orleans y Chicago asociado al grupo de Crosby se llevarán una grata sorpresa: hay arreglos y solos con claros toques de bebop. El cantante es Jimmy Brown.

JOE BUSHKIN / BOBBY HACKETT “V-DISC SESSION” - WOR Guild Theatre/Playhouse, New York, October 26, 1948 Anything goes, You do something to me, Soft lights and sweet music - Bobby Hackett (cnt) Joe Bushkin (p)

El pianista Joe Bushkin y el trompetista/cornetista Bobby Hackett llevaban ya diez años tocando y grabando juntos bajo el liderazgo de Eddie Condon, así que esta reunión tenía todo el sentido musical. Eligieron canciones con melodías muy sólidas. Bobby suena brillante y amplio, mientras que Bushkin ocupa todos los espacios, buscando constantemente llamar la atención. A Bobby le gustaba decirles a los pianistas más ambiciosos en lo armónico que “tocaran simple” detrás de él, pero en Soft Lights and Sweet Music Bushkin termina tocando solos al mismo nivel que Bobby, de forma muy enérgica, casi distrayendo. Incluso se puede oír la voz de Bushkin al final de la toma.

Mientras preparaba Reverberations, su decimocuarto disco como líder para Criss Cross, el trompetista Alex Sipiagin reunió a un sexteto de colaboradores para una gira de seis conciertos. Luego el grupo entró al estudio de Bassano del Grappa, en la región de Vicenza, al Norte de Italia donde Sipiagin vive desde hace años.

A los 58 años, Sipiagin toca y compone sin apuros ni necesidad de probar nada, dejando que la música respire. Esa actitud atraviesa todo el disco y se refleja también en el trabajo de Will Vinson, John Escreet, Makar Novikov y Donald Edwards. Con estructuras simples y un clima relajado, Reverberations muestra el presente de Sipiagin, atravesado por recuerdos musicales que siguen resonando: ideas aprendidas hace décadas —como una frase de Clifford Brown— que todavía hoy generan nuevas posibilidades.

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JOHN SCOFIELD / DAVE HOLLAND “MEMORIES OF HOME” - Catskill, NY, August, 2024 Icons at the fair, Meant to be, Memories of home John Scofield (g) Dave Holland (b)

John Scofield y Dave Holland reúnen casi cien años de historia en el jazz. Ambos tocaron con Miles Davis y compartieron proyectos con músicos como Herbie Hancock, Joe Henderson y Roy Haynes. Memories of Home marca su primer disco a dúo. Después de una gira en 2024, la etapa siguente era obvia en el estudio.

El álbum combina composiciones de ambos, nuevas y antiguas, y se apoya en una conversación constante entre guitarra y contrabajo. Hay muchas referencias compartidas, pero también diferencias claras, que hacen que la música respire y se mantenga siempre en movimiento.

Uno de los momentos clave es “Icons at the Fair”, una relectura de la versión de Herbie Hancock de “Scarborough Fair”, tomada del album The New Standard (1996), donde ambos participaron. Aquí no hay largos solos: lo central es el diálogo, que conserva la riqueza armónica del arreglo original pero se aleja por completo de la canción popular.

STACY DILLARD “GOOD AND BAD MEMORIES” - Brooklyn, NY, June 1, 2010 Pleasant, Can’t shake it, Over and over Stacy Dillard (ts) Orrin Evans (p) Craig Magnano (g) Ryan Berg (b) Jeremy “Bean” Clemons (d)

Stacy Dillard empezó a tocar saxofón bastante tarde. En su ciudad natal no había mucha actividad musical, más allá de su profesor de banda y un pequeño círculo de amigos, y durante años el deporte fue una parte central de su vida. Aun así, cuando se dedicó de lleno al instrumento, su talento rápidamente se hizo notar.

Con un sonido amplio y lleno, ideas bien desarrolladas y una técnica muy precisa, Dillard pronto obtuva numerosas oportunidades profesionales con músicos como Lenny White, Frank Lacy, Roy Hargrove, Frank Wess, Mulgrew Miller y la Mingus Big Band, entre muchos otros, moviéndose con soltura entre distintos estilos.

En Good And Bad Memories de 2011), su debut como líder para el sello (Criss Cross, Dillard dirige un quinteto con Orrin Evans en piano, Craig Magnano en guitarra, Ryan Berg en contrabajo y Jeremy “Bean” Clemons en batería. Él alterna entre el tenor y el soprano en un sólido repertorio de composiciones originales que confirma su madurez musical.

- released November 28, 2025

Around The Horn, That Dirty Road, Safer Journey

Bill Ware - vib, Rez Abbasi - g Matt King - p Jay Anderson - b Taru Alexander - dr

Conocido sobre todo por su trabajo con The Jazz Passengers y Groove Collective, el vibrafonista Bill Ware ha desarrollado una trayectoria amplia y versátil, colaborando en distintos géneros con artistas como Steely Dan y Elvis Costello, sin dejar de sostener sus propios proyectos. El más duradero es The Club Bird AllStars.

Este grupo se ha convertido en el principal vehículo para sus composiciones. Se trata de un ensamble flexible, con músicos de vientos y sección rítmica que rotan según las necesidades de cada pieza. Para registrar su música más reciente, Ware llegó al estudio de Van Gelder Studios a su viejo colaborador, el guitarrista Rez Abbasi, el pianista Matt King, el bajista Jay Anderson y el baterista Taru Alexander. El resultado evoca la energía y el espíritu de los grandes grupos de fines de los años 60, en la estela de Herbie Hancock, Freddie Hubbard y Cannonball Adderley.

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JIM HALL UNIQUITIES VOL 1 + 2”

- Live, Japan, 2012

Chelsea bridge, Is what it is, St. Thomas

Jim Hall (g) Scott Colley (b) Joey Baron (d)

Uniquities es una colección de actuaciones en vivo nunca antes lanzadas del guitarrista Jim Hall, junto a Scott Colley y Joey Baron en bajo y batería. Ha sido cuidadosamente seleccionada para demostrar lo increíblemente innovador que era Jim y para reflejar su búsqueda implacable de esa combinación de belleza impresionante y un enfoque moderno de la música en constante evolución. Uniquities Uniquidades es un término acuñado por Jane Hall, que describe cómo su esposo tomaba las mismas ideas musicales o similares y las reinventaba constantemente. Hall era un verdadero maestro de su forma de arte. Tanto es así que hoy, doce años después de su muerte, su música todavía suena completamente moderna y como el trabajo de cualquier gran maestro es apreciado cada vez más a medida que pasa el tiempo.

PEPPER ADAMS “PLAYS THE COMPOSITIONS OF CHARLIE MINGUS”:

- New York, September 9, 1963 Fables of Faubus (1),Carolyn (3)

Thad Jones (tp,arr1) Pepper Adams (bar,arr2) Hank Jones (p) Paul Chambers (b) Dannie Richmond (d) Charles Mingus (arr3) Teddy Charles (arr4)

- New York, September 12, 1963 Better get it in your soul

Thad Jones (tp) Benny Powell (tb) Charles McPherson (as) Zoot Sims (ts) Pepper Adams (bar) Hank Jones (p) Bob Cranshaw (b) Dannie Richmond (d)

Pepper Adams Plays The Compositions Of Charlie Mingus es un clásico álbum de 1963 en el que el saxo barítono dirige sesiones interpretando las obras del bajista/compositor Charles Mingus, con músicos de primer nivel: Thad Jones, Hank Jones, Paul Chambers y Zoot Sims. Esta es una de esas grabaciones imprescindibles para los fanáticos de Adams; pero también es para aquellos que veneran el trabajo de Mingus, porque, por muy radicales que sean algunas de estas interpretaciones, no solo fueron sancionadas por el compositor, sino que le agradaron las selecciones. Adams y Thad Jones toman la música de Mingus con una enorme sensibilidad y dominio que proviene solo de conocer personalmente al maestro. “Carolyn” fue escrita por Mingus específicamente para esta sesión de grabación en homenaje a su hija, Carolyn Keikki Mingus.

- lanzamiento Oct. 24, 2025

The Sacred Garden, Spirit of Truth, Invocation, Eternal Love

Roman Norfleet (sa, cl, ss, fl, voz & perc) Kennedy Verrett (p, tcl, duduk & voz) Harlan Silverman chelo, fl, synt, b, voz& perc)

El Cosmic Tones Research Trio hace una música que, curiosamente, resulta muy pertinente para este momento histórico. No porque siga modas, comente la actualidad política ni juegue a la ironía posmoderna, sino todo lo contrario. El trío de Portland, Oregón, crea paisajes sonoros que invitan a desconectarse de las urgencias del presente y a entrar en un espacio de escucha más amplio y reflexivo.

No es casual que este tipo de jazz haya cobrado nueva fuerza tras los meses de aislamiento posteriores a la primera ola de la pandemia. En un mundo marcado por conflictos y divisiones, cada vez más oyentes parecen encontrar en esta música un espacio necesario para la contemplación, la calma y una conexión más esencial con el sonido.

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HANNA PAULSBERG CONCEPT & ELIN ROSSELAND “HIMMEL OVER HAV”

- Oslo, Norway, 2023

Som en fortelling, Himmel over hav, Tid

Hanna Paulsberg (sax,comp) Oscar Gronberg (p) Trygve Waldemar Fiske (b) Hans Hulbaekmo (d) Elin Rosseland (vcl)

Hanna Paulsberg nació en Rygge, Noruega, en 1987, y su camino musical comenzó de forma muy concreta: a los 15 años escuchó un disco de Stan Getz y decidió que quería tocar el saxo. Desde entonces, todo avanzó con naturalidad. Estudió música en Moss, luego jazz en el Conservatorio de Trondheim, y se graduó en 2011, casi una década después de aquel primer encuentro con Getz.

Tras terminar sus estudios, Paulsberg formó un cuarteto para grabar seis composiciones propias . Ese grupo no solo funcionó: se mantuvo unido y terminó grabando cinco discos juntos, consolidando un sonido colectivo muy sólido. *Himmel Over Hav* marca un paso especial, ya que suma como invitada a la gran vocalista noruega Elin Rosseland, una figura legendaria con la que Hanna soñaba colaborar desde niña, cuando su padre le hablaba de ella y ponía grabaciones de sus conciertos en casa.

En este álbum, Paulsberg apuesta por composiciones más elaboradas y por desafiar al grupo con estructuras más abiertas y profundas. El resultado es una música madura, sensible y segura, que confirma que muchas de sus aspiraciones artísticas ya están tomando forma.

NALA SINEPHRO “SPACE 1.8”

- Londres lanzamiento 3 September 2021

Space 1,4,5 & 6

Nala Sinephro – pedal harp, synt; Lyle Barton - p, tcl; Shirley Tetteh - g; James Mollison, Ahnansé, Nubya Garcia - saxos; Jake Long, Edward Wakili-Hick - dr; Twm Dylan, Rudi Creswick - b; Dwayne Kilvington - synth b

Grabado cuando apenas tenía 22 años, *Space 1.8* es el álbum debut de la música londinense Nala Sinephro, aunque suena como el trabajo de una compositora mucho más experimentada. A lo largo de ocho piezas —que van desde poco más de un minuto hasta casi 18—, Sinephro construye una mezcla libre y envolvente de balada jazzística, beats suaves y paisajes electrónicos sin pulso, cercanos a lo ambient. Las referencias aparecen de manera natural: el jazz espiritual de Alice Coltrane, las texturas etéreas del trombón procesado de Jon Hassell, e incluso el reciente *Promises* de Floating Points y Pharoah Sanders, por la forma en que los sintetizadores acolchados sirven de base a solos de saxofón cargados de emoción.

En ese terreno destacan los saxofonistas Nubya Garcia, James Mollison y Ahnansé, todos con intervenciones memorables. Sin embargo, más que mirar al pasado, *Space 1.8* parece guiado por la curiosidad y la apertura. Las piezas no se encajan unas con otras: se acompañan, se complementan y, juntas, dibujan un territorio sonoro propio, sereno y profundamente personal.

OSCAR PETERSON An Oscar Peterson Christmas - Toronto, January 15-16, May 23-24, June 23 & July 30, 1995 zGod Rest Ye Merry, Gentlemen, Let It Snow! Let It Snow!, White Christmas, I’ll Be Home for Christmas

Jack Schantz (flhrn) Dave Samuels (vib) Oscar Peterson (p) Lorne Lofsky (g) Dave Young (b) Jerry Fuller (d) + string ensemble, Rick Wilkins (cond.)

JOE PASS Six String Santa - Hollywood, CA, February 4, 1992

(There’s no place like) Home for the holidays, God rest ye merry gentlemen, Winter wonderland

Joe Pass (g,ldr,arr) John Pisano (rhythm-g) Jim Hughart (b) Colin Bailey (d)

WYNTON MARSALIS Crescent City Christmas Card - New York, January 24, 25 & April 3, 4, 1989 Carol of the Bells, The Little Drummer, We Three Kings

Wynton Marsalis (tp) Wycliffe Gordon (tb) Alvin Batiste (cl) Wessell Anderson (as) Todd Williams (ts,sop,cl) Joe Temperley (bar,b-cl) Marcus Roberts (p) Reginald Veal (b) Herlin Riley (d)

GERI ALLEN A Child Is Born - Rahway, NJ, January 14 & 15, 2011

Angels we have heard on high, A child is born, O come, o come, Emmanuel

Geri Allen (p,org,cel,el-p,clavinet) Connaitre Miller, Carolyn Brewer, Barbara Roney, The Women of the Gee’s Bend Quilt Collective vcl Farah Jasmine Griffin (spoken word)

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Red Norvo (1908–1999) comenzó tocando el xilófono y volvió a él en distintas etapas de su carrera. El instrumento con el que se hizo famoso era el “vibrafono. harp”. Antes de consolidarse como vibrafonista, Norvo había sido figura destacada en la orquesta de Paul Whiteman, grabó con Hoagy Carmichael y Joe Venuti, lideró pequeños grupos y más tarde una big band junto a su esposa, la cantante Mildred Bailey, conocida con él como “Mr. and Mrs. Swing”.

Norvo alcanzó una fama comparable a la de Lionel Hampton, y ambos llegaron a tocar juntos en una jam session histórica en la Ópera Metropolitana de Nueva York en enero de 1944. Sus sesiones para V-Disc destacan tanto su versatilidad como la estrecha conexión musical con Bailey (1907–1951).

- V-Disc session, RCA studios, New York, October 28, 1943

One-two-three-four, Seven come eleven, Flying home, Too marvellous for words (hw vcl) Dale Pierce (tp) Dick Taylor (tb) Aaron Sachs (as,cl) Flip Phillips (ts) Red Norvo (vib) Ralph Burns (p) Clyde Lombardi (b) Johnny Blowers (d) Helen Ward (vcl)

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THE GENE KRUPA TRIO “V-DISC RECORDING SESSION”

GENE KRUPA AND HIS TRIO Grabada en los estudios de la NBC en Nueva York el 9 de junio de 1945, esta sesión suena especialmente jubilosa, y no es casualidad. Tras su arresto por posesión de marihuana en 1943, los tres meses de cárcel y su posterior absolución en 1944, Gene Krupa (1909–1973) pasó por las bandas de Benny Goodman y Tommy Dorsey antes de reorganizar su propia big band en abril de 1945. Este trío parece evocar deliberadamente al célebre Goodman Trio de 1935–38.

Krupa, siempre inconfundible, lidera con energía y estilo. Con Charlie Ventura (1916–1992) al saxo tenor, la intensidad se dispara en **“Dark Eyes”** y **“Wire Brush Stomp”**, mientras que **“Stompin’ at the Savoy”** y **“The Man I Love”** confirman un trío perfectamente ensayado, expresivo y en plena forma.

- New York, June 9, 1945 Dark eyes [Otchitchornyia] (1), Wire Brush Stomp, Stompin’ at the Savoy Charlie Ventura (ts) George Walters (p) Gene Krupa (d)

JOHN KIRBY SEXTET “AND HIS ORCHESTRA”

Para esta sesión se mantiene solo la mitad del John Kirby Sextet original: siguen John Kirby, Charlie Shavers y Buster Bailey. Bill Beason reemplaza al baterista O’Neil Spencer; al piano entra Clyde Hart en lugar de Billy Kyle, aunque todavía usa algunos de sus recursos; y George Johnson sustituye a Russell Procope, ya que tanto Procope como Kyle estaban en el servicio militar.

Aqui el clima es más relajado que el de sus grabaciones comerciales. **“Tunisian Trail”**, al igual que la más conocida **“Dawn on the Desert”**, evoca un Oriente exótico y misterioso. **“920 Special”**, un tema de Count Basie ofrece muy buenos solos de Bailey y Hart. **“Crossroads”** comienza con un aire oriental, pero pronto se transforma en una de las especialidades del grupo: una improvisación basada en temas clásicos, con un Charlie Shavers especialmente virtuoso.

“John Kirby And His Orchestra” - New York, c. early November 1943Do you savvy ?, Tunisian trail, 9:20 special, Crossroads — Charlie Shavers (tp) Buster Bailey (cl) George Johnson (as) Clyde Hart (p) John Kirby (b) Bill Beason (d)

ANDRE PREVIN “V-DISC RECORDING SESSION”

En contraste con los otros pianistas de la serie V Discs, el muy joven André Previn (1929–2019) suena aquí más contenido. En **“I Cover the Waterfront”** su toque es claro y seguro: usa armonías amplias sin dejar que interfieran con el desarrollo melódico. En sus adornos se percibe a Art Tatum o Nat King Cole, aunque su enfoque mantiene un clasicismo moderno.

Esa moderación no siempre fue su norma. En **“What Is This Thing Called Love?”** y **“September in the Rain”** Previn se muestra más expansivo, con acordes llamativos, extensiones armónicas y variaciones de las rápidas escalas típicas de Tatum. En **“I’ve…”**, que parece pensada como pieza de lucimiento, la ornamentación pasa a ser el centro del discurso.

El bajista Red Callender (1919–1982) cumple un papel clave en la sesión: es el eje rítmico y armónico que mantiene todo en equilibrio.

- Los Angeles, May 29, 1946

I cover the waterfront (ap,rc duet), What is this thing called love ?, September in the rain, I’ve found a new baby

Irving Ashby (g) Red Callender (b) poss. Lee Young (d)

Después de tocar con John Scofield en los 90, Bill Stewart se ganó un nombre por su energía detrás de la batería, ese estilo muy apoyado en los platillos y su manera tan personal de componer. Después de un par de discos muy bien recibidos en Blue Note, pasó buena parte de su carrera trabajando en tríos, sobre todo con Larry Goldings, Kevin Hays o Peter Bernstein.

En 2018 armó un trío junto al bajista Larry Grenadier —viejo compañero de ruta y figura clave en grupos de Chris Potter o Pat Metheny— y el saxofonista Walter Smith III, ahora vuelve a reunirlos en *Live at the Village Vanguard*, registrado en 2023. El disco revive varios temas del propio Stewart, suma nuevas piezas e incluye una composición de Smith.

La química entre los tres es evidente. Smith se luce en baladas modales como “Purple Veil”, Grenadier mantiene el pulso con líneas firmes y Stewart aporta ese swing suave que lo distingue. Temas como “Space Acres” o “How Long Is Jazz?” ganan una frescura especial en vivo. La energía del concierto y la respuesta del público dejan claro que este trío tiene cuerda para rato.

- New York, September 22 & 23, 2023 — Ten foot two, Mynah — Walter Smith, III (ts) Larry Grenadier (b) Bill Stewart (d)

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“BARRY HARRIS PLAYS TADD DAMERON”

Barry Harris —uno de los grandes pianistas del bebop aparece en plena forma en este álbum de 1975 para el sello Xanadu. Acompañado por Gene Taylor en el contrabajo y Leroy Williams en la batería, Harris se adentra en ocho composiciones de Tadd Dameron, un autor cuya música comprendía a la perfección.

El trío ofrece lecturas cálidas y muy personales: Harris despliega un estilo más sutil y flexible que en sus trabajos de los años sesenta, encontrando nuevas posibilidades en piezas que ya eran estándares del jazz. La interacción con Taylor y Williams aporta equilibrio y sutileza, permitiendo que las melodías de Dameron respiren y cobren una sensibilidad renovada. El resultado es una sesión que combina respeto por el legado de Dameron con la frescura del enfoque setentero de Harris.

- New York, June 4, 1975 - - Hot house, Soultrane, The chase, The Tadd walk -- Barry Harris (p) Gene Taylor (b) Leroy Williams (d)

GENE AMMONS / SONNY STITT “GENE AMMONS BAND

El saxofonista tenor Gene Ammons tuvo una larga carrera en el jazz, a los 18 años se inició con el trompetista King Kolax en Chicago, su ciudad natal. Al año siguiente, 1944, Billy Eckstine formó su big band y contrató al joven Gene. En los tres años que estuvo con él, Gene se convirtió rápidamente en una de las estrellas de la banda. En 1950 Gene formó el famoso dúo de batalla de tenores con Sonny Stitt. Durante dos años hicieron giras por Estados Unidos y luego cada uno decidió que era hora de tener su propia banda. Este álbum de Ammons junto a Stitt, con cuatro de sus actuaciones conjuntas.

- New York, March 5, 1950 — Blues up and down, You can depend on me, New Blues up and down, Bye bye (1) — Bill Massey (tp-1) Eph Greenlea (tb-1) Gene Ammons (ts) Sonny Stitt (ts,bar) Duke Jordan (p) Tommy Potter (b) Jo Jones (d)

- New York, October 28, 1950 — Stringin’ the jug (pt 1)(pt 2), A lover is blue (ss out) — Gene Ammons, Sonny Stitt (ts) Junior Mance (p) Eugene Wright (b) Wesley Landers (d)

Stan Getz fue el saxofonista tenor más popular del jazz y casi siempre tocó con un nivel extraordinario, a pesar de llevar una vida personal marcada por el desorden. A mediados de los años 40 tuvo serios problemas con las drogas y, al mismo tiempo, se sentía incómodo con la etiqueta de “músico cool”, aunque su sonido fue clave para definir ese estilo. Si bien nunca formó parte del famoso Noneto de Miles Davis, Getz fue una de las figuras más representativas del cool jazz de la época.

Su enorme popularidad creció gracias a la grabación de “Early Autumn” en 1948 con la orquesta de Woody Herman. Impulsado por ese éxito, decidió iniciar su carrera como solista y se estableció en Nueva York, donde trabajó brevemente como músico de planta en NBC. Sin embargo, la rutina de un empleo fijo resultó demasiado limitante para un improvisador inquieto como él.

JOHNNY SMITH QUINTET “MOONLIGHT IN VERMONT”

- New York, March 11, 1952 Moonlight in Vermont

Stan Getz (ts) Sanford Gold (p) Johnny Smith (g) Eddie Safranski (b) Don Lamond (d)

El punto decisivo llegó con la grabación de “Moonlight in Vermont”, junto al guitarrista Johnny Smith, a quien había conocido en NBC. Ese tema amplió aún más su audiencia y confirmó su potencial fuera de las grandes bandas. A partir de entonces, Getz optó por dedicarse plenamente a liderar pequeños grupos, iniciando una etapa clave de su trayectoria artística.

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STAN GETZ WITH HERSHEY KAY AND HIS ORCHESTRA “FOCUS”

- New York, July 14, 28, 1961 I’m Late, I’m Late

Stan Getz (ts) Roy Haynes (d) Hershel Kay (cond) Eddie Sauter (comp,arr) and the Beaux Arts String Ensemble Ensemble, + unknown (p) and woodwind section.

Entre 1958 y 1960, Stan Getz vivió en Escandinavia y, al regresar a Estados Unidos, se encontró en un momento decisivo de su carrera. En busca de un nuevo desafío musical, lo halló en la grabación de *Focus*, un proyecto ambicioso junto al arreglista Eddie Sauter y su orquesta. A diferencia de lo habitual, no se escribieron partes específicas para el saxofón: Getz improvisó libremente sobre la música orquestal, integrando sus solos de manera natural y orgánica en la estructura general de la obra.

El tema que abre el álbum, “I’m Late, I’m Late”, presenta un motivo muy similar al inicio del segundo movimiento de *Music for Strings, Percussion and Celesta* de Béla Bartók. No se trata de una coincidencia: Bartók había sido un temprano referente e inspiración para Sauter, quien concibió la pieza como un homenaje. Este tema incluye además la participación del baterista Roy Haynes, el único solista del disco junto a Getz, aportando un contraste rítmico clave dentro de una obra dominada por la interacción entre saxofón y orquesta.

STAN GETZ & CHARLIE BYRD “JAZZ SAMBA”

- Washington D.C., February 13, 1962 Desafinado

Stan Getz (ts) Charlie Byrd (g) Gene Byrd (g,b) [aka Joe Byrd (g,b) ] Keter Betts (b) Buddy Deppenschmidt, Bill Reichenbach (perc)

Aunque Charlie Byrd merece reconocimiento por haber despertado el interés de figuras clave en Estados Unidos por la bossa nova, fue Stan Getz quien desempeñó el papel decisivo en convertirla en una parte permanente del panorama musical. Su vínculo con la música brasileña parecía natural: su sonido “cool” de los años 50 —al igual que el de Gerry Mulligan y Chet Baker— había influido directamente en el estilo de João Gilberto y en las melodías de Antonio Carlos Jobim.

STAN GETZ / JOAO GILBERTO “GETZ/GILBERTO”

- New York, March 18 & 19, 1963 The Girl From Ipanema.

Stan Getz (ts) Antonio Carlos Jobim (p) Joao Gilberto (g,vcl) Sebastiao Neto (b) Milton Banana (d,perc) Astrud Gilberto (vcl)

El primer gran paso fue *Jazz Samba*, un éxito rotundo que incluyó el tema “Desafinado”, ubicado entre los diez más populares. Sin embargo, el impacto definitivo llegó con el álbum *Getz/Gilberto*. En este proyecto, Getz se unió a Jobim al piano y a João Gilberto en guitarra y voz, además de una incorporación inesperada: Astrud Gilberto, esposa de João. Astrud no era cantante profesional, sino ama de casa que cantaba ocasionalmente en su hogar. Durante la grabación de “The Girl from Ipanema”, la voz de João en portugués era impecable, pero su inglés resultaba poco comprensible, lo que llevó a Astrud a interpretar la parte en inglés. El resultado fue histórico: gracias a este álbum, Jobim, João Gilberto y Astrud Gilberto alcanzaron fama internacional.

STAN GETZ “CAPTAIN MARVEL”

- New York, March 3, 1972 Five Hundred Miles High.

Stan Getz (ts) Chick Corea (p,el-p) Stanley Clarke (b) Tony Williams (d) Airto Moreira (perc)

Getz, por su parte, nunca volvería a vender tantos discos. Pero rara vez miró hacia atrás a la bossa nova en años posteriores, prefiriendo volver al jazz convencional con una serie de bandas de primer nivel. Su grabación con Bills Evans, siguió en 1972, Getz usó el núcleo de la primera versión de Return to Forever. Getz on Captain Marvel performs five Corea compositions

STAN GETZ / KENNY BARRON PEOPLE TIME”

- Live “Montmartre Jazzhouse”, Copenhagen, Denmark, March 3, 1991 First Song

Stan Getz (ts) Kenny Barron (p)

La grabación final de Stan Getz, un conjunto de dúos en vivo de dos CD con el pianista Kenny Barron que fue cortado solo tres meses antes de su muerte, encuentra al gran tenor en una forma sorprendentemente creativa a pesar de la falta de aliento ocasional. El tono de Getz es tan hermoso como siempre y no se escatima en este conjunto a menudo exquisito. Su versión de “First Song” de Charlie Haden es lo más destacado, pero ninguna de las 14 actuaciones es menos que genial. Una brillante grabación de despedida de un músico de jazz magistral.

En sus últimos años, antes de su muerte por cáncer del hígado en 1991, Getz pudo liberarse de su larga adicción a las drogas y al alcohol, y encontrar una nueva carrera guiando a músicos más jóvenes como artista residente en la Universidad de Stanford.

JACK TEAGARDEN AND HIS ORCHESTRA

- Barksdale Field, Shereveport, LA, September 20, 1943 Night and day Solo de Getz al final despise del trompetista Nelson Shelladay (tp) or Corky Johnson, Lou Obergh, Chuck Mackey (tp) Wally “Blue” Barron, Palmer Combatelli (tb) Jack Teagarden (tb,vcl) Gish Gilbertson, Irving Frank (as) or Herb Hamilton (as) Stan Getz (ts) unknown (bar) John Wittwer (p) Vic Cipponeri (b) Frank Horrington (d)

Aún estaba en el colegio cuando se unió al sindicato de músicos, en enero de 1943. A fines de ese mes, supo que había una vacante en la orquesta de Jack Teagarden, una figura clave del jazz, pionero del trombón y cantante. En su audición, Stan leyó a primera vista una partitura que le entregó Teagarden. Teagatrden sonrió y le dijo: “Setenta dólares por semana; consíguete un esmoquin, una camisa y tu escopilla de dientes. Mañana salimos a Boston”.

Años después, Getz recordaba lo decisivo de esa oportunidad: “Con dieciséis años ya estaba en su banda… Hacíamos unos 260 shows al año, casi uno por día, y recorríamos cientos de millas en su enorme Chrysler convertible. Fue un entrenamiento increíble”.

STAN KENTON AND HIS ORCHESTRA

- AFRS “Downbeat”, Hollywood, CA, April 20, 1944

I know that you know John Carroll, Buddy Childers, Karl George, Dick Morse (tp) Harry Forbes, George Faye (tb) Bart Varsalona (b-tb) Eddie Meyers, Chester Ball (as) Dave Matthews (ts,arr) Stan Getz (ts) Bob Gioga (bar) Stan Kenton (p,arr) Bob Ahern (g) Gene Englund (b) Johnny Otis (d) Gene Howard (vcl,arr) Pete Rugolo, Joe Rizzo, Charlie Shirley (arr)

Stan Getz se incorporó a la banda de Stan Kenton a fines de febrero de 1944, justo al inicio de una gira por veinte ciudades. Fiel a su costumbre, se aprendió todos los arreglos en apenas dos días.

Su primer solo grabado proviene de una transmisión de la Radio de las Fuerzas Armadas, el 19 de diciembre de 1944. Allí comparte un coro con el tenor Emmett Carls en “I Know That You Know”. Carls abre con un solo de sonido áspero, muy en la línea de Coleman Hawkins. Getz, en cambio, despliega un fraseo claramente influido por Lester Young, tan ligero y suave que parece que ambos tocaran instrumentos distintos.

En abril Getz se retiró de la banda. Como la figura destacada de una de las orquestas más importantes del país, no le preocupaba encontrar trabajo.

Jimmy Dorsey lo contrató de inmediato, pero Stan dejó la banda en julio para liderar por primera vez su propio trío —con el pianista Joe Albany y el exbaterista de Kenton, Jimmy Falzone— en el Swing Club de Hollywood, aunque no llegaron a grabar.

BENNY GOODMAN AND HIS ORCHESTRA

- New York, November 20, 1945

Give me the simple life (lm vcl) Getz toca 8 compases después del último solo de Goodman John Best, Tony Faso, Conrad Gozzo, Louis Mucci (tp) Kai Winding, Chauncey Welsch, Dick le Fave (tb) Benny Goodman (cl) Bill Shine, Jerry Sanfino (as) Stan Getz, Emmett Carls (ts) Danny Bank (bar) Charlie Queener (p) Mike Bryan (g) Barney Spieler (b) Morey Feld (d) Liza Morrow (vcl)

En febrero de 1945, cuando cumplió 18 años, Kenton lo nombró solista principal de la seccion de saxos de la banda. La mitad de los musicos de Kenton era drogadictos y convencieron al joven Getz a que la probara. Asi comenzo su adiccion que perduro durtante casi toda su vida.

En octubre aceptó unirse a la banda de Benny Goodman con quien grabó tres temas en estudio el 20 de noviembre en “Give Me the Simple Life” interpreta un solo de ocho compases nuevamente totalmente en la línea de Lester Young.

KAI WINDING “NEW JAZZ GROUP (KAI’S CATS)”

- New York, December 14, 1945

Sweet miss, Loaded, Grab your axe, Max, Always (sr out,*)

Shorty Rogers (tp) Kai Winding (tb) Stan Getz (ts) Shorty Allen (p) Iggy Shevak (b) Shelly Manne (d)

La influencia de Lester Young se percibe aún con más fuerza en las grabaciones de Getz de diciembre de 1945. Aparece con el sexteto “Kai’s Krazy Cats”, liderado por el trombonista Kai Winding. Entre los integrantes se encontraban Shorty Rogers, amigo de colegio de Stan, y el baterista Shelly Manne.

STAN GETZ QUARTET “THE BE-BOP BOYS”

- New York, July 31, 1946

Opus de bop, And the angels swing, Running water, Don’t worry ‘bout me

Stan Getz (ts) Hank Jones (p) Curly Russell (b) Max Roach (d)

Pocos meses después Getz lideró el The BeBop Boys, un cuarteto orientado al bebop, acompañado por una sección rítmica de lujo: Hank Jones en ell piano, Curly Russell bajo y Max Roach batería.

WOODY HERMAN AND HIS ORCHESTRA “SECOND HERD”

- Hollywood, CA, December 24 & 27, 1947

Summer sequence, Keen and peachy, The goof and I, Four brothers

Stan Fishelson, Bernie Glow, Marky Markowitz, Ernie Royal (tp) Shorty Rogers (tp,arr) Earl Swope (tb) Ollie Wilson (tp) Bob Swift (btb) Woody Herman (cl,as,vcl) Sam Marowitz (as) Herbie Steward (as,ts) Stan Getz, Zoot Sims (ts) Serge Chaloff (bar) Fred Otis (p) Gene Sargent (g) Walter Yoder (b) Don Lamond (d) Ralph Burns, Al Cohn, Jimmy Giuffre, John LaPorta (arr)

WOODY HERMAN AND HIS ORCHESTRA

- Hollywood, December 30, 1948

Early autumn (rb arr) Getz (ts) y otros

A fines de 1946, problemas familiares obligaron a Woody Herman a disolver su big band. Al año siguiente formó la Second Herd, luego conocida como la banda de los Four Brothers, con los tenores Stan Getz, Zoot Sims, Herbie Steward (después reemplazado por Al Cohn) y el barítono Serge Chaloff.

En diciembre de 1947, antes de una huelga del sindicato de músicos que comenzaría el 1 de enero de 1948, la banda grabó catorce temas; once se publicaron, cinco fueron éxitos y uno se volvió tan distintivo que marcó un nuevo nombre para el grupo.

El tema “I’ve Got News for You”, con arreglo de Shorty Rogers inspirado en Charlie Parker, mostró a toda la sección de saxos tocando un coro de Parker, mientras Woody cantaba y Ernie Royal brillaba en trompeta. Stan Getz y Serge Chaloff tuvieron sus primeras oportunidades de improvisar. Otros éxitos fueron “Keen and Peachy” y “The Goof and I”, este último bebop de Al Cohn con un poderoso solo de Chaloff.

El más importante fue “Four Brothers”, composición de Jimmy Giuffre, que creó un sonido original: Stan en la melodía, Chaloff una octava abajo y Sims y Steward armonizando entre ambos. Este sonido se volvió icónico y consolidó el apodo Four Brothers Band.

WOODY HERMAN AND HIS ORCHESTRA

- Hollywood, December 30, 1948

Early autumn (rb arr) Getz (ts) y otros

Después de un año sin grabar, Woody Herman estaba ansioso por volver al estudio. El 29 y 30 de diciembre de 1948, su banda ingresó a los estudios de Capitol en Hollywood y registró seis temas. Stan Getz destacó con solos en dos piezas rápidas.

El sexto tema de la sesión se convirtió en un clásico absoluto del jazz y un éxito popular: Stan llevaba meses pidiéndole a Woody un tema que mostrara su habilidad en las baladas, y Woody encargó la composición a Ralph Burns.

“Early Autumn”,abre con una breve improvisación del vibrafonista Terry Gibbs, Stan entra con una de las interpretaciones más bellas de la música popular estadounidense: un sonido suave, una melodía improvisada inolvidable y un dominio perfecto del ritmo. La pieza, que cautivó inmediatamente al público, muestra la delicadeza y el lirismo característicos de Getz; “Early Autumn” consolidó la reputación de Stan Getz como uno de los grandes solistas de su generación.

Woody Herman And His Orchestra Hollywood, December 30, 1948

Early autumn (rb arr)

Stan Fishelson, Bernie Glow, Marky Markowitz, Ernie Royal (tp) Shorty Rogers (tp,arr,vcl) Bill Harris, Earl Swope, Ollie Wilson (tb) Bob Swift (btb) Woody Herman (cl,as,vcl) Sam Marowitz (as) Al Cohn, Zoot Sims (ts,arr) Stan Getz (ts) Serge Chaloff (bar) Terry Gibbs (vib,vcl,arr) Lou Levy (p) Chubby Jackson (b,vcl) Don Lamond (d) Mary Ann McCall (vcl) Johnny Mandel, Tiny Kahn, Ralph Burns, Jimmy Giuffre, Neal Hefti (arr)

Getz completó la decada con varias grabaciones en conjuntos pequeños y una actuacion en el Carnegie Hall:

STAN GETZ BOPPERS “NEW SOUND STARS”

- New York, May 2, 1949

Stan Getz along, Stan’s mood, Slow, Fast

Earl Swope (tb) Stan Getz (ts) Al Cohn (ts,arr) Zoot Sims (ts) Duke Jordan (p) Jimmy Raney (g) Curly Russell (b) Charlie Perry (d)

STAN GETZ QUINTET “CARNEGIE HALL”

- New York, December 24, 1949

Always, Sweet miss, Long Island Sound (kw out)

Kai Winding (tb) Stan Getz (ts) Al Haig (p) Tommy Potter (b) Roy Haynes (d)

- New York, January 18 & 19, 2025

Amsterdam blues, E.S.P.

Chris Potter (sax) Brad Mehldau (p) Joe Martin (b) Al Foster (d)

Durante más de una década, el legendario baterista Al Foster celebró su cumpleaños con un concierto anual en el Smoke Jazz Club, siempre acompañado por un elenco estelar. Su cumpleaños número 82 fue especialmente emotivo. Lamentablemente, el baterista falleció el 28 de mayo, antes de que el álbum pudiera ver la luz.

El tenor Chris Potter, colaborador de Foster por más de 30 años, fue nuevamente parte central de la cita. Lo acompañaron el pianista Brad Mehldau y el bajista Joe Martin, formando un cuarteto de nivel excepcional ante una sala repleta de aficionados, colegas, familiares y amigos.

El disco captura la energía festiva, el ímpetu y el swing inconfundible de Foster, quien impulsa al grupo con autoridad y calidez en un repertorio que combina originales y clásicos, incluidos temas de los grandes del jazz con los que el baterista dejó huella a lo largo de su carrera.

En las notas del álbum, Potter reflexiona sobre su larga historia con Foster: con los años, dice, la banda ha alcanzado una comodidad que no implica relajarse, sino una concentración total. “Esto es música hecha con foco absoluto”, resume el saxofonista.

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SONNY CLARK “DIAL S FOR SONNY”

- Hackensack, NJ, July 21, 1957

It could happen to you, Love walked in, Bootin’ it

Art Farmer (tp) Curtis Fuller (tb) Hank Mobley (ts) Sonny Clark (p) Wilbur Ware (b) Louis Hayes (d)

Considerado uno de los grandes pianistas y compositores del hard bop, Sonny Clark grabó en 1957 su debut en el estudio para Blue Note. Para esta sesión formó un sexteto de primer nivel: Art Farmer en trompeta, Curtis Fuller en trombón, Hank Mobley en saxo tenor, Wilbur Ware en contrabajo y Louis Hayes en batería. Con ellos, Clark desplegó un estilo ya plenamente definido, fluido y contagioso.

El disco incluye seis piezas, cuatro de ellas escritas por el propio pianista. Entre ellas destaca “It Could Happen to You”, Farmer abre la melodía y Fuller la cierra logrando una lectura particularmente elegante. En “Love Walked In”, de Gershwin, Clark se hace cargo con una introducción en piano solo y luego continúa en formato de trío, mostrando con claridad su estilo inventivo, ágil y profundamente musical.

JEREMY ROSE “FACE TO FACE”

- July 29, 2022

High Ground, Whispers, Together Soon Enough

Jeremy Rose (st/ss/clb) Steve Barry (p) Noel Mason (b) Alex Hirlian (dr)

Face to Face, del saxofonista y compositor australiano Jeremy Rose, una figura destacada de una nueva generación del jazz australiano, Rose ha actuado en Australia, Europa y el Reino Unido. Su proyecto Disruption: The Voice of Drums, se estrenó en el Sydney Festival 2021 con amplia recepción. Además, como fundador del sello Earshift Music, ha impulsado una comunidad creativa que, según NYC Jazz Records, representa “el futuro de la música australiana y una expansión de los límites del jazz.”

Es el cuarto trabajo de Rose como líder. En esta ocasión lo acompañan el pianista Steve Barry, el bajista Noel Mason y el baterista Alex Hirlian, un trío con el que ha trabajado de forma constante en los últimos años. El álbum captura al grupo en un momento especialmente sólido, reflejando su forma de escucharse, dialogar y conectarse musicalmente.

Eran grabaciones únicas de grandes artistas —jazz, big band, clásica, pop. Muchos músicos participaron porque el proyecto estaba exento de la prohibición de grabaciones vigente durante la guerra. El formato consistía en discos de 12 pulgadas hechos de vinilita reproducidos a 78 rpm. No se vendían y al finalizar el programa, los discos fueron destruidos para evitar que entraran al mercado, aunque muchas copias sobrevivieron que seguiré presentando en PuroJazz.

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EDDIE CONDON EDDIE CONDON’S JAZZ BAND FEATURING HOT LIPS PAGE”

- New York, March 8, 1944

Uncle Sam blues, Tin roof blues, Ballin’ the Jack

Hot Lips Page (tp,vcl) Sterling Bose (tp) Miff Mole (tb) Pee Wee Russell (cl) Gene Schroeder (p) Eddie Condon (g) Bob Casey (b) Joe Grauso (d)

Eddie Condon fue una figura central en los movimientos de estilo Chicago y en la recuperación del Dixieland, desempeñándose principalmente como guitarrista rítmico, líder de banda y organizador, reuniendo a los mejores improvisadores. Su guitarra con un pulso constante y en compás de cuatro tiempos ayudó a definir el impulso característico de estos estilos. Dirigió numerosos grupos pequeños, sesiones de jam y sesiones de grabación que mostraban el juego colectivo improvisado. A través de sus clubes en Nueva York y sus transmisiones radiales, tuvo un papel clave en mantener vivo el jazz tradicional durante la era del swing. Tenía talento para armar formaciones inspiradas, combinando a menudo veteranos del jazz temprano con músicos jóvenes del swing.

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BOB CROSBY “AND HIS BOB CATS”

- New York, April 3, 1945

Pack up your troubles in your old kit bag (including spoken into by Crosby and Tilton), When I grow too old to dream (bc vcl,2), It’s a long way to Tipperary (bc vcl,3)

Yank Lawson (tp) Ward Silloway (tb) Hank D’Amico (cl) Boomie Richman (ts) Dave Bowman (p) Herb Ellis (g) Bob Haggart (b,whistling) George Wettling (d) Bob Crosby (vcl,ldr) Martha Tilton (vcl)

Bob Crosby (hermano menor de Bing Crosby) dirigió su banda The Bobcats, una de las big bands más exitosas del “revival Dixieland” de los años 30 y 40. Crosby, famoso por su conexión inmediata con el público, a veces también cantaba los temas de corte más pop de la banda, mientras los instrumentistas impulsaban el característico sonido hot-jazz del grupo.

JO STAFFORD “AND HER V-DISC PLAYBOYS”

- New York, April 19, 1945

Stafford spoken introduction, Blue moon (1), Bakery blues (1) Am I blue, I’m coming, Virginia

Jo Stafford (vcl) acc by Billy Butterfield (tp) Lou McGarity (tb) Hank D’Amico (cl) Boomie Richman (ts) Billy Rowland (p) Hy White (g) Jack Lesberg (b) George Wettling (d)

Jo Stafford tuvo un rol importante en el jazz y la música popular —especialmente en relación con el revival Dixieland— como vocalista versátil de entonación impecable, capaz de moverse con facilidad entre standards pop y repertorio con tintes jazzísticos. Era conocida por su afinación extraordinariamente precisa y su fraseo suave, lo que la convirtió en una de las cantantes más respetadas de los años 40 y 50. Aunque principalmente cantante pop, grabó y actuó con destacados músicos de jazz, incluyendo big bands y agrupaciones orientadas al Dixieland. Stafford no era especialista en Dixieland, pero su estilo vocal impecable y sus colaboraciones la hicieron una cantante apreciada dentro del jazz, capaz de conectar la música popular con el jazz tradicional con elegancia.

BUD FREEMAN “AND HIS V-DISC JUMPERS”

- New York, October 4, 1945

For musicians only, Love is just around the corner, Coquette

Yank Lawson (tp) Bill Mustard (tb) Peanuts Hucko (cl) Bud Freeman (ts,narrator) Buddy Weed (p) Carmen Mastren (g) Trigger Alpert (b) Ray McKinley (d)

Bud Freeman fue un saxofonista tenor clave de la escena de jazz de Chicago y una voz importante en la evolución del Dixieland hacia un estilo más moderno y swing. Formó parte del grupo original de jóvenes músicos blancos conocidos como “Austin High Gang”, que ayudaron a dar forma al jazz estilo Chicago en los años 20. Su forma de tocar era ligera, fluida y lírica, más que enérgica y agresiva, convirtiéndolo en uno de los primeros estilistas importantes del saxofón tenor antes de que Lester Young y Coleman Hawkins dominaran el instrumento. Encajaba naturalmente en sesiones de jam Dixieland y Chicago, aportando solos elegantes y melódicos que contrastaban con las secciones de metales.

- Cannon Falls, MN, June, 2023

Grid/Ocean, French horns, Casa Ben, Carrier

Chris Speed (ts) Ben Monder (g) Reid Anderson (b,synt) Dave King (d,synt)

Durante casi 25 años, The Bad Plus han reinventado la idea de la música instrumental dentro de la cultura popular. Han recibido elogios tanto del público rock/indie —en revistas como Rolling Stone y Pitchfork— como de críticos de música clásica y jazz en The Los Angeles Times y The New York Times.

Complex Emotions, es el segundo álbum del cuarteto desde que el saxofonista Chris Speed y el guitarrista Ben Monder se unieron a los miembros fundadores Reid Anderson (bajo) y Dave King (batería) en 2021. El disco presenta ocho composiciones originales, que combinan elementos de jazz, rock, pop y krautrock, rock experimental alemán de los 70 explorando las identidades

Claro, aquí tienes una traducción en un tono claro y fácil de leer:

Durante casi 25 años, **The Bad Plus** han reinventado la idea de la música instrumental dentro de la cultura popular. Han recibido elogios tanto del público rock/indie —en revistas como *Rolling Stone* y *Pitchfork*— como de críticos de música clásica y jazz en *The Los Angeles Times* y *The New York Times*. Tras el éxito de su álbum homónimo de 2022 —cuyas ediciones en vinilo se agotaron incluso antes de su lanzamiento— los miembros fundadores **Reid Anderson** (bajo) y **Dave King** (batería) siguen apostando por las composiciones originales, ahora junto a los recién llegados **Ben Monder** (guitarra) y **Chris Speed** (saxofón) en su decimosexto disco de estudio.

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KENNY DREW “THE KENNY DREW TRIO”

- New York, September 20 & 26, 1956

Caravan, Come rain or come shine, Blues for Nica

Kenny Drew (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)

La carrera discográfica del pianista Kenny Drew comenzó en 1953 con su debut para Blue Note. Durante varios años mantuvo un ritmo de casi un disco por año, grabando para tres sellos distintos antes de establecerse en Riverside. El primero de la media docena de álbumes que registró allí fue el injustamente subestimado Kenny Drew Trio (1956), junto a Paul Chambers y Philly Joe Jones. Una de las razones por las que este magnífico disco ha pasado desapercibido es su pobre calidad de sonido original, un problema habitual en las primeras sesiones de Riverside.

La nueva reedición del sello Craft sorprende por la excelente calidad sonora —otro sello distintivo del renacimiento del catálogo OJC. El baterista Philly Joe Jones enciende una versión vibrante de “Caravan” con un pulso latino efervescente, pronto acompañado por el tono profundo y resonante del contrabajo de Chambers, captado aquí con una claridad inédita. Los acordes en bloque de Drew dibujan con elegancia la melodía de “Come Rain or Come Shine” antes de lanzarse a varios coros llenos de swing y un fraseo que cuenta historias.

THE COOKERS “WARRIORS”

- South Orange, N.J., January 19 & 20, 2010

Sweet Rita suite, pt. 2: her soul, Capra black

David Weiss (tp) Eddie Henderson (tp,flhrn) Craig Handy (fl,as) Billy Harper (ts) George Cables (p) Cecil McBee (b) Billy Hart (d)

Los veteranos del jazz Billy Harper, Eddie Henderson, George Cables, Cecil McBee y Billy Hart unen fuerzas en un debut de primer nivel para Jazz Legacy Productions. Junto al trompetista David Weiss y el saxofonista Craig Handy, forman el grupo The Cookers. El nombre lo toman de un álbum de Blue Note de 1965 del gran trompetista Freddie Hubbard (The Night of the Cookers: Live at Club La Marchal).

En Warriors, su electrizante primer trabajo, este septeto estelar recupera el espíritu combativo del jazz de mediados de los años 60. El resultado es una colección poderosa de temas originales dentro del postbop, llena de energía, virtuosismo y ese instinto demoledor que cabe esperar de algunos de los músicos más sólidos de la escena actual.

- October 12, 2024, at Oktaven Audio, Mount Vernon, NY

Naomi Peak, Whispering Images, Sonic Utterance Wadada Leo Smith (tp) Sylvie Courvoisier (p)

Angel Falls es el álbum que reúne por primera vez en formato de dúo a la pianista suiza Sylvie Courvoisier y al trompetista estadounidense Wadada Leo Smith, dos figuras que han llevado la improvisación contemporánea a territorios profundamente personales. Aunque ambos habían coincidido antes en ensambles más amplios —incluido un cuarteto con Satoko Fujii y Natsuki Tamura—, este encuentro a solas revela una química distinta: más atenta y cargada de detalles.

Los dúos de piano y trompeta tienen una larga tradición, desde el histórico “Weatherbird” de Armstrong y Hines, pero equilibrar el ataque del piano con el soplo de la trompeta sigue siendo un desafío. Courvoisier y Smith lo resuelven con una estética cercana a la pintura abstracta: cada gesto es un trazo, cada silencio un espacio deliberado.

Smith aporta su lirismo inconfundible, forjado desde los años sesenta en colaboraciones con pianistas tan disímiles como John Tilbury, Anthony Davis o Vijay Iyer. Courvoisier, casi tres décadas menor, responde con un piano que combina rigor, imaginación y una capacidad única para moldear el tiempo.

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JACOB GARCHIK “YE OLDE 2: AT THE END OF TIME”

- Brooklyn, NY, June, 2023

One can only go up, Floating brain, Dyson spheres

Jacob Garchik (tb,comp) Brandon Seabrook, Mary Halvorson (g) Jonathan Goldberger (g,barg) Vinnie Sperrazza (d)

El trombonista y compositor Jacob Garchik vuelve con Ye Olde 2: At The End of Time, una década después de su primer álbum con este colectivo futurista y guitarrístico. El proyecto —inspirado en la ciencia ficción, la ciencia real y el compositor György Ligeti— mezcla la energía del rock, la lógica de la música contemporánea y el riesgo del jazz de vanguardia.

El disco abre con “One Can Only Go Up”, construido sobre una escala ascendente tocada por Brandon Seabrook en guitarra eléctrica de 12 cuerdas. Las capas se acumulan con potencia y claridad estructural, mientras Mary Halvorson improvisa sobre un pulso rockero. Es una fusión auténtica, cercana a Mahavishnu Orchestra pero con un sello propio.

En “Transcending Time”, los giros armónicos y el patrón de diez tiempos evocan un folkrock medieval al estilo King Crimson, que desemboca en un clímax casi metal gracias a la barítono de Jonathan Goldberger. “Exo Microbiology” ofrece un tema punk y bailable, con improvisaciones feroces, mientras que “Dyson Spheres” cierra en modo chillout, sostenido por un ritmo downtempo y un solo de Halvorson que privilegia la emoción por sobre la técnica.

DAVE LIEBMAN “BEINGNESS” - LIVE “THE STONE”

- New York, March 31 & April 1, 2023

Transmutation, Beingness, Transparent to transcendence, Mystique

David Liebman (sop,woodfl) Billy Hart (d) Adam Rudolph (kongos,djembe,tarija,piano,thumbp,keyboards,gongs,dakha de bello,perc,live electronic processing)

Grabado en vivo en The Stone en Nueva York el 2023, Beingness reúne al saxofonista Dave Liebman, al percusionista Adam Rudolph y al legendario baterista Billy Hart, quien se sumó a última hora tras la ausencia de Tyshawn Sorey. Liebman y Hart comparten una historia que se remonta a On the Corner de Miles Davis, mientras que Rudolph aporta su amplia experiencia en tradiciones rítmicas globales.

“Unfolding”, establece el tono con ritmos complementarios: los colores de platillos y patrones geométricos de Hart dialogan con la percusión manual y los procesos electrónicos de Rudolph, mientras Liebman cubre el espacio con frases filtradas en delay.

- New York, November 11, 1960

Jeannine, When Sunny gets blue

Donald Byrd (tp) Pepper Adams (bar) Duke Pearson (p) Laymon Jackson (b) Lex Humphries (d)

Donald Byrd llevaba solo dos años grabando para Blue Note cuando, en noviembre de 1960, entró con su quinteto al Half Note Café de Manhattan para registrar este set en vivo: un hard bop con soul, mucho swing y una banda afiatada con Pepper Adams (barítono), Duke Pearson (piano), Laymon Jackson (contrabajo) y Lex Humphries (batería). Byrd venía en plena racha creativa, tras discos como Off to the Races, Byrd in Hand, Fuego y Byrd in Flight. At the Half Note Café, Vol. 2, en versión audiófila de Tone Poet recién lanzada, abre con una versión vibrante de “Jeannine” de Pearson e incluye dos temas del propio Byrd: una toma extendida del blues “Pure D. Funk” y el enérgico “Kimyas”, además del estándar “When Sonny Gets Blue”. Pearson brilla como improvisador más que en cualquier sesión de estudio. Un quinteto animado, con swing, lirismo y un sentido del tiempo impecable.

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BRIAN MARSELLA “BUER : BOOK OF ANGELS VOLUME 31”

- Brooklyn, NY, January 18 & 19, 2017

Akzariel, Palalael, Camael, Sennoi, Gehuel

Brian Marsella (p,arr) Trevor Dunn (b) Kenny Wollesen (d) John Zorn (comp,arr)

En el álbum “Buer : Book Of Angels Volume 31” , el pianista Brian Marsella se sumerge en la música del Book of Angels de John Zorn, un extraordinario conjunto de 300 piezas inspiradas en el klezmer que Zorn compuso en 2004. Marcella con Trevor Dunn en el bajo y Kenny Wollesen en batería, una base rítmica habitual en el universo Zorn— aborda 16 composiciones y las lleva a un nivel deslumbrante. La técnica, el estilo y la imaginación de los tres músicos es sorprendente.

Hay espacio de sobra para disfrutar tanto de las interpretaciones como de la riqueza del material. “Palalael” avanza con una belleza claramente klezmática, mientras que “Parymel” simplemente vuela, con Marsella recorriendo el teclado a toda velocidad. “Zagin” toma motivos de la tradición judía y los pone de cabeza al estilo inconfundible de Zorn, y Marsella los ejecuta con soltura total. El disco pasa de lo más tradicional a lo más libre, como el brevísimo “Avial”. Todo el álbum es un impulso vital, a veces (Usar: “Sennoi)” estalla en energía contagiosa mientras que en otras ( “Diniel” ) mezcla lo antiguo y lo nuevo. El album {“Gehuel”} cierra con un guiño swing a la conexión entre el jazz y la música judía.

JOHNATHAN BLAKE PENTAD “HOMEWARD BOUND”

- Paramus, NJ, c. 2021

In the beginning was the drum, Homeward bound (for Ana Grace), Steppin’ out

Immanuel Wilkins (as) Joel Ross (vib) David Virelles (keyboards) Dezron Douglas (b) Johnathan Blake (d,comp)

El baterista Johnathan Blake, figura en ascenso con una larga lista de colaboraciones y grabaciones propias, debuta en Blue Note con Homeward Bound, un disco concebido como un homenaje luminoso a uno de sus mentores, el recientemente fallecido Dr. Lonnie Smith, y también como un tributo íntimo a Ana, la hija del saxofonista Jimmy Greene. Lejos de ser un réquiem, el álbum celebra la vida con energía, imaginación y un sentido de comunidad musical muy fuerte.

El quinteto —Immanuel Wilkins (alto), Joel Ross (vibráfono), David Virelles (piano y teclados) y Dezron Douglas (contrabajo)— responde con soltura a la dirección rítmica de Blake. El breve solo inicial “In the Beginning Was the Drum” abre paso al tema central, marcado por un groove en 5/8 que enciende diálogos veloces entre Wilkins y Ross, y un solo reflexivo de Virelles.

El disco ofrece momentos delicados como y cierra con una relectura sorprendente de “Steppin’ Out”, que Virelles, Wilkins y Blake transforman en un cierre expansivo y vibrante.

- New York, evening session, October 24, 1960

Blues to Bechet, Blues to you John Coltrane (ts,sop-2) McCoy Tyner (p-1) Steve Davis (b) Elvin Jones (d)

Las sesiones que John Coltrane grabó para Atlantic a fines de octubre de 1960 fueron extraordinariamente productivas: de ellas surgieron My Favorite Things, Coltrane Plays the Blues y Coltrane’s Sound. Entre estos discos, My Favorite Things sería el más influyente y recordado, pero Coltrane Plays the Blues sigue siendo una sesión muy potente, aunque menos famosa o arriesgada en su material.

El título nos lleva a pensar en blues tradicionales, pero no es el caso. Más bien alude a una sensibilidad bluesera que atraviesa todo el disco, ya sea cuando Coltrane toca el saxo tenor o cuando recurre al saxo soprano —en ese entonces todavía poco común— en temas como “Blues to Bechet” y “Mr. Syms”. El baterista Elvin Jones, que llevaba poco tiempo en la banda, se luce especialmente en los temas más rápidos aportando una energía que guía y empuja al cuarteto hacia adelante.

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KURT ROSENWINKEL “THE NEXT STEP BAND”

- Live At Smalls, 1996

A shifting design, The next step (1)

Mark Turner (ts) Brad Mehldau (p-2) Kurt Rosenwinkel (g,p-1,comp) Ben Street (b) Jeff Ballard (d)

Una grabación recién descubierta de Heartcore Records presenta al cuarteto Next Step de Kurt Rosenwinkel en plena creatividad durante su residencia en el club Smalls en 1996. Este registro captura al guitarrista, junto al saxofonista Mark Turner, el bajista Ben Street y el baterista Jeff Ballard, interpretando seis composiciones originales que más tarde darían forma al influyente álbum The Next Step, considerado por JazzTimes como la grabación de jazz más importante del siglo XXI.

El disco presenta al grupo explorando nuevas ideas con una química profunda e improvisaciones notables. La sesión abre con una introducción solitaria de Rosenwinkel en “A Shifting Design”, antes de que la banda entre con energía y precisión. Destaca el diálogo entre guitarra y saxo, especialmente en los pasajes más intrincados, así como el soporte rítmico flexible y siempre atento de Ballard y Street.

PHAROAH SANDERS GROUP HEART IS A MELODY”

- Live “Keystone Korner”, San Francisco, CA, January 23, 1982

On a misty night, Heart is a melody of time [Hiroko’s song] (1), Naima

Pharoah Sanders (ts) Bill Henderson (p) John Heard (b) Idris Muhammad (d) Flame Braithwaite, Janie Cook, Deborah McGriff, Andy Bey, Kris Wyn, Cort Cheek, Jes Muir, Mira Hadar (vcl-1)

El saxofonista Pharoah Sanders fue uno de los últimos grandes íconos de su generación cuando falleció en 2022. Elegido personalmente por John Coltrane, participó en las obras maestras de la última etapa del legendario e innovador saxofonista y luego desarrolló una carrera propia con una serie de discos expansivos para el sello Impulse!. Esos trabajos influyeron profundamente en artistas tan diversos como Prince, Marvin Gaye e incluso Iggy Pop. Durante cinco décadas, Sanders grabó algunos de los álbumes más admirados —y también más polémicos— de la historia del jazz, abrazando un sonido salvaje y libre que marcaría a múltiples géneros. En los años ochenta obtuvo finalmente un GRAMMY, coronando una trayectoria única.

El sello Mosaic ha reeditado todo el catálogo de Sanders grabado para el sello. De ese álbum de 7 CD escucharemos hoy selecciones del CD Heart Is a Melody, registrada en vivo en el Keystone Korner de San Francisco, en 1982. Muchos de sus solos en este registro mantienen una fuerte conexión con la tradición de Coltrane, mostrando la intensidad y profundidad que definieron su estilo.

BOBBY HACKETT “AND HIS DIXIELANDERS”

- New York, June 22, 1948

Oh baby, On the sunny side of the street, My honey’s lovin’ arms

Bobby Hackett (tp) Cutty Cutshall (tb) Peanuts Hucko (cl) Ernie Caceres (bar) Charlie Queener (p) Eddie Condon (g) Irv Manning (b) Morey Feld (d)

Bobby Hackett nació en 1915 dejó el colegio a los 14 años para tocar guitarra y violín en un restaurante. Influenciado por Louis Armstrong decidió aprender corneta y trompeta. Tocó en varias bandas locales hasta que una buena crítica lo llevó a Nueva York en 1937. Aunque admiraba a Armstrong, se hizo conocido por su estilo cercano a Bix Beiderbecke, al punto que Benny Goodman lo invitó a recrear un solo en el concierto del Carnegie Hall en 1938.

En las sesiones de VDisc realizadas en junio y octubre de 1948, grabadas en el Wor Guild Theater and Playhouse de Nueva York, la figura central es sin duda Hackett. Diez años antes se le consideraba un cornetista de sonido delicado y rango limitado, pero para entonces había estudiado a fondo su instrumento y alcanzado una potencia y seguridad notables. Eso se siente de inmediato en “Oh, Baby!”, donde su forma de tocar aparece firme, equilibrada y con un poder sonoro nuevo en él. Su trabajo en “Struttin’ with Some Barbecue” es igual de llamativo: en sus improvisaciones mezcla fraseos melódicos con ideas basadas en acordes que avanzan con naturalidad y elegancia. También destaca la energía de la banda con un un ritmo vertiginoso en “My Honey’s Lovin’ Arms”; el empuje del baterista Morey Feld, resulta en una versión arrolladora.

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FATS WALLER “V DISC SESSION RCA VICTOR STUDIOS”

- New York City, September 16, 1943

Ain’t misbehavin’, Two sleepy people, (Medley : Slightly less than wonderful (1,2)

There’s a gal in my life), (Medley : This is so nice it must be illegal, Martinique)

Waller jive, A birdie’s lament

Fats Waller (p,vcl)

Thomas “Fats” Waller es recordado sobre todo por su sentido del humor y su formidable personalidad, pero fue muchísimo más que eso. Fue uno de los grandes pianistas del estilo stride, el primer organista del jazz, un excelente cantante y un compositor notable. De su pluma salieron clásicos como Honeysuckle Rose, Ain’t Misbehavin’, Black and Blue (la primera canción en denunciar el racismo). SU vida fue una fiesta constante con comida, whisky, mujeres y música en cantidades industriales.

En la sesión VDisc del 16 de septiembre de 1943, grabada en los estudios RCA Victor de Nueva York, Waller relajado y satisfecho, alimentado por generosas dosis de whisky Cutty Sark, abre con Ain’t Misbehavin’ y Two Sleepy People, mezclando éxitos y temas de su musical de Broadway Early to Bed. En There’s a Gal in My Life recuerda lo dulce que podía cantar, mientras que en This Is So Nice It Must Be Illegal -esto es tan agradable que debe se ilegal- el whisky claramente toma el control, aunque mantiene sólido control en el piano.

PEANUTS HUCKO AND HIS MEN

- New York, April 10, 1947 Sweet Georgia Brown, Blintzes bagel boogie

Bobby Hackett (tp) Fred Ohms (tb) Peanuts Hucko (cl) Cliff Strickland (ts) Charlie Queener (p) Jack Lesberg (b) Morey Feld (d)

- New York, May 14, 1947 Stealin’ apples

Peanuts Hucko (cl) Lou Stein (p) Mundell Lowe (g) Jack Lesberg (b) Dave Tough (d)

- New York, June 6, 1947 Peanut butter, Someday sweetheart, Stolen peanuts

Peanuts Hucko (cl) Lou Stein (p) Mundell Lowe (g) Jack Lesberg (b) Dave Tough (d)

Michael “Peanuts” Hucko fue un clarinetista que casi siempre sonó demasiado como Benny Goodman. Se movía con gran soltura tanto en el swing como en el dixieland. Al principio se concentró principalmente en el saxo tenor especialmente en las bandas de Jack Jenney, Will Bradley (1939–41), Joe Marsala, Charlie Spivak (1941–42) y Bob Chester.

Su verdadera voz como clarinetista apareció cuando formó parte de la Glenn Miller Army Air Force Band (1943–45), donde era uno de los solistas principales. Después del ejército, trabajó con las orquestas de Goodman (volviendo al tenor en 1945–46) y Ray McKinley (1946–47), lideró sus propios grupos y colaboró con Eddie Condon.

En la década de los años cincuenta, se dedicó más al trabajo de estudio, pero continuó haciendo giras, una europea en 1957 con Jack Teagarden y Earl Hines, y entre 1958 y 1960 fue parte de los AllStars de Louis Armstrong. Después, entre 1964 y 66, trabajó como músico freelance —incluyendo la banda de la casa del Condon’s Club.

CHAD TAYLOR “SMOKE SHIFTER”

- New York, May 9, 2024

Avian shadow, October 26th, Paradise lawns/October 29th Jonathan

Finlayson (tp) Bryan Rogers (ts) Victor VieiraBranco (vib) Matt Engle (b) Chad Taylor (d)

En Smoke Shifter, el baterista y compositor Chad Taylor ofrece una música que suena a la vez retro y contemporánea. Retro porque recuerda a los grupos sin piano de mediados de los años 60, como los liderados por Chet Baker y Gerry Mulligan. Contemporánea por su belleza austera y la intensidad serena con la que tocan sus integrantes.

Taylor, como muchos músicos de sección rítmica, ha grabado mucho más como acompañante o colíder que como líder absoluto. Pero cuando lo hace, su enfoque es particular: es un baterista cuya música atrae por su sutileza, no por la fuerza bruta.

Con Smoke Shifter, Taylor amplía su paleta sonora. Trabaja con un quinteto que lo componen el trompetista Jonathan Finlayson, el bajista Matt Engle, el saxofonista Bryan Rogers y el vibrafonista Victor VieiraBranco, todos aportando solos breves y un intercambio musical tan atento como elegante.

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DENA DEROSE “MELLOW TONES”

- C. 2024 In a mellow tone (1), Maybe September, My frame for the blues (1)

Dena DeRose (vcl,p) acc by Ed Neumeister (tb-1) Martin Wind (b) Matt Wilson (d)

En su álbum Mellow Tones, Dena DeRose demuestra nuevamente que es una pianista y cantante de talento notable, buen gusto que hace que la músicafluya con un swing suave y discreto. Al abrir con “In a Mellow Tone” y cerrar con “My Frame for the Blues”, Dena también demuestra un impecable sentido de la simetría. Aquí, la idea de “marco” musical se vuelve literal: no solo son los hitos principales de este viaje sonoro tan especial que nos propone, sino que además transmiten una sensación de cierre al presentar al veterano trombonista Ed Neumeister —junto a su impecable bajista Martin Wind y el brillante baterista Matt Wilson— tanto al comienzo como al final.

“In a Mellow Tone” es uno de los clásicos de Duke Ellington.

Y aunque “My Frame for the Blues” funciona como un cierre perfecto, es “Maybe September” la canción que tiene la carga emocional más profunda. A pesar de formar parte de uno de los discos más celebrados del jazz, *The Tony Bennett / Bill Evans Album*, sorprende lo poco que se interpreta. Aquí, Martin aporta un solo notable y la voz de Dena resulta más conmovedora y sutil que nunca.

BABY FACE WILLETTE “FACE TO FACE”

- Englewood Cliffs, N.J., January 30, 1961

Goin’ down, High and low

Fred Jackson (ts) Baby Face Willette (org) Grant Green (g) Ben Dixon (d)

Baby Face Willette aportó un sonido propio y una energía distinta al jazz, antes de desvanecerse en la oscuridad. Apodado “Baby Face” por su rostro juvenil, el organista Roosevelt Willette tocaba con un fervor casi religioso, heredado de sus raíces en la música gospel.

Su debut, Face to Face (1961), llegó justo cuando muchos jóvenes organistas intentaban hacerse un lugar tras el impacto que Jimmy Smith había tenido a fines de los años 50. El éxito de Smith legitimó al órgano como instrumento de jazz y abrió la puerta a una oleada de músicos que buscaban convertirse en nuevas figuras del Hammond. Willette fue uno de los más prometedores.

Nacido en 1933, empezó a tocar piano a los cuatro años y, ya en la adolescencia, trabajaba profesionalmente en grupos de gospel y rhythm and blues. Totalmente volcado en la música, recorrió Estados Unidos como acompañante contratado, tocando con figuras como Johnny Otis, Guitar Slim y Big Jay McNeely, absorbiendo influencias y puliendo una voz musical que, en su breve momento, fue tan personal como poderosa.

- Englewood Cliffs, N.J., December 24, 1965

Complete Communion

Don Cherry (cnt) Gato Barbieri (ts) Henry Grimes (b) Ed Blackwell (d)

Los tres discos que Don Cherry grabó para Blue Note quizá no fueron tan revolucionarios como sus proyectos posteriores de fusión y world music, donde encontró plenamente su voz y visión. Aun así, son excelentes ejemplos del free jazz energético y explosivo que exploró después de dejar el grupo de Ornette Coleman, y que lo consolidaron como compositor, líder más allá de ser el fiel compañero de Ornette.

El sello Mosaic reunió estos trabajos en The Complete Blue Note Recordings of Don Cherry, que incluye Complete Communion, Symphony for Improvisers y Where Is Brooklyn. El primero y el último son sesiones en cuarteto, con Gato Barbieri y Pharoah Sanders, respectivamente. Symphony for Improvisers, en cambio, reunió un poderoso septeto con ambos saxofonistas. Este disco y Complete Communion resultaron los más logrados, gracias a largas suites que enlazaban piezas originales sin cortes, manteniendo la energía de la improvisación. Como siempre en Mosaic, el sonido y las notas son excelentes, aunque las ediciones fueron muy limitadas.

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RODRIGO AMADO “BEYOND THE MARGINS”

- Warsaw, Poland October 3rd, 2022

Personal mountains, (Visiting) Ghosts

Rodrigo Amado (ts) Alexander von Schlippenbach (p) Ingebrigt Haker Flaten (b) Gerry Hemingway (d,voice)

Las formaciones que reúnen a músicos de diferentes países y generaciones suelen nacer con las mejores intenciones, pero pocas veces cumplen con las expectativas. Una excepción notable es The Bridge, el cuarteto del saxofonista portugués Rodrigo Amado. El nombre alude al célebre disco de regreso de Sonny Rollins de 1962, pero también sugiere la voluntad del grupo de tender puentes y crear vínculos sólidos más allá de los distintos orígenes de sus integrantes. Y lo cierto es que esta banda sí cumple: destaca el nivel de interacción, la plasticidad sonora que los cuatro construyen, la libertad con que se mueven y ese impulso constante por ir más allá. A eso se suma la gravitas palpable de un conjunto que sabe exactamente lo que quiere decir. Amado, desde luego, sabía perfectamente en qué se estaba metiendo.

Con el tiempo, Amado se ha consolidado como uno de los improvisadores más significativos de la escena europea. Puede forcejear y medirse con cualquiera, incendiar el ambiente con una energía abrasadora y no reservarse nada cuando la música exige empuje y decisión.

STEVE LACY “MONK’S DREAM”

- Paris, France, June 21 & 22, 1999

Monk’s dream, The rent

Roswell Rudd (tb) Steve Lacy (sop) Jean-Jacques Avenel (b) John Betsch (d) Irene Aebi (vcl)

El Steve Lacy Trio con Roswell Rudd es una formación de larga data, integrada por el contrabajista Jean-Jacques Avenel y el baterista John Betsch, y es uno de los grupos más cohesionados de la escena. Que Rudd encaje de inmediato en esa química no sorprende: su historia compartida con Lacy se remonta varias décadas. Cuando se conocieron, en los años cincuenta, ambos venían de largas temporadas en conjuntos de Dixieland y estaban iniciando un periodo de estudio intensivo de los grandes maestros modernos: Thelonious Monk, en el caso de Lacy, y Herbie Nichols, en el de Rudd. A comienzos de los sesenta formaron un cuarteto dedicado a la música de Monk, hoy considerado legendario pero que en su momento no logró sostenerse. Desde entonces han colaborado esporádicamente.

- Academie voor Beeldende Kunst”, Arnhem, the Netherlands, May 3, 1967

Blue Room, Four, Love walked in

Sonny Rollins (ts) Ruud Jacobs (b) Han Bennink (d)

Rollins in Holland reúne tres grabaciones inéditas de mayo de 1967, en la Arnhem Academy of Visual Arts y una presentación televisada en el GoGo Club de Loosdrecht, donde el saxofonista Sonny Rollins toca con el bajista Ruud Jacobs y el baterista Han Bennink.

Rollins ya dominaba el formato de trío mucho antes de llegar a Holanda. Sus discos Way Out West (1957), Freedom Suite (1958) y A Night at the Village Vanguard (1958) lo habían mostrado en diálogo intenso con distintos bajistas y bateristas, explorando una libertad rítmica y melódica que marcaría su estilo.

Aun así, en 1967 era la primera vez que trabajaba con Jacobs y Bennink, dos jóvenes músicos holandeses con trayectorias distintas pero muy respetados por los artistas estadounidenses que pasaban por el país. Ambos admiraban profundamente a Rollins y conocían bien su obra.

Rollins recordó luego la riqueza del sonido de Jacobs —dueño de un contrabajo europeo de gran proyección— y su experiencia acompañando figuras como Louis Armstrong. Sobre Bennink, dijo que era considerado el más “avantgarde”, pero eso nunca fue un problema: podía tocar con ambos sin restricciones. Para Rollins, la energía combinada de Jacobs y Bennink hizo de estas sesiones un encuentro afortunado y memorable.

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JIMMY ROWLES “THE SPECIAL MAGIC OF JIMMY ROWLES”

- New York, April 7, 1974

Grooveyard, Rockin’ in rhythm, Sunday, Monday or always / Prelude to a kiss (jr psolo), It don’t mean a thing, The peacocks

Jimmy Rowles (p,vcl) Rusty Gilder (b)

The Special Magic Of Jimmy Rowles es un disco poco conocido que muestra a Jimmy Rowles, un pianista excepcional que nunca recibió el reconocimiento merecido. Grabado en la primavera de 1974 en un departamento de Nueva York —mientras Rowles tocaba regularmente en el Cookery— el álbum captura su arte en un ambiente íntimo, con varias piezas junto al bajista Rusty Gilder.

El set abre con una versión animada de “Grooveyard”, el clásico bop de Carl Perkins, donde Rowles despliega swing y soltura. Luego sorprende con una introducción casi percusiva a “Rockin’ in Rhythm”, de Duke Ellington. También deja ver su humor, citando un fragmento de “Tico Tico” en medio de “It Don’t Mean a Thing”.

La joya del álbum es otra versión de “The Peacocks”, una de sus composiciones más bellas y hoy un estándar grabado frecuentemente.

BILLY HART QUARTET “MULTIDIRECTIONAL”

- New York, 2025

Song For Balkis; Giant Steps

Mark Turner (ts) Ethan Iverson (p) Ben Street (b) Billy Hart (d)

El Billy Hart Quartet lleva más de veinte años tocando junto, algo excepcional en el jazz moderno. Aunque habían grabado varios discos de estudio, les faltaba un registro en vivo. Multidirectional llena ese vacío: es el primer álbum que muestra al cuarteto en plena acción en el escenario del Smoke Jazz Club. El resultado captura la energía del grupo y confirma la vitalidad de Hart, que celebra sus 85 años, junto a tres músicos que han crecido a su lado: Mark Turner, Ethan Iverson y Ben Street.

El disco refleja la mezcla de tradición, búsqueda y libertad que caracteriza al cuarteto. Hart, también conocido como Jabali, ha pasado toda su vida musical explorando caminos abiertos, influido profundamente por John Coltrane y la estética “multidireccional” que aprendió observando al baterista Rashied Ali. Temas como “Song for Balkis” y “Amethyst” muestran esa flexibilidad rítmica y expresiva, mientras que piezas más conocidas, como “Giant Steps”, revelan cómo el grupo transforma un clásico desde la experiencia y la escucha mutua.

CHET BAKER QUINTET “GROOVIN’” Y “COMIN’ ON”

- Englewood Cliffs, N.J., August 23, 25 & 29, 1965

Cherokee, When you’re gone, Go-go, Pot luck

Chet Baker (flhrn) George Coleman (ts) Kirk Lightsey (p) Herman Wright (b) Roy Brooks (d)

Five From ’65: The Quintet Summer Sessions reúne cinco álbumes de Prestige que Chet Baker grabó en una sola y sorprendentemente inspirada semana de agosto de 1965 en Nueva York: Groovin’, Smokin’, Boppin’, Cool Burnin’ y Comin’ On. Los títulos evocan deliberadamente la famosa serie que Miles Davis grabó para el mismo sello a mediados de los cincuenta, cuando Prestige descubrió que largas sesiones “en vivo” en estudio podían convertirse en material muy vendible.

La comparación, sin embargo, tiene matices. Davis estaba en ascenso y a punto de irse a Columbia. Baker, en cambio, regresaba a Estados Unidos tras cinco años erráticos en Europa, entre grabaciones desiguales, problemas de drogas y un periodo en prisión. Para muchos, el antiguo ídolo de principios de los cincuenta ya era cosa del pasado.

Prestige lo rodeó aquí de músicos de primera: George Coleman en tenor, Roy Brooks en batería, el debutante Kirk Lightsey al piano y Herman Wright en contrabajo. Coleman suena especialmente sólido y relajado junto a Chet. El propio Baker destaca tocando exclusivamente flugelhorn, sin cantar, con un sonido cálido y un fraseo melódico lleno de elegancia. Alguna nota perdida aparece, pero su toque inspirado compensa cualquier imperfección.

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AARON PARKS “BY ALL MEANS”

- New York ?, c. 2024

A way, Parks lope, Raincoat

Ben Solomon (ts) Aaron Parks (p,comp) Ben Street (b) Billy Hart (d)

En By All Means, el pianista y compositor Aaron Parks reafirma su talento para la melodía y la imaginación con un programa de siete piezas originales —algunas nuevas, otras revisitadas— interpretadas junto a sus habituales compañeros del trío Find the Way, el bajista Ben Street y el baterista Billy Hart, ahora reforzados por el joven saxofonista Ben Solomon, exmiembro de la banda de Wallace Roney.

El álbum arranca en un tono introspectivo con “A Way”, una balada rubato de gran refinamiento armónico donde destacan las escobillas de Hart, las líneas abiertas de Street y el fraseo elástico de Solomon, creando un clima que recuerda por momentos al lirismo de Keith Jarrett. En “Park’s Lope”, el cuarteto se mueve con soltura dentro de un postbop elegante, favoreciendo solos cálidos y fluidos.

Más cercano a la tradición que su proyecto Little Big, Parks explora aquí la forma canción con una sensibilidad reposada. Los homenajes familiares —“For Maria José” y “Little River”— añaden una nota íntima y afectuosa, mientras que “Anywhere Together”, compuesto en su adolescencia, aporta frescura y swing juvenil. El cierre, “Raincoat”, introduce un suave pulso latino que redondea un disco equilibrado, lírico y luminoso.

PAUL WINTER “JAZZ MEETS THE FOLK SONG”

- New York, December 5, 1963

Repeat, Guantanamera, Aruanda, John Henry

Dick Whitsell (tp) Paul Winter (sop,as) Jeremy Steig (fl) Jay Cameron (bar) Warren Bernhardt (p) Sam Brown (g) Cecil McBee (b) Freddie Waits (d) Jose Cingo (perc)

Paul Winter, nacido el 31 de agosto de 1939 en Altoona, Pennsylvania, comenzó estudiando piano y clarinete antes de enamorarse del saxofón. Tras terminar el colegio en 1957, pasó el verano tocando en ferias del Medio Oeste junto a músicos de la banda del circo Ringling Brothers. Más tarde ingresó a Northwestern University, en Chicago. En 1961, su sexteto ganó el Intercollegiate Jazz Festival y obtuvo un contrato con Columbia Records. Un año después, la banda realizó una extensa gira de buena voluntad por Latinoamérica: 160 conciertos en 23 países, entre ellos Chile, donde tuve la oportunidad de verlos en Santiago.

Jazz Meets the Folk Song muestra claramente el crecimiento del grupo. En comparación con sus primeros registros, aquí suena una banda más suelta, segura y con mayor personalidad colectiva. La llegada de Cecil McBee en el bajo y Freddie Waits en la batería aporta fuerza y flexibilidad rítmica, algo que inspira de forma evidente al pianista Warren Bernhardt. Winter, por su parte, firma arreglos creativos y un soprano fresco y expresivo. A esto se suma la presencia del flautista Jeremy Steig, cuya participación en tres temas eleva aún más el carácter vibrante del álbum.

THELONIOUS MONK QUARTET “MONK’S DREAM”

- New York, October 31 & November 6, 1962

Monk’s Dream, Bright Mississippi, Just a Gigolo Charlie Rouse (ts) Thelonious Monk (p) John Ore (b) Frankie Dunlop (d)

Monk’s Dream fue el debut de Thelonious Monk en Columbia y marcó el modelo que seguirían sus discos posteriores: una mezcla de originales y estándares, con un sonido algo más suave que en sus años de Blue Note y Riverside. En algunos temas, especialmente en los estándares, se percibe cierta tendencia a soluciones más convencionales, como si Monk avanzara —aunque sea de manera inconsciente— hacia un terreno más cercano al mainstream.

El cuarteto que lo acompaña es célebre: Charlie Rouse en saxo tenor, John Ore en bajo y Frankie Dunlop en batería. Muchos consideran que esta formación fue la más compacta y telepática que Monk tuvo en años. Rouse, en particular, destaca con un sonido anguloso y lleno de blues, aportando filo incluso cuando la base rítmica se vuelve más contenida.

Piezas como “Five Spot Blues” y “Bolivar Blues” muestran cómo la banda navega con naturalidad las complejidades del lenguaje de Monk. El álbum incluye además dos solos —“Just a Gigolo” y “Body and Soul”— que confirman su inalterable intuición musical. Monk’s Dream es, en suma, un disco recomendado para cualquier nivel de aficionado.

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DANIEL ZAMIR “MISSING HERE”

- Tel Aviv, Israel, February-March 2010

Poem 33, Letter he, Scent of an apple redness of red

Itamar Borochov (tp) Avi Liebovich (tb) Daniel Zamir (sop) Omer Klein (p) Omer Avital (b) Aviv Cohen (d)

“Missing Here” es el séptimo disco del brillante saxofonista y compositor israelí Daniel Zamir , quien vivió en Estados Unidos desde el año 2000 hasta su regreso a Israel en 2006. Fue durante su estadía en Nueva York cuando John Zorn lo incorporó al sello Tzadik en el que grabó varios álbumes.

La música de Zamir mezcla de forma muy personal elementos de klezmer , música judía, sonoridades de Europa del Este y, por supuesto, jazz , creando un lenguaje propio.

El álbum presenta composiciones originales de Zamir y un cuarteto junto a Omer Klein en piano, Omer Avital en contrabajo y Aviv Cohen en batería. Se suman como invitados el trompetista Itamar Borochov , el trombonista Avi Leibovitch y el cantante/pianista Eviatar Banai , quien aporta su voz en el tema que da nombre al disco.

CLARENCE PENN “DALI IN COBBLE HILL”

- Brooklyn, NY, February 2, 2012

The B 61, Cobble Hill, Mr. C

Chris Potter (ts,sop,b-cl) Adam Rogers (g) Ben Street (b) Clarence Penn (d,perc)

Dali in Cobble Hill es la forma en que el baterista Clarence Penn imagina cómo el famoso pintor surrealista habría procesado un paseo por su barrio en Brooklyn. El disco reúne ocho temas originales y dos estándares, todos con distintos estados de ánimo, colores y enfoques que reflejan la larga trayectoria de Penn como acompañante de algunos de los mejores músicos de jazz de las últimas décadas.

Su cuarteto —con figuras de primer nivel como Chris Potter en saxo tenor y clarinete bajo, Adam Rogers en guitarra y Ben Street en contrabajo— da vida a estas historias con una mezcla de imaginación profunda y virtuosismo absoluto.

JOSH EVANS “HOPE AND DESPAIR”

- New York, November 17 & 18, 2014

Steps Passin’ Thru, Hope and despair, Lake Superior (1), Good mornin’ (1)

Josh Evans (tp) Abraham Burton (ts) Lawrence Clark (ts-1)David Bryant (p) Rashaan Carter (b) Eric McPherson (d) Kush Abadey (d-1)

Josh Evans, nacido y criado en Hartford, Connecticut, se sintió atraído por la trompeta cuando, a los 10 años, escuchó una grabación de Roy Eldridge y Dizzy Gillespie. A los 14 comenzó a estudiar con el reconocido saxofonista, compositor Jackie McLean quien fue uno de los Fundadores del Colectivo de Artistas en Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. La experiencia junto a McLean marcaría la carrera de Evans quien tuvo la oportunidad de presentarse con él en el Blue Note y el Iridium en Nueva York, o el Regattabar en Boston.

El 2005 Evans inició un período de más de tres años con el sexteto de Winard Harper, con el que recorrió Estados Unidos en giras ofreciendo conciertos y clases magistrales. También ha tocado en las bandas de Cedar Walton, Benny Golson, Charles Tolliver, Ralph Peterson y muchos otros.

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JEANNE LEE / MAL WALDRON “AFTER HOURS”

- Paris, France, May 25 & 26, 1994

Caravan, I could write a book, Goodbye pork-pie hat

Jeanne Lee (vcl) Mal Waldron (p)

Jeanne Lee tenía una voz muy expresiva y flexible: podía pasar de notas altas a registros más bajos con total naturalidad. Muchos la consideraron una de las voces más originales del free jazz, aunque grabó muy poco y casi nunca como líder.

Una noche en 1998, el pianista Mal Waldron tocaba en el Bimhuis de Ámsterdam; durante la jam session Jeanne se unió a él en el escenario. Waldron no la conocía, pero la conexión entre ambos fue inmediata. Parecía una conversación verdadera musical. After Hours, el disco que grabaron juntos poco después muestra una química especial, ambos se dan espacio mutuamente para entrar y responder.

BEN MARKLEY “BASIC ECONOMY”

- Denver, CO, October 27, 2017

FTG, Basic economy, Half dozen

Greg Osby (as) Ben Markley (p) Evan Gregor (b) Dru Heller (d)

El pianista y compositor Ben Markley ha trabajado con figuras como Brian Lynch, Terell Stafford y Eddie Henderson. En la escena jazzística de Denver es muy respetado, al igual que en su labor como Director de Estudios de Jazz en la Universidad de Wyoming, en Laramie.

Su disco Clockwise: The Music of Cedar Walton, un homenaje en formato big band al célebre pianista, fue el que realmente lo puso en el radar del público. En su siguiente trabajo, Basic Economy, Markley reduce la formación a un cuarteto e invita al ecléctico saxo alto Greg Osby —cuyo currículum incluye trabajos con Andrew Hill, Jack DeJohnette y el colectivo MBase— aqui está en evidencia la fluida conexión musical que ambos comparten. Markley escribió esta música pensando específicamente en Osby.

NEBBIA / BANNER / ANDREZEJEWSKI “PRESENCIA”

- Berlin, Germany, October 17, 2024

Choco, Arid, Meander, Sad song #1

Camila Nebbia (ts) James Banner (b) Max Andrzejewski (d)

El título Presencia juega con dos ideas: por un lado, las “presencias” que nos acompañan —personales, históricas, ancestrales— y que moldean nuestra identidad; por otro, la importancia de estar realmente presentes en el momento. Para el trío compuesto por Camila Nebbia (ts) James Banner (b) Max Andrzejewski (d), eso significa atención absoluta a la música y un compromiso total con su interpretación.

El grupo nació del interés de volver al espíritu de las bandas adolescentes: crear juntos, compartir ideas muy abiertas o muy detalladas, y dejar espacio para que cada integrante aporte algo propio. No hay líder; el funcionamiento es completamente democrático. Aun así, los tres comparten una inclinación natural por desarrollar ideas, tanto en la composición como en la improvisación. Por eso el disco combina piezas breves, otras más extensas y estructuradas, y momentos totalmente improvisados.

La grabación se hizo en un solo día en Bonello Studio, en Berlín, después de una serie de conciertos europeos donde el trío afinó este material. Más que buscar “tomas perfectas”, quisieron capturar la energía de actuaciones en vivo.

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RUSS LOSSING “PROXIMITY ALERT”

- April, 2024

Incommunicado, Boodda, Emphasis my own

Russ Lossing (p) Mark Helias (b) Eric McPherson (d)

Russ Lossing es un pianista que siempre ha trabajado con tríos que funcionan como equipos bien ensayados. A lo largo de su carrera ha tocado con figuras como Paul Motian, experiencia que marcó su gusto por esa mezcla de disciplina y espontaneidad: música donde hay estructura, pero también espacio para el shock, el empuje y la sorpresa.

Proximity Alert es su segundo disco junto al bajista Mark Helias y el baterista Eric McPherson. Desde el comienzo, el trío muestra una energía vibrante. En temas como “Incommunicado” el grupo avanza y retrocede con cambios de dirección y ritmo, siempre manteniendo la idea central.

También hay momentos más concentrados, casi “de laboratorio”, además de piezas más suaves como “Lamento” o el toque bebop de “Rhythmique”.

BOBBY BRADFORD “THE BOTTLE TAPES”

- Chicago, October 28, 1998

Comin’ On

Bobby Bradford (t) Fred Anderson (st) Harrison Bankhead (b) Chad Taylor (dr)

The Empty Bottle Jazz & Improvised Music Series

The Bottle Tapes es un album de seis CD que incluye música selecta interpretada en el legendario club Empty Bottle de Chicago en el apogeo de la música creativa de la década de 1990. De 1996 a 2005, el escritor y productor John Corbett y el músico y compositor Ken Vandermark se unieron para curar una serie de conciertos. Junto con festivales internacionales anuales, la serie comprendió más de 500 actuaciones a lo largo de sus nueve años. Las actuaciones de la música presentada en el Empty Bottle Jazz están dispuestas en secuencia cronológica, desde el jazz libre más duro hasta la improvisación libre microscópica y otros tipos de música experimental. La alineación incluye a casi 100 músicos.

Hoy oiremos al trompetista Bobby Bradford quien nació en Mississippi, creció en Texas pero fue en Los Ángeles donde puso raíces a principios de la década de 1950, e hizo conexiones con la entonces desconocido compañero tejano Ornette Coleman ( con quien Bradford aparece en Ciencia Ficción, de 1971). Algunas de sus otras principales alianzas de Los Ángeles han sido con el clarinetista John Carter, con quien Bradford actuó y grabó durante décadas y el saxofonista David Murray, uno de sus estudiantes protegidos.

FRANK BUTLER WHEELIN’ AND DEALIN’”

- Los Angeles, October 22, 1978

Wheelin’ and dealin’ Four

Teddy Edwards, Joe Farrell (ts) Dolo Coker (p) Monty Budwig (b) Frank Butler (d)

El baterista Frank Butler comenzó su carrera durante la Segunda Guerra Mundial, tocando en los espectáculos del USO que entretenían a las tropas estadounidenses. A fines de los años setenta grabó dos excelentes discos como líder, trabajos que mostraron un músico muy respetado incluso por figuras exigentes como Miles Davis. Su técnica precisa se formó durante un largo período junto al pianista Edgar Hayes y luego con artistas tan distintos como Duke Ellington, Pérez Prado y el contrabajista Curtis Counce.

Wheelin’ and Dealin’ fue su segundo y último álbum como líder, grabado menos de un año después de The Stepper. Mantiene la misma base rítmica —Dolo Coker al piano y Monty Budwig en el contrabajo— pero esta vez suma a dos tenores de lujo: Joe Farrell y Teddy Edwards. El protagonismo recae justamente en ellos. Edwards aporta el tema que abre el disco, un blues rápido que da pie a un duelo de tenores a la antigua, del que ambos salen brillando. Butler, siempre elegante y exacto, tiene su momento al frente en una versión ágil y con buen swing de “Four”.

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BEHN GILLECE “PIVOT POINT”

- May 19, 2023, Brooklyn, NY

Haymaker (1), Beyond the veil (1), Pivot point (2)

Willie Morris (ts,sop) Behn Gillece (vib) Jon Davis (p) Boris Kozlov (b) Rudy Royston (d1) Jason Tiemann (d2)

El vibrafonista Behn Gillece, inspirado por maestros como Milt Jackson, Gary Burton y Bobby Hutcherson, ha desarrollado un lenguaje propio que hoy lo identifica de inmediato. Desde su llegada a Nueva York en 2006, Gillece se ha convertido en un sideman muy solicitado y en un líder sólido, con una impresionante discografía.

En su álbum Pivot Point, Jon Davis en el piano aporta un toque firme, nuevas ideas rítmicas y un fraseo muy personal, enriqueciendo el sonido del grupo. El saxofonista Willie Morris, destaca por su tono expresivo y lleno en el tenor y con el soprano muestra un sonido flexible y transparente que dialoga de manera ideal con el vibráfono de Gillece.

La base rítmica —el experimentado Boris Kozlov en el contrabajo y los bateristas Rudy Royston o Jason Tiemann— sostiene el álbum con solidez y sensibilidad. Su larga historia tocando juntos se nota en la precisión, las respuestas intuitivas y la facilidad con que Tiemann quien trabajo con ellos por primera vez aqui participa en algunos surcos en los que entra y mantiene el pulso sin alterar la fluidez del grupo.

STEVE SLAGLE “NASCENTIA (BIRTH)”

- New York, October 6, 2020

Nascentia suite : All up in it (1,2), Drum interlude, Agarna (1,2), Bass interlude, Nascentia (1)

Jeremy Pelt (tp1) Clark Gayton (tb2) Steve Slagle (as,fl3,comp) Bruce Barth (p) Ugonna Okegwo (b) Jason Tiemann (d)

La música del saxofonista Steve Slagle, cuya trayectoria abarca varias décadas y estilos dentro del jazz, tiende hacia la tradición. Es integrante de la Mingus Big Band desde 1993, también ha participado en proyectos de figuras como Joe Lovano y Carla Bley. Nascentia es la entrega más reciente de una discografía que ya suma 17 álbumes como líder.

Para este trabajo, Slagle compuso una suite con tres movimientos principales que se conectan mediante dos interludios: uno por el contrabajista Ugonna Okegwo y el otro del baterista Jason Tiemann. El comienzo es un contundente tema que avanza con un swing firme y recuerda por momentos el espíritu de los Jazz Messengers de Art Blakey. El trompetista Jeremy Pelt, siempre inspirado, y el trombonista Clark Gayton, de sonido sólido, aportan sus propias perspectivas ampliando el carácter y la energía de la suite.

ART PEPPER “THURSDAY - SATURDAY NIGHT AT THE VILLAGE VANGUARD”

- New York, July 28, 1977

A Night In Tunisia, Scrapple From The Apple

Art Pepper (as,ts,cl) George Cables (p) George Mraz (b) Elvin Jones (d)

El saxofonista alto Art Pepper tocaba con una intensidad emocional que terminó definiendo el llamado “estilo de la Costa Oeste”. Desde sus primeras grabaciones con la orquesta de Stan Kenton (entre 1943 y 1952), y en las jam sessions de la Central Avenue de Los Ángeles, Pepper siempre mostró un estilo apasionado y directo.

Las grabaciones legendarias que hizo en 1977 en el Village Vanguard fueron la primera vez que Pepper se registró en vivo, algo sorprendente considerando todos los años que ya llevaba tocando. Este concierto lo muestra en un momento de verdadero renacimiento artístico: más libre, más inspirado y con un sonido muy distinto al de los años 50 y 60. Lo acompañan George Cables en piano, George Mraz en contrabajo y Elvin Jones en batería. Pepper también se anima al saxofón tenor, donde suena igual de brillante.

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DENNY ZEITLIN “LIVE “MEZZROW JAZZ CLUB”

- New York, May 3 & 4, 2019

Echo of a kiss, Isfahan, Intimacy of the blues

Denny Zeitlin (p) Buster Williams (b) Matt Wilson (d)

Después de casi veinte años trabajando juntos, el trío del pianista Denny Zeitlin, con Buster Williams en contrabajo y Matt Wilson en batería, sigue siendo uno de los más sofisticados y creativos del jazz actual. Este álbum, grabado durante dos noches de su residencia en mayo de 2019 en el club Mezzroow de Nueva York, el grupo suena en un nivel altísimo, con una flexibilidad y frescura increíbles. Lo ilstran en la versión de “The Man I Love” de Gershwin, donde cada músico aporta algo especial. Zeitlin mezcla distintos lenguajes musicales con gran naturalidad, Williams ofrece un sonido profundo y flexible, y Wilson aporta color, carácter y un sentido del tiempo impecable.

RICH PERRY “GONE”

- New York, January, 2008

Gone with the wind, Don’t blame me

Rich Perry (ts) Harold Danko (p) Jay Anderson (b) Jeff Hirshfield (d)

El saxofonista tenor Rich Perry —miembro de la Thad Jones/Mel Lewis Orchestra y de muchas otras bandas— lidera aquí un cuarteto formado por colaboradores habituales: Harold Danko en piano, Jay Anderson en contrabajo y Jeff Hirschfield en batería. El disco se basa en estándares muy conocidos, pero Perry los aborda desde ángulos poco habituales.

“Gone with the Wind”, que suele interpretarse de manera ligera, aquí toma un rumbo distinto: Perry lo transforma en un extenso viaje post-bop, lleno de matices y una energía más contenida pero intensa. Todo el álbum suena tan natural y fluido que perfectamente podría haberse grabado en una o dos tomas, con los músicos saliendo del estudio antes de lo previsto.

Entre 1943 y 1949, el Departamento de Guerra de EE. UU. produjo discos especiales —los V-Discs— destinados exclusivamente a las tropas estadounidenses en Europa, el Pacífico y en bases en otros países. Participaron músicos que normalmente no grababan juntos, ya que las sesiones estaban financiadas por el gobierno y no se aplicaban las restricciones comerciales habituales.

Permitieron grabar durante la huelga de músicos (1942–44) impuesta por el sindicato AFM, que prohibía grabar para sellos comerciales. Como los V-Discs no se vendían, el sindicato los autorizó: esto hizo que muchos artistas siguieran activos en estudio únicamente en este formato.

Registraron versiones únicas y a veces irrepetibles de grandes figuras: Louis Armstrong, Duke Ellington, Count Basie, Coleman Hawkins, Benny Goodman, Billie Holiday, Lester Young, Art Tatum, entre muchos otros en discos de 12 pulgadas, de vinilo. Los originales fueron destruidos cuando concluyó el programa, pero muchas copias sobrevivieron entre coleccionistas y archivos. Tego acceso a un album de 12 CDs esta noche compartiré algunos.

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SIDNEY BECHET & HIS NEW ORLEANS FEETWARMERS

- V- Disc Nueva York, December 8, 1943

After you’ve gone (1) blues [Bugle call rag] (&) [Ole Miss] (1), Bechet parades the blues

Vic Dickenson (tb) Sidney Bechet (sop) Don Donaldson (p) Ernest Myers (b,vcl) Wilbert Kirk (d)

Cuando estaba rodeado de músicos más tímidos, el saxo soprano y clarinetista Sidney Bechet dominaba el escenario y no soltaba el protagonismo. Pero con el trombonista Vic Dickenson (1906–84) la cosa era distinta: se llevaban bien, y Vic era un acompañante ideal, siempre en su lugar, sin entorpecer a Bechet. Entre ambos construían líneas y colores que parecían un maravilloso contrapunto improvisado. Los dos “cantan” a través de sus instrumentos, algo que se siente desde las primeras notas de “After You’ve Gone”,.

MUGGSY SPANIER AND HIS V-DISC ALL-STARS

- V Disc Nueva York, 17 de octubre de 1944

That’s a plenty, Squeeze me, Pats me blues

Muggsy Spanier (cnt) Lou McGarity (tb) Pee Wee Russell (cl,vcl) Boomie Richman (ts) Jess Stacy (p) Hy White (g) Bob Haggart (b,whistling) George Wettling (d)

Francis “Muggsy” Spanier (1901–67), nacido en Chicago, veneraba a King Oliver. Su estilo dependía mucho de un pequeño repertorio de frases, lo que a veces hacía que su toque resultara predecible. Por eso, el mayor atractivo de estas sesiones viene de los músicos capaces de aportar ideas frescas y sorpresas: el exuberante Lou McGarity, el siempre chispeante Bud Freeman, un Jess Stacy radiante, el enérgico y explosivo George Wettling, el ágil Boomie Richman y, sobre todo, Pee Wee Russell, que gruñe sus propias líneas de blues con un carácter inolvidable y alcanza un punto casi surrealista en “Pat’s Blues”.

WILD BILL DAVISON

- V Disc Nueva York, March 12, 1944

Honeysuckle Rose, I Ain’t Gonna Give Nobody None O’ This Jelly-Roll

Wild Bill Davison (cor), George Lugg (tb), Pee Wee Russell (cl), Joe Bushkin (p), Eddie Condon (g), Pops Foster (b), Kansas Fields (d), Jimmy Rushing (vcl).

Comienza con “Honeysuckle Rose”, una miniatura encantadora. Nadie intenta hacer historia y el resultado es de una utilidad espléndida. Las discografías acreditan a Bushkin en el piano, pero aquí suena como James P. Johnson. Esto tiene sentido: Johnson fue maestro de Fats Waller y además grabó este clásico de Waller varias veces ese mismo año.

“Jelly Roll” destaca por Hall, fogoso y elegante, mientras Eddie aporta una urgencia amable y contundente.

JACK TEAGARDEN / LOUIS ARMSTRONG V-DISC ALL STAR JAM SESSION

- Nueva York, December 6, 1944

“Jack-Armstrong” Blues [Play Me The Blues] Miss Martingale, Can’t We Talk It Over?, The Sheik Of Araby

Jack Teagarden y Lou McGarity tbn; Billy Butterfield, Bobby Hackett cor, Billy Butterfield, Lous Armstrong t; Ernie Caceres bari , Nick Caiazza st, Johnny Guarnieri (p); Cozy Cole (dr)

En la madrugada del 6 de diciembre de 1944 ocurrió un momento único en la historia del jazz. Louis Armstrong, que esa noche tocaba con su poco inspirada big band en el Club Zanzibar, decidió pasar sin aviso por el Estudio 8-H de la cadena NBC, donde se preparaba una sesión para los V-Discs. En el estudio estaban Jack Teagarden, Billy Butterfield, Bobby Hackett, Lou McGarity, Cozy Cole y el pianista Johnny Guarnieri, ensayando un blues rápido antes de grabarlo.

Apenas alguien vio entrar a Louis, todo se detuvo. Los músicos, sorprendidos, lo saludaron mientras él se quitaba el abrigo, abría el estuche y comenzaba a calentar la trompeta. Nadie tocó una nota: todos simplemente esperaron, atentos, como si supieran que estaban a punto de presenciar algo especial.

Cuando Armstrong se unió al grupo, el ambiente cambió de inmediato. Según el productor George T. Simon, fue la primera vez que escuchó al “verdadero Armstrong” tan de cerca. Su sonido —la fuerza, el sentimiento, el tono, el fraseo— dejó a todos completamente asombrados. Era una energía que no podía venir de ningún otro músico.

Al terminar, Louis salió apurado de vuelta al Zanzibar. En el estudio quedó una sensación compartida: todos habían sido testigos de algo irrepetible.

MILES DAVIS QUINTET “SORCERER”

- New York, May, June, 1967

The sorcerer, Masqualero, Vonetta

Miles Davis (tp) Wayne Shorter (ts) Herbie Hancock (p) Ron Carter (b) Tony Williams (d)

El tercer álbum del legendario quinteto de Miles Davis con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, Sorcerer es una respuesta más oscura y enigmática al fuego de Miles Smiles. Grabado en mayo de 1966, toma su nombre de “The Sorcerer”, pieza de Hancock dedicada a Miles.

El corazón del disco está en las composiciones de Shorter —“Prince of Darkness”, “Masqualero”, “Limbo” y “Vonetta”—, todas llenas de formas elásticas y cambios de ritmo imprevisibles. En “Masqualero”, por ejemplo, Miles y Shorter tocan líneas casi al unísono, creando un efecto de eco, mientras Hancock y Carter improvisan caminos paralelos. Shorter juega con intervalos amplios y silencios expresivos, dejando que la música respire y se transforme con cada interpretación.

El resultado es un álbum lleno de misterio, equilibrio y libertad creativa, donde cada músico parece hechizar al otro. En la portada, aparece la actriz Cicely Tyson, nueva pareja de Miles, símbolo de un periodo de cambio y sofisticación.

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OWL TRIO FEATURING KURT ELLING “LIFE OF THE PARTY”

- New York, April 11 & 12, 2019

French song, Life of the party, Struggle session

Will Vinson (ts) Lage Lund (g) Orlando le Fleming (b) Kurt Elling (voice)

Cuando los músicos comparten años de amistad, confianza y complicidad, el resultado adquiere otra profundidad. Eso es lo que ocurre entre el OWL Trio —Orlando le Fleming, Will Vinson y Lage Lund— y el cantante Kurt Elling.

Los tres instrumentistas se conocieron en Nueva York a comienzos de los 2000 y forjaron su sonido en clubes pequeños como Smalls o el 55 Bar. Su primer disco nació casi por accidente, grabado sin ensayo en una iglesia abandonada. Esa mezcla de riesgo y confianza definió su química.

Kurt descubrió al trío en un diminuto bar de Brooklyn y quedó fascinado por su inteligencia musical y naturalidad. Años después, se unió a ellos en una colaboración íntima. Es música hecha desde la confianza, la amistad y carreras compartidas.

HAROLD LAND “THE FOX”

- Los Angeles, August, 1959

The fox, One second, please, Little Chris

Dupree Bolton (tp) Harold Land (ts) Elmo Hope (p) Herbie Lewis (b) Frank Butler (d)

Aunque el tema más conocido del álbum The Fox es precisamente “The Fox”, una carrera a toda velocidad, el verdadero encanto del disco está en “One Second, Please”, composición del pianista Elmo Hope. En ella, el saxofonista Harold Land muestra su estilo elegante y medido, con frases que fluyen sin alejarse demasiado de la melodía y un fraseo controlado y preciso. Su sonido combina lirismo y firmeza con una naturalidad que lo distingue.

El trompetista Dupree Bolton, poco conocido pero brillante, deja aquí una actuación memorable, recordando por momentos a Clifford Brown y Kenny Dorham por su energía y articulación precisa. Hope, autor de la mayoría de las piezas, aporta composiciones llenas de humor rítmico y acentos fuera de tiempo, cercanos al espíritu de Thelonious Monk.

El resultado es un disco perfectamente equilibrado de un encuentro afortunado entre grandes músicos.

KRIS DAVIS “RUN THE GAUNTLET”

- January 14, 2024 at Brooklyn NY

Run the gauntlet, Coda queen

Kris Davis (p) Robert Hurst (b) Johnathan Blake (d)

En Run the Gauntlet, su primer álbum en trío como líder desde Waiting For You To Grow (2014, Clean Feed Records), la pianista Kris Davis rinde homenaje a sus mentoras e inspiraciones —Geri Allen, Carla Bley, Marilyn Crispell, Angelica Sanchez, Sylvie Courvoisier y Renee Rosnes—. Acompañada por el baterista Johnathan Blake y el bajista Robert Hurst, Davis despliega su característico universo sonoro: audaz, cinematográfico y de una imaginación inagotable.

El tema que da nombre al disco abre con fuerza explosiva, situando a Davis en el nivel de sus mejores trabajos, como Diatom Ribbons o Save Your Breath. Su piano guía un torbellino rítmico que Blake y Hurst moldean con maestría. La intensidad cede paso a pasajes más introspectivos como Softly, As You Awake, de tono etéreo, o First Steps y Little Steps, inspirados en la infancia de su hijo.

En Heavy-Footed, Davis se acerca al formato de canción tradicional con un toque personal, mientras Beauty Beneath the Rubble y su Meditation revelan la sensibilidad de Blake. El cierre, con piezas como Knotweed o Dream State, reafirma a Davis como una artista sin fronteras, capaz de unir riesgo, lirismo y audacia en un mismo gesto musical.

JAMES BRANDON LEWIS “CODE OF BEING”

- Winterthur, Switzerland, May 16 & 17, 2021

Resonance, Every atom glows, Code of being

James Brandon Lewis (ts) Aruan Ortiz (p) Brad Jones (b) Chad Taylor (d)

El carismático saxofonista y compositor James Brandon Lewis se ha convertido en los últimos años en una de las figuras más emocionantes del jazz actual. Es un músico apasionado, sin límites estilísticos, lleno de ideas que filtra e integra dentro de su propio lenguaje musical.

Cuando se le pide ubicarse dentro de la historia de la música estadounidense, Lewis responde sin titubeos: “John Coltrane, Albert Ayler, Cecil Taylor, Eric Dolphy, Ornette Coleman, Sonny Rollins... me veo, de muchas maneras, como parte de esa tradición, y espero, con toda humildad, poder contribuir a ella.” Con su voz de saxo profunda, expresiva y versátil, James Brandon Lewis tiene claro de dónde viene y hacia dónde va. Su arte, como su sonido, vibra con el pathos de lo existencial.

Code of Being es una obra poderosa compuesta por ocho temas originales de Lewis. Junto a Aruán Ortiz, Brad Jones y Chad Taylor —tres músicos excepcionales con personalidades bien definidas— el cuarteto construye un sonido urgente y lleno de energía, que transita por una amplia paleta de colores, ritmos y climas. Con un agudo sentido de la melodía, la forma y la dinámica, el grupo desarrolla un diálogo vivo, reaccionando con precisión a las mínimas variaciones del ambiente, tanto en el sonido como en el pulso.

El resultado es una música cautivadora, difícil de resistir, en especial por sus melodías de gran belleza temática. Son puntos de partida para vuelos improvisados y tramas colectivas de gran complejidad, melodías que son el alma de un arte sonoro que refleja la intuición musical entre la tensión y la disolución.

PETER EVANS “BEING & BECOMING”

- Brooklyn, NY, April 15, 2019

Malibu, Pulsar

Peter Evans (tp,pictp,comp) Joel Ross (vib) Nick Jozwiak (b) Savannah Harris (d,perc)

El trompetista y corneta piccolo Peter Evans presenta Being & Becoming, el primer disco de su nuevo cuarteto junto a Joel Ross (vibráfono), Nick Jozwiak (contrabajo) y Savannah Harris (batería). El grupo reúne a cuatro figuras destacadas de la nueva generación del jazz creativo, moviéndose con naturalidad entre la escritura precisa y la improvisación libre.

El álbum combina pasajes con textura de música de cámara, secciones abiertas y grooves profundos, todo bajo una comunicación casi telepática. A diferencia de sus proyectos previos con electrónica, Evans opta aquí por un sonido completamente acústico, apostando por la interacción pura entre los músicos.

Formado en Nueva York en 2017, el cuarteto fue puliendo su concepto antes de entrar al estudio. El resultado es un trabajo que confirma el compromiso de Evans con la composición contemporánea y la improvisación creativa en formato pequeño, uniendo tradición, riesgo y libertad.

FELIPE SALAS “VAQNO QUARTET”

- enero de 2025 Estudios de Pez Records, Santiago, Chile

Nooo, Mente

Juan Pablo Salvo (trompeta) Felipe Salas (órgano, piano eléctrico) Christian Galvez (bajo, contrabajo) Sebastián Acevedo (batería)

Felipe Salas se inició en el piano, pero optó fue el órgano Hammond para definir su identidad musical. De niño aprendió descifrando obras clásicas y solos de Led Zeppelin o Deep Purple, antes de descubrir el jazz via Bill Evans. A fines de la década de 2010 comenzó a frecuentar las jam sessions del club Thelonious, donde conoció al trompetista Juan Pablo Salvo, con quien grabó dos discos.

Acaba de lanzar el album VaQno Quartet, una síntesis de rock, psicodelia y jazz donde cristaliza su búsqueda: borrar las fronteras entre estilos para afirmar una voz propia.

ROXY COSS “RESTLESS IDEALISM”

- Brooklyn, NY, November 10 & 20, 2014

Don’t cross the Coss, Waiting, Push, Breaking point

Jeremy Pelt (tp) Roxy Coss (ts,sop) Chris Pattishall (p) Alex Wintz (g) Dezron Douglas (b) Willie Jones, III (d)

Roxy Coss es una de las saxofonistas innovadoras de su generación. Ganadora del premio ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer en 2016, y reconocida como Rising Star estrella en ascenso del saxofón soprano en las encuestas de críticos de la revista DownBeat entre 2014 y 2016.

Originaria de Seattle y figura destacada de la escena neoyorquina, ha tocado junto a leyendas como Clark Terry, Louis Hayes y con la Mingus Big Band. También integró la Diva Jazz Orchestra y conocida por su trabajo junto al trompetista Jeremy Pelt, desarrolló las composiciones y el concepto de Restless Idealism Idealismo incansable su segundo álbum durante una residencia de tres años con su quinteto en el club Smoke Jazz. Acompañada por Pelt, el guitarrista Alex Wintz, el pianista Chris Pattishall, el bajista Dezron Douglas y el baterista Willie Jones III, Coss entrega una obra reflexiva, emotiva y audaz. Inspirada por los Jazz Messengers, Wayne Shorter y Mark Turner, reafirma aquí su voz distintiva a través de diez composiciones originales.

GREG BURROWS “LET’S NOT WAIT: THE MUSIC OF ED BONOFF”

- ca 2025

Piazza Navona, Meatloaf and Margaux, Shout ‘Em, Aunt Tillie

Tim Armacost (st/ss), Gary Smulyan (bari), John Fumasoli (tbn), Hiroshi Yamazaki (p), Al Orlo (g) Rich Zurkowski (b) Greg Burrows (dr).

El baterista Greg Burrows lidera Let’s Not Wait, un tributo al compositor, arreglista y baterista neoyorquino Ed Bonoff, figura esencial del jazz moderno y aún activa en la escena de Manhattan.

Para esta grabación de 2024, Burrows reunió a destacados músicos de Nueva York: Tim Armacost (saxo tenor y soprano), Gary Smulyan (barítono), John Fumasoli (trombón), Hiroshi Yamazaki (piano), Al Orlo (guitarra) y Rich Zurkowski (contrabajo). El resultado es un repertorio que celebra la elegancia, el swing y la sensibilidad melódica de Bonoff.

Con el propio Bonoff involucrado en los arreglos y la producción, Let’s Not Wait: The Music of Ed Bonoff rinde homenaje a su legado creativo y a su inquebrantable espíritu de colaboración. Lanzamiento: 31 de octubre de 2025.

MICHAEL FORMANEK “NATURE OF THE BEAST”

- Brooklyn, NY, March 31 & April 1, 1996

Don’t go there ..., Emerger, The dry season

Dave Douglas (tp) Steve Swell (tb) Chris Speed (cl) Tim Berne (as) Tony Malaby (ts) Michael Formanek (b) Jim Black (d)

Nature of the Beast nació del núcleo formado por Dave Douglas, Steve Swell, Jim Black y el contrabajista y líder del grupo: Michal Formanek. Su idea inicial era alejarse del sonido habitual centrado en saxofones y maderas, buscando en cambio una sonoridad más seca y percusiva. Tras componer varias piezas para esa instrumentación, decidió incorporar uno o dos saxos en el resto de los temas para obtener un color más rico y equilibrado. La participación de Chris Speed surgió de manera fortuita durante los ensayos en la casa de Jim Black que comparten. Speed estaba practicando clarinete en el piso de arriba, y fue invitado a tocar en una tema. Ambos ya habían trabajado juntos durante años en Bloodcount, por lo que la colaboración resultó natural e inmediata. Curiosamente, este álbum terminó siendo la única grabación de estudio en la que participaron todos los integrantes de Bloodcount.

MARK TURNER “FLY”

- New York, June 1618, 2003

Fly Mr. Freakjar, JJ

Mark Turner (ts,sop,bcl) Larry Grenadier (b) Jeff Ballard (d)

En una época dominada por los solistas y figuras individuales, el trío FLY —formado por el saxofonista Mark Turner, el bajista Larry Grenadier y el baterista Jeff Ballard— reivindica la fuerza del trabajo colectivo. Más que acompañarse mutuamente, los tres dialogan con igual protagonismo, fusionando personalidades distintas en un sonido común, equilibrado y flexible. Su música, libre de jerarquías, celebra tanto la individualidad como la cohesión del grupo.

El proyecto nació a fines de los noventa, cuando Turner, entonces un saxofonista en ascenso, coincidió con sus viejos amigos Grenadier y Ballard en un trabajo con Chick Corea. De esa colaboración surgió el trío que representa la esencia del trío cooperativo.

NASHEET WAITS’ EQUALITY “BETWEEN NOTHINGNESS AND INFINITY”

- Solignac, France, May, 2016

Snake hip waltz, Story line, Kush

Darius Jones (ts) Aruan Ortiz (p) Mark Helias (b) Nasheet Waits (d)

Hijo del legendario percusionista Frederick Waits, Nasheet siguió los pasos de su padre. AL egresar de la Universidad de Long Island, fue invitado por Max Roach a integrar M’Boom, un conjunto formado exclusivamente por bateristas y percusionistas. Después trabajó con el saxofonista Antonio Hart y en el nuevo milenio, fue miembro habitual de los grupos de Andrew Hill y Jason Moran. Con este último y el bajista Tarus Mateen formó una de las secciones rítmicas más destacadas del jazz contemporáneo.

Su proyecto Equality, en el álbum Between Nothingness And Infinity - entre la nada y la infinidad- editado en 2016 por el sello francés Laborie Waits equilibra tradición y modernidad con un estupendo cuarteto que incluye a Darius Jones, Aruán Ortiz y Mark Helias— tenor piano y bajo. Con el repertorio que combina composiciones originales y versiones de Andrew Hill, Sam Rivers y Charlie Parker, el grupo despliega un lenguaje libre, intenso y sofisticado, fiel al espíritu exploratorio de Nasheet Waits.

DAYNA STEPHENS “MONK’D”

- Englewood Cliffs, NJ, March 24, 2022 October 10, 2025 2024

Coming on the Hudson, Just you and me smoking the evidence, Monk’d

Stephen Riley (ts) Ethan Iverson (p) Dayna Stephens (b) Eric McPherson (d)

El aclamado saxofonista Dayna Stephens soprende al optar por el contrabajo acústico en Monk’D, un homenaje íntimo y minimalista a Thelonious Monk, grabado en el legendario Rudy Van Gelder Studio. Stephens como bajista ha trabajado con Roy Hargrove, Eric Harland y Joshua Redman— y ofrece una mirada al universo de Monk desde la perspectiva del acompañamiento rítmico. Stephens lidera un cuarteto de luijo con Ethan Iverson en piano, Stephen Riley en saxo tenor y Eric McPherson en batería. el repertorio incluye piezas menos conocidas de Monk.

MAL WALDRON “FREE AT LAST”

- Ludwigsburg, Germany, November 24, 1969

Rat now, Balladina, 13234

Mal Waldron (p) Isla Eckinger (b) Clarence Becton (d)

Waldron fue uno de los mejores pianistas de su generación, aunque algo pasado por alto después de su traslado a Europa. Grabó música clásica, partituras de películas, rhythm & blues, música de fondo y casi todos los subgéneros de jazz. Waldron trabajó en Nueva York con el saxofonista Ike Quebec en el Café Society a principios de la década de 1950 y fue parte del conjunto de de Charles Mingus, aparece en varios de sus discos; aunque no estaba cómodo con el estilo de composición de Mingus y se sentía intimidado por él, pero la experiencia abrió los instintos creativos de Waldron.

En 1956 grabó y lanzó su primera fecha de líder, Mal/1 (Prestige Records) con el trompetista Idrees Sulieman y Gigi Gryce en saxo alto; al año siguiente lanzó Mal/2 con John Coltrane, Jackie McLean. A finales de la década de 1950, fue el acompañante de Billie Holiday y, después de su muerte, con Abbey Lincoln y su marido, Max Roach, y en 1969, Waldron grabó Free at Last el primer disco editado por el sello ECM junto al bajista Isla Eckinger y el baterista Clarence Becton.

CHARLIE HADEN “QUARTET WEST”

- Los Angeles, December 22 & 23, 1986

Passport (1,2), Bay City, The blessing

Ernie Watts (ts,as1,sop2) Alan Broadbent (p) Charlie Haden (b) Billy Higgins (d)

El Quartet West de Charlie Haden lanzó el conjunto que se convertiría en su agrupación más popular a lo largo de los años 80 y 90. Haden, que se había hecho un nombre como bajista de vanguardia en la banda de Ornette Coleman y en otros lugares, incluida la influyente Orquesta de Música de la Liberación, volvió a un sonido más convencional influenciado por el bop con esta agrupación. Si bien el álbum puede no estar ampliando muchos límites estilísticamente, este formato hace poco para diluir las impresionantes actuaciones de Haden, y su amor por este material se hace obvio con sus intrincados arreglos, especialmente en las dos melodías de Ornette Coleman, “The Good Life” y “The Blessing”. Tal vez lo más destacado del álbum, sin embargo, es una versión del “Passport” de Charlie Parker que reúne a toda la banda en una exuberante expresión de energía.

JEROME SABBAGH “STAND UP!”

- New York, November 7, 2024

Lone Jack (for Ray Charles and Pete Rende), Lunar cycle (for Sam Rivers), Unbowed (for Kenny Barron)

Jerome Sabbagh (ts,comp) Ben Monder (g) Joe Martin (b) Nasheet Waits (d)

El saxofonista francés radicado en Nueva York Jérôme Sabbagh vuelve a reunir a su cuarteto estable por primera vez en más de una década. Acompañado por el guitarrista Ben Monder, el contrabajista Joe Martin y el baterista Nasheet Waits —quien reemplaza a Ted Poor—, Sabbagh entrega un versátil álbum de postbop dedicado a sus primeros maestros. Cada una de las ocho composiciones originales es un homenaje personal a quienes marcaron su camino musical.

El resplandor casi etéreo de “Lone Jack”, dedicado a Ray Charles, evoca la música de raíces estadounidenses con un aire entre blues y country que suena a la vez terrenal y moderno. El solo sinuoso de Monder, las líneas melódicas y radiantes del saxo de Sabbagh y el impulso del ritmo abierto en el hihat de Nasheet conducen la pieza con elegancia y propósito. “Lunar Cycle”, inspirada en “Cyclic Episode” de Sam Rivers (Fuchsia Swing Song, 1965), irradia energía postbop. El tema, tocado al unísono con Monder, abre paso a solos intensos y deja espacio a Waits para aportar un vibrante contrapunto rítmico.

SHEILA JORDAN “PORTRAIT OF SHEILA”

- Englewood Cliffs, N.J., September 19 & October 12, 1962

Falling in love with love, If you could see me now, Am I blue ?, Dat dere (bg,db out), When the world was young Sheila Jordan (vcl) acc by Barry Galbraith (g) Steve Swallow (b) Denzil Best (d)

Sheila Jordan – Discípula de Lennie Tristano y exesposa del pianista Duke Jordan, Sheila había llegado a Nueva York en los cincuenta, donde absorbió la esencia del bebop. Sin embargo, su originalidad jugó en su contra: tras este álbum histórico, pasaría más de diez años sin grabar. En los setenta trabajó con Carla Bley, Roswell Rudd y Steve Kuhn, y a partir de los ochenta consolidó su merecido reconocimiento como una de las voces más creativas y personales del jazz moderno.

Portrait of Sheila, el debut de Sheila Jordan fue uno de los pocos discos vocales publicados por Blue Note durante la gestión de Alfred Lion, y sigue siendo una joya única del sello. Acompañada por Barry Galbraith en guitarra, Steve Swallow en contrabajo y Denzil Best en batería, Jordan despliega una voz pequeña pero intensamente expresiva, capaz de combinar elegancia, swing y riesgo. Sus versiones de “Hum Drum Blues”, “Baltimore Oriole”, “Dat Dere” o “I’m a Fool to Want You” revelan una cantante distinta: fresca, introspectiva y con una afinación impecable.

La reciente edición de Tone Poet Vinyl que vamos a escuchar fue masterizada a partir de las cintas maestras analógicas originales.

MARIO PAVONE “DANCERS TALES”

- New York, February 23, 1996

Dancers tales, Lunch with Julius (for Julius Hemphill), Alberta clipper

Peter McEachern (tb) Marty Ehrlich (as,cl) Thomas Chapin (as,bar,fl,saxno reed) Peter Madsen (p) Mario Pavone (b) Steve Johns (d)

Dancers tales es un disco desafiante pero acogedor del contrabajista Mario Pavone, con un elenco excepcional: Thomas Chapin y Marty Ehrlich en cañas, Peter McEachern en trombón, Peter Madsen al piano y Steve Johns en batería. Pavone despliega una escritura amplia y cambiante, que va del bop enérgico a la oscuridad más abstracta.

Su álbum Dancers tales se distingue por la riqueza de los arreglos de Chapin, Ehrlich y McEachern— que extraen combinaciones sonoras inesperadas. En el tema que le da título al disco, Chapin abre con un pasaje intrincado de cuatro partes, y el uso de barítono y clarinete aporta una textura insólita. Ehrlich, por su parte, convierte “Roma” en una exploración de registros graves, mientras McEachern introduce “Recovery” con un aire casi barroco. Con Madsen brillante al piano y un grupo totalmente compenetrado, el disco irradia frescura, riesgo y una inusual intensidad colectiva.

BILLIE HOLIDAY “EDDIE HEYWOOD AND HIS ORCHESTRA”

- New York, March 25 & April 8, 1944

How am I to know ?, My old flame, I Cover the Waterfront

BILLIE HOLIDAY “SY OLIVER AND HIS ORCHESTRA”

- New York, September 8, 1949

Do your duty, Gimme a pigfoot

BILLIE HOLIDAY LOUIS ARMSTRONG/BILLIE HOLIDAY WITH SY OLIVER’S ORCHESTRA”

- New York, September 30, 1949

You can’t lose a broken heart (la,bh vcl)

BILLIE HOLIDAY “JAZZ AT THE PHILHARMONIC CONCERT CARNEGIE HALL”

- New York, June 3, 1946

The man I love, Gee baby, ain’t I good to you ?

BILLIE HOLIDAY “MONTEREY JAZZ FESTIVAL”

- Monterey, CA, October 5, 1958

Willow, weep for me, When your lover has gone, God bless the child (1)

BILLIE HOLIDAY “LADY IN SATIN RAY ELLIS AND HIS ORCHESTRA”

- New York, February 19, 1958 I’m a Fool to Want You, For Heaven’s Sake

BILLIE HOLIDAY “THE LAST RECORDINGS” RAY ELLIS AND HIS ORCHESTRA

- New York, March 11, 1959

Baby, won’t you please come home ?, Don’t Worry About Me

Billie trabajó en la calle Fifty-second en los años cuarenta. En 1947, fue arrestada por posesión de drogas, y su vida comenzó a ir cuesta abajo. Pasó nueve meses en el reformatorio federal de mujeres en Alderson, Virginia Occidental. La policía de Nueva York revocó su tarjeta de cabaret, y nunca más pudo trabajar legalmente en un club nocturno de Nueva York. (Sin una tarjeta de cabaret, los artistas no podían aparecer en ningún lugar donde se vendiera licor. Una práctica arcaica hasta finales de los sesenta, cuando finalmente terminó.)

También en los años cuarenta, la voz de Billie Holday adquirió un tono más profundo y cargado de emoción; sus frases se alargaban con notas finales casi agonizantes, y aquella ligereza juguetona de sus primeros años dio paso a una expresividad más trágica. Aunque perdió parte de su agilidad rítmica, su dominio vocal seguía siendo inigualable.

COMMODORE RECORDS

Para las sesiones para Commodore Records de 1944, Billie estaba en la cima de su carrera; se había convertido en toda una estilista. Todo estaba cuidadosamente elaborado. Los acompañamientos de la pequeña y estilizada banda de Eddie Heywood no contenían improvisaciones.

Aun así, es valioso contar con estas tomas ya que Billie nunca volvería a tener un control tan perfecto de sus recursos vocales, y la calidad de la grabación es excelente. Además, eran canciones que Billie adoraba cantar, y está claro que se propuso dar lo mejor de sí.

THE COMPLETE DECCA RECORDINGS

Billie Holiday es escuchada en su mejor momento durante su período en Decca, Lady Day fue acompañada por grandes orquestas de estudio, por lo que los solos de jazz de sus compañeros son pocos. Pero su voz estaba en su punto más fuerte durante la década de 1940 (incluso con sus problemas personales)

FESTIVAL DE JAZZ DE MONTEREY

En 1958 Billie Holiday apareció en el primer Festival de Jazz de Monterey, pero lamentablemente durante su concierto en vivo a menudo suena un poco fuera de lugar. Acompañada por el Trío Mal Waldron (y en los números finales el baritonista Gerry Mulligan, el alto Benny Carter y el clarinetista Buddy DeFranco), Lady Day lucha durante el set de media hora, interpretando viejos favoritos, pero a menudo sonando bastante débil. Los resultados, como se escucha en este LP (grabado nueve meses antes de su muerte), son históricos, pero a menudo bastante tristes.

LADY IN SATIN

Fue el penúltimo álbum de Billie Holiday, grabado cuando su cuerpo le decía que ya era suficiente. Durante las sesiones con el arreglista Ray Ellis, ella estaba bebiendo vodka puro, como si fuera agua del grifo. A pesar de su voz devastada (la dulzura se había ido hacía mucho tiempo), todavía era una cantante increíble. El sentimiento y la tensión que logra poner en casi todas las canciones han establecido este álbum como uno de sus mejores logros. “You’ve Changed” y “I Get Along Without You Very Well” son actuaciones artísticas de alto nivel del cantante que vio la vida de abajo hacia arriba.

BILLIE HOLIDAY LAST RECORDING

Tras el éxito de *Lady in Satin* (1958), Billie Holiday quiso grabar otro disco con el arreglista Ray Ellis. Como él había pasado de Columbia a MGM, ella también cambió de sello. En marzo de 1959 volvió al estudio; según el crítico Leonard Feather, apareció “erguida y elegante como siempre”. Aunque su salud estaba muy deteriorada, Billie buscaba un sonido más ligero y jazzístico que en su anterior trabajo: menos cuerdas, sin coro y con más vientos. Temas como “All of You”, “’Deed I Do” y “Baby Won’t You Please Come Home” reflejan un tono más alegre y relajado. Durante las sesiones su aspecto ya era frágil, casi fantasmal. En “There’ll Be Some Changes Made” cambió el nombre de Jack Benny por el de Frank Sinatra, su amigo. El álbum se completó el 11 de marzo de 1959; cuatro días después murió Lester Young. Billie lo seguiría cuatro meses más tarde, el 17 de julio, con apenas 44 años.

BILLIE HOLIDAY “BENNY GOODMAN AND HIS ORCHESTRA”

- New York, November 27, 1933 Your mother’s son-in-law, Riffin’ the scotch

Charlie Teagarden, Shirley Clay (tp) Jack Teagarden (tb,vcl) Benny Goodman (cl) Art Karle (ts) Joe Sullivan (p) Dick McDonough (g) Artie Bernstein (b) Gene Krupa (d) Arthur Schutt (arr) Billie Holiday (vcl)

BILLIE HOLIDAY “TEDDY WILSON AND HIS ORCHESTRA”

- New York, July 2, 1935 I wished on the moon, What a little moonlight can do, Miss Brown to you

Roy Eldridge (tp) Benny Goodman (cl) Ben Webster (ts) Teddy Wilson (p) John Trueheart (g) John Kirby (b) Cozy Cole (d) Billie Holiday (vcl)

BILLIE HOLIDAY “AND HER ORCHESTRA”

- New York, June 15, 1937 Me, myself and I, A sailboat in the moonlight, Born to love, Without your love

Buck Clayton (tp) Edmond Hall (cl) Lester Young (ts) James Sherman (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Billie Holiday (vcl)

BILLIE HOLIDAY “AND HER ORCHESTRA”

- New York, September 13, 1937 Getting some fun out of life, Who wants love ?, Travellin’ all alone

Buck Clayton (tp) Buster Bailey (cl) Lester Young (ts) Claude Thornhill (p) Freddie Green (g) Walter Page (b) Jo Jones (d) Billie Holiday (vcl)

BILLIE HOLIDAY “AND HER ORCHESTRA”

- New York, April 20, 1939 Strange fruit, Fine and mellow, I gotta right to sing the blues

Frankie Newton (tp) Tab Smith (as,ss) Kenneth Hollon, Stanley Payne (ts) Sonny White (p) Jimmy McLin (g) Johnny Williams (b) Eddie Dougherty (d) Billie Holiday (vcl)

Billie Holiday fue la primera gran cantante de jazz capaz de conmover al público con la intensidad emocional del blues. Antes de ella, los cantantes de jazz y pop solían limitarse a interpretar canciones de Tin Pan Alley sin hacerlas propias. Inspirada en Bessie Smith y Louis Armstrong, Billie transformó esa tradición con un estilo único, íntimo y profundamente expresivo. Su manera de frasear, jugando con el ritmo y el tono como si fuera un instrumento de viento, cambió para siempre la forma de cantar en la música popula

Nacida en Baltimore en 1915 tuvo una infancia difícil y una juventud marcada por la pobreza. Se mudó a Nueva York con su madre y comenzó a cantar en clubes a comienzos de los años treinta. El productor John Hammond descubrió su talento y la grabó con Benny Goodman en 1933.

Lester Young

La relación entre Billie Holiday y Lester Young es una de las más conmovedoras del jazz. Se conocieron a mediados de los años 30 en la orquesta de Count Basie y de inmediato surgió una conexión única, basada en una sensibilidad común y un entendimiento profundo del tiempo y la emoción musical. Billie, con su canto íntimo y conversacional, y Lester, con su saxofón de sonido fluido y melódico, parecían hablar el mismo idioma. Ambos compartían un fraseo relajado, desplazado, casi suspendido sobre el compás. Holiday aprendió de Young a estirar y comprimir las melodías, mientras él adoptó de ella el arte de narrar con ternura. De esa complicidad nacieron grabaciones memorables y un diálogo musical que, hasta el final, mantuvo la

Strange fruit

En 1939, Billie Holiday debutó en el club Café Society de Nueva York, un espacio integrado y progresista en pleno Greenwich Village. Allí presentó por primera vez “Strange Fruit”, una canción estremecedora sobre los linchamientos en el sur de Estados Unidos. Su interpretación, dejó al público en silencio. “Strange Fruit”, fue grabada para el sello Commodore, porque su sello Columbia la rehusó.

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EDDIE CHAMBLEE “CHAMBLEE MUSIC”

- New York, October, 1957

Chamblee special, At your beck and call, And the angels sing, Whisper not

Johnny Coles (tp) Julian Priester (tb) Eddie Chamblee (ts) Charles Davis (bar) Jack Wilson (p) Richard Evans (b) Charlie Persip (d)

Este álbum reúne dos sesiones que el saxo tenor Eddie Chamblee grabó en Chicago en 1957 y 1958 con un septeto de primer nivel, el mismo que había acompañado en algunas grabaciones a su esposa la cantante Dinah Washington. Lejos de ser simples sesiones de improvisación, las piezas muestran arreglos precisos, llenos de energía y swing.

En ellas, Chamblee despliega sus tres facetas: saxofonista de sonido potente y expresivo, compositor inspirado y excelente arreglista. Lo acompañan músicos experimentados como Joe Newman, Johnny Coles, Julian Priester, Charlie Davis, Jack Wilson y Richard Evans, con Osie Johnson o Charli Persip en la batería.

El resultado refleja lo mejor de Chamblee en un formato pequeño, el que más favorecía su estilo directo y rítmico, aunque a veces su entusiasmo lo lleve a tocar con un fraseo algo entrecortado o demasiado insistente. Pese a ello, el conjunto mantiene un notable equilibrio entre precisión, energía y swing.

DUKE JORDAN “FLIGHT TO JORDAN”

- Englewood Cliffs, NJ, August 4, 1960

Flight To Jordan, Starbrite, Squawkin’ , Squawkin’, Split quick

Dizzy Reece (tp) Stanley Turrentine (ts) Duke Jordan (p) Reggie Workman (b) Art Taylor (d)

El pianista Duke Jordan grabó en 1961 Flight to Jordan, un álbum que merece figurar entre los grandes títulos del hard bop editados por Blue Note. Sorprende que Jordan no llegara a ocupar un lugar más destacado entre los pianistas y compositores del sello, sobre todo si se considera su sólida trayectoria previa como acompañante y solista.

Jordan fue uno de los pianistas más notables de los primeros años del bebop. Participó en varias grabaciones de Charlie Parker para los sellos Dial y Savoy, además de tocar regularmente con el trompetista Roy Eldridge. También grabó para Prestige junto al quinteto de Gene Ammons y Sonny Stitt, y colaboró con Stan Getz en los inicios de los años cincuenta.

Flight to Jordan incluye seis de sus composiciones originales y abre con el tema que da título al disco, una pieza que él ya había registrado en 1955 para Savoy. Con Dizzy Reece en trompeta y Stanley Turrentine en saxo tenor, el grupo conforma un frente poderoso que aporta un pulso soul y una energía contagiosa a los temas más dinámicos.

RICHIE VITALE “SLOW GROOVE”

- ca 2022 Meet You There!, Malala

Richie Vitale (t/flisc) Frank Basile (bari) Steve Ash (p) Paul Gill (b) Pete Van Nostrand (dr)

Trompetista, corneta y ocasional entusiasta del flugelhorn, Richie Vitale ha sido solista de la Vanguard Orchestra, la Toshiko Akiyoshi Big Band, la Count Basie Band y la Duke Ellington Band, además de participar en el octeto de Chris Byars y colaborar con Frank Wess.

En el álbum Slow Grow de 2022, Vitale continúa su camino como líder del quinteto que habitualmente lo acompaña en los escenarios neoyorquinos, con la destacada presencia del saxo barítono Frank Basile. La combinación de trompeta y saxo barítono despierta inevitables recuerdos: el diálogo entre ambos instrumentos es potente, directo y lleno de carácter.

El fraseo de Vitale es metálico y preciso, y encuentra en Basile un contrapunto perfecto, lleno de energía e inspiración (como en Meet You There!). Se trata de un disco plenamente bop, donde el virtuosismo y la intensidad no excluyen momentos más líricos, como en la interpretación de Theme for Ernie, en la que el flugelhorn aporta un tono cálido y contemplativo.

Respaldado por una sección rítmica sólida, el quinteto ofrece un repertorio vibrante que evoca el pulso nocturno del jazz neoyorquino.

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HAROLD ASHBY “SCUFFLIN’”

- Paris, May 17, 1978

Scufflin’, When Sunny gets blue, Stealin’

Booty Wood (tb) Harold Ashby (ts) Raymond Fol (p) Aaron Bell (b) Sam Woodyard (d)

Salvo por un disco poco conocido grabado en 1959 para el sello Masters of Jazz, este fue el debut de Harold Ashby como líder. El subestimado saxofonista tenor —uno de los mejores solistas de Duke Ellington en su última década— se reunió aquí con tres antiguos miembros de las bandas de Ellington: el trombonista Booty Wood, el bajista Aaron Bell y el baterista Sam Woodyard, además del pianista Raymond Fol.

En la reediciopn en CD, el programa original de seis composiciones de Ashby, se amplía con una nueva toma alternativa de “Scufflin’” y una versión inédita de “When Sunny Gets Blue”. El cálido sonido del tenor de Ashby brilla tanto en las baladas suaves como en los temas más enérgicos, combinándose perfectamente con el colorido trombón de Wood en un conjunto de swing clásico de gran nivel.

CLAUDE THORNHILL AND HIS ORCHESTRA “ASSOCIATED TRANSCRIPTIONS”

- New York, 1947 Robbins’ nest, Early Autumn, Snowfall, The Happy Stranger, For Heaven’s Sake, Lover Man

Ed Zandy, Louis Mucci, Paul Cohen, TRed Rodney (tp) Tak Takvorian, Allan Langstaff, John Torick (tb) Walt Weschler, Sandy Siegelstein (fhr) Bill Barber (tu) Danny Polo, Lee Konitz (cl,as) Mickey Folus (b-cl,ts) Babe Fresk (cl,ts) Billy Bushey (cl,b-cl,bar) Claude Thornhill (p,arr) Barry Galbraith (g) Joe Shulman (b) Billy Exiner (d) Fran Warren, Gene Williams (vcl) Bill Borden, Gerry Mulligan, Eddie Herzog, Gil Evans (arr)

En las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial y al declive de la era del swing, muchos críticos y aficionados al jazz se preguntaban si las big bands volverían alguna vez. Hoy, la idea de una gran orquesta ha vuelto a ponerse de moda, con jóvenes compositores y arregladores que reinventan el formato y lo adaptan a los sonidos actuales. Uno de los directores que dejó una huella profunda —hace ya más de 70 años— fue Claude Thornhill.

La big band de Thornhill en los años cuarenta ayudó a dar forma al sonido del jazz moderno. Su mezcla de bop orquestal y baladas etéreas con influencias clásicas preparó el terreno para obras maestras de Miles Davis e inspiró el movimiento del “cool jazz” de la Costa Oeste en los años cincuenta. Junto a su colaborador Gil Evans, Thornhill creó una música refinada y llena de color, que con el tiempo sería reconocida en todo el mundo.

Las sesiones de 1947 de la big band de Thornhill ya dejan entrever el bebop desde el tema inicial, “Robbins’ Nest”, aunque se centran sobre todo en estándares del cancionero popular estadounidense. En ellas participan el joven arreglador Gil Evans, el saxofonista y clarinetista Lee Konitz y el trompetista Red Rodney, quien luego sería una figura clave del bop. El repertorio incluye también una pieza de Edvard Grieg, el clásico original de Thornhill “Snowfall” y una composición del misterioso clarinetista Danny Polo.

BUCK CLAYTON & BUDDY TATE KANSAS CITY NIGHTS”

- New York, September 15, 1961

Thou swell, Kansas City nights, High life, Blue ebony.

Buck Clayton (tp) Buddy Tate (ts) Sir Charles Thompson (p) Gene Ramey (b) Mousie Alexander (d)

Un excelente director de banda y acompañante de numerosas cantantes —entre ellas Billie Holiday—, el trompetista Buck Clayton fue un solista muy valorado en la orquesta de Count Basie durante las décadas de 1930 y 1940. Más tarde se convirtió en un reconocido músico de estudio y de jam sessions, además de compositor y arreglador. Su tono incisivo y su gran destreza melódica eran su sello distintivo. Clayton escribió varios arreglos para la orquesta de Basie y para muchos otros conjuntos.

Entre 1960 y 1961, se unió a otro veterano de Count Basie, el saxofonista tenor Buddy Tate, para grabar un par de discos junto al pianista Sir Charles Thompson, el bajista Gene Ramey y el baterista Mousie Alexander. El repertorio combina estándares con tres composiciones originales de Clayton. La música, siempre melódica, mantiene un swing constante y prácticamente define lo que se entiende por jazz “mainstream”.

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CHARLES TOLLIVER MUSIC INC. “LIVE “SLUGS”

- New York, May 1, 1970

Spanning, Wilpan’s

Charles Tolliver (tp) Stanley Cowell (p) Cecil McBee (b) Jimmy Hopps (d)

El álbum Live at Slugs’, Volúmenes I y II de Charles Tolliver con presentaciones históricas grabadas en vivo en 1970 en el mítico club Slugs’ de Nueva York, muestran la trompeta de Tolliver junto a un grupo de lujo construido en torno al núcleo de Tolliver, son el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Jimmy Hopps, la música cuenta con el tipo de toma y da nacido por igual de talento y telepatía: cada músico parece comunicarse con sus colegas en un plano superior, ofreciendo actuaciones que rivalizan con cualquiera en sus carreras. Tolliver en particular toca como un hombre poseído, evocando una energía y claridad que corta a través de los grandes y audaces arreglos.

La nueva edición, completamente re-masterizada, reúne por primera vez estos dos álbumes clásicos en formato CD, y en vinilo de 180 gramos. La versión digital incluye además tres temas inéditos, con más de 40 minutos de música nunca antes publicada.

RONI BENHUR “THE ABRAXAS SESSIONS, VOL. 2”

- Lanzamiento 2024

Sofia’s Butterfly, It Was Written In The Stars, Anna’s Dance

Roni BenHur (g) Martin Gjakonovski (b) Vladimir Kostadinovic (dr)

El guitarrista Roni BenHur se ha ganado una gran reputación como músico y educador, reconocido por su sonido cálido, su brillante capacidad para improvisar, su sentido melódico como compositor y su carisma tanto con colegas como con alumnos y público.

Nacido en Israel en 1962 y residente desde hace años en Nueva York, BenHur ha grabado más de una docena de discos como líder o colíder. Su dominio abarca tanto el jazz tradicional como el samba y la bossa nova, algo que ha desarrollado trabajando con grandes figuras de ambos mundos: desde el legendario pianista Barry Harris y el saxofonista Frank Wess, hasta la querida cantante brasileña Leny Andrade y el compositor Marcos Valle.

JON BOUTELLIER ON THE BOTH SIDES OF THE ATLANTIC !”

- Meudon, France, December 11 & 12, 2019

Save that time (ck vcl,1,2), Nice & nasty, Blues on the corner (1,2)

JeanPaul Estievenart (tp1) Jon Boutellier (ts) Kirk Lightsey (p2) Alexander Claffy (b) Kyle Poole (d) Celia Kameni (vcl)

Jon Boutellier forma parte, junto a Fred Nardin, David Enhco y Bastien Ballaz, de una generación de jóvenes músicos franceses que han cumplido con creces las expectativas que se depositaron en ellos hace algunos años. Juntos fundaron la Amazing Keystone Big Band, que obtuvo en 2013 el Premio del Disco de la Academia Francesa de Jazz.

Fue en el Duc des Lombards, donde Boutellier, entonces maestro de ceremonias de las jam sessions de los sábados por la noche, conoció en 2014 al contrabajista Alexandre Claffy, discípulo de Ron Carter, y al trompetista belga JeanPaul Estiévenart, ambos presentes en este álbum junto al baterista Kyle Poole y dos invitados de lujo: la cantante Célia Kaméni y el pianista Kirk Lightsey, a quien los años parecen no afectar.

Estos excelentes músicos, provenientes de distintos horizontes, tal como sugiere el título del disco, conforman un grupo compacto que aborda un repertorio ecléctico seleccionado por el propio Boutellier, cuyas cualidades como arreglista destacan a lo largo del álbum.

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DONNY MCCASLIN “LULLABY FOR THE LOST”

Brooklyn, NY, December 18 & 19, 2024 & Los Angeles, January 2025:

- Blond crush (1), Lullaby for the lost (jl out)

Donny McCaslin (ts) Jason Lindner (p,elp,synt) Ben Monder (g1) Tim Lefebvre (elg,synt) Jonathan Maron (elb) Nate Wood (d)

- Stately (tl out,1)

Donny McCaslin (ts) Jason Lindner (p,elp,synt) Ben Monder (g1) Tim Lefebvre (elg,synt) Jonathan Maron (elb) Nate Wood (d)

En Lullaby for the Lost (Edition Records), el saxofonista Donny McCaslin mezcla la energía del rock con su espíritu jazzístico, inspirándose en Neil Young y en la idea de la esperanza que resiste al cambio. El álbum fue recibido con opiniones variadas por la crítica, pero muchos coinciden en que refleja uno de los momentos más intensos de su carrera. Temas como “Blond Crush” muestran su capacidad para unir fuerza y lirismo en un mismo gesto sonoro.

El número también destaca al veterano Gary Bartz, quien en Damage Control busca serenidad reinterpretando clásicos de los años setenta como “Fantasy” de Earth, Wind & Fire o “You Bring Me Joy” de Anita Baker. A sus 85 años, Bartz aparece por primera vez en la portada de DownBeat.

Finalmente, el grupo Cha Wa celebra los 20 años del huracán Katrina con su característico sonido festivo de Nueva Orleans, recordando que la música, incluso en tiempos difíciles, sigue siendo fuente de consuelo y celebración.

SAM RIVERS “A NEW CONCEPTION”

Englewood Cliffs, N.J., October 11, 1966

That’s all (2), I’ll never smile again (2,3), What a diff’rence a day made

Sam Rivers (fl1,sop2,ts3) Hal Galper (p) Herbie Lewis (b) Steve Ellington (d)

El álbum A New Conception muestra la creatividad con que Sam Rivers reinterpretó los estándares del jazz. Temas tan conocidos como “When I Fall in Love” o “That’s All” adquieren nueva vida gracias a su enfoque moderno y libre. Sin perder el respeto por las melodías originales, Rivers las transforma con sutileza, introduciendo armonías disonantes, variaciones melódicas y secciones de improvisación que amplían su alcance.

Acompañado por Hal Galper al piano, Herbie Lewis en contrabajo y Steve Ellington en batería, Rivers logra un equilibrio entre lo tradicional y lo experimental. Cada pieza avanza desde la familiaridad hacia terrenos más aventurados, manteniendo siempre una conexión con el oyente. El resultado es un disco desafiante pero accesible, que reafirma el enorme talento —y la escasa valoración— de uno de los músicos más innovadores del jazz moderno.

MIKE OSBORNE / STAN TRACEY ‘ORIGINAL’

“Original” Concert, Surrey Hall Stockwell, UK, April, 1972

Original (pt 2)

Mike Osborne (as) Stan Tracey (p)

A comienzos de los años setenta, la escena del jazz londinense vivía un momento de efervescencia creativa. Clubes como el 100 Club, el Swan o el Greenwich Theatre reunían a los músicos más inquietos del momento. Entre ellos destacaban el pianista Stan Tracey y el saxofonista Mike Osborne, cuya colaboración dio forma a una de las alianzas más inspiradas del jazz británico. Sus presentaciones en dúo o en cuarteto mostraban una química musical intensa, marcada por la improvisación y la búsqueda constante.

De ese espíritu nació Original, grabado en abril de 1972 en Surrey Hall. Tracey, figura consolidada pero dispuesto a explorar nuevos caminos, y Osborne, considerado el mejor alto de su generación, crearon una obra de riesgo y libertad. El disco, segundo lanzamiento del sello Cadillac Records, conserva la energía vibrante de una época en que el jazz británico se reinventaba. La nueva edición re-masterizada revive aquel momento de audacia y creatividad que sigue inspirando medio siglo después.

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QUEST “QUEST”

- New York, December 28 & 29, 1981

Dr. Heckle and Mr. Jibe [Trio], Wisteria, Softly, as in a morning sunrise

David Liebman (sop) Richie Beirach (p) George Mraz (b) Al Foster (d)

Quest es el nombre del álbum y del cuarteto liderado por el saxofonista Dave Liebman, acompañado por Richie Beirach en piano, George Mraz en contrabajo y Al Foster en batería. Esta grabación, originalmente editada en vinilo por el sello Palo Alto, fue reeditada en CD.

El disco incluye “Dr. Jekyll and Mr. Hyde”, una composición de Foster dedicada a Miles Davis, que no imita su estilo, pero crece con fuerza y emoción, destacando el saxo soprano de Liebman. “Wisteria”, escrita por Mraz, es una balada inolvidable, mientras que en “Softly, as in a Morning Sunrise” Liebman muestra toda su energía.

Quest es un excelente ejemplo del postbop moderno: música intensa, creativa y muy bien interpretada por cuatro músicos en plena forma.

JOHN O’GALLAGHER “ANCESTRAL”

- Montclair, NJ, January, 2024

Under the wire, Altar of the ancestors

John O’Gallagher (as) Ben Monder (g) Andrew Cyrille, Billy Hart (d)

Ancestral representa una transformación profunda para el saxofonista John O’Gallagher. Desp[ués de años, dejó Brooklyn y se trasladó al Reino Unido y luego a Lisboa, Portugal. Ese cambio de vida, junto con sus estudios, marcó una nueva etapa creativa. Ancestral combina experiencia, reflexión y una energía renovada. En este álbum, grabado en 2024, O’Gallagher deja atrás su etapa anterior para abrir un nuevo camino. El proyecto se inspiró en parte en su doctorado sobre la música de John Coltrane, lo con el guitarrista Ben Monder, además de presentar la primera colaboración grabada entre los legendarios bateristas Andrew Cyrille y Billy Hart.

O’Gallagher explica que su investigación mostró que la música libre de Coltrane no era tan “libre” como muchos creen: detrás había una estructura y una organización muy pensadas. Ese descubrimiento le permitió explorar formas más naturales de libertad dentro de su propio lenguaje musical.

THE BRECKER BROTHERS “RETURN OF THE BRECKER BROTHERS”

- New York, AprilAugust 1992 King of the lobby, Sozinho , Spherical

Randy Brecker (Tp,Flhrn,Vcl) David Sanborn (As) Michael Brecker (Ts,Keyboards,Ewi) Max Risenhoover (Synt,D,B,Perc) Mike Stern (Elg) James Genus (B,Elb) Dennis Chambers (D) Don Alias, (Perc) y más.

El trompetista y compositor Randy Brecker ha sido una figura clave en el sonido del jazz, el R&B y el rock durante más de cincuenta años. Su trompeta y fliscorno se escuchan en cientos de discos de artistas tan variados como James Taylor, Bruce Springsteen, Frank Sinatra, Steely Dan, Jaco Pastorius y Frank Zappa.

Nacido en 1945 en Filadelfia, en una familia musical, Brecker mostró talento desde niño. En Nueva York tocó con grandes orquestas como las de Clark Terry, Duke Pearson y Thad Jones–Mel Lewis. En 1967 incursionó en el jazzrock con Blood, Sweat and Tears, pero pronto se unió al quinteto de Horace Silver y luego a los Jazz Messengers de Art Blakey.

Con su hermano Michael formó el influyente grupo Dreams, y más tarde los legendarios Brecker Brothers, que lanzaron seis discos y recibieron siete nominaciones al Grammy. En 1992, tras una década separados, los hermanos se reunieron para una gira mundial y el álbum The Return of the Brecker Brothers, también nominado a tres Grammys.

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CONRAD HERWIG/IGOR BUTMAN “REFLECTIONS”

- Brooklyn, NY, October 25, 2015

Reflections, Big O’s blues

Alex Sipiagin (tp,flhrn) Conrad Herwig (tb) Igor Butman (ts) David Kikoski (p) Kenny Davis (b) Jeff “Tain” Watts (d)

En Reflections, el trombonista Conrad Herwig y el saxofonista ruso Igor Butman comparten liderazgo en un sexteto de lujo que interpreta ocho composiciones originales —seis de Herwig y dos de Butman—. Completan la formación el trompetista Alex Sipiagin, el pianista David Kikoski, el bajista Kenny Davis y el baterista Jeff “Tain” Watts, todos nombres de primera línea.

En este álbum Herwig confirma su posición como uno de los trombonistas más completos de su generación: por su sonido, gran sentido rítmico y una imaginación armónica siempre en movimiento. Butman, figura clave del jazz en Rusia y director de la Moscow State Jazz Orchestra, aporta una energía contagiosa y un tono robusto y expresivo, con ecos de Joe Henderson.

La compenetración entre los tres metales es sobresaliente, al igual que la solidez y creatividad del trío rítmico. Entre los momentos destacados figuran la balada que da título al disco —un hermoso tango moderno con un solo magistral de Butman.

FILIPE MELO “DEBUT”

- Lisbon, February 13, 2004

Debut, I got rhythm, Pensativa, That old feeling

Filipe Melo (p) Bruno Santos (g) Bernardo Moreira (b)

“Debut”, el primer álbum del pianista Filipe Melo, acompañado por el guitarrista Bruno Santos y el contrabajista Bernardo Moreira. El trío sin batería, una formación exigente y transparente, permite apreciar la musicalidad, el equilibrio y la complicidad entre los tres.

El repertorio combina estándares y composiciones de Stevie Wonder, Clare Fischer, Bud Powell, Wes Montgomery, Quincy Jones y Gershwin, junto con un blues original de Melo. Sin prejuicios estilísticos, el pianista aborda el jazz con frescura y una voz propia, evidente en sus arreglos, su fraseo y la claridad de su discurso.

Debut destaca por la solidez de sus arreglos, el gusto en las rearmonizaciones y el sentido del tiempo compartido por el grupo.

RASHIE ALI’S PRIMA MATERIA “PEACE ON EARTH (MUSIC OF JOHN COLTRANE)”

- New York, 1994

India

Allan Chase (sop,as) John Zorn (as1) Louie Belogenis (ts) Joe Gallant, William Parker (b) Rashied Ali (d)

Rashied Ali fue uno de los grandes innovadores de la batería en el jazz moderno. Discípulo de Philly Joe Jones y admirador de Art Blakey, desarrolló un lenguaje propio basado en ritmos multidireccionales y percusión politonal, liberando al baterista del papel de simple marcador del tiempo. Su enfoque integraba ritmo, melodía y color, convirtiendo la batería en una voz igual dentro del conjunto. Lo que en los sesenta se consideraba radical, hoy es un sello distintivo del jazz contemporáneo.

En Peace on Earth, Ali rinde homenaje a John Coltrane junto a William Parker y Joe Gallant en contrabajos, Louie Belogenis en el tenor, Allan Chase en saxos soprano y alto, y John Zorn en alto como invitado. El repertorio se centra en la etapa más libre de Coltrane, con versiones extensas de sus composiciones.

ROXY COSS “DISPARATE PARTS”

- Paramus, NJ, c. 2021 February (take 3), Part I The body, Part II The mind, Part III The heart

Roxy Coss (ts,sop) Miki Yamanaka (p,keyboards) Alex Wintz (g) Rick Rosato (b) Jimmy Macbride (d)

El sonido brillante y punzante de la saxofonista Roxy Coss, junto con su energía creativa sin límites, la han convertido en una de las figuras más destacadas de la nueva generación del jazz. Su estilo no conoce fronteras: mezcla y cruza estilos con total naturalidad, sin pedir disculpas por ello. En Disparate Parts, su nuevo álbum, ofrece catorce temas llenos de fuerza y vitalidad.

Coss lidera nuevamente a su grupo habitual —Alex Wintz en guitarra, Miki Yamanaka en piano y teclados, Rick Rosato en bajo y Jimmy Macbride en batería—, una banda que suena compacta, poderosa y muy libre.

Grabó este disco cuando estaba embarazada de siete meses, y se nota una energía especial desde el comienzo con “February (Take 3)”, que da paso a “The Body”, una pieza intensa y explosiva. En el tema principal, Coss brilla con un solo lleno de carácter, abriendo espacio para la guitarra de Wintz y los toques luminosos de Rhodes de Yamanaka, que tiene un papel especialmente destacado en este set.

SULLIVAN FORTNER “SOUTHERN NIGHTS” - LIVE “VILLAGE VANGUARD”

- New York, July, 2023 Southern nights, 9 bar tune, Organ grinder

Sullivan Fortner (p) Peter Washington (b) Marcus Gilmore (d)

El pianista Sullivan Fortner grabó Southern Nights en vivo en el legendario Village Vanguard de Nueva York, junto al bajista Peter Washington y el baterista Marcus Gilmore. Lo hicieron sin ensayos previos ni segundas tomas: todo lo que se escucha fue capturado tal cual, en el momento. El resultado es un disco lleno de vida, espontaneidad y una conexión casi telepática entre los tres músicos.

El álbum abre con “Southern Nights”, una composición de Allen Toussaint que rinde homenaje a las raíces de Fortner en Nueva Orleans. La interpreta con cariño, pero enseguida le da un giro con nuevos acordes y ritmos juguetones. El bajo profundo de Washington y el toque preciso de Gilmore crean una atmósfera cálida, casi nocturna, que invita a sumergirse en el universo musical de Fortner.

TERELL STAFFORD “THIS SIDE OF STRAYHORN”

- Brooklyn, NY, May 17 & 18, 2010

Day dream (tw,pw,dh out,2), Lush life (tw out,2), Johnny come lately (1,3)

Terell Stafford (tp1,flhrn2) Tim Warfield (ts1,sop3) Bruce Barth (p) Peter Washington (b) Dana Hall (d)

El trompetista Terell Stafford rinde homenaje a Billy Strayhorn, el gran colaborador de Duke Ellington, con un disco que imagina cómo sonaría su música si Strayhorn hubiera compuesto para un pequeño grupo de jazz del siglo XXI.

En este proyecto, producido por John Clayton, Stafford se rodea de músicos de primera: Tim Warfield (saxo), Bruce Barth (piano), Peter Washington (bajo) y Dana Hall (batería). En lugar de centrarse en los temas más famosos, elige piezas menos conocidas de Strayhorn —no hay “Take the ‘A’ Train” aquí— y deja que Barth las reorganice con sutileza.

El resultado es una música elegante, con mucho espacio para el diálogo entre trompeta y piano. La balada “Day Dream” brilla por su intimidad, mientras que temas como “My Little Brown Book”, “Multicolored Blue” y “Raincheck” muestran el talento del grupo en su máxima expresión. En “Lush Life”, el único clásico ampliamente conocido, Stafford demuestra su sensibilidad y respeto por el legado de Strayhorn, ofreciendo una lectura fresca y profundamente emocional.

LINA ALLEMANO “THE DIPTYCHS”

- Toronto on August 1 & 2, 2024

Positive, Coalesce, Scrambled

Lina Allemano (t), Brodie West (sa) Andrew Downin (b) Nick Fraser (dr)

-

Lina Allemano es una trompetista, compositora, improvisadora y líder de banda canadiense con una destacada trayectoria internacional en el jazz, la improvisación y la música experimental. Divide su tiempo entre Berlín y Toronto, y es reconocida como una de las trompetistas más innovadoras de la actualidad. Fue nominada al German Jazz Prize 2025 en la categoría de instrumentos de viento-metal y ha sido incluida tres años consecutivos en la encuesta anual de críticos internacionales de DownBeat Magazine como Rising Star Trumpet y su grupo Lina Allemano Four también ha sido destacado cuatro años seguidos como Rising Star Jazz Group.

El 1 de noviembre de 2025, coincidiendo con el vigésimo aniversario de la banda, Lina Allemano Four lanzó su nuevo álbum The Diptychs. El disco reúne seis composiciones seriadas escritas por Allemano, organizadas en tres pares o “dípticos”. Como en las artes visuales, cada par de piezas está concebido para escucharse en conjunto, estableciendo un diálogo interno en el que una obra complementa y refleja a la otra. Allemano manipula los materiales temáticos, interválicos y rítmicos de modo que las piezas mantienen su conexión esencial, aunque de manera sutil, generando vínculos que se perciben más en la intuición que en la superficie.

Las interpretaciones del álbum destacan por su sentido colectivo: no hay solos tradicionales ni protagonismos marcados. Todo el grupo funciona como un solo organismo sonoro, reafirmando el espíritu de colaboración y equilibrio que caracteriza la música de Lina Allemano.

JEWELS & BINOCULARS “THE MUSIC OF BOB DYLAN”

- Brussels, Belgium, November 29 & 30, 2000

Fourth time around, Visions of Johanna, Highway 61 revisited

Michael Moore (as,cl,bcl,mel,bells) Lindsey Horner (b) Michael Vatcher (perc)

El clarinetista y saxofonista Michael Moore, originario de California y residente en Ámsterdam desde mediados de los años ochenta, ha sido uno de los integrantes más versátiles de la ICP Orchestra. En el trío Jewels and Binoculars: The Music of Bob Dylan (Ramboy) muestra otra faceta de su creatividad. Acompañado por el bajista Lindsey Horner y el baterista Michael Vatcher, Moore interpreta once canciones escritas o asociadas con Bob Dylan.

Aunque Dylan no se distingue precisamente por la fuerza melódica de sus composiciones (su genio reside en las letras, la fusión de estilos y su manera de reinventar las formas más simples de la canción popular) Moore se propuso el reto de abordar ese repertorio de forma puramente instrumental. En las notas del álbum, comenta que el trío mantuvo en mente las imágenes poéticas de Dylan mientras improvisaban. No es fácil saber cómo lo lograron, pero el resultado convence plenamente. Con un sentido de calma y amplitud, el trío recorre melodías sencillas pero elegantes con una delicadeza admirable, extrayendo de ellas una inesperada riqueza melódica y suaves matices de blues. El resultado es un disco hermoso, que ofrece una mirada fresca y sutil sobre el genio de Dylan.

MEL LEWIS “MEL LEWIS AND FRIENDS”

- New York, June 8 & 9, 1976:

-Ain’t nothing nu (1)

Freddie Hubbard (tp1,flhrn2) Gregory Herbert [(1) Herbert takes the 2nd ts solo. Michael Brecker (ts) Hank Jones (p) Ron Carter (b) Mel Lewis (d)

-A child is born

Freddie Hubbard (flhrn) Hank Jones (p) Ron Carter (b) Mel Lewis (d)

Mel Lewis fue un baterista excepcional, capaz de impulsar a una big band con fuerza y precisión, pero también de brillar en grupos más pequeños. Comenzó su carrera profesional a los 15 años y pasó por las bandas de Boyd Raeburn (1948), Alvino Rey, Ray Anthony y Tex Beneke. Entre 1954 y 1957 alcanzó gran reconocimiento por su trabajo con Stan Kenton, aportando un swing poderoso al conjunto. En 1957 se instaló en Los Ángeles, donde trabajó como músico de estudio y tocó con las orquestas de Terry Gibbs y Gerald Wilson. Más tarde, en 1960, se unió a la Concert Jazz Band de Gerry Mulligan en Nueva York, y al año siguiente hizo giras por Europa con Dizzy Gillespie y por la Unión Soviética con Benny Goodman (1962). En 1965 formó junto a Thad Jones una orquesta que se convertiría en una de las grandes big bands del jazz moderno. Tras la inesperada partida de Jones a Europa en 1979, Lewis asumió la dirección del grupo, que siguió presentándose cada lunes en el Village Vanguard hasta su muerte.

Este álbum es una rara sesión en pequeño formato liderada por Mel Lewis. Reeditado en CD, recoge un puñado de interpretaciones directas y vibrantes originalmente publicadas por Horizon, el sello de A&M dirigido por el productor John Snyder. Aunque las notas originales del LP son casi ilegibles, la música sigue transmitiendo con claridad. Freddie Hubbard aparece en excelente forma en cinco temas, acompañado por los saxofonistas Michael Brecker y Gregory Herbert (principalmente en alto), el pianista Hank Jones y el bajista Ron Carter, ambos impecables como siempre. El trompetista Cecil Bridgewater participa como invitado en “Sho’ Nuff Did”.

HENRY THREADGILL “LISTEN SHIP”

- New York, May 4, 2025 a,b,c,d,e,f,g.

Henry Threadgill, (comp/conductor) Brandon Ross, acoustic soprano guitar; Bill Frisell, Gregg BelisleChi, Miles Okazaki, acoustic guitar; Jerome Harris, Stomu Takeishi, acoustic bass guitar; Maya Keren, piano; Rahul Carlberg, piano.

Seis guitarras y dos pianos forman una orquesta poco común, pero para el saxofonista y compositor Henry Threadgill, ganador del Premio Pulitzer, es una idea que lleva explorando desde su álbum Song Out of My Trees (1994). En su nuevo trabajo, Listen Ship, dirige un brillante octeto de cuerdas que combina melodías sofisticadas y ritmos irregulares, superando la aparente uniformidad del conjunto para destacar la personalidad y el sonido propio de cada músico.

Brandon Ross (guitarra acústica soprano) y Jerome Harris (bajo acústico), quienes también participaron en el disco de 1994, se unen esta vez a Bill Frisell, Greg Belisle-Chi y Miles Okazaki en las guitarras acústicas, junto a Stomu Takeishi en el bajo. A lo largo de una serie de breves y fugaces viñetas, el grupo se mueve entre melodías circulares y vibrantes, timbres angulosos y enérgicos, y frases breves pero muy precisas. Los pianistas Maya Keren y Rahul Carlberg utilizan la distintiva sintaxis interválica de Threadgill para marcar los cambios tonales e introducir nuevos motivos sonoros.

WOLFGANG MUTHSPIEL “TOKYO”

- Tokyo, Japan, October, 2024

Lisbon stomp, Roll, Abacus

Wolfgang Muthspiel (g) Scott Colley (b) Brian Blade (d)

El guitarrista austríaco Wolfgang Muthspiel regresa con su afinado trío —Scott Colley en contrabajo y Brian Blade en batería— para “Tokyo”, su tercer álbum de estudio con el sello ECM. El disco incluye ocho composiciones originales y versiones de Keith Jarrett y Paul Motian, ambas con un nuevo toque.

“Lisbon Stomp” de Jarrett abre el álbum con ecos de bop, blues y góspel, transformado por Muthspiel en un ejercicio de modernidad armónica y elegancia rítmica. “Abacus” de Motian cierra como una reflexión ágil y poéticamente abstracta.

El trío logra un sonido de cámara, sobrio y expresivo, donde piezas como “Diminished and Augmented” y la melancólica “Weill You Wait” revelan la sutileza y profundidad de un músico en plena madurez creativa.

JASON RIGBY “MAYHEM”

- c. 2024

Terra firma, Chimera, YEAH BOiii, Museum piece, Mark

Jason Rigby (woodwinds,keyboards,perc) Mark Guiliana (d,perc,cymb,keyboards)

El saxofonista Jason Rigby regresa tras casi una década sin grabar como líder. En Mayhem, ofrece un discurso intenso que se mueve entre la contemplación serena y la explosión volcánica. Lo acompaña el baterista Mark Guiliana, su colaborador de 15 años, en un proyecto pensado como una reinvención de Interstellar Space de John Coltrane, pero enriquecido con sintetizadores, maderas, gongs y electrónica a cargo del ingeniero Pete Min.

El álbum comienza con “Siorai”, sostenido por un motivo de teclado con reverb, percusión sutil y un saxo etéreo; le sigue “Fifths”, con armonías fragmentadas y un ritmo casi marcial. Aproximadamente la mitad del disco es composición y la otra mitad, improvisación total. Entre las piezas compuestas, destaca “Sevensixfive”, con métricas cambiantes, texturas sintéticas y la energía feroz de Guiliana.

En contraste, “Terra Firma” se despliega como una danza ritual, mientras que “Yeah Boiii” y “Mark” se reducen a dúos explosivos de saxo y batería. “Chimera” ofrece un aire espiritual y oriental, y “Burn” es un homenaje a Tim Berne.

RICO JONES “BLOODLINES”

- Live Ornithology Jazz Club, Brooklyn, NY, June 1 & 2, 2024

Judgement and absolution, The voice of God shines brightly on my heart

Rico Jones (ts,comp) Max Light (g) Joe Martin (b) Nasheet Waits (d)

Bloodlines es mucho más que un debut: es una declaración artística, espiritual y generacional. Grabado en vivo en el club Ornithology de Brooklyn en junio de 2024, el álbum presenta al joven saxofonista y compositor Rico Jones como una de las voces más expresivas y con propósito del jazz actual. Acompañado por el guitarrista Max Light, el bajista Joe Martin y el baterista Nasheet Waits, Jones ofrece una música intensa y reflexiva, anclada en la tradición pero con la mirada puesta en el presente.

El corazón del disco es Bloodlines: Suite of the Omnipotent and Eternal Spirit, una obra en cinco partes donde el sonido funciona como oración y memoria ancestral. Jones, de raíces indígenas y latinas, ve la música como una forma de conexión espiritual y cultural. Su tono es cálido, equilibrado y profundo, con ecos de Coltrane, Wayne Shorter y Lester Young, aunque su voz ya suena propia.

MIKI YAMANAKA “CHANCE”

- Englewood Cliffs, NJ on March 18th, 2024

Trinkle Tinkle, Chance, Jitterbug Waltz

Miki Yamanaka (p) Tyrone Allen (b) Jimmy Macbride (dr)

Grabado el 18 de marzo de 2024 en el histórico Van Gelder Studio de Nueva Jersey, Chance marca un nuevo paso en la evolución artística de la pianista japonesa Miki Yamanaka. Acompañada por Tyrone Allen en contrabajo y Jimmy Macbride en batería—, Yamanaka ofrece su primer disco en formato clásico de trío acústico, con un repertorio que combina estándares, composiciones de grandes maestros y piezas con un valor personal.

El álbum abre con “Dark Side, Light Side” de George Cables, uno de los referentes de Yamanaka, quien rinde homenaje a su energía y calidez escénica. Le siguen versiones vibrantes de “Trinkle Tinkle” de Monk y “Chance” de Kenny Kirkland, que dan título al disco y reflejan el espíritu de riesgo y juego que caracteriza su enfoque.

IGOR LUMPERT “RESISTANCE OF THE EARTH”

- Samurai Hotel in NYC, Lanzamiento October 24th, 2025.

Resistance of the Earth, Sures, High Peaks

Igor Lumpert (st/ss/acordeon) Leo Genovese (p) Drew Gress (b) Damion Reid (dr)

El saxofonista esloveno Igor Lumpert combina música y conciencia ambiental en Resistance of the Earth, un proyecto nacido hace más de una década como obra multimedia con coro y proyecciones, y que finalmente pudo grabar en un solo día junto a un cuarteto de lujo: Leo Genovese en piano, Drew Gress en contrabajo y Damion Reid en batería.

Inspirado por desastres naturales, el disco abre con el poderoso tema homónimo, una suerte de llamado espiritual y urgente que recuerda a la energía de Coltrane y McCoy Tyner. A lo largo de las nueve piezas, Lumpert mezcla fuerza y sensibilidad, alternando momentos de reflexión y celebración.

MARK SHIM “TURBULENT FLOW”

- Brooklyn, NY, February 3 & 4, 1999

Turbulent flow (4), Christel gazing, Dirty bird (1,3) Mark Shim (ts,sop1) Stefon Harris (vib2,mar3) Edward Simon (p,elp4) Drew Gress (b) Eric Harland (d)

El segundo disco de Mark Shim confirma el talento y la audacia de este joven saxofonista tenor. Sus composiciones son inventivas y llenas de energía, y su grupo —con Stefon Harris en vibráfono, Edward Simon en piano y teclados, Drew Gress en contrabajo y Eric Harland en batería— suena tan poderoso como sutil. Harris deslumbra con un solo de marimba en “Survival Tactics”, mientras que Simon aporta momentos de gran intensidad, especialmente cuando usa el Fender Rhodes.

Shim muestra una marcada preferencia por el registro grave del saxo, lo que le da un sonido distintivo frente a contemporáneos como Joe Lovano o Chris Potter. En la balada “Christel Gazing” suena casi como un barítono, y en temas como “Dirty Bird” o el tributo a Betty Carter, “Eminence”, cambia al soprano para explorar contrastes y colores. Su estilo y su escritura recuerdan a Wayne Shorter y Joe Henderson, pero su manera de integrar armonías y ritmos tiene un aire futurista. Turbulent Flow es una muestra clara de cómo Shim y su generación renovaron el espíritu Blue Note con frescura e imaginación.

ANDY ZIMMERMAN “HALF LIGHT”

- New York, June 27 & 28, 2017

Montreaux, Sunset and the mockingbird, Half light, Orr Springs Road

Dave Douglas (tp) Andrew Zimmerman (ts) Kevin Hays (p) Matt Penman (b)

Andy Zimmerman no es un nombre muy conocido, pero lleva más de veinte años componiendo, tocando y enseñando música. En Half Light, su debut como líder, se rodea de músicos excepcionales: Dave Douglas en trompeta, Kevin Hays en piano y Matt Penman en contrabajo. Zimmerman, que fue compañero del pianista Elan Mehler (cofundador del sello Newvelle Records), presenta once temas, siete de ellos propios, con un tono introspectivo y una gran sensibilidad melódica.

El disco incluye versiones de Hermeto Pascoal (“Montreux”) y Duke Ellington (“Sunset and the Mockingbird”), ambas tratadas con respeto y originalidad. En sus composiciones, Zimmerman alterna climas: pasajes densos y contemplativos en temas lentos, como “Golden Hours”, donde su saxo dialoga con la trompeta silenciada de Douglas, y otros más ágiles y transparentes en los tempos rápidos. El formato sin batería permite que Penman actúe como eje rítmico, aportando sutileza y equilibrio.

Half Light se escucha como un álbum lleno de matices, donde cada músico aporta una voz propia. Zimmerman escribe bocetos que el grupo desarrolla colectivamente, y en ese proceso surge la verdadera personalidad del proyecto: una música que no busca deslumbrar con virtuosismo, sino comunicar desde la honestidad y la experiencia. Es un debut que combina madurez y frescura, y que revela a Zimmerman como un narrador musical de gran profundidad.

NICHOLAS PAYTON “FROM THIS MOMENT”

- Brooklyn, N.Y., September 11 & 12, 1994

You stepped out of a dream (mc,mw out), From this moment on (mc,mw out), Blues for my brother (mc,mm,mw out), Taking a chance on love (mc,rv,ln out)

Nicholas Payton (tp) Monte Croft (vib) Mulgrew Miller (p) Mark Whitfield (g) Reginald Veal (b) Lewis Nash (d)

Cuando Nicholas Payton debutó como líder en 1994 con From This Moment, ya se perfilaba como una de las grandes promesas del jazz. Su trompeta —mezcla de la energía de Freddie Hubbard, la elegancia de Wynton Marsalis y la tradición de Nueva Orleans— mostraba un sonido maduro y expresivo. Acompañado por músicos como el guitarrista Mark Whitfield y el pianista Mulgrew Miller, Payton brilló especialmente en estándares como “You Stepped Out of a Dream” o “It Could Happen to You”, donde demostró una musicalidad que iba mucho más allá de su edad.

Con los años, Payton ha recorrido múltiples caminos, desde el jazz más clásico hasta la experimentación eléctrica. Su disco Into the Blue marcó una etapa de madurez: un trabajo que mezcla melodía, groove y una búsqueda de autenticidad. “No se trata de géneros —dijo—, sino de ser fiel a quien soy ahora.” Grabado en su ciudad natal, Nueva Orleans, el álbum reúne composiciones propias y piezas de su padre, Walter Payton, en un ambiente que combina sencillez, belleza y ritmo.

FRANK BASILE/SAM DILLON QUINTET “2 PART SOLUTION”

- Englewood Cliffs, NJ, November 5, 2019

Two bass hit, The Cardiff giant, Frame for the blues

Frank Basile (bar) Sam Dillon (ts) Jeb Patton (p) Mike Karn (b) Aaron Kimmel (d)

El saxofonista barítono Frank Basile y el tenor Sam Dillon lideran el quinteto que da vida a Two Part Solution, un álbum que evoca los históricos encuentros entre Gerry Mulligan y Ben Webster. Aunque ese formato de dúo de saxos es poco frecuente hoy, Basile y Dillon logran hacerlo sonar fresco y poderoso.

El disco arranca con energía en “Two Bass Hit”, de John Lewis y Dizzy Gillespie, donde ambos se lanzan en solos extensos y seguros, impulsados por la batería de Aaron Kimmel. Luego, el tono se vuelve más íntimo en “Kids Are Pretty People”, de Thad Jones, una balada que destaca la calidez del diálogo entre los dos vientos y un elegante solo del bajista Mike Karn.

El grupo cambia de ritmo con “Samba De Orfeu”, de Luiz Bonfá, donde el swing y la samba se mezclan con soltura gracias al brillante trabajo del pianista Jeb Patton. El tema central, “Two Part Solution”, compuesto por Dillon, ofrece un enfoque más libre y moderno, con espacio para la exploración. El cierre llega con “Frame for the Blues”, de Slide Hampton, un blues relajado y expresivo que reafirma la cohesión y el talento colectivo de este quinteto sólido y elegante.

LISA SOKOLOV “PRESENCE”

- New York, May 2002 & Tampere, Finland, November 3, 2002

Presence, Hopefully, You do something to me Oh, what a beautiful morning

Lisa Sokolov (vcl,keyboards) John Di Martino (p ) Cameron Brown (b) Gerry Hemingway (d)

El disco Presence de la cantante Lisa Sokolov es una experiencia intensa y poco convencional. Su voz, tratada como un instrumento, explora todos los matices posibles: puede sonar pura o rasposa, delicada o desgarradora, pero siempre con una entrega apasionada. Sokolov combina improvisación vocal, jazz libre y ecos de blues o góspel, moviéndose entre la expresividad de Janis Joplin y la sutileza teatral de Marilyn Monroe.

El álbum se abre con “Presence”, donde junto a una base rítmica vibrante sostiene una búsqueda espiritual que atraviesa todo el disco. En “Hopefully” y “Hard Being Human”, la voz se vuelve casi una confesión, mientras que su versión de “And When I Die”, de Laura Nyro, es tan dramática como conmovedora. También sorprende con una lectura original de “Oh, What a Beautiful Morning” y una vibrante “Chain of Fools”, donde scattea con energía percusiva.

El grupo que la acompaña entiende perfectamente su propuesta, en especial el pianista John DiMartino, destacado en la sensible “For All We Know”. El cierre, una versión en vivo de “Home on the Range”, reafirma el espíritu libre y experimental de un disco que no busca complacer, sino revelar una presencia artística tan audaz como emocional.

MARC CARY - TRILLIUM

- New York, 2000

Trillium, Little Willie leaps, King Tut’s strut

Yarbrough Charles Laws (fl) Marc Cary (p) Tarus Mateen (b) Nasheet Waits (d)

El pianista Marc Cary en este CD, grabado en el 2000 trabaja principalmente en formato de trío: piano-bajo-batería. Tres de los nueve cortes cuentan con el flautista Yarbrough Charles Laws. Cary explora sus interpretaciones de temas del jazz moderno menos conocidos además de varios uyos. Cary escribió la canción del título en colaboración con sus compañeros: el bajista Taurus Mateen y el baterista Nasheet Waits. “King Tut’s Strut”, que combina inferencias egipcias con un ritmo calypso de Nueva Orleans patentado por el baterista Ed Blackwell, cierra el disco.

- New York (?), January 14 & 15, 1992

Sing, sing, sing, Memories of you, After you’ve gone, Goodbye

Eddie Daniels (cl) Gary Burton (vib,xyl1) Mulgrew Miller (p) Marc Johnson (b) Peter Erskine (d,perc)

En Benny Rides Again (1992), el clarinetista Eddie Daniels y el vibrafonista Gary Burton ofrecen una interpretación moderna de los clásicos que hicieron célebre al cuarteto de Benny Goodman en los años treinta. Más que un simple homenaje, el álbum reimagina aquel sonido legendario con una frescura y una energía contagiosa: se nota que todos los músicos disfrutaron cada minuto de la grabación.

Este disco de 1992 es un homenaje moderno al legendario clarinetista Benny Goodman y a su cuarteto de fines de los años treinta, que incluía al vibrafonista Lionel Hampton. Aquí, el clarinetista Eddie Daniels y el vibrafonista Gary Burton reviven ese espíritu con elegancia y energía.

Aunque el proyecto parte de los clásicos de Goodman, Daniels y Burton no intentan copiarlos. Su enfoque es contemporáneo: respetan las melodías originales, pero las renuevan con ideas propias. Las baladas “Memories of You” y “Goodbye” conservan su aire nostálgico, mientras que “Avalon” y “After You’ve Gone” recuperan el vértigo de los temas rápidos de Goodman. Los solos de todos los músicos son impecables, y se nota que disfrutan enormemente tocando juntos. Es un disco brillante, tanto por su virtuosismo como por su espíritu alegre.

DICK HYMAN & KEN PEPLOWSKI “COUNTERPOINT LERNER & LOEWE”

- c. 2019

I could have danced all night, Gigi (ts version), On the street where you live, Thank Heaven for little girls Ken Peplowski (cl,ts) Dick Hyman (p,arr)

El compositor Frederick Loewe (1901–1988) y el letrista Alan Jay Lerner (1918–1986) se conocieron en 1942 y formaron una de las duplas más exitosas de Broadway. Juntos crearon musicales clásicos como Brigadoon, Paint Your Wagon, Camelot y, sobre todo, My Fair Lady, además de la película Gigi. Sus canciones han sido interpretadas infinidad de veces, y uno de los primeros discos de jazz dedicados a una sola obra de Broadway fue Modern Jazz Performances of Songs from My Fair Lady (1956), grabado por el trío del baterista Shelly Manne con el pianista André Previn.

El álbum Counterpoint Lerner/Loewe, del pianista Dick Hyman y el clarinetista y saxofonista Ken Peplowski, ofrece algo muy distinto a lo que uno esperaría. Aunque Hyman (que sigue activo a sus más de 90 años) es conocido por su estilo clásico de piano “stride” y Peplowski por su sonido elegante dentro del swing, ambos tienen también una faceta más experimental.

Aquí se aventuran a explorar libremente 13 canciones de Lerner y Loewe (incluyendo dos versiones muy diferentes de “Gigi”). Hyman diseñó estructuras de base —a veces bastante complejas— y a partir de ellas ambos músicos improvisan sin guion, siguiendo el impulso del momento. Las melodías originales aparecen y desaparecen, los acordes se transforman, y el dúo se lanza a crear variaciones frescas e inesperadas sin perder nunca el rumbo. Ninguna otra versión de temas como “I Could Have Danced All Night”, “Almost Like Being in Love” o “On the Street Where You Live” suena así. El resultado es una escucha fascinante, llena de imaginación y sorpresa.

GEORGE LEWIS, JOHN ZORN & BILL FRISELL “NEWS FOR LULU”

- Lucerne, Switzerland, August 28, 1987

Lotus blossom, This I dig of you, News For Lulu, Sonny’s crib

George Lewis (tb) John Zorn (as) Bill Frisell (g)

Grabado en 1987, News for Lulu reúne a tres músicos fuera de lo común: el saxofonista John Zorn, el trombonista George Lewis y el guitarrista Bill Frisell. Juntos rinden homenaje al repertorio del hard bop de los años cincuenta, un estilo vibrante del jazz moderno.

Pero no lo hacen con ironía ni de manera nostálgica. Su interpretación es enérgica, alegre y totalmente libre. En lugar de tocar los temas más famosos del género (“Moanin’”, “The Sidewinder”, etc.), eligieron 16 piezas, menos conocidas pero igualmente magníficas, de músicos como Kenny Dorham, Hank Mobley, Freddie Redd y Sonny Clark.

Cada tema dura apenas tres o cuatro minutos: lo suficiente para exponer la melodía, improvisar colectivamente con intensidad y regresar al tema inicial. Zorn lidera el trío con su saxo alto, explorando los límites del material con entusiasmo; Lewis aporta un sonido cálido y rítmico desde el trombón, mientras Frisell, con su guitarra, crea un fondo sutil y misterioso.

El resultado combina precisión y caos controlado, evocando el espíritu libre del jazz de Nueva Orleans. Es un disco único: una celebración de grandes canciones y, al mismo tiempo, un ejemplo de improvisación creativa al más alto nivel..

- Brooklyn, NY, June, 2016

Congruently, Rollin’ thru town, Trends of trending, The wire

Dave Ballou (tp) Ellery Eskelin (ts) Michael Formanek (b) Devin Gray (d)

Con Dirigo Rataplan, el percusionista Devin Gray confirma que es uno de los bateristas más originales de su generación. Su toque, minucioso y expresivo, combina la precisión textural de Fritz Hauser con la agilidad y el swing de Roy Haynes.

El disco reúne ocho composiciones propias que se mueven entre lo cerebral y lo emotivo, entre la energía desbordante y la sutileza. Es un trabajo inquieto, sofisticado y a ratos desconcertante, donde cada pieza revela nuevas capas con cada escucha.

Gray lidera un cuarteto de lujo. El saxofonista Ellery Eskelin y el trompetista Dave Ballou conforman un frente melódico poderoso, y ambos brillan con una imaginación sin límites. Eskelin transforma el funk abstracto de “Cancel The Cancel” en un paisaje brumoso de susurros y tensiones, mientras Ballou deslumbra en “Down Time” con un solo que asciende desde la melodía como un cuervo alzando vuelo.

En el bajo, Michael Formanek aporta solidez y experiencia. Su presencia ancla el grupo con una autoridad discreta, fruto de décadas en la primera línea del jazz creativo junto a figuras como Tim Berne y Uri Caine.

MISHA MENGELBERG “THE ROOT OF THE PROBLEM”

- Cologne, May 1719, 1996

IC root no. 2 (1), no. 3 (4) & no. 7 (2,4)

Thomas Heberer (tp1) Steve Potts (as2,sop2) Misha Mengelberg (p) Michel Godard (tu3,serpent3) Achim Kramer (perc4)

Grabado en vivo, este proyecto de Misha Mengelberg reúne una serie de dúos y tríos junto a Steve Potts (saxo), Thomas Herberer (trompeta), Michel Godard (tuba) y Achim Kremer (percusión). El formato íntimo permite que cada instrumentista explore su propio espacio, generando un diálogo lleno de silencios, choques y matices.

Más cerebral que otras grabaciones del pianista, el disco conserva, sin embargo, el humor y la ironía que siempre caracterizaron a Mengelberg. Su piano emerge con vitalidad entre los momentos más contemplativos, recordando que la reflexión y el juego pueden convivir en la misma frase.

Compuesto por nueve piezas —todas variantes de “IC Root”—, este trabajo funciona como un experimento vivo sobre la escucha, la interacción y la libertad.

MAL WALDRON / TERUMASA HINO “REMINISCENT SUITE”

- Tokyo, Japan, August 14, 1972

Black Forest

Terumasa Hino (tp) Takao Uematsu (ts) Mal Waldron (p) Isao Suzuki (b) Motohiko Hino (d) Uzi Imamura (perc1)uite

Editado originalmente en 1973 por el sello japonés Victor, Reminicent Suite reúne al pianista estadounidense Mal Waldron y al trompetista japonés Terumasa Hino en un encuentro de intensidad y lirismo. El álbum consta de dos extensas piezas: la que da título al disco, firmada por Waldron, es un oscuro y denso groove, típico de su sonido de comienzos de los setenta; “Black Forest”, compuesta por Hino, ofrece un contraste vibrante, con una textura rítmica espesa y el tono incisivo de su trompeta.

Acompañan Takeo Uematsu (saxo), Isao Suzuki (contrabajo) y Motohiko Hino (batería), un elenco de primera línea del jazz japonés de la época. Waldron, figura esencial del hard bop que trabajó con Billie Holiday, Charles Mingus y Jackie McLean, se había radicado en Europa en los años sesenta y forjó allí una sólida carrera antes de enamorarse de Japón, donde grabó varios discos hoy de culto.

Hino, por su parte, fue una de las fuerzas decisivas del nuevo jazz japonés, abierto al free, al rock y a la fusión. Reminicent Suite captura a ambos en plenitud creativa: un diálogo transcontinental, intenso y profundamente musical.